Histoire de la sculpture Automatique traduire

Tout récit chronologique de l’origine et du développement de l’art tridimensionnel devrait occuper plusieurs volumes, voire une bibliothèque entière. La compression sur une seule page signifie qu’une grande partie de l’histoire est inévitablement omise. De la préhistoire à l’antiquité classique, de l’époque gothique à la Renaissance et jusqu’au XXIe siècle, l’histoire de la sculpture est jalonnée d’artistes exceptionnels (malheureusement souvent anonymes) dont l’expression visuelle nous est parvenue sous la forme de merveilleuses statues de marbre, de reliefs en pierre et d’immortelles créations en bronze.

Aujourd’hui encore, si vous visitez une cathédrale ou l’une des grandes villes, places ou bâtiments du monde, vous ne manquerez pas de voir de merveilleux exemples d’art tridimensionnel.

Caractéristiques de la sculpture

La sculpture est non seulement la forme d’art la plus durable, mais aussi la plus influente. Historiquement, presque tous les rois, papes, dictateurs et tyrans ont reconnu l’effet de propagande d’une sculpture inspirante. Les empereurs romains ont emporté leurs portraits-bustes dans tous les coins de leur empire ; l’Église romaine a orné ses cathédrales, ses abbayes et ses églises de dizaines de milliers de statues et de sculptures en relief pour transmettre le message de la Bible ; les pharaons, les rois et les empereurs de l’Égypte ancienne, de la Perse, de la Grèce et du monde moderne ont investi des fortunes dans des sculptures monumentales pour célébrer leurs succès au combat. Les dictateurs modernes, de Staline à Saddam Hussein, ont érigé des statues comme monuments à leur glorieux règne.

Bien entendu, rien n’est comparable au message inspirant de la Statue de la Liberté américaine, sans doute la sculpture de propagande n° 1. Outre l’immense contenu narratif qui peut promouvoir un message particulier, la sculpture est également un art difficile dont les créateurs sont très dépendants des outils et de la technologie.

Dès les premières cultures d’outils paléolithiques, les progrès de la sculpture sont marqués par la découverte de nouveaux matériaux et équipements. Il est surprenant de constater qu’à la naissance du Christ, la plupart des méthodes et techniques traditionnelles du sculpteur avaient déjà été découvertes, y compris le travail du bronze et la fabrication de bijoux exquis par les tribus nomades. Quoi qu’il en soit, pour toutes ces raisons, l’histoire de la sculpture est étroitement liée à la politique, à la technologie et au bien-être financier de la société. Mais surtout, son histoire est inextricablement liée à l’architecture, l’ancêtre de l’art dont les structures constituent un foyer si important pour les œuvres sculpturales décoratives. Chaque grand mouvement architectural s’est accompagné d’une énorme demande de sculptures de toutes sortes.

Chronologie de l’art de la sculpture

La sculpture préhistorique

L’histoire de la sculpture commence à l’âge de pierre. Nous ne savons pas quand exactement. Les premiers exemples connus sont deux objets primitifs en pierre appelés Vénus de Berehat Ram et Vénus de Tan-Tan . La Vénus de Berehat Ram (datée d’environ 230 000 avant notre ère ou plus tôt) est une statuette en basalte fabriquée pendant la période ashélienne qui a été découverte dans le Golan. La Vénus de Tan-Tan (200 000 av. J.-C. ou avant) est une statuette en quartzite de la même période.

Si ces objets sont des formes pré-sculpturales, alors la plus ancienne sculpture préhistorique est apparue vers 35 000 av. J.-C. sous la forme de figurines sculptées d’animaux, d’oiseaux et de thérianthropes réalisées au Périgordien inférieur et à l’Orignacien et trouvées dans les grottes de Vogelgerd, à Hol Fels et Holenstein-Stadel, dans le Jura souabe, en Allemagne. La plus ancienne sculpture figurative est la sculpture en ivoire connue sous le nom de Mankolev de Holenstein-Stadel (38 000 av. J.-C.).

Un autre type précoce de sculpture de l’âge de pierre est constitué par les figurines obèses miniatures appelées Vénus : telles que les Vénus de Willendorf, Kostenki, Montpazier, Dolny Vestonice, Moravana, Brassempuy et Gagarino. Ces figurines de Vénus, fabriquées à partir de matériaux divers tels que l’os de mammouth, l’argile céramique et la cendre d’os, ainsi que de différents types de pierre tels que la stéatite, le calcaire oolithique, la serpentine et la roche volcanique, ont été trouvées dans différentes parties de l’Europe, de la Russie à l’Espagne. Les anthropologues pensent qu’elles ont pu être utilisées dans des rituels de fertilité, bien que la raison pour laquelle les grosses femmes sont si emblématiques reste un mystère. (Manque de nourriture?).

Sculpture mésolithique (vers 10 000-4 000 av. J.-C.)

L’art mésolithique comprend davantage de bas-reliefs et de sculptures indépendantes, comme les statuettes anthropomorphes trouvées à Nevali Kori et Gobekli Töpe près d’Urfa dans l’est de la Turquie, les statues de Lepenski Vir (par exemple, le Dieu Poisson) en Serbie. Cette période historique a également vu la création de l’idole de Shigir (7500 av. J.-C.) - la plus ancienne sculpture sur bois au monde - trouvée près de Yekaterinburg en Russie. La plus grande œuvre d’art mésolithique est peut-être la sculpture en terre cuite de Roumanie connue sous le nom de Penseur de Cernavoda, une image indubitable de la pensée cognitive.

Sculpture néolithique (vers 4000-2000 av. J.-C.)

L’art néolithique se caractérise principalement par sa poterie, mais il a également produit des sculptures indépendantes et des statuettes en bronze - notamment dans la vallée de l’Indus, le Caucase du Nord et en relation avec l’art précolombien dans les Amériques. La forme la plus impressionnante de l’art néolithique est l’architecture des pyramides égyptiennes, où les chambres funéraires ont entraîné une demande accrue de divers types de reliefs et de statues et figurines portables. (Voir l’article sur la sculpture égyptienne). L’avènement de l’âge du bronze (en Europe : 3000-1200 av. J.-C.), ainsi que l’apparition de villes et d’édifices publics, et le développement de meilleurs outils, ont entraîné une augmentation générale de la demande pour tous les arts, y compris la sculpture. Voir par exemple : Sculpture mésopotamienne (3000-500 av. J.-C.). C’est à cette époque que l’art a commencé à jouer un rôle important en reflétant les aspirations des puissants dirigeants et des divinités qu’ils vénéraient. En somme, des communautés prospères et ambitieuses sont propices au développement de la sculpture.

Sculpture de la Méditerranée orientale (vers 2000-1100 avant notre ère)

Après l’épanouissement de l’architecture et des autres arts en Égypte, le Levant (pays de la Méditerranée orientale) a également connu l’essor de la culture minoenne sur l’île de Crète, connue pour sa sculpture et son travail du métal . Après une catastrophe inconnue (probablement un tremblement de terre) vers 1500 avant J.-C., la civilisation minoenne s’est effondrée et la Crète a été conquise par les Mycéniens venus de la Grèce continentale, qui ont ensuite été eux-mêmes vaincus et la ville de Mycènes détruite vers 1100 avant J.-C.

Sculpture extrême-orientale (vers 1700 av. J.-C. - 1150 apr. J.-C.)

L’art chinois sous la dynastie Shang (vers 1600-1050 av. J.-C.) s’est développé très différemment de l’art occidental. Pour la plus belle sculpture en bronze réalisée en Chine à cette époque, voir : Bronzes de Sanxingdu (1200-1000 av. J.-C.). Parmi les exemples bien connus de sculpture indienne et du sud-est asiatique, citons les reliefs inhabituels du temple hindou du 11e siècle (1017-29) de Kandariya Mahadev dans le Madhya Pradesh, en Inde, et le temple khmer du 12e siècle (1115-1145) d’Angkor Vat au Cambodge.

Sculpture de l’antiquité (vers 1100-100 av. J.-C.)

En raison de la stagnation culturelle de l’âge sombre «grec» (1100-900 av. J.-C.) et de la prédominance de la faïence à l’époque géométrique (900-700 av. J.-C.), la sculpture grecque n’apparaît vraiment qu’à l’époque du style dédalique ou oriental, vers 650 av. Ensuite, la sculpture s’est développée selon la chronologie traditionnelle de l’art grec pendant l’Antiquité classique, comme suit : la période archaïque (c.650-500 av. J.-C.) ; la période classique (c.500-323 av. J.-C.) ; et la période hellénistique (c.323-100 av. J.-C.). Pour plus d’informations, voir Sculpture grecque

La sculpture grecque archaïque (v.600-500 av. J.-C.)

La période archaïque est une période d’expérimentation lente mais continue ; la forme la plus précieuse de la sculpture grecque archaïque est le kouros (figure masculine nue debout).

La sculpture grecque classique (v.500-323 av. J.-C.)

La période divisée en première période classique, haute période classique et période classique tardive est restée dans l’histoire comme l’apogée de la créativité grecque. Dans les arts visuels, des sculpteurs célèbres tels que Polyclète (5e siècle av. J.-C.), Myron (qui a travaillé en 480-444 av. J.-C.) et Phidias (vers 488-431 av. J.-C.) (voir son œuvre au Parthénon) ont atteint un niveau de réalisme. Leur talent a été développé par des artistes ultérieurs tels que Callimachus (travaillant en 432-408 av. J.-C.), Scopas (travaillant en 395-350. BC), Lysippe (395-305 BC), Praxitèle (travaillant 375-335 BC), et Léochar (période de travail : 340-320 BC). Les maîtres de cette période sont restés inégalés jusqu’à la Renaissance italienne.

La sculpture grecque hellénistique (c.323-27 av. J.-C.)

Durant cette période (caractérisée par la diffusion de la culture grecque dans le monde civilisé), le réalisme classique est remplacé par le grand héroïsme et l’expressionnisme. Voir : École de Pergame de la sculpture hellénistique (241-133 av. J.-C.). Œuvres célèbres de la sculpture grecque hellénistique : «Gaulois mourant d’Épigone» ; «Nika de Samothrace» ; Laocoon et ses fils par Hagesander, Polydorus et Athénodore (42-20 av. J.-C.) et Vénus de Milos . Sur les plus grands reliefs hellénistiques, voir : Autel de Zeus de Pergame (166-56 av. J.-C.).

Malgré la disparition politique et militaire des cités-états grecques à partir de 200 av. J.-C. et la montée en puissance de Rome qui s’ensuivit, la sculpture grecque conserva son statut de plus belle création jamais réalisée. Même les Romains n’ont pas pu surmonter leur sentiment d’infériorité face à l’artisanat grec, bien qu’ils aient eu la gentillesse de copier autant d’œuvres grecques que possible, et c’est grâce à ces copies que nous connaissons l’art de la sculpture grecque. La véritable influence des statues et reliefs hellénistiques s’est en fait produite 1600-1700 ans plus tard, lorsqu’elle a été «redécouverte» par les premiers artistes de la Renaissance en Italie, après quoi elle est devenue la pierre angulaire de l’art européen pour les quatre siècles suivants. En résumé, les Grecs obtiennent le maximum de points.

Sculpture celtique en métal (400-100 av. J.-C.)

N’oublions pas les Celtes, une série de tribus nomades apparues dans le Caucase vers 800 av. J.-C. et qui se sont progressivement répandues vers l’ouest de l’Europe (600-100 av. J.-C.) jusqu’à la péninsule ibérique, la Grande-Bretagne et l’Irlande. Bien que très mobiles et doués pour la forge et l’orfèvrerie, ils étaient trop désorganisés pour rivaliser avec l’État hautement discipliné et centralisé de Rome. Finalement entièrement romanisés, du moins sur le continent, leur art celtique du travail du métal comprenait certaines des plus belles sculptures en métal de l’époque (par exemple le Bateau d’or de Breuther, datant d’environ 100-50 avant J.-C.). J.-C.). Ils étaient également d’excellents commerçants et leurs créations métalliques complexes ont été exportées et imitées dans tout le monde connu. Sur le travail de la pierre chez les Celtes, voir : Sculpture celtique . Sur la sculpture monumentale en pierre Keltoi (Keltoi) voir : La pierre de Turo .

La plus grande sculpture d’argile de l’histoire

L’armée de terre cuite (datant de 246-208 av. J.-C.), une immense collection de guerriers et de chevaux en argile, a été sculptée dans la province de Shaanxi, en Chine, sur les ordres de l’empereur Qin Shi Huangdi. Des milliers de ces figurines se trouvent encore à l’endroit même où elles ont été enterrées. Voir aussi Sculpture bouddhiste chinoise . Sur l’art en Inde, voir : La sculpture indienne (3300 av. J.-C. - 1850).

La sculpture romaine (c.200 av. J.-C. - c.200 ap. J.-C.)

Jusqu’en 27 av. J.-C. environ, malgré l’influence des sculpteurs étrusques antérieurs connus pour leur «joi de vivre», la sculpture romaine est non idéalisée et réaliste ; elle devient ensuite strictement héroïque et plutôt médiocre. A l’exception de quelques splendides reliefs historiques (par exemple le bas-relief en spirale de la colonne de Trajan) et de rares monuments (par exemple l’ Ara Pacis Augusta (autel de la paix augustéenne)), les sculpteurs romains étaient principalement employés à la production de bustes-portraits d’empereurs et d’autres dignitaires.

La sculpture byzantine (330-1450 ap. J.-C.)

Jusqu’au IVe siècle, la sculpture chrétienne primitive est presque exclusivement constituée de tombes en relief pour les sarcophages de Rome. Lorsque l’Empire romain s’est divisé entre l’Est et l’Ouest, la capitale orientale était Constantinople. L’art de l’Empire romain d’Orient basé à Byzance était presque exclusivement religieux, mais à l’exception de quelques reliefs mineurs en ivoire et de la fabrication de bijoux, le christianisme orthodoxe d’Orient n’autorisait pas les œuvres d’art tridimensionnelles telles que les statues ou les hauts-reliefs (reliefs sculpturaux tridimensionnels en saillie).

La sculpture à l’âge des ténèbres (c.500-800 CE)

Comme son nom l’indique, c’est une période sombre et tranquille pour les sculpteurs européens. L’Église était faible, les barbares (qui n’étaient pas de grands experts en sculpture) étaient forts, et les villes étaient pauvres et incultes. Il y avait une certaine activité à Constantinople et aux confins de l’Europe, par exemple en Irlande, où (à partir de 800-1100) l’Église monastique a commencé à commander plusieurs croix de pierre indépendantes connues sous le nom de sculptures celtiques de la haute croix, - décorées de scènes évangéliques et d’autres motifs dans le style celtique - mais peu d’art médiéval a été produit sur le continent à cette époque.

Note sur la sculpture et l’architecture

Avant de poursuivre, il convient de souligner le lien essentiel entre l’architecture publique ou la conception des bâtiments et la sculpture. En effet, les bâtiments publics nécessitaient généralement une décoration sculpturale, tant à l’intérieur qu’à l’extérieur. Les colonnes de soutien comportaient souvent des motifs décoratifs, des statues et des reliefs, tout comme les façades, les portes et les divers écrans intérieurs. Ainsi, chaque nouveau programme important de travaux publics, généralement annoncé par un nouveau style d’architecture, donnait lieu à un vaste programme parallèle de sculpture. En d’autres termes, les sculpteurs médiévaux aimaient beaucoup les architectes.

La sculpture romane primitive (carolingienne, ottonienne) (vers 800-1050)

Le renouveau de la sculpture médiévale commence avec Charlemagne, roi des Francs, couronné empereur romain en 800. L’empire carolingien s’est effondré assez rapidement, mais le mécénat artistique de Charlemagne a constitué une première étape cruciale dans la renaissance de la culture européenne, notamment parce que de nombreuses églises romanes et gothiques ont été construites sur la base de l’architecture carolingienne. Les réalisations architecturales de Charlemagne ont été poursuivies par les empereurs romains Otto I, II et III dans un style connu sous le nom d’Ottonien. C’est ainsi que l’art de la sculpture revint, bien qu’à une échelle modeste. Voir aussi : Artistes médiévaux

La sculpture romane (vers 1000-1200)

Au 11e siècle, une église chrétienne plus affirmée commence à se rétablir. Cet expansionnisme doctrinal a conduit aux croisades pour libérer la Terre Sainte de la domination islamique. Le succès des croisés et l’obtention de reliques sacrées ont provoqué la construction de nouvelles églises et cathédrales dans toute l’Europe dans un style architectural entièrement roman, un style connu en Grande-Bretagne et en Irlande sous le nom d’architecture «normande». Il s’ensuivit une énorme vague de commandes de sculptures et de vitraux romans. C’est ainsi que l’art de la sculpture fait enfin son retour. Cette nouvelle demande d’art plastique s’accompagne de la création d’ateliers de sculpture et de modelage, d’apprentissages et de la reconnaissance des maîtres. En effet, dès le XIIe siècle, les grands sculpteurs sont très recherchés par les abbés, les archevêques et autres mécènes séculiers pour leur contribution unique à l’impact visuel des édifices religieux en construction.

Sculpteurs romans célèbres :
Ghislebertus (XIIe siècle)
Maître Cabestani (XIIe siècle)
Maître Mateo (XIIe siècle)
Benedetto Antelami (actif 1178-1196).

La sculpture gothique (c.1150-1300)

Le programme de construction d’églises a stimulé le développement de nouvelles techniques architecturales. Ces techniques se sont regroupées au milieu du XIIe siècle dans un style que les architectes de la Renaissance ont appelé plus tard «l’architecture gothique». Les caractéristiques du style roman, telles que les arcs arrondis, les murs massifs et épais et les petites fenêtres, ont été remplacées par des arcs en ogive, de hauts plafonds, des murs minces et d’immenses vitraux. Cela a complètement transformé l’intérieur de nombreuses cathédrales en des lieux inspirants où le message chrétien était transmis par divers arts bibliques, y compris de magnifiques vitraux et une variété de sculptures. Les façades et les portails des cathédrales étaient généralement ornés de reliefs sculptés représentant des scènes bibliques, ainsi que des rangées de sculptures représentant des prophètes, des apôtres, d’anciens rois de Judée et d’autres personnages de l’Évangile. Les intérieurs étaient ornés de statues-colonnes et d’autres reliefs, tous disposés selon un plan complexe d’iconographie évangélique conçu pour enseigner et inspirer les croyants analphabètes.

Par essence, la cathédrale gothique était censée représenter l’univers en miniature, une œuvre unique d’art chrétien conçue pour transmettre un sens de la puissance et de la gloire de Dieu et de la nature rationnellement ordonnée de son dessein temporel. Les cathédrales françaises de Notre-Dame de Paris, de Chartres, de Reims et d’Amiens, les cathédrales allemandes de Cologne, de Strasbourg et de Bamberg, ainsi que les églises anglaises de l’abbaye de Westminster et de la cathédrale de York comptent parmi les plus grands exemples de sculpture architecturale gothique. Ainsi , la sculpture gothique représente l’apogée de l’art religieux monumental. Bien que l’Église ait continué à investir massivement dans le pouvoir de la peinture et de la sculpture pour inspirer les masses (en particulier pendant la Contre-Réforme baroque), l’ère gothique est véritablement l’apogée «de l’artisanat religieux idéaliste». Désormais, l’art de la sculpture sera de plus en plus immergé dans la politique séculière et papale.

Sculpteurs gothiques célèbres :
Nicola Pisano (v.1206-1278)
Giovanni Pisano (c.1250-1314)
Arnolfo di Cambio (c.1240-1310)
Giovanni di Balduccio (c.ca. 1290-1339)
Andrea Pisano (1295-1348)
Filippo Calendario (c.1315-1355)
Andre Bonevu (c.1335-1400)
Klaus Sluter (c.1340-1406)

Voir aussi : Sculpture gothique anglaise et Sculpture gothique allemande.

Sculpture de la Renaissance italienne (1400-1600)

La Renaissance italienne est inspirée «par la redécouverte» et le respect de l’art des anciens classiques, notamment en architecture et en sculpture. L’art de la Renaissance est également marqué par une forte croyance en l’humanisme et en la noblesse de l’homme. Il débute à Florence, inspiré par des hommes tels que l’architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446), le sculpteur Donatello (1386-1466), le peintre Tommaso Mazaccio et le théoricien Leon Battista Alberti (1404-1472), et financé par la famille Médicis. Il se répand ensuite à Rome - où il est soutenu par les ambitions papales des papes Sixte IV (1471-1484), Jules II (1503-1513), Léon X (1513-1521) et Paul III (1534-1545) - et à Venise. L’art en Europe du Nord (notamment en Flandre, en Hollande, en Allemagne et en Angleterre) connaît également une renaissance, surtout dans le domaine de la peinture à l’huile, de la gravure et, dans une moindre mesure, de la sculpture sur bois, bien que cette soi-disant Renaissance nordique se développe quelque peu indépendamment de la Réforme (1520) et de l’absence de mécénat religieux de l’Église protestante, qui voit d’un mauvais œil la peinture et la sculpture religieuses.

La sculpture du début de la Renaissance (1400-1490)

Compte tenu de la vénération dont jouit la Renaissance italienne, il est facile d’oublier que de nombreux artistes italiens ont été fortement influencés par les traditions et l’artisanat gothiques. Les sculpteurs de la Renaissance, en particulier, étaient redevables à leurs prédécesseurs gothiques. Il suffit d’étudier les reliefs des façades et des portes des cathédrales du XIIe siècle pour se rendre compte de l’extraordinaire réalisme et de l’émotivité en trois dimensions qui avaient été atteints des siècles avant la Renaissance. La grande différence entre les sculpteurs du gothique et ceux de la Renaissance est que les noms de ces derniers sont aujourd’hui connus dans le monde entier, alors que beaucoup des premiers sont inconnus.

C’est dans cette optique que les premiers sculpteurs de la Renaissance ont cherché à améliorer les œuvres gothiques en s’inspirant de la sculpture classique romaine et grecque. Ce faisant, ils ont donné à leurs statues des émotions différentes et leur ont insufflé une énergie et une pensée nouvelles. Les trois plus grands artistes tridimensionnels du début de la Renaissance sont Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolò di Betto Bardi, dit Donatello, et Andrea del Verrocchio (1435-1488).

Lorenzo Ghiberti

En 1401, un concours est organisé pour commander des portes en bronze pour le baptistère Saint-Jean de Florence, l’une des plus anciennes églises de la ville. Lorenzo Ghiberti remporta cette commande de portes, qu’il mit 27 ans à réaliser. Une deuxième commande similaire suivit, que Ghiberti mit encore 25 ans à réaliser. Sa porte devint un symbole tangible de l’art florentin, si bien que Michel-Ange l’appela «la Porte du Paradis».

Donatello

Donatello, premier véritable génie de la sculpture italienne de la Renaissance, réinvente la sculpture comme Masaccio, Piero della Francesca et Mantegna révolutionnent l’art de la peinture. Capable de conférer à ses figures un réalisme et une émotion intenses, son chef-d’œuvre est sa sculpture en bronze de David (vers 1435-53), la première sculpture de nu grandeur nature depuis l’Antiquité, réalisée pour la famille Médicis et placée au Palais Médicis à Florence. La forme élancée du berger biblique semble difficilement capable de tuer Goliath, mais ses deux poses féminines, avec leur contrepoint classique (rotation des hanches), ont un effet hypnotique sur le spectateur. Il s’agit certainement de l’une des plus grandes statues jamais créées. Pour plus de détails, voir : David Donatello

Andrea del Verrocchio

David (c. 1475) Andrea del Verrocchio est plus raffiné mais moins affirmé que la statue de Donatello, tandis que sa statue équestre du confiseur Bartolomeo Colleoni (années 1480) est moins héroïque mais transmet une plus grande sensation de mouvement et d’assurance que Gattamelata de Donatello (1444-53) à Padoue.

D’autres sculpteurs importants du début de la Renaissance sont Jacopo della Quercia (c.1374-1438) ; Nanni di Banco (c.1386-1421) ; des sculpteurs de terre cuite (c.1386-1421) ; des sculpteurs d’objets en bois et des sculpteurs d’objets en terre cuite.) ; sculpteurs de terre cuite Luca Della Robbia (1400-1482), son neveu Andrea Della Robbia (1435-1525), Niccolò Dell’Arca (1435-1494), et Guido Mazzoni (1450-1518) ; Antonio Rossellino (1427-1479) ; Antonio Pollaiuolo (1432-1498).

Sculpture de la Haute Renaissance (vers 1490-1530)

Michel-Ange (1475-1564), le plus grand sculpteur de la Renaissance italienne, et peut-être de tous les temps, a éclipsé tous les autres sculpteurs de la Renaissance . L’historien de l’art Anthony Blunt a parlé d’œuvres de Michel-Ange telles que Pietà (1497-99, marbre, basilique Saint-Pierre, Rome), David (1501-04, marbre, Galleria dell’Accademia, Florence) et «Esclave mourant» (1513-16, marbre, Louvre, Paris) qu’ils possédaient «une qualité surhumaine», mais aussi «un sentiment d’inquiétude sombre… ils reflètent la tragédie de la destinée humaine». Certaines sculptures en marbre de Michel-Ange sont d’une beauté et d’un poli irréprochables, témoignant de sa maîtrise technique absolue. Dans le domaine du nu masculin héroïque, il reste le maître suprême. Pour plus d’informations, voir Le David de Michel-Ange

D’autres sculpteurs importants de la Haute Renaissance sont le peintre et architecte vénitien Jacopo Sansovino (1486-1570) et Baccio Bandinelli (1493-1560).

La sculpture de la Renaissance septentrionale (c. 1400-1530)

En Europe du Nord, le meilleur de la sculpture a été montré en particulier par deux artisans étonnants qui ont élevé l’art de la sculpture sur bois à de nouveaux sommets : le sculpteur allemand qui travaillait le bois dur Tilman Riemenschneider (1460-1531), connu pour ses reliefs et ses sculptures en bois indépendantes ; et le sculpteur sur bois Feit Stoss (1450-1533), connu pour ses retables de qualité.

Autres sculpteurs importants du nord des Alpes :
Hans Mulcher (vers 1400-1467) ; Giorgio da Sebenico (1410-1473) ;
Michel Colomb (vers 1430-1512) ; Gregor Ehrhart (vers 1460-1540).

Sculpture maniériste (1530-1600)

Si la confiance et l’ordre de la Haute Renaissance se reflètent dans les formes idéalisées de la sculpture figurative, la sculpture maniériste reflète le chaos et l’incertitude d’une Europe brisée par les divisions religieuses et d’une Rome récemment mise à sac et occupée par des soldats français mercenaires. Les sculpteurs maniéristes ont apporté une nouvelle expressivité à leurs œuvres, comme en témoignent les puissants Enlèvement des Sabines (1529-1608) de Giambologna et Persée (1545-54) de Benvenuto Cellini (1500-1571). Comparez cependant la célèbre statue naturaliste couchée en marbre de Sainte Cécile de Stefano Maderno (1576-1636). Voir aussi Juan de Juni (1507-1577), qui propagea la Renaissance en Espagne, Alonso Berruguete (c.1486-1561), qui introduisit le maniérisme en Espagne, et Francesco Primaticcio (1504-1570), à l’origine du maniérisme français. Les principaux sculpteurs du maniérisme français sont Jean Goujon (c. 1510-1568), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prieur (1536-1611), et Adrien de Vries (1560-1626).

La sculpture baroque (1600-1700)

À la fin du XVIe siècle, en réponse à la Réforme protestante, l’Église catholique romaine a entamé sa propre Contre-Réforme. Cette campagne de propagande, destinée à persuader les fidèles de revenir à la «véritable» Église, a utilisé toute la gamme des arts visuels, y compris l’architecture, la sculpture et la peinture, et a été associée à un idiome plus grandiose et plus dramatique connu sous le nom d’art baroque. Cela impliquait un mécénat massif de la part de l’Église envers les peintres et les sculpteurs.

Même la place Saint-Pierre de Rome a été remodelée pour faire trembler les visiteurs. Le brillant architecte et sculpteur Bernini (1598-1680) a conçu une série de colonnades menant à la cathédrale, donnant aux visiteurs l’impression que les armoiries de l’Église catholique les étreignent.

Le Bernin est le plus grand sculpteur baroque . Après avoir travaillé pour le cardinal Scipione Borghese, il devint le principal sculpteur du pape Urbain VIII. Attiré par le naturalisme dramatique de ce que l’on a appelé le style baroque hellénistique des deuxième et premier siècles avant J.-C. (voir par exemple des œuvres telles que «Le Gal vaincu se tue et tue sa femme»), la contribution unique du Bernin a été la création de chefs-d’œuvre illusionnistes sensationnels (par exemple la représentation d’un moment dans le temps), d’une manière qui n’était auparavant accessible qu’aux artistes. Il semblait travailler avec des matériaux relativement souples comme s’ils étaient entièrement plastiques. Sa technique de sculpture et sa composition étaient si étonnantes qu’il s’est attiré de nombreuses critiques de la part d’artistes envieux.

Son principal rival était Alessandro Algardi (1598-1654), le sculpteur préféré du pape Innocent X. Si le Bernin incarne le naturalisme dramatique grec, le style d’Algardi est plus sobre (certains critiques le qualifient de faible). Un autre rival est le sculpteur flamand François Duquesnoy (1594-1643), dont le style est tout à fait classique. Personnage plutôt sombre, Duquesnoy travaillait dans un style austère et sans émotion qui était néanmoins très apprécié par les critiques académiques pour sa synthèse parfaite de la nature et de l’antiquité. Les draperies s’écoulent gracieusement, suivant la forme du corps, tandis que la figure est équilibrée dans une grâce et un repos parfaits - tout le contraire du mouvement dynamique et de l’intensité des sentiments du Bernin.

La sculpture baroque française est illustrée par François Girardon (1628-1715), une sorte d’Algardi français et son rival Antoine Coysevox (1640-1720), dont le style plus libre était encore relativement retenu par rapport à celui du Bernin, et Pierre Puget (1620-1694), qui fut l’un des rares sculpteurs à retrouver l’immédiateté des meilleures œuvres du Bernin.

Parmi les autres sculpteurs baroques, citons Juan Martinez Montanez (1568-1649), Alonzo Cano (Grenade, 1601-1667), et Andreas Schlüter (1664-1714), le plus grand sculpteur baroque d’Allemagne du Nord. Dans le sud de l’Allemagne, l’un des plus grands maîtres fut Jörg Zurn (1583-1638), qui réalisa l’impressionnant maître-autel à cinq niveaux dédié à la Vierge Marie (1613-16) dans l’église Saint-Nicolas d’Uberlingen, sur la rive nord du lac de Constance (Bodensee).

Pour plus d’informations, voir : Sculpture baroque .

Sculpture rococo (c. 1700-1789)

Réaction française au sérieux du baroque, l’art rococo est d’abord apparu à la cour française du château de Versailles, puis s’est répandu dans toute l’Europe. Alors que la sculpture baroque était dramatique et sérieuse, la sculpture rococo était simplement excessive et dénuée de sens, bien qu’elle soit en fait une variation du style réalisé par le Bernin et ses contemporains. Néanmoins, on peut parler de qualités rococo dans une œuvre sculpturale - informalité, gaieté, souci des choses du cœur et absence consciente de sérieux.

Le sculpteur le plus brillant de la première moitié du XVIIIe siècle est Guillaume Custu (1677-1746), directeur de l’Académie française à partir de 1707, qui poursuit la tendance baroque de son oncle Koisevox. Son élève, Edme Bouchardon (1698-1762), est une figure plus intéressante, dont le sentiment pour l’antiquité l’a amené à anticiper la tendance ultérieure au néoclassicisme. Jean-Baptiste Pigalle (1714-1885), le favori de Madame de Pompadour, est un autre exemple important du style rococo, car son principal rival est Etienne-Maurice Falcone (1716-1991), qui s’est spécialisé dans les figures érotiques qui ne ressemblent guère aux originaux hellénistiques. Son chef-d’œuvre reste cependant son monument classique «Le cavalier de bronze» à Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg - voir : Sculpture russe».

En Angleterre, les principaux sculpteurs des XVIIe et XVIIIe siècles sont le classique Michael Risbrack (1694-1770), le plus théâtral Louis François Rubiliac (1705-1762) et l’éminent sculpteur sur bois Greenling Gibbons (1648-1721). La sculpture rococo allemande est illustrée par l’œuvre du sculpteur de Dresde Balthasar Permoser (1651-1732), ainsi que par l’œuvre de petits groupes d’artisans travaillant dans les églises catholiques du Sud et Ignaz Günther (1725-1775), dont les sculptures figuratives sont dures et polychromes, rappelant la sculpture sur bois allemande médiévale

Le rococo, fantaisiste et décadent, est balayé par la Révolution française, qui inaugure un nouveau style plus austère, le néoclassicisme.

Sculpture néoclassique (floraison 1790-1830)

L’art néoclassique - principalement l’art grec avec un penchant pour la modernité - était dominé par l’architecture néoclassique . Les bâtiments néoclassiques comprennent le Panthéon (Paris), l’Arc de Triomphe (Paris), la Porte de Brandebourg (Berlin) et le Capitole des États-Unis. La sculpture néoclassique met l’accent sur les vertus de l’héroïsme, du devoir et du sérieux. Parmi les principaux sculpteurs néoclassiques figurent le très sévère et héroïque Antonio Canova (1757-1822), le maître soucieux du portrait en buste Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), le plus naturaliste et réaliste Jean-Antoine Houdon (1741-1828), le plutôt léger Claude Michel, dit Clodion (1738-1814), et les sculpteurs anglais Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) et Sir Richard Westmacott (1775-1856). Ce n’est que plus tard au XVIIIe siècle, en la personne du sculpteur danois Bertel Thorvaldsen (1770-1844), qu’émerge un digne successeur de Canova, qui s’approche d’une arrogance antique comparable, mais avec moins d’originalité.

La sculpture du XIXe siècle

À bien des égards, le XIXe siècle a été une époque de crise pour la sculpture. En effet, le développement de l’architecture s’était largement épuisé, le mécénat religieux avait décliné à la suite de la Révolution française et un climat général «de populisme» commençait à semer la confusion dans l’esprit des mécènes institutionnels et privés quant à ce qui était considéré comme acceptable pour la représentation sculpturale, quels sujets (et quels styles). Pratiquant un art plus coûteux que les artistes, et donc dépendant de commandes onéreuses, les sculpteurs se trouvaient souvent à la merci de l’opinion publique, sous la forme de conseils et de comités municipaux. En dehors d’un certain nombre de grands monuments publics et des habituelles statues commémoratives d’évêques et de rois - invariablement exécutées dans le style conformiste et stérile exigé par les autorités (par exemple, l’Albert Memorial) - les sculpteurs ont peu d’occasions de faire preuve d’originalité. La peinture, en revanche, connaît des changements considérables et passionnants. En d’autres termes, ce n’était pas le bon moment pour faire de l’art en 3D.

Les sculpteurs du XIXe siècle qui méritent d’être cités sont : James Pradier (1790-1852), universaliste, François Rood (1784-1855), romantique, David Angers (1788-1856), Antoine-Louis Bari (1796-1875), Auguste Préaud (1809-1879) et Félicia de Saint-Fauvet (1799-1886), sculpteur florentin, néo-Renaissance. L’un des plus talentueux fut l’insouciant Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), dont la sensualité fut adaptée aux exigences de la sculpture décorative des années 1860 par Ernest Curry-Belz (1824-1887), par ailleurs surtout connu pour avoir eu comme élève un sculpteur inconnu nommé Auguste Rodin. Jules Dalou (1838-1902) était un adepte plus contemplatif et sérieux de Carpeaux. Parmi les principaux classicistes du XIXe siècle figurent John Gibson (1791-1866), le talentueux mais désabusé Alfred Stevens (1817-1875), l’universaliste George Frederick Watts (1817-1904) et l’Américain Hiram Powers (1805-1873).

Il ne faut pas non plus oublier le sculpteur français Auguste Bartholdi (1834-1904) - plus connu comme le créateur de la sculpture mondialement connue - Statue de la Liberté - située dans le port de New York. Également le grand sculpteur monumental américain Daniel Chester French (1850-1931), connu pour sa figure assise de Lincoln au Lincoln Memorial à Washington, DC.

Auguste Rodin

La grande exception est l’incomparable génie français Auguste Rodin (1840-1917). L’un des rares véritables maîtres de la sculpture moderne, Rodin se considérait comme le successeur de son héros culte, Michel-Ange, bien que le Florentin ait été un sculpteur de marbre et que Rodin ait principalement créé en bronze. En outre, alors que Michel-Ange incarne les formes nobles et intemporelles de l’Antiquité classique, les œuvres les plus caractéristiques de Rodin témoignent d’une modernité et d’un naturalisme dramatique indéniables. Les véritables prédécesseurs de Rodin étaient peut-être les sculpteurs gothiques, car il était un admirateur passionné des cathédrales gothiques de France, dont les reliefs héroïques l’ont beaucoup inspiré. Quoi qu’il en soit, l’influence de Rodin sur l’art a été plus grande que celle de n’importe quel sculpteur de la Renaissance.

La sculpture du XXe siècle : l’avènement du modernisme

La sculpture étant moins à même de refléter les nouvelles tendances de l’art moderne au XIXe siècle, des sculpteurs comme Auguste Rodin (1840-1917) étaient libres de poursuivre un monumentalisme basé sur l’idéologie de la Renaissance, tandis que d’autres étaient libres de glorifier les valeurs victoriennes sous la forme de figures patriotiques et historiques, également exécutées à la manière grandiose des époques antérieures. Mais avec l’arrivée de sculpteurs modernes du XXe siècle tels que Constantin Brancusi (1876-1957), Umberto Boccioni (1882-1916) et Naum Gabo (Naum Nehemiah Pevsner) (1890-1977), la sculpture a vraiment commencé à changer au tournant du siècle.

Sur l’influence des cultures tribales sur le développement de la sculpture du XXe siècle, voir : Primitivisme et art primitif . Dans ce contexte, lisez les travaux de Henri Gaudier-Brzeski (1891-1915) et de son mentor Jacob Epstein (1880-1959). Noter en particulier l’influence de la sculpture africaine sur les sculpteurs contemporains de l’École de Paris .

En effet, dans les premières décennies du XXe siècle, les arts visuels sont en pleine effervescence. Le mouvement cubiste révolutionnaire, inventé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963), a fait voler en éclats de nombreux canons sacrés de l’art traditionnel et a déclenché une vague d’expérimentation en peinture et en sculpture. La sculpture a été considérablement redéfinie par un certain nombre de sculpteurs tels que Marcel Duchamp (1887-1968) - voir ses «Readymades» - Jacques Lipchitz (1891-1973) et Alexandre Archipenko (1887-1964), ainsi que Brancusi, Boccioni et Gabo. La représentation est rejetée au profit de nouvelles expressions abstraites de l’espace et du mouvement, souvent à l’aide de matériaux non conventionnels jamais utilisés auparavant en sculpture.

Après le cubisme, la Première Guerre mondiale (1914-18) et la révolution bolchevique de 1917 ont eu un impact profond sur les peintres et les sculpteurs de toute l’Europe, comme en témoignent les influents mouvements iconoclastes de Dada et du Constructivisme. Les sculpteurs ont travaillé aux côtés des artistes pour créer des œuvres d’art qui reflétaient de nouvelles icônes, telles que les machines et les mécanismes, ainsi que de nouvelles idéologies (par exemple les théories de l’école de design du Bauhaus) et formes (par exemple l’incroyable Merzbau de Kurt Schwitters).

Les années 1920 ont vu la naissance du surréalisme à Paris, un mouvement extrêmement influent qui recherchait un nouveau «superréalisme» dans un style qui incorporait à la fois l’abstraction et le naturalisme. Parmi les artistes surréalistes qui ont travaillé avec le volume, on peut citer Salvador Dalí (1904-1989), qui a produit son canapé surréaliste «Mae West Lips Sofa» et Lobster Telephone ; Meret Oppenheim (1913-1985), qui a produit «Furry Breakfast» ; et F. E. McWilliam (19099). E. McWilliam (1909-1992), qui a créé «Eyes, Nose and Cheek». D’autres sculpteurs contemporains tels que Jean Arp (1886-1966) ainsi que Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-1975) - chefs de file de la sculpture britannique moderne - ont expérimenté de nouvelles formes d’abstraction biomorphique et organique, tandis que l’Américain Alexander Calder (1898-1976) fut un pionnier de la sculpture mobile et de l’art cinétique , et que David Smith (1906-1965) développa la sculpture abstraite en métal. De nombreux sculpteurs ont développé leur style au cours du siècle : par exemple, Alberto Giacometti (1901-1966) a commencé dans le style surréaliste dans les années 1920 et 1930 et a longtemps affiné ses œuvres figuratives semi-abstraites uniques, et l’artiste moderniste américano-britannique Jacob Epstein (1880-1959), dont les œuvres figuratives audacieuses se sont avérées très controversées.

La sculpture d’après-guerre (1945-70)

Ni à New York ni à Paris n’est apparue une sculpture comparable au style dominant de la peinture expressionniste abstraite (1945-62), bien qu’il y ait eu des innovations, principalement dans l’utilisation de nouveaux matériaux et dans le climat croissant du conceptualisme, un style qui se concentre sur l’idée derrière un objet tridimensionnel plutôt que sur l’objet lui-même, ainsi que sur l’estompement entre la peinture et la sculpture. Les principales innovations proviennent surtout de sculpteurs américains, mais, par exemple, «Ruined City» (1953) du sculpteur russe Osip Zadkin (1890-1967) - comprenant «des murs sculpturaux» de Louise Nevelson (1899-1988) - des assemblages, constitués d’objets trouvés principalement en bois, peints en blanc, noir ou or et disposés sur des étagères en caisson occupant un mur ; des sculptures en feutre de Robert Morris (n. 1931) ; œuvres au néon et fluorescentes de Bruce Nauman (né en 1941) ; œuvres de César (1921-1998) réalisées à partir de pièces détachées de voitures ; sculptures réalisées à partir de déchets (par exemple, des piles de téléphones cassés) d’Armand Fernandez (né en 1928) ; art cinétique. 1928) ; l’art cinétique de Jean Tinguely (1925-1991) ; et la sculpture abstraite de l’artiste britannique Sir Anthony Caro (1924-2013).

Sculpture pop art

Chronologiquement, le premier grand mouvement d’après-guerre à impliquer des sculpteurs a été le Pop Art dans les années 1960, qui a commencé avec les travaux révolutionnaires de Robert Rauschenberg (1925-2008) et de Jasper Johns (né en 1930) dans les années 1950. Parmi les sculptures pop célèbres, on peut citer «Japanese God of War» (1958) de l’artiste pionnier Eduardo Paolozzi (né. 1924), «El Kans» (1964) Jasper Johns, toile, mousse et carton - «Paul Burger» (1962) et «Giant Tips» (1967) de Claes Oldenburg (né en 1929) ; l’esprit de répartie et d’humour de la sculpture pop» (1967) de Claes Oldenburg (né en 1929) ; l’esprit de répartie et d’humour de la sculpture pop. 1929) ; le spirituel Sofa Jo (1968) des Italiens Jonathan De Paz (1932-1991), Donato D’Urbino (né en 1935) et Paolo Lomazzi (né en 1936) présentent tous des traces des débuts de l’art surréaliste. La sculpture pop n’est pas sérieuse, mais elle est amusante.

Sculpture minimaliste

Contrairement au Pop Art, le Minimalisme des années 1960 a exploré la pureté des formes simplifiées jusqu’à l’absurde. Parmi les sculpteurs minimalistes notables, on peut citer Sol Lewitt (né en 1928), un artiste conceptuel américain connu pour ses structures géométriques squelettiques en forme de boîtes ; Donald Judd (1928-1994) et ses formes simplifiées sans compromis ; l’artiste expérimental Walter de Maria (né en 1935) ; et Carl Andre , né dans le Massachusetts (né en 1935). La sculpture minimaliste peut être appréciée par toute personne ayant un doctorat en histoire de l’art.

Land Art : Sculpture environnementale

Les années 1960 ont également été marquées par l’apparition d’un tout nouveau type de sculpture connu sous le nom de Land Art (Earthworks, ou Environmental Art). Comme des enfants construisant des châteaux de sable sur la plage, les artistes se sont précipités dans la nature et ont creusé, excavé et modifié le paysage naturel pour créer (comme ils l’espéraient) de l’art . Le pionnier des écologistes fut le pessimiste Robert Smithson (1938-1973). Plus récemment, le couple d’artistes Christo et Jeanne-Claude Javachev s’est rendu célèbre en enveloppant des parties de l’environnement dans des tissus colorés, tandis qu’Andy Goldsworthy (né en 1956) s’est spécialisé dans les sculptures environnementales temporaires (par exemple en neige) qui se décomposent ou disparaissent.

Sculpture contemporaine postmoderne

En 1970, une part croissante de l’art actuel était devenue extrêmement expérimentale - les historiens de l’art pourraient dire qu’elle était étrange, obscure et kitsch. Depuis les années 1970, cette tendance est appelée «Art postmoderne». Personne ne sait vraiment ce que ce mot signifie, et s’il le sait, il est peu probable qu’il puisse l’expliquer. En ce qui concerne la sculpture postmoderne, le mieux que l’on puisse dire est qu’elle réduit la sculpture à la limite de l’expression tridimensionnelle et qu’elle chevauche souvent d’autres formes d’art telles que l’installation, l’art de l’assemblage, et même le théâtre. L’un des sculpteurs les plus connus du postmodernisme est le Britannique Anish Kapoor (né en 1954), lauréat du prix Turner .

Le postmodernisme est illustré par l’œuvre de Damien Hirst (né en 1965), le brillant leader du marché du mouvement des jeunes artistes britanniques des années 1980, qui a atteint une renommée mondiale pour son œuvre «L’impossibilité physique de la mort dans l’esprit d’un vivant» (1991), un requin tigre mort mariné dans un réservoir de formaldéhyde - s’agit-il d’une sculpture ou d’une installation? Personne ne le sait vraiment. Parmi les autres œuvres controversées de Hirst, citons Virgin Mother (2005), une œuvre gigantesque représentant une femme enceinte sculptée de manière à présenter un fœtus, des tissus musculaires et un crâne ; et son crâne incrusté de diamants «For the Love of God» (2007). Les critiques affirment que Hirst n’est guère plus qu’un showman innovant, mais les collectionneurs, comme le public, semblent l’adorer. Laissons à l’histoire le dernier mot sur ce multimillionnaire.

Toutes les sculptures modernes ne sont pas aussi controversées que le requin mort de Hirst. La fin du XXe siècle a vu un certain nombre de sculpteurs exceptionnels travailler dans des styles plus ou moins traditionnels, mais avec une conception moderniste. Parmi les exemples bien connus de sculpture moderne, on peut citer les sculptures métalliques à grande échelle de Mark Di Suvero (né en 1933), les formes publiques monumentales de Richard Serra (né en 1939), les figures hyperréalistes de Duane Hanson (1925-1996) et de John De Andrea (né en 1941), les structures naturelles de Richard Serra (né en 1939), ainsi que les œuvres d’art de Richard Serra (né en 1939). 1941), les structures naturelles d’Anthony Gormley (né en 1950), les figures réalistes oniriques de Rowan Gillespie (né en 1953), les œuvres néo-pop innovantes de Jeff Koons (né en 1955) et les sculptures arachnéennes surréalistes de Maman Louise Bourgeois (1911-2010).

Les sculptures célèbres du début du XXIe siècle sont, entre autres, les œuvres d’Eduardo Chillida (1924-2002) (par exemple Iron Object Berlin, 2000, Bundeskanzleramt, Berlin-Tiergarten) ; et les œuvres de Sudobh Gupta (né en 1964) et de Damian Ortega (né en 1967), parmi d’autres trop nombreuses pour être toutes citées.

Sculpture architecturale

Bien que cela dépasse le cadre de cet article, il convient de mentionner les grandes œuvres emblématiques de la sculpture architecturale, notamment : Colosse de Rhodes, Statue de la Liberté, Tour Eiffel, Colonne de Nelson, Chicago de Picasso, et Dublin Spike .