Sculpture néoclassique: art de style grec / romain Automatique traduire

Qu’est-ce que le néoclassicisme?

Art néoclassique était le style d’art dominant en Europe et en Amérique à la fin du 18ème et au début du 19ème siècle. Il inclus Architecture néoclassique et Peinture néoclassique aussi bien que Art plastique de tous types. Inspiré par les découvertes archéologiques de Pompéi et d’Herculanum et par un renouveau de l’architecture, Sculpteurs néoclassiques a rejeté la beauté frivole de la Rococo en faveur de l’ordre et la clarté associée à Art grec et son jeune frère Art romain. La renaissance néoclassique a commencé à Rome – une étape importante dans la grande tournée – de là où il s’est étendu vers le nord jusqu’en France, en Angleterre, en Allemagne, en Suède, en Russie et en Amérique.

Caractéristiques générales

Classicisme, ou néoclassicisme – l’imitation de la art de l’antiquité classique – a dominé toute l’Europe au cours des dernières années du dix-huitième et du premier quart du dix-neuvième siècle. Le style a été défendu par la propagande de l’érudit allemand Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) – notamment dans ses deux ouvrages intitulés "Réflexions sur la peinture et la sculpture des Grecs" (1755) et "Histoire de l’art de l’antiquité" (1764) – et le peintre allemand Anton Raphael Mengs (1728-1779); mais le mouvement peut aussi être vu comme une réaction spontanée contre les extravagances de Sculpteurs Baroques et Rococo (1600-1750). L’imitation de grec et Sculpture romaine pratiqué par les néo-classicistes était même plus absolu que celui montré par Sculpteurs de la Renaissance comme Michelangelo (1475-1564). Comme au début on ne connaissait pas les productions des meilleures périodes antiques, les œuvres des élèves de Praxiteles et de Art hellénistique en général ont été pris comme les modèles suprêmes, avec pour résultat que le charme et la grâce, la douceur et parfois même la sensualité sont devenus le grand desiderata. Bien que les sculptures de la Parthénon (447-422) et le temple d’Aeginetan ont été révélés à l’Europe au début du 19ème siècle, ils avaient vraiment très peu d’influence. Bertel Thorvaldsen et d’autres sculpteurs néoclassiques qui se sont par la suite vanté d’avoir atteint un style plus essentiellement grec que Antonio Canova et la génération précédente, lui attribuant le nom d’Hellénisme; mais en réalité, l’ensemble du néoclassicisme était à peu près le même.

Comme tous les imitateurs, le néoclassiciste a exagéré les traits de ses prototypes, en omettant par exemple la modélisation, autant que possible dans ses efforts après la beauté idéalisée et généralisée de l’antiquité. Les buts qu’il s’était fixés étaient le repos du corps hellénique, l’impassivité classique du visage et la simplicité de la composition; mais parfois, dans un dernier hommage à Sculpture baroque ou dans un effort frénétique pour briser la vague de froid du style néoclassique, il a osé s’adonner à une gesticulation extravagante, d’autant plus évidente et douloureuse qu’elle était impropre aux formes qu’il avait empruntées au passé. La perspective picturale était bannie des reliefs. Les sujets chrétiens étaient jugés moins capables de l’expression artistique la plus élevée que ceux de la mythologie et de l’histoire classiques. Selon les théoriciens les plus stricts, les portraits étaient tabous; mais le patronage les demandait et leurs exécutants apaisaient leur conscience en généralisant les traits, en les rapprochant de ceux d’une figure grecque ou romaine, et en revêtant les formes d’un costume ancien ou d’une nudité ancienne ou du moins en dissimulant quelque peu la tenue contemporaine dans un style classique. manteau drapé. Tous les thèmes étaient opprimés par la sentimentalité rhétorique. Pourtant, même le néoclassicisme avait ses vertus et l’un d’entre eux était une récupération partielle du sens sculptural distinct du pictorialisme baroque.

REMARQUE: pour les autres écoles et tendances stylistiques importantes, veuillez consulter Mouvements d’art (à partir de 100 avant notre ère).

Sculpture néoclassique en Italie

Le premier grand représentant du style en sculpture était un Italien, Antonio Canova (1757-1822), né à Possagno dans la province de Trévise mais actif principalement à Rome. Il a colorié la manière néoclassique avec d’autres caractéristiques, mais il a également illustré ses caractéristiques typiques. L’étroite similitude de son Persée avec la tête de Méduse, au Vatican, sur l’ Apollo Belvedere révèle à quel point il s’est parfois livré à une reproduction presque exacte des antiquités. D’autres fois, la relation, bien qu’indubitable, n’est pas aussi tangible: par exemple, Cupidon et Psyché, au Louvre, semblent avoir été suggérés par un tableau représentant un faune et une nymphe d’Herculanum. La conception de Pauline Bonaparte en tant que Vénus Victrix peut servir d’exemple de son adaptation des portraits aux figures classiques. À l’instar de l’artiste grec Praxiteles, l’art de Canova incarne les normes néoclassiques de grâce et de douceur. Une des raisons était que ces qualités étaient en accord avec sa propre personnalité, et il y a, en effet, une note plus subjective dans la sculpture de Canova que dans la production moyenne du mouvement. Il possédait un sens de la beauté physique, l’héritage inaliénable de sa race, que même la tyrannie du néoclassicisme ne pouvait totalement atténuer.

En un mot, ses œuvres ont plus de chaleur que celles de ses rivaux. L’élégance et la douceur de nombre de ses productions sont des échos persistants de l’art rococo. Hercules et Lichas exposent une autre phase de sa personnalité à la Galerie nationale d’art moderne de Rome, une de ses tentatives occasionnelles et réussies de reproduire les aspects colossaux et percutants de l’antique. Ici, comme dans d’autres cas, le sens baroque était encore assez puissant pour lui permettre de choisir le moment de la représentation. Il n’était pas aussi inconscient de la nature que l’exigeaient les puristes. Certains de ses portraits, tels que Laetitia Bonaparte à Chatsworth, en Angleterre, en sont la meilleure preuve. Les tendances contemporaines à la simplification, à la placidité, à l’allégorie et au sentiment sont bien illustrées par sa série de monuments funéraires. Dans les deux tombeaux du pape Clément XIV et du pape Clément XIII, le premier dans l’église du SS Apostoli, le dernier à Saint-Pierre de Rome, il a réduit le sépulcre de type baroque à une plus grande tranquillité. Son mausolée le plus prétentieux, le monument de l’archiduchesse Marie-Christine dans l’église augustinienne de Vienne, est un exemple subtil du tombeau dramatique français du XVIIIe siècle.

Sculpture néoclassique au Danemark

L’hellénisme vanté de Bertel Thorvaldsen de Copenhague (1770-1844) ne s’est surtout manifesté que par une plus grande profusion de sujets grecs et par une plus grande précision et précision archéologiques. S’étant établi à Rome, il devint un esclave absolu de l’antique. Il était évident que son respect de la nature serait réduit au minimum. On manque dans sa sculpture l’empreinte de personnalité que Canova a réussi à conserver. Lorsqu’il n’était pas aidé par les idées des autres et lorsqu’il ne reproduisait pas des conceptions antiques, il était simple et sans imagination, presque au point de devenir stupide, et il ne compensait aucune qualité émotionnelle. C’est très bien de dire qu’il avait l’intention de cette simplicité et de cette suppression de la passion parce que tous deux étaient incongrus avec la tranquillité de l’Antiquité; mais s’il n’avait pas eu un tempérament très flegmatique, il aurait sûrement frotté sous de telles restrictions et, parfois et dans une certaine mesure, il aurait sûrement secoué ces entraves. Il était même techniquement inférieur à Canova. La principale qualité esthétique avec laquelle il était concerné était probablement la composition, et ici, il était presque toujours bon. Un ou deux exemples suffiront. Comme le Perseus of Canova, son Jason avec la toison d’or (1803) n’est qu’une transcription de l’ Apollo Belvedere. Dans la frise du triomphe d’Alexandre, les cavaliers sont suggérés par la frise du Parthénon et les Asiatiques par les barbares de la colonne de Trajan. Comme Canova, il était plus à l’aise dans l’élégance douce que dans l’héroïsme et, pour cette raison, il préférait peut-être le soulagement. statues dans le rond. Mais même dans ses meilleures œuvres de cette manière, telles que les célèbres tondos allégoriques de Morning and Night, il ne s’est pas approché aussi près de la grâce praxitelienne que son rival italien. Le plus proche qu’il ait jamais eu à naturalisme était dans trois de ses quatre tondos des Saisons, le printemps plutôt charmant demeurait antique dans sa conception. Ses portraits, il était susceptible de traduire complètement en termes anciens, jusqu’à ce qu’il ne reste que peu de suggestion de l’individu. Le comte Potocki dans la cathédrale de Cracovie, par exemple, est un guerrier classique hautement idéalisé. Son meilleur portrait est peut-être l’effigie de Pie VII assis sur la tombe de basilique Saint Pierre, monument du type plus tranquille employé par Canova. À la fin de sa vie, il fut contraint de sacrifier quelque peu ses principes et de rendre hommage au mouvement romantique; mais avec son manque de sens historique, il était ici hors de son élément, et même dans la meilleure de ses statues en costume romantique, comme le cavalier Maximilian I dans le Wittelsbacher-Platz, Munich, il n’a pu atteindre aucune incision ou la force.

Sculpture Néoclassique en France

Le néoclassicisme français est représenté avant tout par Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) et son élève Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Pigalle, devenu académicien à l’âge de 30 ans, était tout aussi doué pour la création de petits objets de genre que pour la grandiose sculpture de tombes – l’un des grands artisans de son époque. Son élève Houdon a remporté le Prix ​​de Rome en 1761 et a très tôt gravé deux œuvres qui lui ont valu sa réputation: le néoclassique St Bruno (1767, S. Maria degli Angeli) et un personnage masculin "ecorche" (1767, Schlossmuseum, Gotha) largement utilisé. dans les académies des beaux-arts pour démontrer l’anatomie humaine. Cependant, il est devenu mieux connu pour ses portraits de marbre et bustes de portrait, tel que Voltaire (1781), Bibliothèque de la Comédie française, Paris.

Le néoclassicisme a été particulièrement encouragé en France par les idéaux révolutionnaires des anciennes républiques et par les visions de Napoléon sur un empire romain. La dictature artistique dont jouissaient autrefois des hommes tels que Charles Le Brun était maintenant brandi par le peintre Jacques-Louis David, qui a exercé son influence antiquaire confirmée dans la sculpture aussi bien que dans sa propre sphère. Toutefois, les emprunts antiques étaient teintés d’un «caractère français» indiscutable. Ils n’ont jamais été aussi absolus que ceux de Canova et de Thorvaldsen.

Un groupe de sculpteurs a cultivé la grâce praxitélienne exposée par Antoine Denis Chaudet (1763-1810) dans son exquis Cupidon Catching a Butterfly. Pierre Cartellier (1757-1831) peut être considéré comme le représentant d’une autre coterie, plus austère, qui a eu du succès dans la décoration de l’architecture néoclassique et dans d’autres entreprises monumentales. En se basant sur une ancienne pièce de monnaie ou un joyau, par exemple, il a réalisé un relief assez impressionnant dans sa Quadriga triomphale au- dessus de la porte centrale de la colonnade, sur la façade est du bâtiment. Palais du louvre. Moins dissimulé que la majorité des néo-classicistes, il a révélé dans sa statue de Vergniaud à Versailles des qualités de portrait que même son enthousiasme archéologique et le costume antique ne pouvaient complètement annuler.

Certains sculpteurs se risquèrent dans une rébellion un peu plus décidée, osant, dans une certaine mesure, étudier la nature et donner au moins un minimum de chaleur à leurs créations. Joseph Chinard de Lyon (1756-1813), dans les contours flous de son favori sculpture en terre cuite, a conservé une grande partie de la lumière et du charme gracieux du rococo. Ses Trois Grâces au Musée des Beaux-Arts de Lyon est un exemple typique du mode délicat et fantaisiste dans lequel le dix-huitième siècle a traité des thèmes mythologiques. Sa renommée repose sur ses bustes délicats de jeunes femmes. Bien qu’il se soit parfois adapté aux normes existantes pour les revêtir d’un costume classique, il a violé le dogme néoclassique en en faisant de vrais portraits, et peut-être plus que quiconque à l’époque où il les a investis avec une sensibilité française au charme féminin.

Sculpture de l’Antiquité Classique
Première sculpture grecque classique (500-450 avant notre ère)
Début de l’âge d’or. Voir chars de Delphes (475)
Haute sculpture grecque classique (450-400 avant notre ère)
La glorieuse époque des statues et des reliefs du Parthénon.
Sculpture grecque classique tardive (400-323 AEC)
Voir des œuvres comme Aphrodite de Knidos et Apollo Belvedere.
Sculpture grecque hellénistique (323-27 AEC)
Voir Vénus de Milo et Laocoon .
Sculpture en relief romain (117-324 CE)
Découvrez de fabuleux reliefs historiques comme ceux de Colonne de Trajan.

Sculpture néoclassique en Allemagne et en Autriche

La tradition naturaliste était trop profondément ancrée dans l’art allemand pour être éradiquée par le néoclassicisme, comme c’était le cas dans d’autres pays.

La transition du rococo au néoclassicisme a été incarnée par Johann Heinrich Dannecker de Stuttgart (1758-1841). Le charmant Sapho du musée de Stuttgart illustre la façon dont son éducation rococo a laissé une agréable conséquence dans toutes ses productions antérieures, tant par sa préférence pour les sujets lui permettant de traiter la figure féminine que par sa prédilection pour les formes un peu plus fines et plus gracieuses que celles cultivées par le plus héroïque parmi les néoclassicistes. À mesure qu’il devenait de plus en plus néoclassique, bien que des prototypes anciens définis pour ses œuvres puissent parfois être trouvés, l’effet de l’art classique sur lui peut être recherché dans des impressions fusionnées de plusieurs antiquités ou, encore moins dans des imitations originales du style ancien. C’est donc plutôt l’esprit de l’antique qui respire à travers sa Fille pleurant son oiseau mort (1790), probablement suggérée par le poème de Catullus sur Lesbia et le moineau mort. Ariadne on the Panther (1810-24, Liebieghaus, Frankfurt am Main) est sa plus grande réussite. L’importance durable de Dannecker réside dans l’union agréable d’un naturalisme modéré avec les anciens principes de rythme et d’harmonie. Les meilleurs exemples de naturalisme, sont, comme d’habitude, les bustes de portrait. Il était notamment "le" portraitiste de Schiller. Parmi plusieurs exemples, le plus ancien, dans la bibliothèque de Weimar, est le plus mémorable, malgré le fait que les cheveux sont traités avec le conventionnalisme antique.

Le plus grand sculpteur allemand de la période néoclassique était Johann Gottfried Schadow de Berlin (1764-1850). Il est nécessaire de décrire Schadow comme "de la période néoclassique" et non comme essentiellement néoclassique lui-même, car, inévitablement influencé par le style rococo de sa jeunesse et par l’antiquarianisme dominant, il était indépendant de tout mouvement et reconnu comme son ne guide que la nature et ses propres conceptions. S’il devait être assigné à une tendance, son naturalisme serait plus en harmonie avec le rococo. Il s’est approché le plus du genre néoclassique dans sa décoration de la porte de Brandebourg à Berlin et dans son dernier ouvrage de sculpture en marbre, la jeune fille couchée à la National Gallery, Berlin. Les exemples les plus frappants de son réalisme, tous avec des uniformes militaires contemporains, sont les statues de Frédéric le Grand au Provinzial-Landhaus de Stettin et des généraux Ziethen et Von Dessau au Kaiser Friedrich Museum. Son travail le plus populaire est le groupe de portraits debout des deux soeurs, les princesses Louise et Friederike de Prusse, au palais de Berlin. Dans une mesure plus grande que Dannecker, il est parvenu à une fusion agréable du naturalisme, de la beauté rococo et de cette grâce classique qui a été grandement aidée par la similitude du costume à la mode de l’empire et de la robe de la Rome antique.

Sculpture néoclassique en Angleterre

Les sculpteurs anglais de cette période cherchaient à compenser une sorte de morosité provinciale et la froideur générale du style néoclassique par un recours à la rhétorique plus libéral que même leurs rivaux du continent ne s’y autorisaient.

L’un des premiers Artistes néoclassiques Thomas Banks (1735-1805), créateur du film stoïque, a produit en Angleterre des œuvres de toute conviction réelle néoclassique. sculpture en relief La mort de Germanicus (1774), connue pour la façon dont l’action est maintenue parallèlement au plan frontal, dans la tradition de l’antique romaine. Un autre néoclassiciste, qui passa les années 1760 à Rome, fut le portraitiste Joseph Nollekens (1737-1823). A l’instar de Houdon, il avait un faible pour le baroque, mais a ensuite fait de nombreux portraits d’une manière particulièrement austère à l’époque romaine.

Le premier néoclassiciste important était John Flaxman (1755-1826), qui était beaucoup plus distingué dans son dessin que dans sa sculpture. Lui-même n’a jamais appris à manipuler le marbre avec succès et était généralement modelé ou conçu pour être exécuté par d’autres, accordant peu d’importance à une finition soignée. Ses sépulcres privés ont le sentiment tendu de l’époque. En cela, il avait l’habitude de donner une forme concrète à un texte biblique et avait en général un intérêt religieux supérieur à celui du néoclassiciste anglais moyen. Son célèbre Michael, vainqueur de Satan à la maison de Petworth, est curieusement baroque. Ses monuments de Nelson dans la cathédrale Saint-Paul de Londres et de Lord Mansfield dans l’abbaye de Westminster sont de doux exemples de l’allégorie pompeuse et sentimentale que les Britanniques de cette époque adorent dans les commémorations publiques. Le successeur immédiat le plus connu de Flaxman fut Sir Francis Chantrey (1781-1841). S’il avait été un artiste plus grand, il aurait pu devenir un Schadow anglais, car il était plus à l’aise dans les sujets réalistes, tels que les portraits, que dans des thèmes imaginatifs ou des monuments sépulcraux. En tant que sculpteur de bustes, il était le maître le plus recherché de l’époque, mais il est peu probable que ses ressemblances soient meilleures que celles de Flaxman. Le buste de Walter Scott dans la National Portrait Gallery, à Londres, est typique. Le George Washington de la State House, à Boston, est un spécimen caractéristique de ses statues-portraits, dans lequel il était célèbre pour avoir concentré son attention sur la tête et lui avoir transmis l’intellectualité.

La sculpture néoclassique en Autriche, en Belgique et en Espagne ne présente pas de caractéristiques particulières, pas plus qu’elle n’a une importance universelle de nécessiter un traitement séparé.

Sculpture néoclassique en Amérique

Première période (c.1775-1825)

L’aversion des puritains à l’égard de l’art et le style de vie austère des colons signifiaient que les conditions du Nouveau Monde n’étaient pas propices à la sculpture de quelque sorte que ce soit avant le milieu du XVIIIe siècle. (Pour un aperçu de la vie artistique, voir: Art colonial américain 1670-1800.) Plusieurs sculpteurs européens ayant obtenu des commandes après cette date ont déjà été mentionnés; mais la production indigène avait déjà commencé à une échelle modeste. Le travail des premiers Sculpteurs américains n’appartenait à aucune école, mais résultait d’une éducation artistique médiocre dans le conglomérat, qu’ils pouvaient acquérir dans ce pays lointain grâce à des estampes, des moulages ou les très rares exemples de sculptures européennes qu’ils avaient eu la chance de voir. Pourtant, même aux États-Unis, ils sont plus ou moins sous l’influence du néoclassicisme. Dans ces premiers essais, la sculpture américaine a traversé une phase qui était en quelque sorte aussi "primitive" que sculpture grecque archaïque ou même médiévale Sculpture romane, tout en possédant le charme de la sincérité et des efforts. William Rush, de Philadelphie (1756-1833), se distingua par les matériaux du bois et de l’argile dont les performances trahissent clairement les méthodes du sculpteur sur bois. Ses figures allégoriques féminines sont aussi néoclassiques que n’importe quoi, mais la technique du sculpteur sur bois leur confère une "agitation" rococo et une projection des plis. La nymphe de Schuylkill, sculptée dans le bois pour une fontaine et conservée pour nous dans une réplique en bronze à Fairmount Park, Philadelphie, prouve que la quasi-totalité de ces premiers sculpteurs ont réussi à créer une ou deux œuvres inoubliables. La statue de George Washington dans Independence Hall est une ressemblance simple et impressionnante, préservée d’un contact trop étroit avec le néoclassicisme. C’est typique du style de Rush, même à la difficulté que le sculpteur a rencontrée pour créer une posture facile.

Période postérieure (c.1825-1900)

Avec le développement culturel croissant des États-Unis, l’habitude d’étudier en Italie a pris l’habitude et la capitulation qui en a résulté a été absolue. Les chefs sculpteurs de la génération d’après Rush étaient Greenough, Powers et Crawford. Tous les trois, s’étant établis une fois en Italie, y restèrent une grande partie de leur vie, expédiant leurs commandes en Amérique! Leurs activités se sont étendues jusqu’au XIXe siècle, au-delà des limites chronologiques mais non stylistiques du néoclassicisme.

Horatio Greenough de Boston (1805-1852) expose sa moyenne ternes de la mythologie néoclassique dans des œuvres telles que Cupid Bound du Boston Museum. Son George Washington assis est fait pour ressembler à un Phidian Zeus; mais ses défauts sont plus les défauts de l’époque. Le buste de John Quincey Adams dans la Société historique de New York trahit le fait que Greenough a échoué encore plus que le néoclassicien habituel du portrait.

Hiram Powers (1805-1873) doit sa renommée à la sensation créée, dans une Amérique sans instruction, par son nus féminins. L’exemple le plus célèbre est l’esclave grec, dérivé de la Vénus Médicéenne. Dans des œuvres comme Daniel Webster devant la State House, à Boston, il réalise un portrait légèrement plus véridique que Greenough.

Thomas Crawford de New York (1813-1857) était plus original et imaginatif que ses rivaux, initiant la tradition américaine des thèmes de la glorification nationale. Son héritage le plus intéressant est sa décoration du Capitole à Washington. Le bronze Armed Freedom, qui couronne la coupole, est une conception de la vraie majesté, presque inspirée. Bien que son fronton de l’aile du Sénat soit une composition décousue, il ne faut pas oublier certaines formes distinctes, en particulier l’Amérique, conçue dans la même humeur que la Armed Freedom et le chef indien assis et abattu. Ses portes en bronze – créées pour le portique est de l’aile du Sénat pendant l’expansion du Capitole des États-Unis au milieu du XIXe siècle – représentant les terreurs de la guerre et les bénédictions de la paix, étaient une autre innovation de notre pays. Par leur simplicité de composition, leur lucidité narrative et leurs figures agréablement conçues et exécutées, ils constituent le chef-d’œuvre de Crawford.

Le néoclassicisme laisse la place au réalisme classique

Les traditions sculpturales américaines ont été abordées plus directement par l’artiste prolifique Daniel Chester français (1850-1931), connu pour sa vaste production de monuments publics, notamment sa statue en marbre assis d’ Abraham Lincoln (1920) au Lincoln Memorial à Washington DC. Le portraitiste du Dakota du Sud James Earle Fraser (1876-1953) s’inspire de ses premiers travaux sur la sculpture architecturale néoclassique à l’exposition universelle de Chicago, mais est surtout connu pour son puissant réalisme de la frontière. Un autre réaliste était l’artiste du Massachusetts Anna Hyatt Huntington (1876-1973), célèbre pour elle statues équestres et des chevaux.

Sculptures néoclassiques célèbres

Voici une courte liste de certaines des sculptures néoclassiques les plus connues, classées par ordre chronologique.

On peut voir de l’art plastique de style néoclassique dans certains des meilleurs musées d’art et des jardins de sculptures à travers le monde.