Sculpteurs Néoclassiques Automatique traduire

Avènement du néoclassicisme

En France, l’ascension ténue du rococo pendant la période de la Régence a provoqué une réaction en faveur d’un style de vie plus noble et plus sérieux. sculpture dans les années 1740, ce qui, nous l’avons vu, était associé à un sentiment de nostalgie du règne de Louis XIV. le classicisme des années 1740 et de Bouchardon en particulier ne doit cependant pas être considéré comme un rejet de la Baroque, mais comme un développement ultérieur du classicisme baroque qui renvoie au style de la fin du XVIIe siècle plutôt qu’à Sculpture grecque ou Sculpture romaine de l’antiquité. Ce n’est qu’à Rome dans les années 1760 que l’insatisfaction grandissante suscitée par Jacques-Louis David appelée "la file d’attente de Bernini" ou la fin du baroque, trouve son expression dans une théorie cohérente de Sculpture néoclassique.

Le porte-parole de art néoclassique était Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), l’antiquaire allemand, qui a publié un certain nombre de publications sur Art grec celui-ci tenta pour la première fois d’organiser les statues grecques en fonction de leur développement stylistique. Winckelmann voyait dans le baroque un héritage malheureux qui devait être balayé pour que les artistes reviennent à la pureté et à la simplicité de Antiquité classique. Il a plutôt choisi de façon inattendue le statue au Vatican connu sous le nom Laocoon et ses fils (c.42-20 AEC), comme l’un des principaux exemples du " edle Einfalt und stille Grosse " des meilleures œuvres grecques, mais il a vu ces qualités dans la retenue et la noblesse avec lesquelles Laocoon subit sa terrible agonie.

La qualité de la retenue avait toujours été admirée par les théoriciens classiques, mais la nouveauté de l’argument de Winckelmann est que son idéal de simplicité n’est pas simplement un avertissement d’éviter la sur-élaboration, mais un appel aux artistes pour se purger de tout ce qui est étranger à la pure réalisation. de l’idée de leur travail. En conséquence, une apparence convaincante de la réalité n’était plus une condition sine qua non et le naturalisme était condamné en tant qu’imitation de la nature.

Antonio Canova

La théorie et le développement antérieur du néoclassicisme concernaient essentiellement les réalisations des étrangers à Rome, mais le plus grand représentant était Antonio Canova (1757-1822), un Italien qui a étudié à Venise. Il s’est soudain converti à la doctrine du néoclassicisme, et nous pouvons suivre l’évolution de son travail et la réaction de ses contemporains. Canova est né à Possagno, près de Venise, et s’est acquis une grande réputation à Venise, en particulier pour le groupe de Dédale et Icare (1779). Ce travail est toujours dans un idiome baroque résolument tardif; la surface des personnages est minutieusement décrite et leurs relations gracieuses et conversationnelles. Il en apporta une version à Rome en 1779, où il se lia d’amitié avec le peintre écossais Gavin Hamilton, devenu l’arbitre du goût néoclassique après la mort de Winckelmann en 1768. En 1781, l’ambassadeur de Venise donna à Canova un bloc de marbre. pour un groupe de Thésée et du Minotaure et, apparemment sur le conseil de Hamilton, il décida de montrer le moment du triomphe après la bataille au lieu de la bataille elle-même. Le travail est révolutionnaire dans sa sévérité sans compromis. Il marque la fin de l’ère baroque de la sculpture et, désormais, le nouveau style grec devient peu à peu le style officiel pour tous les monuments et les grands projets de sculpture. Son succès avec le Thésée a conduit à la commission pour la tombe du pape Clément XIV (1784-7) dans Ss. Apostoli à Rome. Ce projet invitait la comparaison directe avec Bernini et la réalisation finale de Canova peut être vue comme une purification délibérée du concept de la tombe papale de Bernini; la polychromie éblouissante a été remplacée par le marbre de Carrare non souillé, et les formes curvilignes et les diagonales fortes ont cédé la place à un système rigide d’horizontales et de verticales, tandis que les figures sont espacées et séparées les unes des autres.

Le zèle de Canova pour éliminer les excroissances de la conception de Bernini a également supprimé une grande partie de la vitalité artistique. Ses œuvres moins ambitieuses, où il reste un peu d’esprit rococo, sont maintenant beaucoup plus acceptables que ses tombes grandioses, mais ses contemporains ont une vision plus optimiste de ses réalisations. Milizia, contemporain et partisan de Canova, a loué la tombe de Clément XIV pour ses qualités grecques: «Je suis cependant assuré que, si en Grèce et pendant les plus heureux âges de l’art grec, il avait fallu sculpter un pape, le sujet n’aurait pas été traité différemment du présent ’, alors que les spectateurs qui ont vu le Thésée pour la première fois étaient convaincus qu’il s’agissait d’une copie d’un original grec et étaient étonnés de se tromper. Pourtant, Canova a toujours détesté la pratique consistant à copier des œuvres grecques. Pour lui et pour Winckelmann, l’imitation signifiait le retour à l’esprit originel des Grecs, dont bronze et pierre les chefs-d’œuvre étaient l’aboutissement naturel d’un âge d’or où artistes et philosophes étaient unis dans la contemplation de la perfection du corps humain. (Une approche adoptée par Sculpteurs de la Renaissance comme Michel-Ange.) L’opposition à Canova, qui était amère à ses débuts, se résume dans la remarque du directeur de la Académie Française, qui, en voyant le Thésée, a demandé à Canova: Dis-moi, pourquoi as-tu changé de style? qui vous a persuadé d’abandonner la poursuite de la nature?

Remarque: Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), le sculpteur germano-autrichien surtout connu pour son extraordinaire "Character Heads", était l’un des premiers néoclassicistes.

Jean-Baptiste Pigalle

Le dégoût des Lumières à la frivolité du style d’art rococo contribué au classicisme grandissant de la sculpture française au XVIIIe siècle, mais il est ironique que le pays de Poussin produit aucun sculpteur néoclassique à comparer avec Canova. La statue nue de Voltaire montre que les sculpteurs français n’ont jamais réussi à se débarrasser d’un naturalisme baroque résiduel ou d’une gaieté rococo. Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785), qui a été conçu dans un esprit consciemment classique. Le projet avait été suggéré pour la première fois en 1770 lors d’un dîner offert par Madame Necker, entre autres à Diderot, Grimm, d’Alembert et Helvetius. L’intention était de commémorer Voltaire comme exemple pour la postérité, car, selon les mots de Diderot, «la postérité est pour le philosophe ce que l’autre monde est pour les dévots». Le modèle original soumis par Pigalle montrait Voltaire drapé, mais sous l’influence de Diderot, Pigalle décida de montrer Voltaire nue et enleva le corps à un ancien combattant du même âge que Voltaire. Cela a gêné la plupart des membres du groupe d’origine et Voltaire lui-même, qui craignait le ridicule, mais il s’est finalement résigné à cela et a écrit: «Je ne peux qu’admirer l’antique dans l’œuvre de M. Pigalle; nu ou vêtu, cela n’a pas d’importance, car je n’inspirerai pas d’idées lascives chez les femmes, mais je leur suis présenté.

Remarque: pour une discussion historique de la nudité dans la peinture et la sculpture, voir: Nus féminins en histoire de l’art (Top 20), et aussi s’il vous plaît voir Nus masculins en histoire de l’art (Top 10).

La statue est modelée sur une statue antique de Sénèque coupant ses veines et elle a été considérée par la prochaine génération comme un point de repère dans le développement du néoclassicisme, mais elle a été condamnée par Quartremere de Quincy, le grand prêtre de l’Idéal en France, littéral et anatomique, et par un biographe de Canova parce que «la bienséance a été sacrifiée à une apparence de science». Ces deux critiques font la différence essentielle entre Pigalle et Canova, bien que celui-ci ait beau protester contre son graécisme, il a dépeint le corps de Voltaire avec une précision naturaliste qui le différencie de la généralité du modèle de Canova. Une comparaison peut être faite avec Napoléon héroïque de Canova, où le sculpteur ne fait aucune concession sur la réalité de l’apparence de Napoléon, mais lui montre un physique dieu, à l’instar de la pratique romaine de déification de leurs empereurs.

Une tentative de grande portée pour résoudre le problème du «nu contemporain» peut être vue dans la figure allongée de Canova de la soeur de Napoléon, Pauline Borghese. C’était une femme notoirement dépourvue de vertu antique, mais Canova élève sa personnalité coquette à sa forme idéale, la montrant comme Vénus Victorieuse, avec une pomme dans sa main pour offrir à qui elle veut. Il s’agit donc d’un compte rendu fidèle de sa personnalité, mais en même temps fidèle à la pratique antique qui consistait à associer les grands à leur divinité la plus appropriée.

Remarque: pour un guide sur les origines et le développement de l’art 3D, y compris les principaux mouvements architecturaux, voir: Histoire de la sculpture.

Jean-Antoine Houdon

Le sculpteur français Jean-Antoine Houdon (1741-1828) avait également été influencé par le climat néoclassique de Rome dans les années 1760 et son Saint-Bruno (1766) pour S. Maria degli Angeli à Rome est une interprétation particulièrement lucide et contemplative d’un sujet essentiellement baroque. De retour en France, il aborde le problème du portrait avec une approche plus pragmatique, en choisissant un style adapté à l’occasion. Son buste de Voltaire, dont il est l’auteur de nombreuses versions, est un chef-d’œuvre de recherche du naturalisme, dans lequel on voit la tête extraordinaire du philosophe au moment de la plus grande animation, révélant son esprit sardonique. Celles-ci bustes de portrait ont été faits pour être des souvenirs de Voltaire pour ses amis, mais la statue longue de 1781 en position assise, pour l’Institut, était destinée à être commémorée publiquement et la tête est ainsi érigée en une image de dignité suprême, De Rodin Balzac est issu de la physionomie de l’écrivain.

Clodion

Claude Michel appelé Clodion (1738-1814) est un autre exemple d’artiste dont le travail a tendance à fluctuer d’un style à l’autre en fonction de la demande. Il est surtout connu pour ses petits groupes en terre cuite, comme Cupidon et Psyché. qui sont dans le plus pur goût rococo, mais dans ses dernières années, il fut obligé de composer avec le goût grec, et adapta ainsi son style à incorporer des motifs grecs. Il réussit assez bien à obtenir des travaux sur l’Arc du Carrousel sous Napoléon, mais le pédantisme archéologique de sa Vestal est très éloigné du sérieux de Canova.

Joseph Nollekens

Les sculpteurs anglais ont été parmi les premiers à adopter les théories de Winckelmann à Rome, et il est probable que Canova ait beaucoup appris de leur conversation et de leur exemple. Bon nombre d’entre eux avaient été établis là-bas pour restaurer et copier des antiquités sculpture en marbre pour les clients anglais comme un moyen de subvenir à leurs besoins. Joseph Nollekens ’(1737-1823) une copie de l’antique Castor and Pollux fut faite pour Lord Anson en 1768 et, même si Nollekens n’était probablement pas très intéressé par les théories de Winckelmann, il s’agit d’une copie exacte et sensible. Son véritable cadeau était le portrait. À son retour en Angleterre en 1770, il créa une pratique florissante, réalisant également un certain nombre de dessins rococo pour la sculpture sur jardin. Comme Houdon, ses inclinations étaient orientées vers le baroque, mais plus tard, il réalisa des portraits d’une manière sévère à la romaine.

Thomas Banks

Thomas Banks (1735-1805) fut le premier sculpteur anglais à s’imprégner de l’esprit de Winckelmann et à produire des œuvres néoclassiques d’une réelle conviction. Son premier travail de la nouvelle manière est la mort de Germanicus de 1774, qui révèle une dette envers le cercle de Gavin Hamilton dans son thème stoïque et la manière dont l’action du relief est maintenue parallèlement au plan frontal, de la manière suivante: d’un bas-relief romain. L’allongement des personnages et leurs gestes passionnés trahissent l’influence de son ami le peintre symboliste suisse Henry Fuseli, et la combinaison de contour clair et de mouvement agité rappellent celle de William Blake. La réputation de Flaxman a éclipsé l’importance du travail de Banks, mais ses contemporains ne doutaient pas de sa grandeur, même s’il avait peu de dons pour le monumental.

Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer la sculpture néoclassique, voir: Comment apprécier la sculpture. Pour les travaux ultérieurs, s’il vous plaît voir: Comment apprécier la sculpture moderne.

John Flaxman

Le sculpteur anglais néoclassique John Flaxman (1755-1826) est également peu impressionnant dans les œuvres à grande échelle, mais il utilise davantage les méthodes mécaniques de reproduction et ses esquisses dessinées pour Dante et Homère le rendent célèbre et influent en Europe. Jeune homme, il était un ami de William Blake à la Royal Academy, où ils étaient tous deux attirés par le médiévalisme littéraire des années 1770 et 80, mais Flaxman était beaucoup moins imaginatif que Blake. Après avoir conçu l’architecture de l’usine Wedgwood en 1787, il se rendit à Rome où il étudia non seulement les antiquités, mais Sculpture Renaissance italienne. Canova l’ engagea et lui obtint l’importante commission de la Fury of Athemas ) 1791-1717) de l’excentrique anglais le comte de Bristol et évêque de Derry. Le groupe de Flaxman est une refonte assez académique de la propre idée de Canova concernant Hercules et Lichas (achevée en 1796), mais ses contemporains l’admirèrent grandement. Il était parfois demandé à de riches connaisseurs comme Lord Egremont de travailler de nouveau dans ce style «correct», mais à son retour en Angleterre en 1792, il découvrit, comme les précédents prodiges de Rome, qu’il y avait trop peu de collectionneurs de sculptures en Angleterre pour vivant et qu’il serait jugé comme sculpteur de monuments. Heureusement pour lui et pour d’autres sculpteurs, les guerres françaises avaient créé une explosion de demandes de monuments héroïques aux officiers tombés au combat, et son classicisme plutôt insipide était considéré comme tout à fait approprié pour commémorer leur valeur patriotique.

Le Monument Mansfield (1795) montre assez clairement les forces et les faiblesses de Flaxman en tant que fabricant de sculptures monumentales. La structure du monument, qui est autonome, avec le comte de Mansfield soutenu par Justice et Sagesse, est inspirée des tombes papales de Bernini, mais le rendu naturaliste de Mansfield contraste malheureusement avec les insipides figures allégoriques. Le vrai cadeau de Flaxman était pour les contours et il n’était donc pas étonnant qu’il ait eu beaucoup de succès au relief monumental. Au Monument de Lushington, il a pu employer une douce piété poétique dérivée de son étude de la sculpture italienne trecento et de la simplicité éthérée de la ange, en particulier dans le modèle de croquis, rappelle le travail de Blake. La piété simple de Flaxman et son intérêt pour les enfants l’entraînèrent souvent dans un état de manège qui offrait un exemple désastreux à ses successeurs, mais ses croquis préliminaires, qui sont maintenant en grande partie conservés à University College de Londres, témoignent d’un esprit inventif et d’un large éventail d’influences.

Flaxman est à bien des égards une figure de transition et, dans son travail, nous voyons le début d’une approche de la sculpture spécifiquement du XIXe siècle. Le néoclassicisme avait ouvert la voie à une appréciation d’autres périodes «primitives» en dehors de la période grecque, en particulier de la période gothique. histoire des arts comme une sorte de dictionnaire, qui pourrait être pillé pour des styles et des motifs, et à l’idée qu’un style du passé pourrait être appliqué arbitrairement à une tâche particulière. Flaxman annonçait ce développement, offrant dans un cas à un client le choix d’un dessin classique ou gothique pour une tombe monumentale; et en général, sa tentative de réconcilier un style néoclassique «dépouillé» avec une piété «gothique» annonçait la perte de l’autonomie stylistique qui devait se révéler si dangereuse au XIXe siècle. De plus, sa production de monuments en grande partie identiques pour différents patrons une négligence quant à la finition de l’œuvre qui ne devait que trop séduire ses disciples, dont l’aridité atteignit l’apothéose du monument commémoratif Albert (voir aussi Sculpture irlandaise et John Foley.)

Sir Richard Westmacott

Le principal rival de Flaxman, Sir Richard Westmacott (1775-1856), fut l’élève de Canova et parvint à de rares occasions à égaler la grandeur de son maître. Le monument à Charles James Fox (1810-1823) est le meilleur groupe monumental anglais de l’époque et Canova pensait que la figure du nègre était aussi belle que tout ce qui a été produit à son époque. Mais il était aussi victime d’une production en série et des tentations d’un style qui renonçait à la texture de surface au profit d’une finesse qui pouvait être obtenue de manière convaincante par des assistants sans talent.

Bertel Thorvaldsen

Le sculpteur néoclassique danois succéda à la réputation européenne de Canova. Bertel Thorvaldsen (1770-1844), qui aborda l’Antiquité avec une hauteur d’esprit comparable mais avec moins d’originalité et tenta, à l’instar de Flaxman, d’adapter son style aux exigences de l’imagerie religieuse.