Art postmoderniste: définition, caractéristiques, histoire Automatique traduire
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Qu’est-ce que l’art postmoderniste?
Le terme "art postmoderniste" désigne une vaste catégorie de art contemporain créé à partir de 1970 environ. La caractéristique de "l’art postmoderniste" est son rejet de la esthétique son prédécesseur – "l’art moderne" (1870-1970) – était fondé. Une de ces valeurs rejetées est l’idée que "l’art" est quelque chose de "spécial" qui devrait être "élevé du" goût populaire. Le postmodernisme, qui coïncidait avec une série de nouveaux développements technologiques, a mené à près de cinq décennies d’expérimentation artistique avec de nouveaux médias et de nouvelles formes d’art, notamment " Art conceptuel ", différents types de" Art de la performance " et " Installation d’art ", ainsi que des mouvements assistés par ordinateur comme le déconstructivisme et l’art de projection. En utilisant ces nouvelles formes, artistes postmodernistes ont étiré le définition de l’art au point où presque "tout est permis".
Malheureusement, la plupart des articles sur le postmodernisme sont pleins de mots compliqués tels que "modernité" (différent du modernisme) et "postmodernité" (différent du postmodernisme), "métamodernisme" (du postmodernisme, mais n’en faisant pas partie), et "Post-postmodernism" (donnez-moi une pause). Ainsi, au lieu d’utiliser le jargon, laissez-moi vous donner un exemple de code vestimentaire simple pour vous aider à comprendre "l’art postmoderniste" et en quoi il se différencie de "l’art moderne" et de son prédécesseur encore "l’art académique".
Le premier style d’art majeur après la Renaissance était l’art académique, la matière classique enseignée par des professeurs des académies. L’art académique est l’équivalent artistique du "costume et cravate" traditionnel. Ensuite, vers 1870, vient "l’art moderne". C’est l’équivalent artistique de la "chemise et du pantalon" ou de la "veste et du pantalon". Ensuite, vers 1970, vient "l’art postmoderne", qui est l’équivalent artistique du "jean et du t-shirt". De la même manière que les codes vestimentaires sont devenus moins formels et que "tout va bien", les artistes d’aujourd’hui sont moins impressionnés par les vieilles idées de ce que devrait être l’art, et davantage axés sur la création de quelque chose (n’importe quoi) qui soit remarqué.
Mais les vêtements informels comme les jeans et les t-shirts ne sont devenus populaires que parce que la société elle-même est devenue moins formelle. De même, comme nous le verrons plus loin, "l’art postmoderniste" s’inscrit dans un courant plus vaste de changements technologiques, politiques et sociaux en Occident, qui a introduit de nombreuses nouvelles attitudes et de nouveaux types de comportement. L’impact total d’Internet, par exemple, sur la recherche et la distribution d’images artistiques et sur la création de art appliqué et conception, n’a pas encore été ressenti. Mais comme il a déjà révolutionné l’industrie de la musique, son impact sur le monde de l’art ne devrait pas tarder.
Définition de l’art postmoderniste
Si vous avez vraiment besoin d’une définition en une phrase de l’art postmoderniste, la voici.
Un style d’art d’après 1960 qui a rejeté les valeurs traditionnelles et les postulats conservateurs de ses prédécesseurs, au profit d’un concept d’art plus large et plus divertissant, utilisant de nouvelles formes artistiques enrichies par la vidéo et les technologies informatiques.
Comment cela diffère de l’art contemporain
Quelle est la différence entre l’art postmoderniste et l’art contemporain? En pratique, ces deux termes sont plus ou moins interchangeables. Cependant, techniquement parlant, "art postmoderne" signifie "après le moderne" et désigne une période fixe (disons 50 ans) commençant vers 1970, alors que "art contemporain" se réfère à la période mouvante de 50 ans située juste avant le présent. Au moment où ces deux périodes coïncident. Mais en 2050, par exemple, "l’art postmoderne" (1970-2020) aura été remplacé par une autre époque, tandis que "l’art contemporain" couvrira désormais la période 2000-2050. Donc, les deux auront divergé.
Comment cela diffère de l’art moderniste tardif
Dans l’art visuel, le terme "modernisme tardif" désigne des mouvements ou des tendances qui rejettent certains aspects de "l’art moderne", mais qui restent dans la tradition moderniste. Des styles comme Expressionisme abstrait (1948-65) ont été pratiqués par un certain nombre d’artistes modernes radicaux, y compris Jackson Pollock, inventeur de All-over peinture d’action – et Willem De Kooning, qui ont tous deux rejeté de nombreuses conventions officielles de la peinture à l’huile. Et pourtant, ni Pollock ni de Kooning n’auraient produit quelque chose comme le dessin effacé de Kooning de Rauschenberg (1953, musée d’art moderne de San Francisco), car tous deux restaient de fervents adeptes des concepts modernistes d’authenticité et de signification. De même, les adeptes de mouvements postmodernistes tels que le réalisme contemporain (à partir des années 1970) et le néo-expressionnisme (à partir des années 1980) comptaient également de nombreux peintres qui travaillaient de manière plus moderne que postmoderniste. En termes de code vestimentaire, le modernisme tardif est l’équivalent artistique de «chemise et pantalon», mais dans une couleur jaune vif.
Contexte
" Art moderne "est généralement associé au siècle 1870-1970 – à peu près de l’impressionnisme au Pop-Art. En dépit de plusieurs catastrophes mondiales – La Grande Guerre (1914-18), La Pandémie Influenza (1918-19), Le Crash de Wall Street et la Grande Dépression (fin des années 1920, 1930) – qui minait nombre des certitudes morales de l’époque, artistes modernes généralement maintenu une croyance dans les lois scientifiques fondamentales de la raison et de la pensée rationnelle. De manière générale, comme la plupart des occidentaux de l’époque, ils croyaient que la vie avait un sens. que le progrès scientifique était automatiquement bon; que l’Occident chrétien était supérieur au reste du monde; que les hommes étaient au-dessus des femmes. Les modernistes croyaient également au sens, à la pertinence et à la progression de l’art, en particulier des beaux-arts et de l’architecture. Suivant les traces de Léonard et de Michel-Ange, ils croyaient au "grand art" – un art qui élève et inspire le spectateur cultivé – plutôt qu’à un "art bas" qui se borne à amuser ou à divertir les masses. Ils ont adopté une approche avant-gardiste, considérant l’art comme un domaine en constante évolution, dirigé par un groupe important d’artistes d’avant-garde.
La Seconde Guerre mondiale et l’Holocauste juif ont tout bouleversé. Paris est brusquement remplacée par New York en tant que capitale de l’art mondial. À la suite d’Auschwitz, tous art figuratif – sauf Art de l’Holocauste – est apparu soudainement hors de propos, alors les peintres modernes se sont tournés vers art abstrait (bien que débordant d’émotion, de symbolisme ou d’animation) pour s’exprimer. Étonnamment, dans les années 1950, le École new yorkaise – avec Peintures de Jackson Pollock ainsi que la peinture plus calme Colour Field de Mark Rothko – le fer de lance d’une récupération temporaire de l’art des deux côtés de l’Atlantique. Ces peintres d’avant-garde ont réussi à redéfinir l’enveloppe des peintures abstraites, mais ils sont restés dans les limites du modernisme. Ils croyaient en la création d’œuvres d’art authentiques et finies au contenu important.
Mais l’ère "moderniste" se terminait inexorablement. Les révélations grandissantes de la Shoah, la mise à l’essai des bombes atomiques, la crise des missiles de Cuba (1962) et la guerre du Vietnam (à partir de 1964) ont provoqué de plus en plus de désillusions sur la vie (et l’art). Déjà, au milieu des années 50, Jasper Johns et Robert Rauschenberg avait produit les premières œuvres de style post-moderne de Neo-Dada et Pop. Bientôt, le pop-art grand public va inaugurer le postmodernisme proprement dit, alors que les chaînes de télévision américaines se concentrent sur l’offensive du Tet de 1968 et la chaotique Convention démocrate de Chicago.
NOTE: Dans Architecture du 20ème siècle, la situation était légèrement différente. La conception des bâtiments modernes a été influencée par le désir de créer un nouveau style pour «l’homme moderne». Les architectes modernistes voulaient éliminer toutes les références historiques et créer quelque chose de tout frais. (Donc, pas de colonnes grecques, d’arcs de style gothique ou d’autres rappels de styles "passés"). Style international d’architecture (1920-1970), un idiome minimaliste de régularité ennuyeuse, renforcé par un brutalisme vraiment affreux (immeubles en béton aux fenêtres minuscules). Heureusement, à partir de 1970 environ, les architectes postmodernistes ont commencé à réhumaniser l’architecture du XXe siècle en concevant des structures aux caractéristiques intéressantes, issues de la culture populaire et de styles plus traditionnels.
Caractéristiques du postmodernisme
Le "postmodernisme" n’est pas un mouvement, c’est une attitude générale. Il n’existe donc pas de liste convenue de caractéristiques définissant «l’art postmoderniste». Mais nous devons commencer quelque part, alors voici quelques indicateurs choisis.
Idéologie générale
Le postmodernisme reflète une désillusion généralisée vis-à-vis de la vie, ainsi que le pouvoir des systèmes de valeur et / ou de la technologie existants d’engendrer des changements bénéfiques. En conséquence, l’autorité, l’expertise, les connaissances et l’excellence des réalisations ont été discréditées. Les artistes sont maintenant beaucoup plus méfiants à propos des "grandes idées" (par exemple, tout "progrès" est bon). Plus important encore, "l’art moderniste" était perçu non seulement comme élitiste, mais aussi comme blanc, dominé par les hommes et indifférent aux minorités. C’est pourquoi le postmodernisme défend les œuvres d’artistes du tiers monde, féministes et minoritaires. Cependant, les critiques disent que, malgré son supposé "rejet" des grandes idées, le mouvement postmoderne semble avoir beaucoup de grandes idées qui lui sont propres. Les exemples incluent: "tous les types d’art sont également valables"; "l’art peut être fait de n’importe quoi"; "la démocratisation de l’art est une bonne chose" (qu’en est-il de la démocratisation de la chirurgie du cerveau?).
Paraphraser Andy Warhol, "n’importe qui peut être célèbre pendant 15 minutes". Cette idée, plus que toute autre, résume l’ère postmoderniste. Face à un nouveau monde insensé, la réponse postmoderniste a été:
Ok, jouons avec ce non-sens. Nous acceptons que la vie et l’art n’ont plus de signification intrinsèque évidente, mais alors quoi? Expérimentons, rendons l’art plus intéressant et voyons où il mène. Qui sait, peut-être que nous pouvons être célèbres pendant 15 minutes!
Éducation artistique
Le postmodernisme a changé les priorités éducatives de nombreuses écoles d’art. Au cours des années 1970, le art de la peinture (et dans une moindre mesure sculpture), était considéré comme usé. En outre, l’idée de travailler pendant quatre ans pour maîtriser les compétences nécessaires de ces beaux-arts traditionnels a été considérée comme rétrograde. L’art, croyait-on, devrait être libéré de l’élite et ouvert au public. Les écoles d’art ont donc commencé à former un nouveau type de diplômé – quelqu’un qui connaît bien les formes de style postmoderniste instantané, ainsi que les techniques de production de base. En résumé, la "créativité" individuelle était considérée comme plus importante que l’accumulation de compétences artisanales.
Utilisation de la technologie
L’ère de "l’art postmoderniste" a coïncidé avec l’arrivée de plusieurs nouvelles technologies basées sur l’image (par exemple, la télévision, la vidéo, la sérigraphie, les ordinateurs, Internet) et en a grandement profité. La nouvelle gamme d’images vidéo et photographique a réduit l’importance de la dessin compétences, et en manipulant les nouvelles technologies, les artistes (notamment ceux impliqués dans les nouveaux médias, comme l’installation, la vidéo et l’art utilisant des lentilles) ont pu raccourcir les processus traditionnels impliqués dans la «création d’art», tout en créant quelque chose de nouveau. Ceci est illustré par la photographie documentaire de Diane Arbus, qui met l’accent sur les membres des minorités à New York et sur l’art vidéo du film américano-coréen Nam June Paik (1932-2006).
Focus postmoderniste sur la culture populaire / basse
Le terme "haute culture" est souvent utilisé par critiques d’art en essayant de distinguer la "haute culture" de la peinture et de la sculpture (et autres beaux-arts) de la "faible" culture populaire des magazines, de la télévision, des romans policiers et d’autres produits fabriqués en série. Les modernistes, avec leurs partisans influents comme Clément Greenberg (1909-94), considéraient que la culture basse était inférieure à la culture haute. En revanche, les postmodernistes – qui privilégient une idée de l’art plus "démocratique" – voient dans la "haute culture" une vision plus élitiste. Ainsi, Pop-art – le premier mouvement postmoderniste – a créé des objets de consommation ordinaires (hamburgers, boîtes de soupe, sachets de poudre de savon, bandes dessinées) que Joe Public reconnaissait instantanément. Les artistes pop et autres vont encore plus loin dans leurs tentatives de démocratisation de l’art en imprimant leur "art" sur des tasses, des sacs en papier et des t-shirts: une méthode qui incarne d’ailleurs le désir postmoderne de saper l’originalité et l’authenticité de l’art.
Mélange de genres et de styles
Depuis Néo-dada, les postmodernistes ont aimé mélanger les choses – ou injecter de nouveaux éléments dans des formes traditionnelles – pour créer de nouvelles combinaisons et pastiches. Fernando Botero crée des peintures de figures primitives de personnages obèses; Georg Baselitz peint des chiffres à l’envers. Gerhard Richter photo et peinture dans ses "peintures photographiques" des années 1970, tandis que Jeff Koons images de consommation combinées (formes de ballon) et techniques de sculpture hautement finies pour créer ses sculptures pop, Balloon Dog (1994-2000). pendant ce temps Andreas Gursky combine la photographie avec des images générées par ordinateur pour créer des œuvres comme Rhein II (1999, MOMA, New York), Jeff Wall utilise le photomontage traité numériquement dans ses créations pictorialistes postmodernistes.
Significations multiples postmodernistes
Les artistes postmodernes ont rejeté l’idée qu’une œuvre d’art n’a qu’une seule signification. Au lieu de cela, ils pensent que le spectateur est un juge du sens tout aussi important. La photographie surréaliste de Cindy Sherman, par exemple, met en avant l’idée selon laquelle une œuvre d’art peut être interprétée de différentes manières. En effet, certains artistes, tels que l’artiste de performance Marina Abramovic (née en 1946), autorisent même les spectateurs à participer à leurs «œuvres d’art», voire exigent l’intervention de spectateurs pour compléter leur travail.
Répondre aux besoins des consommateurs
La croissance du consumérisme et la gratification instantanée au cours des dernières décennies du 20e siècle ont également eu un impact considérable sur les arts visuels. Les consommateurs veulent maintenant la nouveauté. Ils veulent aussi du divertissement et du spectacle. En réponse, de nombreux artistes postmodernistes, conservateurs et autres professionnels ont saisi l’occasion pour transformer l’art en "produit de divertissement". L’introduction de nouveaux types d’art, par exemple, tels que Performance, Happenings and Installations, ainsi que de nouveaux sujets, tels que requins morts, mouches mortes, immenses sculptures de glace, foules de corps nus, bâtiments qui semblent en mouvement, une collection de 35 000 Des figurines en terre cuite, des îles recouvertes de polypropylène rose, des corps peints, des images fantasmagoriques projetées sur des bâtiments publics, etc. – ont offert aux spectateurs un éventail de nouvelles expériences (parfois choquantes). Reste à savoir si ces nouvelles formes d’art constituent ou non un "art". Les conceptualistes postmodernes disent "Oui", les traditionistes disent "Non".
Focus sur le spectacle
En l’absence de tout sens réel dans la vie – en particulier lorsque nous sommes bombardés jour et nuit par des publicités à la radio et à la télévision tout en étant forcés d’écouter les politiciens expliquer que deux plus deux égaux à trois – les postmodernistes ont préféré se concentrer sur le style et spectacle, en utilisant souvent du matériel publicitaire et des techniques pour un impact maximum. Cette approche est illustrée par les méthodes d’impression commerciale, l’imagerie de type babillard et les couleurs primaires d’artistes pop comme Roy Lichtenstein et James Rosenquist. Cet accent mis sur la surface est une caractéristique récurrente de l’art postmoderniste et dépasse parfois d’images imminentes, mélodramatiques, éblouissantes et même choquantes. Voir, par exemple, le photographie de mode de Nick Knight et David LaChapelle. Depuis 1980, l’utilisation de l’informatique et d’autres technologies a révolutionné l’art multimédia (par exemple, l’animation) et créé des opportunités spécifiques dans des domaines tels que l’architecture et la projection cartographique.
L’importance que le postmodernisme attache à attirer l’attention du public est parfaitement illustrée par la tactique de choc d’un groupe d’étudiants du Goldsmiths College, connu sous le nom de Jeunes artistes britanniques – à Londres à la fin des années 1980 et dans les années 1990. Rendu célèbre par trois expositions – Freeze (1988) et Modern Medicine (1990), tous deux dirigés par un étudiant inconnu, Damien Hirst (né en 1965), et Sensation (1997) – les YBA ont été critiqués pour leur mauvais goût choquant, et pourtant plusieurs (Rachel Whiteread, Damien Hirst, Douglas Gordon, Gillian Wearing, Chris Ofili, Steve McQueen, Mark Wallinger) sont ensuite devenus Lauréats Turner, tandis que d’autres (Jake et Dinos Chapman, Tracey Emin, Marc Quinn et Jenny Saville) ont également acquis une renommée et une fortune considérables.
Trois principes de "l’art postmoderniste"
1. Signification instantanée
Fini les peintures à l’huile fanées décrivant des événements obscurs de la mythologie grecque pour susciter un sourire entendu de spectateurs cultivés. Depuis ses débuts dans le mouvement pop-art, la peinture et la sculpture postmodernistes étaient audacieuses, lumineuses et immédiatement reconnaissables. Les thèmes et les images ont été empruntés principalement à des biens de consommation de prestige, à des magazines, à des graphiques publicitaires, à la télévision, à des films, à des dessins animés et à des bandes dessinées. Pour la première fois, tout le monde a compris l’art exposé. Bien que le postmodernisme ait évolué depuis le Pop-art, un objectif clé reste la reconnaissance instantanée.
Cependant, certaines œuvres "d’art postmoderniste" sont plus "instantanément comprises" que d’autres. Prenons par exemple Equivalent 1 (1966, Kunstmuseum, Basel) par Carl Andre (b.1935). C’est l’une de ces œuvres d’art qui doivent être expliquées par un expert avant de pouvoir être appréciées. C’est une sculpture minimaliste postmoderniste composée de 120 briques de construction régulières. Les briques sont superposées au sol en deux couches de 60 briques, disposées selon une configuration rectangulaire précise de trois unités sur vingt. À première vue, ce chef-d’œuvre de l’art contemporain ressemble à quelque chose que vous pourriez voir sur un chantier de construction parfaitement rangé. Heureusement, votre catalogue de galeries d’art vous indique qu’Andre a pris la décision radicale de faire de l’art à plat sur le sol en 1965, lors d’un canoë-kayak sur un lac du New Hampshire, et que ce majestueux tas de briques illustre son credo artistique: "forme = structure = endroit." Il se trouve que l’ équivalent 1 original a été "détruit" en 1966 et "refait" en 1969. (Ils avaient peut-être besoin des briques pour quelque chose).
2. L’art peut être fabriqué à partir de n’importe quoi
Continuant dans les traditions de Marcel Duchamp – dont l’urinal intitulé "Fountain" (1917) a été le premier exemple célèbre d’objet ordinaire transformé en oeuvre d’art – les postmodernistes ont mis l’accent sur la création d’art à partir des matériaux les plus improbables et des restes de déchets. Voir: Junk Art. Sculpteurs, installateurs et assembleurs ont fait de l’art à partir de ferraille industrielle, de masques à gaz, de feutre, de crânes humains, de sang humain, de mouches mortes, de néons, de caoutchouc mousse, de pots à soupe, de béton, de caoutchouc, de vieux vêtements, de déjections plus. L’idée est de démocratiser l’art et de le rendre plus accessible.
3. L’idée compte plus que l’œuvre d’art elle-même
De manière générale, jusque dans les années 1960, les artistes (dont Picasso, Pollock et Lichtenstein) pensaient que sans produit fini, il n’y avait rien. Une attention considérable a donc été accordée à la qualité de l’œuvre d’art finie et au savoir-faire nécessaire à sa production. Aujourd’hui, les choses sont différentes. Les postmodernistes croient généralement davantage dans le concept du produit fini que dans le produit lui-même. C’est pourquoi beaucoup "d’art postmoderniste" est appelé "art conceptuel" ou "conceptualisme". Cette nouvelle approche est illustrée par l’illustration conceptuelle (une liste d’instructions) de Martin Creed intitulée "227: les lumières qui vont et viennent" (2001), qui a remporté Prix Turner en 2001. Les autres formes de conceptualisme sans produit incluent les installations (qui sont après tout des affaires purement temporaires), la performance, les happenings, la projection, etc.
L’exemple ultime de l’art conceptuel a peut-être été l’exposition organisée en mars 2009 au Musée national d’art contemporain de France à Paris. Centre Pompidou à Paris. Intitulé "La spécialisation de la sensibilité dans l’état de la matière première en une sensibilité picturale stabilisée", il se composait de neuf salles complètement vides et de rien d’autre.
Collections d’art postmoderniste
Pour deux excellentes expositions d’art postmoderniste, visitez le Saatchi Gallery, à Londres ou Guggenheim, New York.
Mouvements artistiques postmodernes
Jusqu’ici, il n’y a pas eu de grand international mouvements d’art pendant la période postmoderniste. Au lieu de cela, l’époque a vu l’apparition d’un certain nombre de mouvements localisés étroits, ainsi que de plusieurs nouveaux types d’art, comme la vidéo et la peinture de mots. En outre, il y a eu des dizaines de groupes dissidents artistiques, ainsi qu’une ou deux écoles anti-postmodernistes dont les membres se sont efforcés de produire le genre d’art dont Michel-Ange ou Picasso auraient été fiers. Voici une brève liste des principaux mouvements et styles postmodernes, y compris la plupart des nouvelles formes d’art.
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