Sculpture Russe: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire
Arts en Russie
Pour un guide de peinture et
sculpture (environ 30 000 ans av. J.-C. – 1920) Voir: Art russe.
introduction
Contrairement à la peinture, sculpture est essentiellement une forme de l’art publique, dans lequel la monumentalité, la taille et la durabilité sont des attributs courants, voire essentiels. Après tout, peu de sculpteurs ont obtenu une reconnaissance majeure pour les œuvres à petite échelle. On pourrait donc dire que Art plastique exige beaucoup plus de temps, d’argent et (sans doute) une stabilité iconographique que la plupart des autres types d’art. Dans quelle mesure la sculpture russe a-t-elle souffert à cause du manque de ressources ou de l’incertitude iconographique? Cela reste obscur, bien que l’émergence de nombreux sculpteurs russes de grande qualité au début du XXe siècle – parallèlement à l’effondrement de l’ordre ancien – suggère que le manque de talent n’est pas une réalité. un problème. Dans cet article, nous couvrons six des plus grands sculpteurs russes jusqu’en 1900, ainsi que Carl Fabergé l’orfèvre. Nous passons également en revue les principaux Artistes russes du début du 20ème siècle.
Fedot Shubin (1740-1805)
Le tsar Pierre le Grand (1686-1725), moteur du début du XVIIIe siècle Art pétrine, a opté pour des sculpteurs étrangers comme Carlo Bartolomeo Rastrelli l’Ancien (1675-1744), père de l’architecte Bartolomeo Rastrelli (1700-1771). Ce n’est donc que depuis le milieu du règne de Catherine la Grande (1762-1796) que la Russie a produit un flux continu de sculpteurs indigènes. Une partie de leur production manque de mérite, une grande partie est compétente, si peu enthousiasmante; mais ici et là des travaux de tout premier ordre ont été produits. Fedot Shubin était remarquable parmi les grands sculpteurs. Fils d’un pêcheur de la mer Blanche, il était lui-même pêcheur jusqu’à l’âge de dix-neuf ans. C’est alors qu’il a appris les rudiments de son métier, car les pêcheurs de la mer Blanche étaient réputés dans toute la Russie pour leurs sculptures en os de baleine et en nacre, ainsi que pour leurs Sculpture sur bois. Au dix-huitième siècle, ils vendirent leurs œuvres d’art au marché aux poissons de l’archange à Saint-Pétersbourg et il est très probable que certaines des sculptures de l’enfance de Shubin se soient retrouvées dans les étals.
En 1759, Shubin obtint en quelque sorte un emploi de chauffeur au Palais d’hiver de Saint-Pétersbourg. Il a peut-être dû cette nomination à son compatriote, le distingué poète Lomonosov, qui était lui aussi de naissance modeste, fils de paysans voisins des Shubins. Le père de Fedot avait en effet enseigné ses lettres au futur poète. Cela seul aurait prédisposé Lomonossov au fils, mais Lomonossov était un représentant habile de art de la mosaïque et l’aide qu’il a fournie à son jeune voisin était probablement due autant à son appréciation du talent de Shubin qu’à sa gratitude.
Quel que soit le moyen de gagner sa vie, Shubin a commencé sa formation très vite après son arrivée à Saint-Pétersbourg, lorsque son nom apparaît sur une liste d’étudiants en sculpture de Nicholas Gillet à l’Académie impériale des beaux-arts. Gillet adorait l’élégance et la grâce, et soutenait avec ferveur Sculpture grecque et l’idéalisation hellénistique du corps humain. Shubin, en revanche, était réaliste. Gillet n’aimait pas son point de vue et considérait son style comme étant inélégant, mais il était suffisamment large d’esprit et réceptif en tant qu’enseignant pour reconnaître le génie de Shubin et obtenir une bourse de voyage pour lui.
Shubin partit pour Paris en 1767, muni de lettres d’introduction à Diderot et à Delarive de Julles. Sur leurs conseils, il devint l’élève de Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785), et comme maître et élève étaient tous deux réalistes dans l’âme, Pigalle put convaincre Shubin qu’il y avait beaucoup à dire sur l’élégance que Gillet jugeait essentielle dans une œuvre d’art. Sous l’influence de son nouveau maître, Shubin a accepté d’accepter l’élégance, mais il s’est principalement efforcé d’acquérir une touche classique, de développer son sens du détail et de maîtriser l’approche tridimensionnelle.
Shubin a visité l’Italie et l’Angleterre avant de rentrer en Russie. Ses voyages, ainsi que ses études, l’ont transformé d’un génie du tempérament en un artiste mature, et les sculptures qu’il a réalisées à son retour n’avaient plus rien d’expérimental. Au contraire, ils étaient remarquables par leur sûreté de toucher, leur diversité, leur vitalité et, surtout, leur force de conviction psychologique, car Shubin excellait en portrait. Son potemkine, son Paul Ier, son Zavadovski, tous ses bustes de portrait en fait, sont des études psychologiques passionnantes, et toutes révèlent sa superbe technique. Dans chacune, le personnage de la gardienne brille d’une clarté brillante, mais les années d’apprentissage de Shubin n’ont pas été perdues, car la ressemblance n’a pas été obtenue au détriment de l’élégance. Chaque buste est affiné pour satisfaire le goût le plus délicat, et chacun reflète, ne serait-ce que par le rendu méticuleux des dentelles et le balayage facile du drapé, le pouvoir de Shubin de combiner ses propres vues réalistes avec l’insistance du dix-huitième siècle sur le raffinement.
Bien que Shubin soit à son meilleur en portrait, il a également excellé à art décoratif. Les plaques de bas-relief qu’il a réalisées pour le palais du Cheshmen et pour les cathédrales de la Trinité et de Saint-Isaac à Saint-Pétersbourg remplissent parfaitement leur fonction. Chacune est un tout soigneusement élaboré et admirablement conçu, mais toutes sont subordonnées, comme il se doit, à leur cadre architectural.
Malheureusement, en 1789, Shubin tomba en disgrâce et les seize années de sa vie restèrent dans une misère extrême: il mourut dans la pénurie. Sa vie productive était donc limitée à seize ans. Pourtant, au cours de ces années, il produit 188 œuvres majeures, dont 40 bustes, et toutes de grande qualité.
Etienne Maurice Falconet (1716-1791)
L’importance des réalisations de Shubin risque d’être assombrie par celle du Français Etienne Maurice Falconet, qui est venu à Saint-Pétersbourg en 1766. Il n’a fabriqué qu’une sculpture, mais c’est à la fois son chef-d’œuvre et l’une des plus belles sculptures de l’époque. C’est un bronze statue équestre de Pierre le Grand, monté sur une immense dalle de granit fendue par la foudre depuis son lit en Finlande, à un endroit où Peter se tenait souvent devant lui et traînant sur une distance de douze milles jusqu’à la capitale, car sa forme et sa taille était nécessaire pour compenser la statue. La sculpture est dans une certaine mesure une œuvre composite, car Marthe Collot, élève de Falconet à l’époque, et plus tard de sa femme, a modelé le visage du buste de Peter de Rastrelli. Cependant, il s’agit d’un travail d’une totale unité et l’esprit de Peter et de la Russie a tellement fait son chemin dans le travail que, même s’il a été créé par un Français, il est essentiellement russe. C’est une autre illustration de la manière dont la Russie a affecté les artistes étrangers, car elle diffère autant des œuvres occidentales de Falconet que, par exemple, la cathédrale Fioraventi à Moscou de ses églises italiennes. Sa taille est russe; il en va de même pour son sens de l’énergie et de la force latentes.
Michael Kozlovski (1753-1802)
Falconet statue de bronze a pris douze ans pour terminer. Les sculpteurs russes l’ont vu grandir avec un tel intérêt qu’il les a tous influencés, bien qu’à des degrés divers. Michael Kozlovski a peut-être été plus profondément touché que la majorité de ses collègues. Comme Shubin, il était aussi un élève de Gillet et ses premières œuvres, telles que les plaques classiques en bas-relief pour le palais de marbre à Saint-Pétersbourg, étaient à la manière hellénique. Puis il développa une profonde admiration pour Michelangelo mais en même temps était incapable de résister à la fascination de Nicolas Poussin le romantisme. Deux visites en France développèrent la dernière facette de son goût et les sculptures qu’il réalisa à cette époque étaient imprégnées d’un rêve qui rappelait un peu Greuze. Dans les années 1790, principalement grâce à l’influence de Falconet, Kozlovski entre dans une phase héroïque et réalise de fines sculptures pseudo-classiques, telles qu’une figure grandeur nature d’ Alexandre le Grand dans sa jeunesse, un Hercule et son Steed, ainsi qu’un monument à Suvorov. Sa plus grande œuvre – la statue de la fontaine de Samson et du Lion – date de 1800. Elle a été conservée jusqu’à sa destruction lors de la dernière guerre par les Allemands dans la grande cascade de Peterhof. Il y avait quelque chose de la vigueur de Michel-Ange et de l’énergie nerveuse de Falconet ainsi que sa véritable inspiration. Cela prouvait à quel point la Russie, sculpteur, avait été emportée par la mort relativement précoce de Kozlovski.
Theodore Gordeev (1749-1810)
Dans son statue Théodore Gordeev, de Prométhée, montre lui aussi clairement l’influence de Falconet. Cette belle sculpture est pleine d’une promesse que Gordeev n’a pas tenue, car, au lieu de persister dans les difficultés de son médium, Gordeev s’est tourné vers un chemin plus facile, se concentrant principalement sur les statues mortuaires et, dans une moindre mesure, sur les travaux décoratifs, tels que comme son sculpture en relief pour la cathédrale de Kazan de Voronykhin. Ses figures féminines poignantes et pleurantes, ses obélisques, ses urnes et ses médaillons ont séduit les cimetières de Saint-Pétersbourg, mais ils ne sont pas aussi émouvants que son prométhée.
Fedor Shchedrin
Aux côtés de Shubin et de Kozlovski, Fedor Shchedrin apparaît comme le troisième grand sculpteur de cette période. La plupart de ses œuvres étaient destinées à décorer des édifices architecturaux, mais possèdent toutes la tension émotionnelle et la finesse de la conception du pur art. Son meilleur travail fut fait pour l’Amirauté et l’occupa de 1806 à 1811. Les cariatides érigées à l’entrée principale et les statues de guerriers placées à la base de la flèche sont ses plus belles réalisations. Les caryatides sont plus grandes que nature. Emblèmes de courage, ils dressent le globe terrestre au-dessus de leurs têtes. Leur force et leur patiente acceptation de ce fardeau peuvent être considérées comme un symbole du pouvoir d’endurance de la Russie. Leurs corps sont superbement modelés et leurs draperies forment une si belle ligne que même Gillet n’aurait rien trouvé à leur reprocher. La tête de Neptune, posée par Shchedrin au-dessus d’un certain nombre de fenêtres de l’Amirauté, est tout aussi puissante et imaginative; sa vigueur et sa sévérité laconique sont des plus impressionnantes.
Shchedrin était un grand admirateur de la sculpture de la Grèce antique et s’efforçait souvent de retrouver sa beauté dans son propre travail. Dans ses figures de Mars et d’ Endymion Endormi, il a failli réussir, car ces statues ont une droiture et une fluidité ininterrompues rappelant la sculpture hellénistique. Mais ses déesses, telles que par exemple Vénus, Diane ou Psyché, ont moins de succès en raison d’un léger maniérisme et d’un raffinement excessif. Il est à son meilleur sur son propre terrain, c’est-à-dire dans la sphère décorative. Ainsi, son énorme figure féminine de la Neva, érigée dans la grande cascade de Peterhof, alliant retenue, force et repos, est sans aucun doute l’œuvre d’un véritable artiste. Cette statue, ainsi que celles de Peterhof, a été détruite par les Allemands en 1942-1943.
Ivan Martos (1754-1835)
Ivan Martos, qui a également produit des œuvres de premier ordre, était un élève de Kozlovski. Ses sculptures – ses caryatides dans la salle du trône de Pavlovsk ou son monument funéraire à la Princesse Kurakin – reflètent encore les courants du XVIIIe siècle. Cependant, très longtemps, il entra en contact avec le sculpture néoclassique de Antonio Canova (1757-1822) et son admiration pour ces œuvres entraînèrent un changement de style, ce qui était très bénéfique, car son travail acquit une nouvelle franchise et un calme presque classique. Le buste d’ Alexandre Ier de Martos est peut-être techniquement son chef-d’œuvre et présente le mérite supplémentaire d’être l’unique représentation de l’empereur, qu’il s’agisse de peinture ou de sculpture, qui exprime à la fois les aspects énigmatiques et attrayants de son personnage.
Ivan Prokofiev (1758-1828)
Bien que n’étant pas un grand sculpteur, Ivan Prokofiev a produit tant de décorations pour les maisons de Saint-Pétersbourg qu’il ne peut passer inaperçu. Celles-ci appartiennent pour la plupart à ses dernières années et sont invariablement basées sur des sujets allégoriques. Ses premiers travaux sont plus vigoureux – par exemple, à Pavlovsk, où il a travaillé pendant un temps Charles Cameron (1745-1812), façonnant les bas-reliefs pour l’extérieur du palais et pour le vestiaire de la grande-duchesse. Peterhof, cependant, a inspiré ses plus belles réalisations – les superbes têtes de triton et la figure symbolisant la rivière Volkhov qu’il a produite en 1801-1802 pour la Grande Cascade.
Prokofiev fut pratiquement le dernier sculpteur à avoir réussi à embellir Saint-Pétersbourg, car dans les années 1840, l’art de la sculpture décorative commença à décliner en Russie et la tâche de décorer les maisons de la capitale fut confiée à des artisans. En conséquence, des ornements massifs ont remplacé la finition et la qualité des dessins s’est détériorée autant que leur exécution. Par conséquent, les œuvres de la deuxième moitié du XIXe siècle sont pour la plupart sans valeur.
Mikhail Vroubel (1856-1910)
Au tournant du XIXe siècle, on assiste à un renouveau partiel de la sculpture, principalement des bustes et des ornements, par opposition aux statues, aux fontaines et aux plaques. Ils ont été produits par un nombre relativement important de sculpteurs compétents, mais mis à part Mikhail Vrubel (1856-1910) aucun n’a atteint le sommet de son art. Vrubel seul produit un travail de grande qualité, mais comme il est essentiellement un peintre pour qui la sculpture n’est qu’un moyen d’expression occasionnel, ses sculptures sont d’une taille réduite et loin d’être nombreuses, mais leur style et leur qualité peuvent rivaliser avec le petit travail à l’échelle de Auguste Rodin (1840-1917).
Bijoux
Des ouvrages en métal et des bijoux d’excellente qualité ont continué à être produits en Russie aux XVIIIe et XIXe siècles, l’accent étant mis sur le raffinement du travail plutôt que sur l’évolution de nouvelles formes. À la fin du XIXe siècle, l’excellence de l’artisanat russe était telle que, sous la direction de Carl Fabergé, la Russie produisit certains des plus beaux objets de fantaisie connus du monde oriental ou occidental.
Tout au long des XVIIIe et XIXe siècles, des artisans russes, travaillant principalement en or et en argent, produisaient des objets ciselés, estampés, gravés et estampés, ainsi que du niellon et des articles en émail. Un niveau exceptionnellement élevé a été atteint dans niello, où, contrairement à la pratique habituelle, les fonds sont fréquemment noircis et les motifs laissés pour apparaître en argent. Vologda était un centre particulièrement important pour ce travail, et des objets de qualité y ont été produits jusqu’à la fin du XIXe siècle.
Les émaux russes étaient toutefois plus importants sur le plan artistique. Déjà au dix-septième siècle, les émaux avaient cessé d’être une rareté et la gamme de couleurs était devenue plus étendue. Les émailleurs de Moscou et de Vologda ont produit une variété remarquable et ont atteint une belle transparence. Malgré cela, peu d’émaux furent produits sous le règne de Peter, ce dernier ne l’aimant pas beaucoup. Émaillage prit son essor sous Catherine la Grande, avec Rostov et Saint-Pétersbourg comme centres les plus importants. Le premier produit des dessins extrêmement complexes, réalisés dans une grande variété de couleurs; ce dernier présentait un contraste complet, car les couleurs se limitaient au blanc mort ou au bleu profond du sol sur lequel des dessins, souvent très élaborés, étaient travaillés avec soin en argent ou en bronze. Il n’est pas surprenant que cet art extrêmement restreint n’ait pas réussi à gagner en popularité. Sa production était en fait très limitée et, même aujourd’hui, les émaux de ce type sont peu connus en dehors de la Russie.
Bien plus généralement connu est le orfèvrerie du règne de Catherine, en particulier sous la forme de tabatières. Le nombre produit à cette époque était prodigieux, mais le travail était toujours de très haute qualité, et chaque boîte est un joyau en soi, qui ravira les yeux les plus exigeants.
Maison de Fabergé (1842-1917)
Le même talent artistique et la même inventivité ont été atteints à la fin du XIXe siècle, lorsque Carl Fabergé, un huguenot d’ascendance, mais de nationalité russe par naissance et par tempérament, a établi ses célèbres ateliers à Saint-Pétersbourg. Là, des bagatelles à la fois raffinées et délicieusement ingénieuses étaient produites dans les métaux les plus rares et les pierres précieuses, pour le plus grand bonheur des tribunaux d’Europe. Sur le plan technique, les animaux et les oiseaux de Fabergé comptent parmi les ornements les plus parfaits, et leur qualité artistique est souvent élevée. Les animaux montrent un composé le plus réussi du naturalisme occidental et de la stylisation extrême; les fleurs affichent une observance presque orientale de la Nature, exprimée avec insouciance et rigueur russe. Les deux groupes d’objets peuvent supporter un agrandissement photographique de toutes les tailles, gage de leur excellence en termes de proportions. Le génial Œufs de Pâques Fabergé, des boîtes à cigarettes, certaines surmontées d’oiseaux musicaux, ou des joyaux, tous rivalisent avec l’orfèvre français.
Voir également: Peinture russe (XIXe siècle) .
Sculpture russe du XXe siècle
L’émergence soudaine de Picasso et Braque Cubisme (fl.1908-14) a ébranlé le monde de l’art. Rien de tel n’a jamais été vu auparavant. Sculpteurs du XXe siècle ont été rapides pour répondre. La perspective est devenue plus plate et plus fragmentée, alors qu’une toute nouvelle série d’œuvres en trois dimensions a commencé à émerger. Exemples de sculptures cubistes russes: Femme marchant (1912, collection privée) du sculpteur russe d’origine ukrainienne Alexander Archipenko (1887-1964); Symphonie n ° 1 (1913, MoMA, NY) du peintre et sculpteur expérimental russe né en Ukraine, Vladimir Baranoff-Rossine (1888-1942); Man With Guitar (1915, MoMA, NY) de l’artiste d’origine lituanienne Jacques Lipchitz (1891-1973), l’un des plus grands sculpteurs cubistes.
italien Futurisme (fl.1909-14) était un autre mouvement artistique très influent. Cela visait à exprimer le dynamisme et la rapidité du nouveau monde technologique. Illustré par la sculpture radicale d’Umberto Boccioni, Unique Fors of Continuity in Space (1913; moulages au MoMA NY, à Tate London et ailleurs), le mouvement a eu un impact majeur sur le développement de Art cinétique. Les sculpteurs russes touchés comprennent: Naum Gabo (1890-1977), créateur de Kinetic Construction (1919-19, Collection Tate, Londres).
La sculpture européenne avant, pendant et après la Première Guerre mondiale a continué à être façonnée par les événements à Paris, mais aussi par ceux de la Russie révolutionnaire, où l’art se fondait dans la ferveur politique pour créer des formes d’expression modernistes telles que Constructivisme, qui mettait au défi les sculpteurs de construire des œuvres en matériaux industriels comme le métal, le verre et le plastique. Parmi les exemples de sculptures constructivistes russes figurent: Construction n ° 557 (1919) de Konstantin Medunetsky (1899-1935), élève de Tatlin et Rodchenko à la Haute école technique et artistique de Moscou; Monument à la Troisième Internationale (1920, Musée National d’Art Moderne, Paris) par le designer russe d’origine ukrainienne Vladimir Tatlin (1885-1953), fondateur du constructivisme; et Spatial Construction No.12c (1920, MoMA, NY) du sculpteur et designer industriel russe Alexander Rodchenko (1891-1956); Torse (1924-6, MoMA, NY) du sculpteur français d’origine russe Anton Pevsner (1884-1962); et la tête construite n ° 2 (1916, Nasher Sculpture Center, Dallas) de Naum Gabo. Un autre sculpteur russe important associé à cette forme d’art non objectif était El Lissitzky (1890-1941), membre du art non objectif groupe Abstraction-Creation (1931-1936).
Zadkine et Nevelson sont deux autres sculpteurs russes du XXe siècle qui méritent d’être soulignés.
Basé à New York Louise Nevelson (1899-1988) (née Louise Berliawsky) a obtenu une reconnaissance internationale tardive pour son style unique art d’assemblage. Les exemples incluent: Dawn’s Wedding Chapel (1959, musée d’art américain Whitney, New York) et Mirror Image 1 (1969, musée des Beaux-Arts, Houston).
Le sculpteur français d’origine russe Ossip Zadkine (1890-1967), mieux connu pour son style expressionniste moderne, acquit une renommée mondiale pour son chef-d’œuvre La ville détruite (1953, Schiedamse Dijk, Rotterdam) et d’autres œuvres.
On peut voir des exemples de sculptures russes dans certains des meilleurs musées d’art et des jardins de sculptures à travers le monde.
Si vous remarquez une erreur grammaticale ou sémantique dans le texte, veuillez la spécifier dans le commentaire. Merci!
Vous ne pouvez pas commenter Pourquoi?