Sculpture britannique moderne Automatique traduire

Histoire et Caractéristiques

La rupture avec traditionnel naturalisme n’était qu’un élément d’un nouveau mouvement artistique qui devait être accepté et adopté à une échelle internationale. Ce mouvement a débuté à Paris vers la fin du XIXe siècle, lorsque des choses intéressantes ont commencé à se produire en peinture. Les artistes commençaient à travailler de manière nouvelle, ce qui allait à l’encontre des méthodes traditionnelles acceptées de l’époque. Ces expériences dans La peinture, qui devaient ensuite s’étendre à sculpture, devait avoir des conséquences très profondes. En fait, ils devaient changer toute la conception de l’art pour le vingtième siècle et inaugurer un nouvel ensemble de esthétique qui continuerait à changer pour le reste du siècle.

Le public britannique a d’abord été exposé à ces tendances art moderne en 1910, à travers une série d’expositions organisées à Londres par Roger Fry, l’un des leaders britanniques critiques d’art. A cette époque, le mouvement d’art moderne original, Impressionnisme, se transformait en un second mouvement, encore différent, connu sous le nom de Post-impressionnisme. Le premier mouvement concernait presque exclusivement la peinture et le réalisme naturel, mais le second visait également à fournir les premières expériences dans Art plastique loin des méthodes traditionnelles de travail et de voir.

Au début de ce siècle, le public britannique était remarquablement réticent aux changements de toute nature en matière d’art. Même les peintures de l’école impressionniste, établies de longue date et fort appréciées dans d’autres pays, n’étaient pas du tout prises au sérieux en Angleterre à cette époque. Et n’ayant pas accepté les impressionnistes faciles à comprendre, qui ont peint des sujets réalistes et reconnaissables de manière directe et non planifiée, le public britannique était à peine prêt à comprendre les post-impressionnistes, qui tentaient de rejeter l’imitation et les traditions. le réalisme dans l’art tout à fait. Alors que bien que ces premières expositions d’art moderne – comme le Spectacle d’arsenal à New York – a ouvert les yeux de quelques artistes travaillant en Angleterre, la réaction a été généralement une désapprobation furieuse. En fait, la tempête créée par la première vue de «l’art moderne» (comme on l’appelait alors il y a tant d’années) dans ce pays est à peine morte à ce jour – et pour une très bonne raison. En effet, à partir de ce moment-là, l’art devait devenir de plus en plus une activité spécialisée et donc de plus en plus difficile à comprendre pour les personnes non entraînées.

En termes simples, la raison de la désapprobation presque unanime du nouveau mouvement était la différence entre art figuratif, qui représente des choses naturelles d’une manière reconnaissable que tout le monde peut comprendre, et non représentatif ou art abstrait, ce qui n’est pas le cas, et que très peu de personnes à cette époque pouvaient donc espérer faire la tête ou la queue.

Admettons d’abord que le meilleur moyen de juger une œuvre d’art est de la ressembler à des choses naturelles et reconnaissables. Si cette méthode simple de juger l’art est supprimée, le citoyen moyen perd le seul niveau de critique d’art qu’il connaisse. Nous pouvons peut-être maintenant commencer à comprendre pourquoi l’art moderne a provoqué tant de malaise, car, comme toutes les œuvres d’art étaient représentatives à cette époque en Angleterre, presque tout le monde pouvait se considérer comme ayant le droit de se faire art, même s’il n’avait jamais fréquenté une galerie d’art ou assisté à une exposition d’art de sa vie.

Cela explique également pourquoi ce n’était pas l’art «abstrait» (ou l’art non représentatif) qui devait causer tant d’irritation au citoyen moyen, mais ces œuvres plus nombreuses qui se situaient quelque part entre l’abstrait et le reconnaissable – des œuvres dans lesquelles l’artiste utilisait des techniques reconnaissables»). des choses naturelles, mais les avait déformées ou même réarrangées en fonction de ce dont son travail avait besoin. Cela a vraiment énervé le public de cette époque. Un travail purement abstrait qu’ils pourraient ignorer comme n’ayant aucun intérêt pictural ou illustratif. Les œuvres ne décrivaient rien de reconnaissable et ne contenaient donc rien qui retienne l’attention du grand public ou qui en parle. Le travail déformé était un tout autre problème, car il montrait des choses reconnaissables délibérément faites pour avoir l’air faux. La distorsion constituait donc une insulte directe à la connaissance qu’a le public de l’apparence des choses et donc une insulte directe à leur statut de critiques d’art. La déformation, en particulier celle de la figure humaine, ne laissait pas de réponse à la personne moyenne, sauf au ridicule, et dans les circonstances, le ridicule même deviendrait ridicule. Car, sans être idiots, nous ne pouvons pas affirmer que les mains d’une figure sculptée sont trop grandes deux fois plus grandes, ou que le sculpteur a rendu la tête trop petite quand elle n’a que la moitié de sa taille. devrait être selon les proportions humaines normales. Des distorsions d’une telle ampleur étaient clairement délibérées et faisaient partie de l’intention définie du sculpteur.

Jacob Epstein (1880-1959)

Tout ceci peut aider à expliquer pourquoi le nouveau mouvement artistique a rencontré une telle résistance en Grande-Bretagne et pourquoi, vingt ans après son introduction auprès du public britannique, les gens se sentaient encore assez forts à propos de "l’art moderne" pour défigurer une œuvre sculptée par les premiers artistes modernes. sculpteur à pratiquer en Angleterre. Le travail était le mémorial à Hyde Park du naturaliste WH Hudson. Le sculpteur était cet artiste le plus controversé Jacob Epstein , qui était une figure dominante de l’art britannique presque jusqu’à sa mort en 1959. Epstein était également responsable des figures « Night» et « Day» qu’il avait sculptées pour la station de métro St. James’s Park. Dans la Tate Gallery, il a décerné un bronze au titre de " The Visitation " et un autre magnifique bronze, " Madonna and Child ", au couvent du Saint Enfant Jésus à Cavendish Square, à Londres, qu’il a modelé en 1952.

Epstein sculpture en pierre provoqué une passion de l’aversion du public et de la dénonciation de la presse à chaque nouvelle œuvre. Sa modélisation pour bustes de portrait et les bronzes, en revanche, étant plus représentatifs, moins déformés et donc moins dans le style moderne, bénéficiaient d’une faveur considérable. La manipulation brillante et libre des portraits modelés, à la manière du grand sculpteur expressionniste français Auguste Rodin (1840-1917), a été particulièrement admiré. Ce sont aussi d’excellents portraits, des «ressemblances» indéniables, des compositions et des techniques originales et inventives. Les gens ne pouvaient pas concilier l’art indéniable et l’assurance technique de sa modélisation avec ses gravures sur pierre. Les fortes qualités de conception de ces sculptures, leurs simplifications sculpturales et leurs distorsions sans compromis ont toujours provoqué une tempête de protestations publiques. En fait, au cours des années 1930, l’une de ces œuvres, une figure intitulée « Genesis», gagnait de l’argent dans un spectacle parallèle à Blackpool où elle était exposée, non pour ses qualités sculpturales ou esthétiques, mais pour sa valeur de choc populaire ’ objet.

Attiré par des œuvres sérieuses d’historique et Art biblique, Le chef-d’œuvre le plus important et intemporel d’Epstein est le monumental biblique statue intitulé Adam (1938, Harewood House, Leeds, Royaume-Uni). Autres exemples de son Art chrétien comprennent: Lazarus (1947-1948, Oxford, New College Chapel); Christ en majesté, 1954-5, cathédrale de Llandaff); et Saint Michel et le diable (1956-1958, cathédrale de Coventry).

Eric Gill

Les œuvres d’ Eric Gill ont rendu l’art plus moderne acceptable pour les amateurs d’art. Ses simplifications et distorsions étaient beaucoup moins agressives que celles d’Epstein. Comme Epstein, Gill était un sculpteur direct. En fait, Gill admettrait à peine que celui qui modélise d’abord une statue en argile puis en laisse une autre copie en pierre soit un sculpteur. Son travail est toujours très délibérément «conçu», mais ses figures sont toujours représentatives et son style de travail est beaucoup plus proche de la sculpture traditionnelle que de la sculpture moderne. Son travail a fourni un bon compromis entre le traditionnel et le nouveau, qui s’est révélé parfaitement acceptable pour un grand nombre de personnes dans ce pays. De nombreux sculpteurs travaillent encore de cette manière, utilisant une représentation renforcée par les dispositifs de conception, de simplification et de distorsion de certaines des formes les plus anciennes de la sculpture moderne. Certains de Eric Gill l’art publique la sculpture peut être vu sur Broadcasting House. Il représente Prospero et Ariel, le vieil homme et le sprite de The Tempest de Shakespeare. Un autre groupe du même sujet se trouve dans la Tate Gallery. Cependant, Gill était peut-être à son meilleur en bas-relief, et on peut en voir des exemples à Londres, dans la cathédrale catholique de Westminster. Il a sculpté ’ Les stations de la Croix ’ pour ce bâtiment pendant la Première Guerre mondiale.

Henry Moore

De loin le plus important des sculpteurs anglais modernes, cependant, était Henry Moore (1898-1986), qui a eu sa première exposition en 1928 et a ensuite établi une réputation internationale en tant que l’un des plus grands sculpteurs du XXe siècle. Son travail variait entre la sculpture semi-figurative et la sculpture formelle non figurative ou abstraite. Noté avant tout pour son exploration de abstraction biomorphique, un grand nombre de ses travaux sont basés sur le sujet «figure inclinable». Parfois, ces sculptures sont clairement identifiables en tant que figures humaines, dans d’autres, la forme est découpée de trous et certaines parties de la figure sont même totalement supprimées, d’autres apparaissent à nouveau comme des groupes de pierres ou de rochers d’apparence naturelle qui semblent à peine touchés par le sculpteur. ciseau. Cependant, tous, quel que soit le style, traduisent fortement le sens de la présence de la figure. On nous dit que la chose la plus importante pour Moore est le matériau qu’il utilise, la pierre elle-même. Il a expliqué que les formes courbes et les trous naturels dans les pierres – la façon dont le vent et l’eau les ont portés – le fascinaient, tout comme le font les mystérieuses grottes de collines et de falaises. Il y a des exemples du travail de Moore dans la Tate Gallery. L’une s’appelle ’ Figure couchée ’. Il a les courbes et les trous que les roches usées par le temps ont, et suggère néanmoins une femme couchée sur le sol. Parmi les autres travaux réalisés à Londres, citons une « figure drapée» et un écran abstrait en pierre de Portland du bâtiment Time-Life. Il existe de nombreux exemples également à voir à la Tate Gallery. Un exemple particulièrement remarquable de Moore sculpture en bronze is Locking Piece (1963-1964, Millbank, Londres: Fondation Henry Moore).

Barbara Hepworth

Un autre sculpteur britannique important est Barbara Hepworth (1903-1975). Comme Henry Moore, elle a organisé sa première exposition en 1928; En fait, ces deux sculpteurs venaient du même district et fréquentaient les mêmes écoles d’art. Mais mis à part une courte période au cours des années 1930, alors qu’ils travaillaient sur des problèmes similaires en sculpture, leurs objectifs étaient fondamentalement différents. La figure humaine n’apparaît jamais dans le travail typique de Barbara Hepworth. Sa sculpture est totalement abstraite dans son intention: une forme de art non objectif, basé sur des formes géométriques et autres. Ses sculptures portent des titres tels que ’formes’, ’sphères’, ’sculpture avec couleur’ ​​et ainsi de suite – des titres qui soulignent le fait qu’elles ne sont pas destinées à représenter ou suggérer quelque chose de vivant. Il y en a un dans le Tate Gallery, par exemple, appelée « forme bicentrique». Parmi les autres œuvres de Barbara Hepworth à Londres, citons les figures abstraites sur le devant du Festival Hall, « Meridian» à la State House et « Orpheus» en laiton à la Milliard House. À New York, son mémorial dédié à Dag Hammarsjold – Single Form (1961-1964) – se trouve à côté du bâtiment des Nations Unies. Hepworth a commencé à travailler de la même manière abstraite à partir du début des années 1930, ce qui n’était pas très tôt pour sculpture abstraite En Angleterre. Son travail n’a pas suscité le même mécontentement du public que ceux d’Epstein et de Moore, bien qu’il soit peut-être plus conforme aux premiers principes de l’art moderne et de l’abstraction associée.

Ben Nicholson

Comme nous l’avons vu, il était difficile pour le public de devenir aussi passionné par une œuvre d’art complètement abstraite qu’il le pouvait et qu’il le devenait pour des œuvres qui présentaient des distorsions de la figure humaine. Le peintre et sculpteur anglais Ben Nicholson (1894-1982) produisit à cette époque, dans les années 1930, une sorte unique de monochrome sculpture en relief – intitulé "reliefs blancs". Ces travaux consistaient en panneaux de panneaux durs bas reliefs dans un esprit géométrique formel. Ils sont une forme extrêmement abstraite de art concret et sont intéressantes en dehors de leurs valeurs esthétiques en ce sens qu’elles se situent à mi-chemin entre la peinture et la sculpture. Au cours de la seconde moitié du 20e siècle, la division entre peinture et sculpture est devenue très difficile à définir. Les peintures étaient souvent construites en haut-relief, le cadre traditionnel et la forme rectangulaire formelle du tableau étaient souvent abandonnés, transformant le tableau en une sorte de relief en 3D. La sculpture, au contraire, commençait à ressembler à des reliefs peu profonds, parfois en plastique ou en matériaux de récupération, qui pendaient au mur comme une image. Un sculpteur nommé César (Cesar Baldaccini) (1921-98) utilisaient même de la ferraille, généralement sous la forme de carrosseries d’automobiles compressées commercialement en balles ou bottes destinées au commerce de la ferraille. Cesar ont créé des sculptures, notamment des reliefs semi-sculpturaux qui ressemblent beaucoup à certaines des peintures du peintre américain «d’action», Jackson Pollock (1912-1956).

Avec la fin de la Seconde Guerre mondiale, un certain nombre de nouveaux sculpteurs britanniques ont commencé à devenir des artistes importants, mais ce n’est pas avant les années 50 que leur travail a obtenu une véritable distinction pour la sculpture britannique au niveau international. Ce fut une réalisation étonnante et très inattendue pour un pays dont le public avait si fortement résisté à l’influence de l’art moderne. Jusqu’alors, les seuls artistes modernes en Grande-Bretagne à avoir su développer la sculpture de manière suffisante pour acquérir une réputation internationale à l’étranger étaient Jacob Epstein, Henry Moore et Barbara Hepworth. Il était donc très surprenant qu’un groupe de sculpteurs britanniques, non seulement Henry Moore et Barbara Hepworth, dont la réputation était déjà acquise, mais comprenant une génération de sculpteurs plus jeune, remporte de nombreux prix et distinctions avec des œuvres acclamées et exposées dans toute l’Europe. et l’Amérique du Nord et du Sud. Et ils ont continué à gagner des prix et à être acclamés tout au long des années 1950.

Reg Butler, Lynn Chadwick et Kenneth Armitage

Reg Butler (1913-1981), Lynn Chadwick (1914-2003) et Kenneth Armitage (1916-2002) ont été les sculpteurs les plus remarquables de ce groupe plus jeune. La tendance générale de leur travail à cette époque était la dernière étape de la représentation, où la représentation est en train de disparaître et où l’abstrait a pris le dessus. Leurs formes sculpturales sont basiques et appartiennent à la géométrie, mais il y a des échos humains troublants dans l’œuvre, en particulier dans leur silhouette générale. Afin de créer un sentiment de «masse» sculpturale, Kenneth Armitage augmenta la taille des corps de ses personnages et réduisit l’importance de leurs extrémités. La tête, les bras et les jambes deviennent de simples boutons ou des ajouts en forme de bâtons à la figure. Armitage a également poussé cette idée un peu plus loin en utilisant non pas une, mais plusieurs figures composées en une seule et même grande forme. Le travail de Lynn Chadwick, qui a remporté un prix avec sa conception d’un monument au "prisonnier politique inconnu", était moins concerné par la figure humaine qu’Armitage et Butler. Ses sculptures créent un monde imaginaire étrange d’êtres semblables à des insectes, d’oiseaux et de bêtes hérissées, tranchants, anguleux et menaçants.

Reg Butler, qui a remporté le Grand Prix du Concours international de sculpture en 1953 avec sa maquette (petit modèle de croquis) pour un monument au «prisonnier politique inconnu», montre dans son travail ultérieur un retour à une méthode de travail plus traditionnelle. Son travail de cette manière est entièrement représentatif. Les surfaces modélisées ont le même type de texture que le travail de Rodin, mais les figures sont légèrement déformées afin de souligner la pose. Bien qu’ils soient représentationnels, ces œuvres ont un effet très «moderne». Il existe une « fille» en bronze, typique de cette phase de l’œuvre de Butler, à la Tate Gallery, où figurent également des œuvres de Chadwick et d’Armitage. Pour un sculpteur international travaillant dans un style pas trop différent, voir l’artiste suisse Alberto Giacometti (1901-1966).

Sculpture en métal

Il n’ya pas lieu de mentionner tous les styles et méthodes de travail utilisés pendant les années cinquante. Certains sculpteurs travaillaient dans l’idiome de constructivisme, d’autres au milieu de art cinétique (mobiles et autres sculptures en mouvement). Le métal était de plus en plus utilisé, souvent sous forme de morceaux de fer découpés ou forgés soudés. D’autres sculpteurs ont utilisé des pièces de machine et de ferraille qu’ils ont soudées ensemble pour en faire des pièces reconnaissables.

Pour d’autres sculpteurs associés au cinétisme, voir: Naum Gabo (1890-1977) et Jean Tinguely (1925-1991). Pour ceux qui travaillent dans le métal, voir: Mark Di Suvero (b.1933) et Richard Serra (b.1939).

Au cours des années 1950, le traitement de la texture de la surface de la sculpture a suscité un vif intérêt. La texture peut émerger assez naturellement à travers le caractère du matériau et la manière dont il est formé. Argile modelée molle, ou sculpture en terre cuite la qualité de surface est évidemment très différente de celle du bois ou de la pierre ciselé; tandis que la pierre dure a une qualité de surface différente de celle de la pierre tendre. Les premiers sculpteurs «modernes» étaient très préoccupés par l’idée des surfaces correctes pour les différents matériaux qu’ils utilisaient; La «vérité au matériel» était l’une de leurs règles de travail. La conviction de Henry Moore à l’égard des surfaces en pierre «naturelle» s’est concrétisée. Mais dans les années 1950, certains peintres et sculpteurs se sont intéressés à la texture de surface pour elle-même.

Eduardo Paolozzi

Eduardo Paolozzi (1924-2005) est un sculpteur qui a peut-être poussé à l’extrême les limites de la texture. Paolozzi est né à Edimbourg de parents italiens en 1924. Il utilisa beaucoup les surfaces richement texturées de ses bronzes, qu’il obtenait en utilisant de la ferraille et en imprimant des objets en métal avant leur coulée. En outre, de nombreux essais de nouveaux matériaux et de nouvelles méthodes d’utilisation des matériaux ont également été réalisés. Nous avons vu Assemblage d’art fabriqué à partir de matériaux «indésirables» ou «trouvés». (Voir, par exemple, Empire II du sculpteur américain Robert Rauschenberg.) Des pneus à moteur, des machines usées, des déchets et de nombreux types de déchets improbables ont été utilisés dans la «sculpture» contemporaine. Parfois, le sculpteur présente ces matériaux tels quels mais souvent, ils sont fondus en bronze, ce qui leur confère certainement plus de dignité et de prestige en tant qu ’«objets d’art». (Voir, par exemple, Ale Cans de Jasper Johns.)

Anthony Caro

Anthony Caro (1924-2013) est un autre personnage influent de la sculpture d’après-guerre britannique qui a commencé à travailler avec le métal. Assistant de Henry Moore au début des années 50, Caro est passé de la figuration à la sculpture abstraite sur métal après une rencontre avec le sculpteur américain abstrait. David Smith (1906-1965), en 1959. Early One Morning (1962, Tate Gallery, Londres) est un exemple de son style révolutionnaire d’abstraction.

Nouveaux matériaux dans la sculpture moderne

De telles expériences peuvent être considérées comme des exercices par lesquels l’artiste apprend le caractère de son matériau, ses qualités et ses possibilités de développement. L’utilisation d’un matériau jamais utilisé auparavant pour la fabrication de sculptures signifie bien sûr que l’artiste doit inventer une nouvelle méthode de travail. Il a vu dans ce matériau un nouveau type de beauté que personne n’avait peut-être jamais appréciée auparavant et il doit développer cela d’une manière qui le satisfasse en tant qu’artiste. Tout matériau utilisable, traditionnel ou non, suggérera sa propre manière de traiter correctement à un artiste sensible. Les matériaux nouveaux ou non traditionnels peuvent donc non seulement apporter une nouvelle approche à un artiste créatif, mais pourraient également conduire à la découverte de nouveaux types de beauté. Cependant, le mérite de toute technique dépend entièrement du mérite de l’artiste qui l’utilise. Le travail d’un mauvais artiste serait toujours mauvais même s’il était moulé dans de l’or pur. Le travail d’un bon artiste créatif peut être bon même s’il travaille avec des matériaux de récupération.

Collage

Les produits de telles expériences tendent à être abstraits. Le sculpteur fait de la matière le sujet de son travail, il ne l’utilise pas pour imiter autre chose. De telles œuvres restent abstraites même lorsque de véritables objets reconnaissables sont utilisés dans la sculpture. Pour que cette façon d’utiliser des objets ne soit pas représentative, les objets sont utilisés pour eux-mêmes. Cet appareil est utilisé dans la pratique de l’art moderne depuis ses débuts. Il a été introduit par les premiers post-impressionnistes dans leurs peintures et leurs sculptures. Ils ont utilisé des morceaux de journaux imprimés, une toile cirée et d’autres matériaux qu’ils ont collés sur leurs peintures pour préserver leur motif ou leur texture. Cette façon de travailler est connue sous le nom de ’ collage ’et il a été développé de différentes manières dans la peinture et la sculpture. Dès 1914, les peintres utilisaient des matériaux et des objets concrets pour créer une sculpture en trois dimensions (ou solide) selon les principes de Cubisme (voir les œuvres de Archipenko) et son mouvement frère Futurisme (voir les œuvres de Umberto Boccioni). L’idée a été beaucoup utilisée par les Surréalisme mouvement et nous le voyons aussi dans le travail des artistes qui ont expérimenté la texture au cours des années 1950. Ils ont attaché des matériaux fortement texturés à leurs peintures. (Des sacs en toile grossière, des filets de pêche, des sacs à oignons et toutes sortes de matériaux ont été utilisés de cette manière, souvent avec un effet riche.)

Dans les mains d’autres artistes, le «collage» est devenu populaire ou pop Art ’mais des photographies et des coupures de magazines sont généralement utilisées pour ce genre de travail. (Les Victoriens ont également largement utilisé l’idée de couvrir des écrans, etc., à la manière d’un scrapbook.) L’inclusion d’objets réels ajoute une nouvelle qualité à une œuvre d’art et de nombreux artistes en ont profité. L’utilisation de débris de machines reconnaissables a déjà été mentionnée, ainsi que d’assemblages qui poussent l’idée à fond. Les assemblages sont des arrangements d’objets et de parties d’objets et appartiennent à l’idiome de la sculpture de «ferraille».

Prêt Mades

Une autre manière d’utiliser des objets réels a été introduite en 1913 par un artiste français, Marcel Duchamp (1887-1968) – considéré comme le père de junk art – qui a exposé une roue de bicyclette sans ornement et «frais d’usine». C’était peut-être le premier exemple de ce type de pensée et les sculpteurs ont appelé les expositions « ready mades». L’artiste attirait l’attention sur la beauté d’un produit très ordinaire et inconsidéré de son époque. Duchamp a répété cette performance deux ans plus tard avec une pelle à neige, qu’il a intitulée " À l’avance d’un bras cassé ". Les «Ready mades» sont apparus assez régulièrement dans les expositions depuis.

Une variante de cet aspect du réalisme est apparue dans l’exposition " British Sculpture in the Sixties ", présentée à la Tate Gallery en 1965. Intitulée " Mounted Infant ", elle comprenait une petite table et une armoire d’angle avec très peu d’ajouts. Il suggère un petit garçon assis sur un cheval mais son intérêt principal réside dans le fait qu’il soit entièrement moulé en bronze. Cela pourrait difficilement avoir l’air plus réel, plus comme une table et un placard s’il était toujours dans son état original.

Nouvelles méthodes et techniques de sculpture

Nous constatons que les intentions et les idées des pionniers de l’art moderne se sont implantées en Angleterre après de nombreuses années de résistance positive. Mais quelles que soient les raisons de la plus grande tolérance du public dans les années 1950, cela a permis aux artistes d’ici de développer leur travail avec plus de liberté. En conséquence, la sculpture britannique a réussi à se débarrasser de toutes les restrictions restantes aux méthodes de travail traditionnelles. Il y a maintenant peu d’obstacles sur le chemin du sculpteur, il est libre de travailler à sa guise.

Le génie espagnol Pablo Picasso (1881-1973) ont montré qu’un artiste était libre de changer sa façon de travailler tout au long de sa vie. En matière d’art, ce changement ne doit plus être un processus émotionnel ou instinctif de lent changement, un développement lent et inévitable d’artistes travaillant pendant de longues périodes. Les deux jeunes sculpteurs d’aujourd’hui, quant à eux, n’ont pas besoin de l’apprentissage de son art. L’assistant rémunéré du sculpteur est de retour. Hormis aujourd’hui, il n’est pas susceptible d’être un sculpteur professionnel, car, bien que Henry Moore et Barbara Hepworth aient longtemps employé des sculpteurs sur pierre comme assistants rémunérés, les sculpteurs réagissent actuellement contre la pierre en tant que matériau de sculpture. ses fortes associations traditionnelles. Les assistants professionnels employés par les sculpteurs de l’ère contemporaine de l’art contemporain sont plus susceptibles d’être des experts en logiciels informatiques ou des experts en conception assistée par ordinateur.

La sculpture moderne doit être neuve

Tout ceci est une réaction contre les méthodes de travail traditionnelles: plus un artiste peut s’éloigner du travail traditionnel, plus son travail est «moderne» ou «contemporain» ou actualisé et tourné vers l’avenir. Aujourd’hui art postmoderniste est faite par les nouvelles générations de artistes postmodernistes qui sont nés longtemps après la bataille initiale contre le traditionalisme menée par les activistes du cubisme. Mais l’art n’atteint pas une sorte de «perfection» et reste ensuite comme cela pour toujours, car ce qui est juste pour un âge peut être totalement faux pour un autre. Il est stupide de dire qu’une statue est révoltante ou mauvaise simplement parce qu’elle ne ressemble pas à une statue sculptée dans la Renaissance italienne il y a 400 ans ou dans la Grèce antique il y a 2 000 ans. Un beau travail de art d’avant-garde n’est ni meilleur ni pire qu’un excellent travail effectué des centaines, voire des milliers d’années. Mais c’est et doit être différent. Si ce n’est pas le cas, il ne s’agit que d’une copie de quelque chose du passé qui n’exprime pas véritablement les pensées, les sentiments ou les idées de l’artiste ou de son époque.

Ressources supplémentaires

Des exemples de sculptures britanniques modernes des années 1930-1970 peuvent être vus dans plusieurs meilleurs musées d’art et des jardins de sculptures à travers le monde.