Sculpture néoclassique: art de style grec / romain Automatique traduire

L’art néoclassique est le style artistique dominant en Europe et en Amérique à la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle. Il comprend l’architecture néoclassique et la peinture néoclassique, ainsi que les arts plastiques de toutes sortes.

Inspirés par les découvertes archéologiques de Pompéi et d’Herculanum et par le renouveau de l’architecture, les sculpteurs néoclassiques abandonnent la beauté frivole du rococo au profit de l’ordre et de la clarté associés à l’art grec et à son pendant plus jeune l’art romain .

Le renouveau néoclassique a commencé à Rome - une étape importante du Grand Tour d’où il s’est propagé vers le nord, en France, en Angleterre, en Allemagne, en Suède, en Russie et en Amérique.

Caractérisation générale

Le classicisme, ou néoclassicisme - imitation de l’art de l’Antiquité classique a prévalu dans toute l’Europe au cours des dernières années du XVIIIe siècle et du premier quart du XIXe siècle. Ce style a été défendu par l’érudit allemand Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) - notamment dans ses deux ouvrages «Réflexions sur la peinture et la sculpture des Grecs» (1755) et «Histoire de l’art de l’Antiquité» (1764) - et par le peintre allemand Anton Raphael Mengs (1728-1779) ; Mais le mouvement peut aussi être considéré comme une réaction spontanée contre l’extravagance des sculpteurs baroques et rococo (1600-1750).

L’imitation de la sculpture grecque et romaine pratiquée par les néoclassiques est plus absolue que celle des sculpteurs de la Renaissance tels que Michel-Ange (1475-1564). Les œuvres des meilleures périodes antiques n’étant pas connues au départ, les œuvres des élèves de Praxitèle et l’art hellénistique en général furent prises comme modèles suprêmes, de sorte que le charme et la grâce, la douceur, et parfois même la sensualité devinrent les grands désirables.

Bien que les sculptures du Parthénon (447-422) et du temple d’Éginète aient été révélées à l’Europe au début du XIXe siècle, elles n’ont eu en réalité que très peu d’influence. Bertel Thorvaldsen et d’autres sculpteurs néoclassiques ultérieurs se sont flattés d’avoir atteint une manière plus essentiellement grecque qu’Antonio Canova et la génération précédente en lui donnant le nom d’hellénisme ; mais en fait, toute la production du néoclassicisme était très similaire.

Comme tous les imitateurs, le néoclassique exagère les caractéristiques de ses prototypes, en omettant par exemple le modelage autant que possible dans sa recherche de la beauté idéalisée et généralisée de l’antiquité. Les objectifs qu’il se fixe sont la tranquillité hellénique du corps, l’impassibilité classique du visage et la simplicité de la composition ; mais parfois, rendant un dernier hommage à la sculpture baroque ou cherchant frénétiquement à faire disparaître les charmes froids du style néoclassique, il ose se livrer à une gesticulation extravagante, d’autant plus évidente et douloureuse qu’elle est inadaptée aux formes qu’il emprunte au passé.

La perspective picturale est bannie des reliefs. Les sujets chrétiens sont considérés comme moins aptes à une haute expression artistique que ceux de la mythologie et de l’histoire classiques. De l’avis des théoriciens les plus stricts, les portraits étaient tabous ; mais le mécénat les exigeait, et les artistes apaisaient leur conscience en généralisant les traits, en les rapprochant de ceux de quelque figure grecque ou romaine, en habillant les formes d’un costume antique ou d’une nudité antique, ou au moins en dissimulant quelque peu les vêtements modernes par un manteau drapé de façon classique. Tous les thèmes ont été supprimés par un sentimentalisme rhétorique. Cependant, même le néoclassicisme avait ses mérites, et l’un d’entre eux était la récupération partielle d’un sens sculptural en contraste avec le pictorialisme baroque.

Pour d’autres écoles et mouvements stylistiques importants, voir Mouvements artistiques (à partir de 100 av. J.-C.).

La sculpture néoclassique en Italie

Le premier grand représentant du style en sculpture est un Italien, Antonio Canova (1757-1822), né à Possagno dans la province de Trévise, mais travaillant principalement à Rome. Il a nuancé la manière néoclassique par d’autres traits, mais il en a aussi exemplifié les caractéristiques typiques. L’étroite ressemblance entre son Persée avec la tête de Méduse, au Vatican, et l’ Apollon du Belvédère montre qu’il s’est parfois livré à des reproductions presque exactes d’antiquités. Dans d’autres cas, le lien, bien qu’évident, n’est pas aussi tangible : par exemple, «Cupidon et Psyché» au Louvre semble avoir été inspiré par une peinture représentant un faune et une nymphe provenant d’Herculanum.

La conception de Pauline Bonaparte en Vénus Victrix peut illustrer son adaptation des portraits aux figures classiques. À l’instar de l’artiste grec Praxitèle, l’art de Canova incarne les normes néoclassiques de grâce et de douceur. L’une des raisons en est que ces qualités correspondaient à sa propre personnalité, et il y a en effet une note plus subjective dans la sculpture de Canova que dans la moyenne des œuvres de ce mouvement. Il possédait un sens de la beauté physique, héritage inaliénable de sa race, que même la tyrannie du néoclassicisme n’a pu complètement émousser.

En somme, il y a plus de chaleur dans son œuvre que dans celle de ses rivaux. L’élégance et la douceur de beaucoup de ses œuvres sont des échos de l’art rococo. Une autre phase de sa personnalité est illustrée par le tableau «Hercule et Lichas» de la Galerie nationale d’art moderne de Rome, l’une de ses tentatives occasionnelles et réussies de reproduire les aspects colossaux et puissants de l’antiquité. Ici, comme dans plusieurs autres cas, le sens du baroque était encore assez fort pour qu’il choisisse un moment fugace pour la représentation.

Il n’est pas non plus aussi indifférent à la nature que l’exigent les puristes. La meilleure preuve en est fournie par certains de ses portraits, comme Laetitia Bonaparte à Chatsworth, en Angleterre.

Les tendances modernes à la simplification, à la pacification, à l’allégorie et au sentimentalisme sont bien illustrées par une série de ses monuments. Dans les deux tombeaux des papes Clément XIV et Clément XIII, le premier dans l’église des Apôtres, le second dans la basilique Saint-Pierre, à Rome, il a amené le type baroque de sépulture à une plus grande tranquillité. Son mausolée le plus prétentieux, le monument à l’archiduchesse Marie-Christine dans l’église des Augustins de Vienne, est un exemple sobre du tombeau dramatique français du dix-huitième siècle.

La sculpture néoclassique au Danemark

L’hellénisme loué de Bertel Thorvaldsen de Copenhague (1770-1844) ne s’est manifesté principalement que par une plus grande abondance de sujets grecs et par un symbolisme en faveur d’une plus grande exactitude et d’un plus grand détail archéologique. Installé à Rome, il devient l’esclave absolu de l’Antiquité. Il allait de soi que son respect de la nature serait réduit au minimum. Sa sculpture n’a pas l’empreinte de l’individualité que Canova a réussi à préserver. Lorsqu’il n’est pas aidé par les idées d’autrui et qu’il ne reproduit pas les représentations antiques, il est simple et dépourvu d’imagination, presque jusqu’à la stupidité, et cela n’est pas compensé par des qualités émotionnelles. On peut certes dire qu’il a voulu cette simplicité et cette suppression des passions, parce qu’elles étaient incompatibles avec la tranquillité de l’antiquité ; mais s’il n’avait pas été d’un tempérament très flegmatique, il aurait certainement souffert de ces limitations, et à certains moments et dans une certaine mesure, il se serait certainement débarrassé de ces entraves. Il était même techniquement inférieur à Canova.

La principale qualité esthétique dont il s’occupait était probablement la composition, et là, il était presque toujours bon. Un ou deux exemples suffiront. Comme le Persée de Canova, son Jason à la Toison d’Or (1803) n’est qu’une transposition de l’Apollon du Belvédère.

Dans la frise du triomphe d’Alexandre, les cavaliers s’inspirent de la frise du Parthénon et les Asiatiques des barbares de la colonne Trajane. Comme Canova, il était plus enclin à l’élégance douce qu’à l’héroïsme, et c’est peut-être pour cette raison qu’il préférait les reliefs aux statues rondes. Mais même dans ses meilleures œuvres de cette manière, comme les célèbres tondos allégoriques «Matin et Nuit», il ne s’est pas approché de l’élégance praxéenne comme son rival italien.

Il se rapproche le plus du naturalisme dans trois de ses quatre tondos «Saisons», le charmant «Printemps» restant de conception antique. Il traduisait probablement ses portraits entièrement en termes antiques, tant qu’il ne restait pas la moindre trace de personnalité. Par exemple, le comte Potocki dans la cathédrale de Cracovie est un guerrier classique très idéalisé. Son meilleur portrait est peut-être l’effigie assise de Pie VII sur le tombeau de la basilique Saint-Pierre, un monument d’un type plus calme utilisé par Canova. À la fin de sa vie, il fut contraint de sacrifier quelque peu ses principes et de rendre hommage au mouvement romantique ; mais son manque de sentiment historique le rendait inadapté, et même dans ses meilleures statues en costume romantique, comme le Maximilien Ier équestre sur la Wittelsbacher Platz à Munich, il ne parvenait à atteindre ni poignante ni vigoureuse.

La sculpture néoclassique en France

Le néoclassicisme français est représenté principalement par Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) et son élève Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Pigalle, académicien à l’âge de 30 ans, a su créer aussi bien de petites pièces de genre que des sculptures funéraires grandioses, faisant de lui l’un des plus grands maîtres de son temps. Son élève Houdon remporta le Prix de Rome en 1761 et sculpta très tôt deux œuvres qui assurèrent sa réputation : le Saint Bruno néoclassique (1767, S.Maria degli Angeli) et la figure masculine «d’un écorché» (1767, Schlossmuseum, Gotha), largement utilisée dans les académies des beaux-arts pour démontrer l’anatomie humaine. Cependant, il est surtout connu pour ses portraits en marbre et ses portraits en buste, tels que Voltaire (1781) Bibliothèque de la Comédie Française, Paris.

Le néoclassicisme s’est particulièrement développé en France en raison des idéaux révolutionnaires des anciennes républiques et des idées de Napoléon sur l’Empire romain. La dictature artistique dont jouissaient auparavant des hommes comme Charles Lebrun appartient désormais à l’artiste Jacques-Louis David, qui bénéficie d’une influence antique confirmée tant dans la sculpture que dans sa propre sphère. Toutefois, les emprunts antiques étant teintés d’une incontestable «francité», ils ne furent jamais aussi absolus que ceux de Canova et de Thorvaldsen.

Un groupe de sculpteurs cultive l’élégance praxitelesque dont fait preuve Antoine Denis Chaudet (1763-1810) dans son exquis «Cupidon attrapant un papillon». Pierre Cartellier (1757-1831) peut être classé dans un autre groupe, plus austère, qui a trouvé le succès dans la décoration de l’architecture néoclassique et dans d’autres projets monumentaux. S’inspirant d’une pièce de monnaie ou d’une pierre précieuse, il exécute par exemple un relief assez impressionnant dans son Quadrige triomphal au-dessus de la porte centrale de la Colonnade de la façade est du palais du Louvre . Moins retenu que la plupart des néoclassiques, il révèle dans sa statue de Vergneau à Versailles des qualités de portraitiste que même son enthousiasme archéologique et ses costumes antiques n’ont pu totalement effacer.

Certains sculpteurs se sont aventurés dans une rébellion plus déterminée, osant étudier quelque peu la nature et doter leurs créations d’un minimum de chaleur. Le Lyonnais Joseph Chinard (1756-1813) a conservé le charme léger et gracieux du rococo dans les contours doux de sa sculpture préférée en terre cuite. Ses «Trois Grâces» du musée des Beaux-Arts de Lyon sont un exemple typique du traitement élégant et fantaisiste des sujets mythologiques au dix-huitième siècle.

Sa renommée repose sur les tendres bustes de jeunes femmes. Bien qu’il se soit parfois conformé aux normes existantes en les habillant de costumes classiques, il a brisé le dogme néoclassique en en faisant de véritables portraits, et peut-être plus que quiconque à l’époque, il les a dotés d’une sensibilité française au charme féminin.

Sculpture de l’Antiquité classique
Sculpture grecque classique ancienne (500-450 av. J.-C.) Début de l’âge d’or. Voir L’aurige de Delphes (475)
Haute sculpture grecque classique (450-400 av. J.-C.) L’âge glorieux des statues et des reliefs du Parthénon.
Sculpture grecque classique tardive (400-323 av. J.-C.) Voir des œuvres telles que Aphrodite de Cnide et Apollon du Belvédère .
Sculpture grecque de l’époque hellénistique (323-27 av. J.-C.) Voir Vénus de Milos et Laocoon .
Sculpture romaine en relief (117-324 CE) Voir les fabuleux reliefs historiques comme ceux de la Colonne de Trajan .

La sculpture néoclassique en Allemagne et en Autriche

La tradition naturaliste était trop ancrée dans l’art allemand pour que le néoclassicisme puisse l’éradiquer, comme il l’a fait dans d’autres pays.

Le passage du rococo au néoclassicisme est incarné par Johann Heinrich Dannecker de Stuttgart (1758-1841). La charmante «Sappho» du musée de Stuttgart montre que son éducation rococo a laissé une trace agréable dans toutes ses premières œuvres, à la fois dans sa préférence pour les sujets qui lui permettaient d’aborder la figure féminine et dans sa prédilection pour des formes un peu plus fines et gracieuses que celles cultivées par les néoclassiques plus héroïques.

Alors qu’il devient de plus en plus néoclassique, bien que l’on puisse parfois trouver des prototypes antiques précis dans ses œuvres, l’influence de l’art classique sur lui peut être recherchée dans la fusion d’impressions provenant de plusieurs œuvres antiques ou, de manière encore moins caractéristique, dans des imitations originales du style antique. Ainsi, son tableau «La jeune fille pleurant son oiseau mort» (1790), probablement inspiré par le poème de Catulle sur Lesbia et le moineau mort, respire davantage l’esprit de l’Antiquité. Sa réalisation la plus connue est «Ariane sur une panthère» (1810-24, Liebighaus, Francfort-sur-le-Main). L’importance durable de Dannecker réside dans la combinaison agréable d’un naturalisme modéré avec les principes anciens du rythme et de l’harmonie.

Les meilleurs exemples de naturalisme sont, comme d’habitude, les portraits en buste. En particulier, il fut «le très» grand portraitiste de Schiller. Parmi les nombreux exemples, le plus ancien, dans la bibliothèque de Weimar, est le plus mémorable, bien que la chevelure soit traitée avec une convention antique.

Le principal sculpteur allemand de l’époque néoclassique est Johann Gottfried Schadow de Berlin (1764-1850). Schadow «doit être considéré comme un représentant de la période néoclassique» et non comme un néoclassique, car, malgré l’influence inévitable du style rococo de sa jeunesse et de l’antiquariat répandu, il était indépendant de tout mouvement et ne reconnaissait que la nature et ses propres perceptions comme guides. S’il faut le classer dans un mouvement, son naturalisme s’inscrit plutôt dans le rococo.

Il se rapproche le plus du néoclassicisme dans la conception de la porte de Brandebourg à Berlin et dans sa dernière œuvre, la sculpture en marbre, d’une jeune fille allongée à la Galerie nationale de Berlin.

Les exemples les plus frappants de son réalisme, tous en uniforme militaire moderne, sont peut-être les statues de Frédéric le Grand au Landhaus provincial de Stettin, et des généraux Zieten et von Dessau au Kaiser Friedrich Museum. Son œuvre la plus populaire est un groupe de portraits en pied de deux sœurs, les princesses Louise et Friederike de Prusse , au palais de Berlin. Plus que Dannecker, il a réussi une fusion agréable du naturalisme, de la beauté rococo et de l’élégance classique, bien aidée par la ressemblance du costume Empire à la mode avec celui de la Rome antique.

La sculpture néoclassique en Angleterre

Les sculpteurs anglais de cette période s’efforcent de compenser une certaine fadeur provinciale et la froideur générale du style néoclassique par un recours plus libéral à la rhétorique que ne se l’autorisent même leurs rivaux continentaux.

L’un des premiers artistes néoclassiques anglais à produire des œuvres néoclassiques avec une réelle conviction fut Thomas Banks (1735-1805), créateur de la stoïque sculpture en relief «La mort de Germanicus» (1774), remarquée pour le fait que l’action y est menée parallèlement au plan frontal, dans la tradition de l’antiquité romaine. Un autre néoclassique qui a passé les années 1760 à Rome est le sculpteur de portraits Joseph Nollekens (1737-1823). Comme Houdon, il avait un faible pour le baroque, mais il sculpta ensuite de nombreux portraits dans une manière romaine particulièrement austère.

Le premier néoclassiciste important est John Flaxman (1755-1826), qui se distingue beaucoup plus dans le dessin que dans la sculpture. Il n’a jamais appris à travailler le marbre avec succès et a généralement modelé ou dessiné pour d’autres, sans se soucier d’une finition soignée.

Ses tombes privées se caractérisent par un sens aigu de l’époque. Il avait l’habitude de donner une forme concrète au texte biblique et, en général, il s’intéressait davantage à la religion que la moyenne des néoclassiques anglais. Son célèbre Michel vainqueur de Satan à Petworth House est curieusement d’esprit baroque. Ses monuments à Nelson dans la cathédrale Saint-Paul de Londres et à Lord Mansfield dans l’abbaye de Westminster sont de légers exemples de l’allégorie grandiloquente et sentimentale que les Anglais de l’époque aimaient utiliser dans les monuments publics.

Le successeur immédiat le plus célèbre de Flaxman fut Sir Francis Chantry (1781-1841). S’il avait été un plus grand artiste, il aurait pu être l’Ombre anglaise, car il avait plus de succès avec des sujets réalistes, comme les portraits, qu’avec des thèmes fantastiques ou des pierres tombales. En tant que sculpteur de bustes, il était le maître le plus recherché de l’époque, mais il est douteux que ses ressemblances soient meilleures que celles de Flaxman.

Le buste de Walter Scott à la National Portrait Gallery de Londres est typique. George Washington à la State House de Boston est un exemple caractéristique de ses portraits statuaires, dans lesquels il était célèbre pour concentrer l’attention sur la tête et lui donner de l’intellectualité.

La sculpture néoclassique en Autriche, en Belgique et en Espagne ne présente pas de caractéristiques particulières et n’est pas d’une importance universelle telle qu’elle nécessiterait un examen séparé.

La sculpture néoclassique en Amérique

Première période (c. 1775-1825)

Le rejet puritain de l’art et le mode de vie ascétique des colons ont fait que les conditions dans le Nouveau Monde n’ont pas été propices à la création d’une quelconque sculpture jusqu’au milieu du XVIIIe siècle. (Pour un aperçu de la vie artistique, voir : Art colonial américain 1670-1800.)

Les quelques sculpteurs européens qui ont reçu des commandes après cette date ont déjà été mentionnés ; mais la production locale avait déjà commencé à une échelle modeste. Le travail des premiers sculpteurs américains n’appartenait à aucune école, mais était le résultat du pauvre conglomérat d’éducation artistique qu’ils avaient pu recevoir dans ce pays lointain à partir de gravures, de moulages, ou des quelques spécimens de sculpture européenne qu’ils avaient vus. Cependant, même aux États-Unis, ils ont été plus ou moins influencés par le néoclassicisme.

Dans ces premières tentatives, la sculpture américaine passa par une phase qui était à certains égards aussi «primitive», que la sculpture grecque archaïque, ou même médiévale la sculpture romane, mais qui avait le charme de la sincérité et de l’assiduité. La figure marquante de cette première phase de la sculpture américaine est William Rush de Philadelphie (1756-1833), qui s’est limité aux matériaux que sont le bois et l’argile, et dans toutes ses œuvres les techniques du sculpteur sur bois sont clairement évidentes. Ses figures allégoriques féminines sont tout aussi néoclassiques que les autres, mais la technique du sculpteur sur bois leur donne «une touche rococo» et des plis saillants.

La Nymphe de Schuylkill, sculptée en bois pour une fontaine et conservée pour nous dans une copie en bronze à Fairmount Park à Philadelphie, prouve que presque tous ces premiers sculpteurs ont réussi, grâce à un talent inné, à produire une ou deux œuvres mémorables.

La statue de George Washington à Independence Hall est une représentation simple et impressionnante, qui n’a pas été gâchée par un contact trop étroit avec le néoclassicisme. Elle est typique du style de Rush, jusqu’à la difficulté pour le sculpteur de créer une pose facile.

Période tardive (c. 1825-1900)

Le développement culturel croissant des Etats-Unis s’accompagne de l’habitude d’étudier en Italie et, par conséquent, d’un abandon absolu au néoclassicisme. Les principaux sculpteurs de la génération qui suit Rush sont Greenough, Powers et Crawford. Tous trois, une fois installés en Italie, y restèrent la majeure partie de leur vie, envoyant leurs commandes en Amérique. Leurs activités se sont étendues bien au-delà du XIXe siècle, transcendant les limites chronologiques mais non stylistiques du néoclassicisme.

Horatio Greenough de Boston (1805-1852) fait preuve d’une moyenne terne de la mythologie néoclassique dans des œuvres telles que «Bound Cupid» du Musée de Boston. Son George Washington assis ressemble à un Zeus phidien ; mais ses défauts sont plutôt ceux de l’époque. Le buste de John Quincy Adams à la New-York Historical Society indique que Greenough était encore plus hésitant que la moyenne des néoclassiques en matière de portrait.

Hiram Powers (1805-1873) doit une grande partie de sa renommée à la sensation que ses nus féminins ont créée dans l’Amérique ignorante . L’exemple le plus célèbre est «Greek Slave Girl», d’après la Vénus médicéenne. Dans des œuvres telles que Daniel Webster devant la State House à Boston, il réalise un portrait un peu plus vrai que celui de Greenough.

Thomas Crawford de New York (1813-1857) a été plus original et inventif que tous ses rivaux, lançant une tradition américaine de thèmes de glorification nationale. Son héritage le plus intéressant est la décoration du Capitole à Washington. Le bronze «Armed Liberty», qui couronne le dôme, est un concept d’une réelle grandeur, presque inspiré. Bien que le fronton de l’aile du Sénat soit une composition décousue, certaines formes individuelles ne peuvent être oubliées, en particulier l’Amérique, conçue dans le même état d’esprit que Armed Liberty, et le chef indien assis et abattu. Ses portes en bronze, créées pour le portique est de l’aile du Sénat lors de l’agrandissement du Capitole au milieu du XIXe siècle, représentant les horreurs de la guerre et les bienfaits de la paix, ont constitué une autre innovation dans notre pays. Par la simplicité de leur composition, la clarté de leur narration, leur conception agréable et l’exécution des figures, ils représentent le chef-d’œuvre de Crawford.

Le néoclassicisme cède la place au réalisme classique

Les traditions sculpturales américaines sont plus directement abordées par l’artiste prolifique Daniel Chester French (1850-1931), connu pour ses immenses travaux de monuments publics, dont la statue de marbre assise d’Abraham Lincoln (1920) au Lincoln Memorial à Washington.

Le sculpteur portraitiste du Dakota du Sud James Earl Fraser (1876-1953) a été inspiré par ses premiers travaux de sculpture architecturale néoclassique à l’exposition universelle de Chicago, mais il est surtout connu pour son puissant réalisme frontalier. Un autre réaliste est l’artiste du Massachusetts Anna Hiatt Huntington (1876-1973), connue pour ses statues équestres et ses chevaux.

Sculptures néoclassiques célèbres

Voici une brève liste des sculptures néoclassiques les plus célèbres, classées chronologiquement par artiste.

Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785)
Madame de Pompadour en amitié (1753) Louvre, Paris.
Mercure attachant son thalaria (1753) Louvre, Paris.
Voltaire nu (1770-76) Louvre, Paris.

Etienne-Maurice Falcone (1716-1791)
Baigneuse (1757) Louvre, Paris.
Pierre le Grand «Cavalier en bronze» (1766-78) Saint-Pétersbourg.

Thomas Banks (1735-1805)
Mort de Germanicus (1774) relief en marbre, Holkham Manor, Norfolk.

Joseph Nollekens (1737-1823)
Vénus (1773) J Paul Getty Museum, Los Angeles.

Jean-Antoine Houdon (1741-1828)
Portrait de Voltaire en toge (1778) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Voltaire (1781) Bibliothèque de la Comédie Française, Paris.
Diane chasseresse (1790) Louvre, Paris.

Franz Anton von Zauner (1746-1822)
Statue équestre de Joseph II (1795-1806) Josefplatz, Vienne.

John Flaxman (1755-1826)
Fureur d’Atamas (1790) Ickworth, UK.
Saint Michel vainqueur de Satan (1819-24) Galerie Flaxman, Université de Californie, Londres.

Antonio Canova (1757-1822)
Apollon se couronnant lui-même (1781) J Paul Getty Museum, Los Angeles.
Thésée et le Minotaure (1781-83), Victoria and Albert Museum, Londres.
Cupidon et Psyché (1786-93), marbre, Louvre, Paris.
Persée et la tête de Méduse (1797-1801) Musées du Vatican, Rome.
Les Trois Grâces (1813-16) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.

Johann Heinrich von Dannecker (1758-1841)
Sappho (1797-1802) Staatsgalerie, Stuttgart.
Ariane sur la panthère (1810-24) Liebighaus, Francfort-sur-le-Main.

Antoine Denis Chaudet (1763-1810)
Cupidon attrapant un papillon (1817, Louvre, Paris)

Johann Gottfried Schaudet (1764-1850)
Princesses héritières Louise et Friederike de Prusse (1797) Berlin.

Bertel Thorvaldsen (1770-1884)
Cupidon et Psyché (1796-7), Louvre, Paris.
Jason à la toison d’or (1802-3), Musée Thorvaldsen, Copenhague.
Alexandre le Grand entre à Babylone (1812), Palazzo del Quirinale, Rome.

Horatio Greenough (1805-1852)
George Washington (1840) Smithsonian Museum of American Art.

Thomas Crawford (1813-1857)
Portes en bronze (1855-1857) Portique est du Sénat américain, Washington.

Les œuvres d’art plastique de style néoclassique sont exposées dans certains des plus beaux musées d’art et jardins de sculptures du monde.