Art postmoderniste: définition, caractéristiques, histoire Automatique traduire

Le terme «art postmoderne» désigne la vaste catégorie d’art actuel créée depuis 1970 environ. Un trait distinctif de l’art «postmoderne» est le rejet de l’esthétique sur laquelle son prédécesseur, l’art «moderne» (1870-1970), était fondé. L’une de ces valeurs rejetées est l’idée que l’art «» est quelque chose «de spécial» qui doit être "élevé au-dessus" du goût populaire.

Coïncidant avec une série de nouveaux développements technologiques, le postmodernisme a conduit à près de cinq décennies d’expérimentation artistique avec de nouveaux médias et de nouvelles formes d’art, y compris «l’art conceptuel», divers types de «performance» et «installation», ainsi que des mouvements basés sur l’informatique tels que le déconstructivisme et l’art de la projection. En utilisant ces nouvelles formes, les artistes postmodernistes ont élargi la définition de l’art au point que presque tout» «y correspond.

Malheureusement, la plupart des articles sur le postmodernisme sont remplis de mots compliqués comme «modernité» (différent du modernisme), «postmodernité» (différent du postmodernisme), «méta-modernisme» (proche du postmodernisme mais n’en faisant pas partie), et «post-postmodernisme» (lâchez-moi la grappe). Au lieu d’utiliser du jargon, permettez-moi de vous donner un exemple simple pour vous aider à comprendre «l’art postmoderne» et comment il diffère «de l’art moderne» et de son prédécesseur encore plus ancien «l’art académique».

Le premier grand style d’art après la Renaissance a été l’art académique, les classiques enseignés par les professeurs dans les académies. L’art académique est l’équivalent artistique du traditionnel «costume-cravate». Puis, vers 1870, est apparu «l’art moderne». C’est l’équivalent artistique de la chemise et du pantalon «ou de la veste et du pantalon «. Puis, vers 1970, apparaît «l’art postmoderne», qui est l’équivalent artistique «d’un jean et d’un T-shirt». Tout comme les codes vestimentaires sont devenus moins formels et plus «décontractés» et «pour toutes les occasions», les artistes contemporains sont moins impressionnés par les vieilles idées sur ce que l’art devrait être et se concentrent davantage sur la création de quelque chose (n’importe quoi) qui attire l’attention.

Mais les vêtements informels tels que les jeans et les T-shirts ne sont devenus populaires que parce que la société elle-même est devenue moins formelle. De même, comme nous le verrons, «l’art postmoderne» fait partie d’un courant plus large de changements technologiques, politiques et sociaux en Occident qui a apporté de nombreuses nouvelles attitudes et de nouveaux types de comportement. L’impact d’Internet, par exemple, sur la recherche et la diffusion d’images artistiques, ainsi que sur la création d’art appliqué et de design, n’a pas encore été pleinement ressenti. Mais comme il a déjà révolutionné l’industrie musicale, son impact sur le monde de l’art ne devrait pas tarder à se faire sentir.

Définition de l’art postmoderne

Si vous avez vraiment besoin d’une définition de l’art postmoderne en une phrase, la voici :

Style d’art postérieur aux années 1960 qui rejette les valeurs traditionnelles et les hypothèses politiquement conservatrices de ses prédécesseurs en faveur d’une conception plus large et plus divertissante de l’art, utilisant de nouvelles formes d’art enrichies par la technologie vidéo et informatique.

En quoi il diffère de l’art contemporain

Quelle est la différence entre l’art postmoderne et l’art contemporain? Dans la pratique, les deux termes sont plus ou moins interchangeables. Toutefois, d’un point de vue technique, «art postmoderne» signifie «après l’art moderne» et se réfère à une période spécifique (disons de 50 ans) commençant autour de 1970, tandis que «art contemporain» se réfère à la période dynamique de 50 ans précédant immédiatement le présent. Dans le présent, les deux périodes coïncident. Mais, par exemple, en 2050, l’art postmoderne «» (1970-2020) sera remplacé par une autre époque, tandis que l’art contemporain «» couvrira la période 2000-2050. Ainsi, les deux concepts divergeront.

En quoi il diffère du modernisme tardif

Dans les beaux-arts, le terme «modernisme tardif» désigne des mouvements ou des tendances qui rejettent certains aspects de l’«art moderne», mais qui restent par ailleurs dans la tradition moderniste. Des styles tels que l’expressionnisme abstrait (1948-65) ont été pratiqués par un certain nombre d’artistes modernes radicaux, dont Jackson Pollock, l’inventeur de l’action painting , et Willem de Kooning, qui a rejeté de nombreuses conventions formelles de la peinture à l’huile. Pourtant, ni Pollock ni de Kooning ne créeront quelque chose comme le «Erased Drawing» Rauschenberg (1953, San Francisco Museum of Modern Art) de Kooning, car tous deux sont restés fermement attachés aux concepts modernistes d’authenticité et de signification.

De même, parmi les adeptes des mouvements postmodernes tels que le réalisme moderne (des années 1970 à aujourd’hui) et le néo-expressionnisme (des années 1980 à aujourd’hui), on trouve également de nombreux artistes qui travaillent d’une manière moderniste plutôt que postmoderniste. En termes de code vestimentaire, le modernisme tardif est l’équivalent artistique «d’une chemise et d’un pantalon», mais en jaune vif.

Contexte

«L’art moderne» est généralement associé au siècle 1870-1970 - en gros de l’impressionnisme au pop art. Malgré plusieurs catastrophes mondiales - la Première Guerre mondiale (1914-18), la pandémie de grippe (1918-19), le krach de Wall Street et la Grande Dépression (fin des années 1920, années 1930) - qui ont sapé bon nombre des fondements moraux de l’époque, les artistes modernes ont généralement conservé une croyance dans les lois scientifiques fondamentales de la raison et de la pensée rationnelle. En général, comme la plupart des Occidentaux de l’époque, ils croyaient que la vie avait un sens, que le progrès scientifique était automatiquement une bonne chose, que l’Occident chrétien était supérieur au reste du monde et que les hommes étaient supérieurs aux femmes.

Les modernistes croyaient également au sens, à la pertinence et au progrès de l’art, en particulier des beaux-arts et de l’architecture. Suivant les traces de Léonard et de Michel-Ange, ils croyaient au «grand art» - un art qui élève et inspire le spectateur cultivé, plutôt qu’au «petit art», qui se contente d’amuser ou de divertir les masses. Ils ont adopté une approche tournée vers l’avenir, considérant l’art comme quelque chose qui doit constamment progresser sous la direction d’un groupe d’artistes d’avant-garde.

La Seconde Guerre mondiale et l’Holocauste ont tout bouleversé. Paris est brusquement remplacée par New York en tant que capitale mondiale de l’art. Après Auschwitz, tous les beaux-arts à l’exception de l’art de l’Holocauste sont soudain devenus sans intérêt, de sorte que les artistes contemporains se sont tournés vers l’abstraction (bien qu’imprégnée d’émotion, de symbolisme ou d’animation) pour s’exprimer. Étonnamment, dans les années 1950, la New York School, avec les peintures de Jackson Pollock, ainsi que la peinture à champs de couleurs plus calme de Mark Rothko, a inauguré une résurgence temporaire de l’art de part et d’autre de l’Atlantique. Ces artistes d’avant-garde ont réussi à redéfinir les limites de la peinture abstraite, mais ils sont restés dans les limites du modernisme. Ils croyaient en la création d’œuvres d’art authentiques et achevées, au contenu important.

Mais l’ère «du modernisme» touchait inexorablement à sa fin. Les révélations de plus en plus nombreuses sur l’Holocauste, les essais de la bombe atomique, la crise des missiles de Cuba (1962) et la guerre du Viêt Nam (depuis 1964) entraînaient une désillusion croissante de la vie (et de l’art). Dès le milieu des années 50, Jasper Johns et Robert Rauschenberg ont produit les premières œuvres postmodernes dans le style néo-dada et pop art. Le courant dominant du pop art devient bientôt le début du postmodernisme proprement dit, les chaînes de télévision américaines se concentrant sur l’offensive du Têt en 1968 et la chaotique convention démocrate de Chicago.

Dans l’architecture du 20e siècle, la situation était quelque peu différente. La conception des bâtiments modernes a été influencée par le désir de créer un style entièrement nouveau pour «l’homme moderne». Les architectes modernistes voulaient éliminer toutes les références historiques et créer quelque chose de complètement nouveau. (Donc pas de colonnes grecques, d’arcs de style gothique ou de tout autre rappel des «styles passés»). C’est ainsi qu’est né le style international d’architecture (1920-1970), un idiome minimaliste d’une régularité ennuyeuse teintée d’un brutalisme horrible (blocs d’appartements en béton avec de minuscules fenêtres). Heureusement, à partir de 1970 environ, les architectes postmodernes ont commencé à ré-humaniser l’architecture du 20e siècle, en concevant des structures avec des caractéristiques intéressantes tirées de la culture populaire et de styles plus traditionnels.

Caractéristiques du postmodernisme

«Le postmodernisme» n’est pas un mouvement, c’est une attitude générale. Il n’existe donc pas de liste convenue des caractéristiques qui définissent «l’art postmoderne». Mais il faut bien commencer quelque part, voici donc quelques repères choisis.

Idéologie générale

Le postmodernisme reflète une désillusion généralisée à l’égard de la vie et du pouvoir des systèmes de valeurs et/ou des technologies existants d’apporter des changements utiles. En conséquence, l’autorité, l’expertise, l’expérience, la connaissance et les réalisations exceptionnelles ont été discréditées. Les artistes se méfient désormais beaucoup plus des «grandes idées» (par exemple, toutes les «réalisations» sont bonnes). Plus important encore, l’art «moderniste» est désormais considéré non seulement comme élitiste, mais aussi comme blanc, dominé par les hommes et sans intérêt pour les minorités. C’est pourquoi le postmodernisme soutient l’art des artistes du tiers monde, des féministes et des minorités.

Cependant, les critiques affirment que malgré le rejet supposé «des grandes idées», le mouvement postmoderniste semble avoir lui-même de nombreuses grandes idées. En voici quelques exemples : "toutes les formes d’art sont équivalentes" ; "on peut faire de l’art avec n’importe quoi" ; "la démocratisation de l’art est une bonne chose" (mais qu’en est-il de la démocratisation de la chirurgie du cerveau?)

Pour paraphraser Andy Warhol, "tout le monde peut être célèbre pendant 15 minutes". Cette idée, plus que toute autre, résume l’ère du postmodernisme. Face à un nouveau monde dépourvu de sens, les postmodernes ont répondu en disant :

"D’accord, jouons avec ce non-sens. Nous admettons que la vie et l’art n’ont plus de sens intrinsèque évident, et alors? Expérimentons, rendons l’art plus intéressant et voyons où cela nous mène. Qui sait, nous pourrons peut-être devenir célèbres pendant 15 minutes!

Education artistique

Le postmodernisme a modifié les priorités éducatives dans de nombreuses écoles d’art. Dans les années 1970 , l’art de la peinture (et dans une moindre mesure la sculpture) a été reconnu comme obsolète. En outre, l’idée de travailler pendant quatre ans pour acquérir les compétences nécessaires à ces beaux-arts traditionnels était considérée comme une régression.

Utilisation de la technologie

L’ère de l’art «postmoderne» a coïncidé avec l’émergence de plusieurs nouvelles technologies basées sur l’image (par exemple, la télévision, la vidéo, la sérigraphie, les ordinateurs, l’Internet) et en a grandement bénéficié. La nouvelle gamme d’images vidéo et photographiques a réduit l’importance des compétences en dessin, et en manipulant les nouvelles technologies, les artistes (en particulier ceux impliqués dans les nouveaux médias tels que l’installation, la vidéo et l’art basé sur les lentilles) ont pu réduire les processus traditionnels impliqués dans la «création artistique», tout en continuant à créer quelque chose de nouveau. La photographie documentaire de Diane Arbus, qui se concentre sur les membres des groupes minoritaires de la ville de New York, et l’art vidéo de l’Américain d’origine coréenne Nam June Paik (1932-2006) en sont l’illustration.

L’accent postmoderniste mis sur la culture populaire ou «basse»

Le terme «haute culture» est souvent utilisé par les critiques d’art lorsqu’ils tentent de distinguer la «haute culture» de la peinture et de la sculpture (et d’autres beaux-arts) de la «basse culture» populaire des magazines, de la télévision, de la fiction et d’autres produits de masse. Les modernistes, et leurs partisans influents tels que Clement Greenberg (1909-1994), pensaient que la culture basse était inférieure à la culture haute. En revanche, les postmodernes - partisans d’une conception plus «démocratique» de l’art - considèrent «la haute culture» comme plus élitiste.

Par exemple, le Pop Art - le premier mouvement postmoderne - a créé des œuvres d’art à partir d’objets de consommation ordinaires (hamburgers, boîtes de soupe, paquets de savon en poudre, bandes dessinées) qui sont devenus instantanément reconnaissables. Les artistes pop et d’autres sont allés encore plus loin dans leurs tentatives de démocratisation de l’art en imprimant leur art «» sur des tasses, des sacs en papier et des T-shirts : une méthode qui, soit dit en passant, illustre le désir postmoderniste de saper l’originalité et l’authenticité de l’art.

Mélange des genres et des styles

Depuis Néo-Dada, les postmodernes aiment mélanger les choses - ou introduire de nouveaux éléments dans les formes traditionnelles - pour créer de nouvelles combinaisons et des pastiches. Fernando Botero crée des peintures de style primitif représentant des personnages obèses ; Georg Baselitz peint des personnages à l’envers. Gerhard Richter combine la photographie et la peinture dans ses «peintures photographiques» des années 1970, et Jeff Koons associe l’imagerie de consommation (formes de ballons) à une technique sculpturale très aboutie pour créer ses sculptures pop «Air Dog» (1994-2000). Parallèlement, Andreas Gursky associe la photographie à des images générées par ordinateur pour créer des œuvres telles que Rhine II (1999, MoMA, New York), et Jeff Wall utilise le photomontage et le traitement numérique dans ses créations pictorialistes postmodernes.

La multivalence postmoderne

Les artistes postmodernes ont abandonné l’idée qu’une œuvre d’art n’a qu’une seule signification inhérente. Ils estiment au contraire que le spectateur est un juge tout aussi important de la signification. Les photographies surréalistes de Cindy Sherman, par exemple, soulignent l’idée qu’une œuvre d’art peut être interprétée de différentes manières. En effet, certains artistes - comme l’artiste de performance Marina Abramović (née en 1946) - permettent même aux spectateurs de participer à leurs «œuvres d’art» ou exigent même l’intervention du spectateur pour achever l’œuvre.

Satisfaction des besoins des consommateurs

L’essor du consumérisme et de la satisfaction instantanée au cours des dernières décennies du 20e siècle a également eu un impact considérable sur les arts visuels. Les consommateurs veulent désormais de la nouveauté. Ils veulent aussi du divertissement et du spectacle. En réponse, de nombreux artistes postmodernes, conservateurs et autres professionnels ont saisi l’occasion de transformer l’art en «produit de divertissement».

L’introduction de nouvelles formes d’art, telles que la performance, les Happenings et les installations, ainsi que de nouveaux sujets - tels que des requins morts, des mouches mourantes, d’immenses sculptures de glace, des foules de corps nus, des bâtiments qui semblent bouger, une collection de 35 000 figurines en terre cuite, des îles enveloppées d’un tissu rose en polypropylène, des corps peints, des images projetées sur des bâtiments publics, etc. La question de savoir si ces nouvelles formes dites artistiques sont réellement «de l’art» reste très débattue. Les conceptuels postmodernes disent «oui», les traditionalistes disent «non».

L’accent mis sur le spectacle

En l’absence d’un véritable sens à la vie - surtout lorsque nous sommes bombardés jour et nuit de publicités à la radio et à la télévision et que nous sommes obligés d’écouter des politiciens expliquer que deux plus deux font trois - les postmodernes ont choisi de se concentrer sur le style et le spectacle, en utilisant souvent du matériel et des techniques publicitaires pour obtenir un effet maximal. Parmi les exemples de cette approche, on peut citer les techniques d’impression commerciale, les images de style panneau d’affichage et les couleurs primaires d’artistes pop tels que Roy Lichtenstein et James Rosenquist .

Cette focalisation sur la surface est une caractéristique récurrente de l’art postmoderne et dévie parfois vers des images mélodramatiques, éblouissantes, voire choquantes. Par exemple, les photographies de mode de Nick Knight et David LaChapelle. Depuis 1980, l’utilisation de l’informatique et d’autres technologies a révolutionné l’art multimédia (par exemple l’animation) et créé des opportunités particulières dans des domaines tels que l’architecture et la cartographie par projection.

L’importance que le postmodernisme accorde à la captation de l’attention du public est parfaitement illustrée par les tactiques de choc d’un groupe d’étudiants du Goldsmiths College, connu sous le nom de Young British Artists, à Londres à la fin des années 1980 et dans les années 1990. Ils sont devenus célèbres grâce à trois expositions - «Freezing» (1988) et «Modern Medicine» (1990), organisées par un étudiant inconnu, Damien Hirst (né en 1965), et «Modern Medicine» (1990), organisées par un étudiant inconnu, Damien Hirst (né en 1965). 1965), et «Modern Medicine» (1990) et Sensation (1997) - Les YBA ont été condamnés pour leur mauvais goût choquant, mais certains d’entre eux (Rachel Whiteread, Damien Hirst, Douglas Gordon, Gillian Wearing, Chris Ofili, Steve McQueen, Mark Wallinger) ont remporté le prix Turner, tandis que d’autres (Jake et Dinos Chapman, Tracey Emin, Mark Quinn et Jenny Savile) ont également atteint une renommée et une fortune considérables.

Trois principes «du postmodernisme»

❶ Le sens instantané

Finies les peintures à l’huile délavées représentant des événements obscurs de la mythologie grecque, suscitant un sourire compréhensif de la part des spectateurs cultivés. La peinture et la sculpture postmodernes, issues du mouvement Pop Art, sont audacieuses, lumineuses et immédiatement reconnaissables. Les thèmes et les images sont principalement empruntés aux biens de consommation, aux magazines, aux graphismes publicitaires, à la télévision, au cinéma, aux dessins animés et aux bandes dessinées. Pour la première fois, tout le monde comprenait l’art exposé. Bien que le postmodernisme ait évolué depuis le Pop Art, l’objectif principal reste la reconnaissance immédiate.

Cependant, certaines œuvres «d’art postmoderne» sont plus «immédiatement compréhensibles» que d’autres. Prenons l’exemple de Equivalent 1 (1966, Kunstmuseum, Bâle) de Carl Andre (né en 1935). Il s’agit d’une de ces œuvres d’art qui doivent être expliquées par un expert avant d’être comprises. Il s’agit d’une sculpture minimaliste postmoderne composée de 120 briques de construction ordinaires. Les briques sont empilées les unes sur les autres sur le sol en deux couches de 60 briques disposées selon une configuration rectangulaire précise de trois sur vingt.

À première vue, ce chef-d’œuvre de l’art moderne ressemble à quelque chose que l’on verrait sur un chantier de construction ultra-rapide. Heureusement, le catalogue de votre galerie d’art vous apprendra qu’André a pris la décision radicale de créer des œuvres directement sur le sol en 1965, alors qu’il faisait du canoë sur un lac du New Hampshire, et que ce majestueux amas de briques illustre son credo artistique : «Forme = Structure = Lieu». Il se trouve que l’équivalent 1 de l’original a été «démoli» en 1966 et «remodelé» en 1969. (Peut-être les briques étaient-elles nécessaires pour quelque chose).

❷ On peut faire de l’art avec n’importe quoi

Poursuivant la tradition de Marcel Duchamp dont l’urinoir intitulé «Fontaine» (1917) fut le premier exemple connu de transformation d’un objet ordinaire en œuvre d’art - les postmodernes se sont mis en tête de créer de l’art à partir des matériaux les plus improbables et des déchets. Voir : Trash Art .

Les sculpteurs, les installationnistes et les artistes de l’assemblage ont créé des œuvres d’art à partir de déchets industriels, de masques à gaz, de feutre, de crânes humains, de sang humain, de mouches mortes, de néons, de caoutchouc mousse, de boîtes de soupe, de béton, de caoutchouc, de vieux vêtements, d’excréments d’éléphants et de bien d’autres choses encore. L’idée est de démocratiser l’art et de le rendre plus accessible.

❸ L’idée est plus importante que l’œuvre elle-même

En général, jusqu’aux années 1960, les artistes (dont Picasso, Pollock et Lichtenstein) pensaient qu’il n’y avait rien sans produit fini. Ils accordaient donc une grande importance à la qualité de l’œuvre d’art finie et au savoir-faire nécessaire à sa création. Aujourd’hui, les choses sont différentes. Les postmodernes ont tendance à croire davantage au concept qui sous-tend le produit fini qu’au produit lui-même. C’est pourquoi de nombreux types d’art «postmoderne» sont connus sous le nom d’art «conceptuel» ou de «conceptualisme».

Un exemple de cette nouvelle approche est l’œuvre d’art conceptuelle (liste d’instructions) de Martin Creed intitulée «227 : The Lights Going On and Off» («Lights Going On and Off» 2001), qui a remporté le prix Turner en 2001. Parmi les autres formes de conceptualisme sans produit, citons les installations (qui sont, après tout, purement temporaires), les performances, les Happenings, l’art de la projection, etc.

L’exemple le plus marquant de l’art conceptuel est peut-être l’exposition qui s’est tenue en mars 2009 au Musée national d’art moderne du Centre Pompidou à Paris. Intitulée «Spécialisation d’une sensibilité d’état de matière première en une sensibilité picturale stabilisée», elle consistait en neuf salles complètement vides, et rien d’autre.

Collections d’art postmoderne
Deux excellentes expositions d’art postmoderne peuvent être vues à la Saatchi Gallery, Londres, ou au Guggenheim, New York.

Mouvements artistiques postmodernes

Jusqu’à présent, il n’y a pas eu de grands mouvements artistiques internationaux dans la période du postmodernisme . Au contraire, cette période a vu l’émergence d’un certain nombre de mouvements étroits et localisés, ainsi que de plusieurs formes d’art entièrement nouvelles, telles que la vidéo et la peinture de mots. En outre, des dizaines de groupes artistiques dissidents ont vu le jour, ainsi qu’une ou deux écoles anti-postmodernes dont les membres cherchaient à créer un art qui ferait la fierté de Michel-Ange ou de Picasso.

Voici une brève liste des principaux mouvements et styles postmodernes, y compris la plupart des nouvelles formes d’art.

Pop Art (à partir des années 1960)
Le champion du Pop Art est Andy Warhol (1928-1987), qui a fait de l’art à partir d’images banales produites en série. Pour plus de détails, voir Le Pop Art d’Andy Warhol des années 1960 et 1970, et les sculptures de Claes Oldenburg (né en 1929).

Word Art (Peinture basée sur le texte) (depuis les années 1960)
Forme de peinture ou de sculpture conceptualiste qui utilise des images verbales ou textuelles. Un bon exemple de la technique postmoderniste consistant à introduire de nouveaux éléments dans les anciens médias. Associé aux artistes pop Robert Indiana (né en 1928) et Jasper Johns (né en 1930), à l’artiste japonais On Kawara (1932-2014), connu pour ses «peintures de rencontres», à Barbara Kruger (née en 1945), célèbre pour ses

peintures de rencontres

, et à Jasper Johns (né en 1930), connu pour ses

peintures de rencontres

. 1945), célèbre pour ses «I Buy So I Am», et Christopher Wool (né en 1955), dont la peinture de mots intitulée «Apocalypse Today» (1988) a été vendue en 2013 pour 26,4 millions de dollars.

Art conceptuel (à partir des années 1960)
L’idiome définitif du postmodernisme. Ce n’est pas le produit fini qui compte, mais l’idée sous-jacente. Le premier et (sans doute) le plus grand artiste conceptuel a été Yves Klein (1928-1962), le fondateur du Nouveau Réalisme. Pour plus de détails, voir : L’art postmoderne d’Yves Klein (1956-62).

Performance et Happenings (à partir du début des années 1960)
Ce genre, fondé par des artistes tels que John Cage (1912-1992) et Allan Kaprow (1927-2006), était une nouvelle manière de présenter l’art aux masses. Voir aussi «sculptures vivantes» Gilbert et George (né en 1943, 1942).

Art de l’installation (depuis les années 1960)
Nouvelle manière d’impliquer les spectateurs dans une œuvre d’art ou un assemblage. Le principal représentant de l’art de l’installation est l’artiste allemand Joseph Beuys (1921-1986). Voir également les projets artistiques inhabituels de type installation («interventions») créés par Christo et Jeanne-Claude (Christo Javacheff et Jeanne-Claude Denat).

Fluxus (années 1960)
Mouvement anti-art dans le style Dada lancé par George Maciunas (1931-1978). Apparu d’abord en Allemagne, il s’est ensuite répandu à New York. Largement associé aux Happenings et autres activités de rue «».

Art vidéo (à partir des années 1960). Voir aussi : Art de l’animation .
La vidéo est l’un des médias les plus polyvalents qui soient. Un morceau de film vidéo peut être
❶ l’œuvre d’art elle-même ; et/ou
❷ un enregistrement de la façon dont l’œuvre d’art a été réalisée ; et/ou
❸ un élément d’une installation ; et/ou
❹ une partie d’une composition vidéo multiple. Quel que soit son rôle précis, la vidéo rend l’art plus dynamique, plus engageant, plus passionnant. Depuis la fin des années 1980, la vidéo et l’animation dépendent toutes deux de l’utilisation de logiciels informatiques pour manipuler et contrôler les images.

Minimalisme (depuis les années 1960)
Un refuge pour les peintres et sculpteurs intellectuels soucieux de «pureté» dans l’art. Les minimalistes ont tenté de créer un art dépourvu de tout point de référence externe, ne laissant subsister que la forme. Intelligent, peut-être, mais tout à fait ennuyeux. Les artistes minimalistes comprennent Agnes Martin (née en 1912), Ed Reinhardt (1913-1967), Ellsworth Kelly (né en 1923), Kenneth Noland (né en 1924), Robert Ryman (né en 1924). 1924), Robert Ryman (né en 1930), Robert Morris (né en 1931), Robert Mangold (né en 1937), Frank Stella (né en 1936), et Brice Marden (né en 1938). Pour les sculpteurs minimalistes, voir ci-dessous.

Photoréalisme (années 1960, 1970)
Forme de peinture hyperréaliste, généralement basée sur des photographies. Les premiers grands photoréalistes sont Chuck Close (né en 1940) et Richard Estes (né en 1936). Les sculpteurs photoréalistes comprennent John De Andrea (né en 1941), Duane Hanson (1925-1996), et Carol Feuerman (née en 1945).

Land Art (milieu des années 1960)
Pas de galeries commerciales avides (soi-disant). Le promoteur de cette tendance est l’artiste expérimental Robert Smithson (1938-1973). Voir aussi les interventions «enveloppantes» dans la nature de Christo et Jeanne-Claude (tous deux nés en 1935) et les œuvres environnementales d’Andy Goldsworthy.

Photographie (à partir des années 1960)
Les YBA n’étaient qu’un des nombreux groupes postmodernistes prônant l’utilisation de l’art de la caméra. En effet, les œuvres des plus grands photographes ont rapidement dépassé le million de dollars lors des ventes aux enchères. Le meilleur de la photographie postmoderne se retrouve dans les œuvres de Helmut Newton (1920-2004), Robert Mapplethorpe (1946-1989), Cindy Sherman (née en 1954), et Nan Goldin (née en 1953).

Arte Povera (1966-71)
Art pauvre», créé par un groupe artistique d’avant-garde anti-commercial en Italie composé de Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto, Giuseppe Penone et d’autres. Une grande attention était accordée aux qualités physiques des matériaux utilisés.

Postminimalisme (années 1970)
Dans l’art postminimaliste - terme inventé par le critique d’art Robert Pincus-Witten (né en 1935) - l’accent n’est plus mis sur la pureté d’une idée mais sur la manière dont elle est communiquée. Voir les œuvres de la germano-américaine Eva Hesse (1936-1970).

Art féministe (1970)
Mouvement artistique qui traite de questions spécifiques aux femmes telles que l’accouchement, la violence à l’égard des femmes, les conditions d’emploi des femmes, etc. Parmi les femmes artistes notables impliquées dans ce mouvement, on peut citer Louise Bourgeois (1911-2010) et l’artiste de performance d’origine japonaise Yoko Ono (née en 1933). Parmi les autres activistes figurent Miriam Shapiro (1923-2015), Nancy Spero (1926-2009), Eleanor Entin (née en 1935), Joan Jonas (née en 1936), Judy Chicago (née en 1939), Mary Kelly (née en 1941), Barbara Kruger (née en 1945) et l’artiste anglaise Margaret Harrison (née en 1940).

Graffiti (à partir des années 1970)
Le mouvement postmoderne par excellence : peinture instantanée, célébrité instantanée. Voir la biographie «du terroriste du graffiti» et artiste de rue Banksy (né en 1973-4). Pour deux des plus grands artistes de rue, voir Jean-Michel Basquiat (1960-88), Keith Haring (1958-1990) - créateur de la fresque «Crack is Wack» à Harlem - et David Wojnarowicz (1954-1992), militant de la lutte contre le sida et artiste de rue et collagiste très talentueux.

Sculpture postmoderne (années 1970.

D’importants contributeurs à l’art plastique postmoderne sont par exemple le surréaliste Salvador Dalí (1904-1989), connu pour son «Camion de glace fondu» (1970, collection privée) ; le sculpteur français César (1921-1998), surtout connu pour ses «compressions» ; l’artiste cinétique suisse Jean Tinguely (1925-1991) ; le nouveau riche Armand (1928-2005), surtout connu pour ses «accumulations» ; les minimalistes Donald Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007) et Richard Serra (né. 1939) ; les muralistes Anish Kapoor (né en 1954) et Anthony Gormley (né en 1950) ; et l’Américain Bruce Naumann (né en 1941), surtout connu pour ses sculptures en néon. Deux nouveaux types de sculpture sont apparus dans les années 1980 : la sculpture sur glace les championnats du monde d’art sur glace se tiennent chaque année à Fairbanks, en Alaska, depuis 1989 - et l’art du sable les championnats du monde d’art du sable se sont tenus à Harrison Hot Springs, à Harrison, en Colombie britannique, au Canada, de 1989 à 2009.

Néo-expressionnisme (à partir des années 1980)
Caractérisé par des peintures typiquement de grand format avec des sujets intenses, souvent violents, peints à la vitesse. Les matériaux sont parfois imprimés sur la surface de la peinture. Les principaux néo-expressionnistes sont Georg Baselitz (né en 1938), Gerhard Richter (né en 1932), Jörg Immendorf (né en 1945), Anselm Kiefer (né en 1945), Rainer Fetting (né en 1949) et A.R. Penck (Ralph Winkler, né en 1939), Julian Schnabel (né en 1951) et David Salle (né en 1952).

Déconstructivisme (années 1980-2000)
Style d’architecture postmoderne illustré par les travaux de l’architecte de Los Angeles Frank O. Gehry (né en 1929), ainsi que de Daniel Libeskind, Peter Eisenman, Rem Koolhaas, Zaha Hadid, Bernard Tschumi et le groupe Co-op Himmelblau. L’architecture déconstructiviste gravitationnelle intègre souvent la conception assistée par ordinateur à l’aide de logiciels de haute technologie, ainsi que les ressources de cabinets d’architectes de pointe tels que Skidmore Owings and Merrill.

Jeunes artistes britanniques (Britart) (1985-1999)
Une combinaison d’opportunisme commercial époustouflant et d’idées choquantes. Une explosion de mauvais goût extrême qui se fait passer pour de l’art. Le public a adoré. Le plus célèbre des YBA est Damien Hirst (né en 1965), et le principal sponsor du groupe était le collectionneur d’art Charles Saatchi (né en 1943).

Art néo-pop (à partir de la fin des années 1980)
Grandes sculptures en plastique réalisées à partir de jouets d’enfants et bien d’autres œuvres de la même veine, illustrées par le travail de Jeff Koons (né en 1955).

Body art (1990)
Style d’art qui utilise le corps comme toile «». La forme la plus populaire est le tatouage, suivi par la peinture faciale de différentes sortes. (Le nail art est un autre nouveau venu. L’art corporel postmoderne est illustré par le dessin illusionniste de la Néo-Zélandaise Joanne Gair représentant Demi Moore - photographiée par Annie Leibovitz qui a fait la couverture de Vanity Fair en août 1992. Les formes les plus extrêmes d’art corporel sont pratiquées par des artistes tels que Marina Abramovic (née en 1946) et Frank Uwe Laisipen (alias Ulay) (né en 1943).

Peinture postmoderne
Les contributeurs importants aux styles de peinture postmoderne non énumérés ci-dessus sont : l’inimitable Francis Bacon (1909-1992) ; le réaliste moderne Lucian Freud (1922-2011), le peintre d’objets Jack Vettriano (né en 1951) et le peintre figuratif (né en 1922).), peintre figuratif (né en 1951), et artiste figuratif Jenny Saville (née en 1970).

Réalisme cynique (années 1990)
Mouvement d’art contemporain chinois apparu après la répression de la place Tiananmen (1989). Les réalistes cyniques utilisaient un style de peinture figurative avec une narration moqueuse (parfois de l’autodérision). Les personnages clownesques, les hommes chauves et les portraits de type photographique étaient des motifs récurrents. Ce style dépeint de manière satirique la situation politique et sociale de la Chine et, parce qu’il s’agissait d’une nouvelle approche pour les artistes chinois, il a été bien accueilli par les collectionneurs occidentaux. Parmi les artistes associés à ce mouvement, citons Yue Mingjun (né en 1962), Fang Lijun (né en 1963) et Zhang Xiaogang (né en 1958), qui ont tous réalisé des ventes de plusieurs millions de dollars.

Projection mapping (projection art) (21e siècle)
L’une des dernières formes de postmodernisme, la projection art implique l’affichage informatisé d’images vidéo sur des bâtiments ou d’autres grandes surfaces.

Art informatique (21e siècle)
Également appelé art numérique ou art internet, il s’agit d’une catégorie générale qui englobe une variété de formes d’art liées à l’informatique. La société doit encore déterminer s’il convient de classer les résultats des réseaux neuronaux dans la catégorie de l’art.