Art public: définition, histoire, types Automatique traduire

En théorie, le terme «art public» (art public ou municipal) désigne toute œuvre d’art conçue et placée dans un espace accessible au public, qu’il s’agisse d’un jardin public ou d’un mur à l’intérieur d’un bâtiment ouvert au public. Dans la pratique, cependant, étant donné qu’une proportion importante de ces œuvres d’art se retrouve cachée dans des entrepôts ou des institutions publiques privées, une définition plus précise pourrait être

L’art public est un terme générique qui inclut toute œuvre d’art acquise avec des fonds publics ou qui est entrée dans le domaine public (par le biais d’un don, d’une exposition publique, etc.), indépendamment de l’endroit où elle se trouve dans la communauté et de qui la voit.

Types d’art public

La plupart des types d’art public qui ont survécu depuis l’antiquité sont divers types de maçonnerie - monuments funéraires, statues et autres sculptures religieuses ou architecturales. Aujourd’hui, cependant, la catégorie de l’art public comprend un grand nombre d’œuvres d’art plastique, décoratif et plastique.

Outre l’architecture et la sculpture, elle comprend la peinture, le vitrail, la céramique, la mosaïque, la tapisserie, et de nombreux types d’art contemporain, tels que l’art paysager, l’assemblage, les installations et les performances (ainsi que les événements qui les accompagnent - happenings), etc.) Elle comprend les présentations temporaires telles que «Snowballs» Andy Goldsworthy (Londres, 2000), les expositions temporaires (par exemple, les œufs Fabergé) ou les structures architecturales temporaires en l’honneur d’événements particuliers (par exemple, le Millennium Dome à Londres).

Lieux et objets d’art public

Les sites d’art urbain sont généralement situés dans les centres urbains et peuvent inclure des places, des places publiques ou des zones piétonnes, des grandes artères, des abords de bâtiments publics tels que des bureaux gouvernementaux, des bureaux judiciaires, des centres municipaux de services publics et de transport, des aéroports, des musées et des bibliothèques, des campus d’universités ou d’établissements d’enseignement supérieur, etc. En outre, des œuvres d’art peuvent être placées dans les bâtiments de l’État et des collectivités locales, ainsi que dans les églises et autres lieux de culte publics.

Certains types d’art public (travaux de terrassement environnementaux) peuvent être situés dans des zones reculées ; d’autres types d’art public (hologrammes, feux d’artifice) peuvent être projetés dans le ciel nocturne. L’art informatique devient un élément à part entière de ce dernier .

Les origines de l’art public

Les cités grecques ont très tôt prôné les vertus édifiantes de l’art religieux et social (principalement la sculpture), susceptible d’être vu et apprécié par l’ensemble de la communauté. L’exemple suprême de l’art social dans la Grèce antique est le Parthénon (vers 447-422 av. J.-C.) sur l’Acropole d’Athènes.

Plus tard, les autorités romaines ont érigé des statues de masse de l’empereur romain dans tous les coins de l’empire pour démontrer la grandeur de Rome. Ce concept d’esthétique communautaire ou de propagande a été activement utilisé par les communautés païennes et plus tard chrétiennes.

L’Eglise romaine, influencée par l’Eglise orientale, crée les magnifiques mosaïques de Ravenne, et Rome célèbre la fin de l’âge des ténèbres en construisant les grandes cathédrales médiévales, romanes et gothiques de France, telles que Chartres, Reims, Amiens et Notre Dame de Paris. Ornées de magnifiques œuvres d’art religieux, dont des statues, des mosaïques, des sculptures en relief, des retables, et des vitraux, ces structures monumentales étaient des œuvres d’art public conçues pour inspirer la société par leur beauté majestueuse et leur dévotion religieuse. Pour plus de détails, voir Sculpture médiévale (400-1000) ; Sculpture romane (1000-1200) ; et Sculpture gothique (vers 1150-1280).

Art public de la Renaissance (c. 1400-1600)

Mais l’âge d’or de l’art public est sans conteste la Renaissance italienne, dont les œuvres - contrairement à celles de la Renaissance nordique - sont entièrement commanditées par l’église ou les autorités civiles. Les fresques de la chapelle Scrovegni de Giotto à Padoue, la statue en bronze de David de Donatello, les sculptures en marbre de la Pietà et de David de Michel-Ange témoignent de cet essor de l’art chrétien .

Baroque (c. 1600-1700)

Le XVIIe siècle est le théâtre de la dernière grande campagne de propagande religieuse menée par l’Église catholique pour retrouver sa grandeur et son autorité après la Réforme. La Contre-Réforme catholique utilise le style dramatique du baroque en architecture (par exemple la cathédrale Saint-Pierre de Rome rénovée et ses abords) et les formes inspirées de l’art biblique en sculpture (par exemple la cathédrale Saint-Pierre de Rome). L’extase de sainte Thérèse, chapelle Cornaro, Rome, œuvres du Bernin) et en peinture (par exemple les œuvres de Rubens, du Caravage et de Vélasquez) pour transmettre son message aux paroissiens de toute l’Europe.

L’art public 1700-1900

Aux XVIIIe et XIXe siècles, en partie à cause du déclin du mécénat de l’Église catholique, l’art public en Occident s’est largement limité à la commémoration d’évêques, de rois et d’autres héros séculiers (par exemple la colonne de Nelson à Trafalgar Square à Londres ou l’Arc de Triomphe à Paris), et à la création de nouvelles œuvres d’architecture urbaine.

En Amérique, les chefs-d’œuvre de l’architecture publique que sont le Capitole et la Smithsonian Institution à Washington, D.C., la cathédrale Saint-Patrick à New York (1858-79, par James Renwick) et la Statue de la Liberté dans le port de New York (1886, par Frédéric-Auguste Bartholdi) en sont des exemples. (Pour plus d’informations, voir : Architecture américaine, et sur les concepteurs, voir : Architectes américains)

En Europe, les exemples d’art public comprennent des structures telles que la National Gallery néoclassique de Londres, les impressionnants bâtiments néogothiques du Parlement britannique (1839-52, conçus par Sir Charles Barry), l’Opéra de Paris (1860-75, conçu par Charles Garnier), la Tour Eiffel (1887-89), conçue par Gustave Eiffel (1832-1923) et Stéphane Sauvestre, et bien d’autres encore. Voir aussi : Architecture du XIXe siècle .

L’art public au XXe siècle

Comme mentionné ci-dessus, l’art public des XXe et XXIe siècles s’est considérablement développé en termes de fonction, de forme et de moyens d’expression. Les développements politiques ont conduit à l’expansion des fonctions de l’art public à des fins de propagande. L’exemple contemporain le plus marquant de l’utilisation de l’art public à des fins politiques est peut-être le réalisme socialiste, qui est apparu en Union soviétique à l’initiative de Staline pour soutenir la quête d’autosuffisance industrielle du pays après 1927. Le réalisme socialiste cherchait à glorifier les réalisations du régime communiste par la diffusion d’affiches monumentales, de peintures et de sculptures héroïques.

Dans le même temps, le dictateur nazi de l’Allemagne, Adolf Hitler, organisait des expositions de photos destinées à diaboliser les Juifs dans la société et une grande exposition d’art public à Munich de peinture et de sculpture modernes interdites, appelée «Art dégénéré» . Sa tentative de génocide des Juifs a donné naissance à un nouveau genre d’art de l’Holocauste et à des mémoriaux publics.

Au Mexique, dans les années 1920 et 1930, des artistes tels que Diego Rivera (1886-1957), David Alfaro Siqueiros (1896-1974), et José Clemente Orozco (1883-1949), ont contribué à créer le mouvement des fresques mexicaines, dans lequel les bâtiments publics étaient décorés de peintures murales à grande échelle, généralement avec des idées politiques nationalistes.

Les formes d’art promues par les autorités chinoises avant, pendant et après la révolution culturelle (1966-68) entrent également dans cette catégorie d’art public ouvertement politique. Il arrive également que des formes d’art urbain, telles que les peintures murales de rue, soient créées par des minorités en signe de protestation contre certaines lois ou contre l’autorité politique. Dans les années 1970 et 1980, de tels types d’art public sont apparus à Belfast, New York et Los Angeles pour renforcer un programme politique.

Land art

Peut-être la forme la plus récente de l’art public du XXe siècle, le Land Art (art paysager), illustré par des œuvres monumentales en terre comme la Spiral Jetty, créée en Utah (1970) par Robert Smithson, et l’encerclement de onze îles de Floride avec du tissu rose (1983) par Christo et Jeanne-Claude (n. 1935).

Architecture

Peut-être la forme d’art public la plus ouverte et la plus accessible, la conception des bâtiments du XXe siècle est dominée par L’architecture des gratte-ciel, qui façonne le paysage urbain avec des tours de plus en plus hautes.

Graffiti

Ce terme, dérivé du mot italien «graffio» signifiant «gratter», fait référence à l’art de rue «illégal» peint sur les bâtiments dans les espaces publics de la ville par des artistes de rue «libres». Les quatre artistes de rue les plus connus sont probablement Keith Haring (1958-1990), Jean-Michel Basquiat (1960-88), Banksy (né en 1973-4) et David Wojnarowicz (1954-1992), chacun d’entre eux ayant connu un large succès commercial.

L’un des nouveaux mouvements artistiques contemporains, le graffiti street art comprend le graffiti territorial, l’art de guérilla agressif (aujourd’hui appelé «post-graffiti»), et le graffiti au pochoir. En comparaison, le terme «street art» comprend les images traditionnelles de graffiti ainsi que les autocollants, les affiches de rue, les projections vidéo et les installations de rue. Il est couramment utilisé pour distinguer la décoration artistique contemporaine des espaces publics des graffitis territoriaux ou de guérilla et du vandalisme visuel. Aucune de ces formes de création artistique non étatique «» n’entre dans la définition de l’art public parrainé par l’État. Pour plus d’informations, voir Graffiti Art .

Traditionnel

Plus récemment, l’art public comprend des œuvres traditionnelles telles que les sculptures commémoratives, les sculptures architecturales (par exemple la flèche de Dublin de Ian Ritchie , connue sous le nom de «flèche»), les sculptures propres (par exemple le Chicago de Picasso), les sculptures en bois, les sculptures en bois , les sculptures en bois , etc. Chicago de Picasso ), les peintures murales (par exemple, une copie en tapisserie du bâtiment des Nations unies d’après une peinture à l’huile «Guernica» (1937) de Pablo Picasso).

«Chicago Picasso», une sculpture monumentale sans titre du maître espagnol Pablo Picasso (1881-1973), est l’une des œuvres d’art urbain les plus célèbres. Installé le 15 août 1967 sur la Daley Plaza, dans le Loop de Chicago, ce monument familier mesure 15 mètres de haut, pèse 162 tonnes et a coûté 351 959 dollars.

Picasso lui-même a renoncé à tous les frais. La sculpture a été fabriquée par la United States Steel Corporation (Gary, Indiana) avant d’être démontée et transportée à Chicago. Le sujet exact de la sculpture reste incertain.

L’art public contemporain

Parmi les représentants contemporains notables de l’art public figurent les artistes suivants (et leurs œuvres) : Louise Bourgeois ) Maman, 1999, Musée Guggenheim Bilbao) ; Jean Tinguely ) Fontaine de Stravinsky, 1983, parvis du Centre Pompidou) ; Claes Oldenburg ) Apple Core, 1992, Israel Museum, Jérusalem) ; Bruce Nauman ) Corridor of Green Light, 1970, Samuel Guggenheim Museum, New York) ; Richard Serra ) Inclined Arc, 1981, Federal Plaza, New York) ; Marc Di Suvero ) Angel of the Storm, 1973-4, Place Chabas, Chalon-sur-Saône) ; Anthony Gormley ) Angel of the North, 1994-8, Gateshead, Royaume-Uni) ; et Anish Kapoor ) Cloud Gate, 2004, Millennium Park, Chicago).

Projets «Pourcentage pour l’art»

Récemment, les autorités municipales de certains pays ont soutenu une politique de collecte de fonds pour les bâtiments financés par des fonds publics, à savoir le programme «Pourcentage pour l’art». Il s’agit généralement de réserver 1 % du coût de construction d’un bâtiment (jusqu’à un montant maximum fixé) à l’achat d’œuvres d’art, qui sont ensuite exposées au public.

Les musées d’art sont le plus grand art public moderne

Le réseau mondial de musées publics et de galeries d’art est peut-être le meilleur art public de l’ère moderne. Ces institutions offrent deux avantages artistiques très différents à la société. Tout d’abord, elles peuvent posséder une beauté architecturale exceptionnelle, comme en témoignent le Centre Pompidou à Paris ou le Guggenheim à Bilbao.

Centre Pompidou
Ce temple de l’art postmoderne, construit en 1971-7 selon les plans de Renzo Piano et Richard Rogers, abrite le Musée Pompidou, le musée français d’art moderne. Cette grande structure en acier est un bel exemple de la façon dont une architecture esthétique peut devenir un art public.

Collections

Outre les beautés architecturales, les musées possèdent de vastes collections d’art préhistorique, de peintures, de sculptures, d’estampes et d’autres œuvres sur papier, de céramiques, de mosaïques, de verreries, la métallurgie, les tapisseries, les manuscrits enluminés et la calligraphie, ainsi que des formes contemporaines telles que l’assemblage, l’installation et l’art vidéo .

Parmi les musées d’art les plus importants avec les plus grandes collections d’art ouvertes au public, on peut citer : La Galerie des Offices à Florence, le Musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Louvre à Paris, le Prado à Madrid, le complexe muséal de la Pinacothèque à Munich, le Victoria and Albert Museum à Londres, et bien sûr le Metropolitan Museum of Art, le Samuel Guggenheim Museum et le Museum of Modern Art à New York.