Histoire de la sculpture Automatique traduire
introduction
Tout récit chronologique des origines et de l’évolution de l’art tridimensionnel devrait occuper plusieurs volumes, voire toute une bibliothèque de livres. En le compressant sur une seule page, la majeure partie de l’histoire est inévitablement omise. Malgré tout, c’est toujours une belle histoire! De la Préhistoire à l’Antiquité classique, en passant par l’époque gothique, la Renaissance et le XXIe siècle, l’histoire de la sculpture regorge d’artistes extraordinaires – le plus tristement anonyme – dont l’expressivité visuelle demeure avec nous sous la forme de magnifiques statues de marbre, de reliefs en pierre et bronzes immortels.
Même aujourd’hui, visitez n’importe quelle cathédrale, n’importe laquelle des grandes villes, places ou bâtiments du monde, et vous êtes certain de voir de grands exemples d’art en 3D.
Chronologie de la sculpture d’art
Sculpture préhistorique
La sculpture commence à l’âge de pierre. Exactement quand, on ne sait pas. Les premiers exemples connus sont les deux effigies de pierre primitives connues sous le nom de Vénus de Berekhat Ram et de Vénus de Tan-Tan . La Vénus de Berekhat Ram (datant d’environ 230 000 ans avant notre ère) est une figurine basaltique réalisée pendant la période acheuléenne, qui a été découverte sur les hauteurs du Golan. La Vénus de Tan-Tan (environ 200 000 av. J.-C.) est une figurine en quartzite de la même époque.
Si ces objets sont des formes pré-sculpturales, les premiers sculpture préhistorique Elle a émergé vers 35 000 ans av. J.-C. sous la forme de sculptures d’animaux, d’oiseaux et de figures thérianthropiques, réalisées pendant la période du Périgordien inférieur / Aurignacien et découvertes dans les grottes de Vogelherd, de Hohle Fels et de Hohlenstein-Stadel, dans le Jura souabe, en Allemagne. La plus ancienne sculpture figurative est la sculpture sur ivoire connu comme le Homme de lion du Hohlenstein Stadel (38 000 AEC).
Un autre type ancien de sculpture de l’âge de pierre sont les figurines miniatures obèses appelées Vénus : telles que les vénus de Willendorf, Kostenky, Monpazier, Dolni Vestonice, Moravany, Brassempouy et Gagarino. Fabriquées à partir de matériaux aussi variés que l’os de mammouth, l’argile en céramique et la cendre d’os, ainsi que de divers types de pierre comme la stéatite, le calcaire oolithique, le serpentin et la roche volcanique, ces figures de vénus ont été localisées dans plusieurs pays européens, de la Russie à l’Espagne. Les anthropologues pensent qu’elles ont peut-être été utilisées lors de rituels de fertilité, bien que la raison pour laquelle les grosses femmes devraient être si emblématiques reste un mystère. (Manque de nourriture? Ed).
Sculpture mésolithique (environ 10 000 à 4 000 ans avant notre ère)
Art mésolithique été témoin de plus de bas-reliefs et de sculptures libres telles que les figurines anthropomorphes découvertes à Nevali Cori et Gobekli Tepe près d’Urfa, dans l’est de la Turquie, et les statues de Lepenski Vir (par exemple, le dieu poisson) en Serbie. Il a également été témoin de la création du Shigir Idol (7.500 avant notre ère) – la plus ancienne sculpture sur bois du monde – découverte près de Sverdlovsk en Russie. On peut dire que la plus grande œuvre d’art mésolithique est la sculpture en terre cuite de Roumanie, connu sous le nom de Penseur de Cernavoda , une image indubitable de la pensée cognitive.
Sculpture néolithique (environ 4 000-2 000 ans avant notre ère)
Art néolithique Il est surtout connu pour ses poteries, mais il comporte également des sculptures libres et des statuettes en bronze – en particulier de la civilisation de la vallée de l Indus , le Caucase du Nord et art précolombien dans les Amériques. La forme la plus spectaculaire de l’art néolithique était Architecture pyramidale égyptienne dont les chambres funéraires ont entraîné une demande accrue de divers types de reliefs, ainsi que de statues portables. (Voir Sculpture égyptienne .) En effet, l’avènement de l’âge du bronze (en Europe: 3000-1200 av. J.-C.) ainsi que l’émergence de villes et de bâtiments publics et le développement d’outils plus sophistiqués ont provoqué une augmentation générale de la demande pour tous les types d’art, y compris la sculpture. Voir, par exemple, Sculpture mésopotamienne (3000-500). C’est à cette époque que l’art commence à jouer un rôle important en reflétant les aspirations des puissants dirigeants et des divinités qu’ils vénéraient. En bref, les communautés prospères et ambitieuses étaient bonnes pour la sculpture.
Sculpture de la Méditerranée orientale (environ 2000-1100 avant notre ère)
Après l’épanouissement de l’architecture et d’autres arts en Égypte, le Levant a également été témoin de l’essor de la culture minoenne sur l’île de Crète, réputée pour ses sculptures et son art. ferronnerie . Après une catastrophe inconnue (probablement un tremblement de terre) autour de 1500 avant notre ère, le Minoen civilisation s’est effondré et la Crète a été conquise par les Mycéniens du continent grec, eux-mêmes vaincus et la ville de Mycènes détruite vers 1100 av.
Sculpture d’Extrême-Orient (vers 1700 av. J.-C. – 1150 de notre ère)
Art chinois pendant le la dynastie Shang (c.1600-1050) développé selon des lignes très différentes des variétés occidentales. Pour la meilleure sculpture en bronze produite en Chine au cours de cette période, voir: Sanxingdui Bronzes (1200-1000 AEC). Parmi les exemples célèbres de sculptures indiennes et du sud-est asiatique, citons les reliefs extraordinaires du temple hindou Kandariya Mahadeva (XIe siècle) (XIe siècle) dans le Madhya Pradesh, en Inde; et le 12ème siècle Temple d’Angkor Wat Khmer (1115-1145) au Cambodge.
Sculpture de l’Antiquité Classique (environ 100-100 AEC)
En raison de la stagnation culturelle de "l’âge sombre" grec (1100-900 AEC) et de la prédominance de la poterie à la période géométrique (900-700 AEC), la sculpture grecque n’apparut vraiment Daedalic ou période de style oriental autour de 650 avant notre ère. Par la suite, il s’est développé selon la chronologie traditionnelle de l’art grec pendant Antiquité classique , comme suit: période archaïque (environ 650-500 avant notre ère); Période classique (environ 500 à 323 av. J.-C.); et période hellénistique (environ 323 à 100 avant notre ère). Pour plus, voir: Sculpture grecque rendue simple .
Sculpture grecque archaïque (environ 600-500 avant notre ère)
La période archaïque était une période d’expérimentation lente mais continue; la forme la plus prisée de Sculpture grecque archaïque était le kouros (pl.kouroi), ou nu masculin debout.
Sculpture grecque classique (environ 500 à 323 av. J.-C.)
Divisé en Early Classical Période, Haut classique Période et Classique tardif Période, ce fut le point culminant de la créativité grecque. Dans les arts plastiques, des sculpteurs célèbres aiment Polykleitos (Ve siècle avant notre ère), Myron (Actif 480-444 AEC), et Phidias (c. 488-431 AEC) (voir son travail à la Parthénon ) atteint un niveau de réalisme – développé plus tard par des artistes tels que Callimaque (Actif 432-408 AEC), Skopas (Actif 395-350 AEC), Lysippe (c. 395-305 av. J.-C.) Praxiteles (Actif 375-335 AEC), et Leochares (Actif 340-320 AEC) – qui resterait inégalée jusqu’à la Renaissance italienne.
Sculpture grecque hellénistique (c.323-27 AEC)
Au cours de cette période (caractérisée par la diffusion de la culture grecque dans le monde civilisé), le réalisme classique a été remplacé par un plus grand héroïsme et expressionnisme. Voir: École Pergamene de sculpture hellénistique (241-133 AEC). Œuvres célèbres de Sculpture grecque hellénistique comprennent: Mourir Gaule par Epigonus ; la victoire ailée de Samothrace ; Laocoon et ses fils par Hagesandrus, Polydorus et Athenodorus (42-20 avant notre ère), et le Vénus de Milo . Pour les plus grands reliefs hellénistiques, voir: Autel de Pergame de Zeus (166-56 avant notre ère).
En dépit de l’effondrement politique et militaire des cités grecques aux alentours de 200 av. J.-C. et de l’ascension de Rome qui s’ensuivit, la sculpture grecque conserva son statut de plus belle œuvre jamais réalisée. Même les Romains n’ont pas réussi à surmonter leur sentiment d’infériorité face à l’art grec, bien qu’ils aient été assez jolis pour copier autant d’œuvres grecques que possible, et c’est principalement grâce à ces copies que l’art de la sculpture grecque est connu. La véritable influence de Statues et reliefs hellénistiques se produisit effectivement 1600-1700 ans plus tard, quand il fut "redécouvert" par des artistes du début de la Renaissance en Italie, après quoi il constitua la pierre angulaire de l’art européen pendant les quatre siècles suivants. En bref, les Grecs obtiennent un maximum de points.
Sculpture en métal celtique (400-100 AEC)
N’oublions pas les Celtes – une série de tribus nomades qui ont émergé du Caucase vers 800 avant notre ère et qui se sont progressivement étendues vers l’ouest à travers l’Europe (600-100 avant notre ère) jusqu’à la péninsule ibérique, la Grande-Bretagne et l’Irlande. Bien que très mobiles et maîtres de la forge et de l’orfèvrerie, ils étaient trop désorganisés pour rivaliser avec l’État hautement discipliné et centralisé de Rome. Finalement complètement romanisé, au moins sur le continent, leur Art celtique inclus certaines des plus belles sculptures en métal de l’époque (par exemple, la Bateau plus léger vers 100-50 avant notre ère). Ils étaient également des commerçants exceptionnels et leurs conceptions métalliques complexes étaient exportées et imitées dans le monde entier. Pour les pierres des Celtes, voir: Sculpture celtique . Pour la sculpture monumentale en pierre de Keltoi , voir: le Turoe Stone .
La plus grande sculpture en terre cuite du monde
le Armée de terre cuite (datant de 246-208 avant notre ère), une vaste collection de guerriers en argile et de chevaux a été sculptée dans la province du Shaanxi, en Chine, sous les ordres de l’empereur Qin Shi Huangdi. Des milliers de personnages restent enterrés sur le site. Voir également Sculpture bouddhiste chinoise (100-présent). Pour l’art en Inde, voir Sculpture indienne (3300 avant notre ère – 1850).
Sculpture romaine (c.200 avant notre ère – 200 environ)
Jusque vers 27 avant notre ère, malgré l’influence des premiers sculpteurs étrusques – connus pour leur "joi de vivre" – Sculpture romaine était non idéal et réaliste; par la suite, il devint sévèrement héroïque et tout à fait médiocre. Il a été conçu avant tout pour exprimer la majesté et la puissance de la domination romaine, mis à part un certain nombre de magnifiques bas-reliefs historiques (par exemple, le bas-relief en spirale de Colonne de Trajan ) et des monuments rares (par exemple le Ara Pacis Augustae ), Les sculpteurs romains étaient largement employés dans la production de bustes de portrait des empereurs et autres dignitaires. En bref, pas grave.
Sculpture byzantine (330-1450 CE)
Jusqu’au quatrième siècle, sculpture paléochrétienne presque exclusivement des reliefs funéraires pour sarcophages à Rome. Lorsque l’empire romain s’est divisé en deux parties, la capitale orientale se trouvait à Constantinople. L’art de l’Empire romain d’Orient, basé à Byzance, était presque entièrement religieux, mais, à l’exception de quelques reliefs peu profonds en ivoire et d’orfèvrerie, le christianisme orthodoxe oriental n’autorisait pas les œuvres à trois dimensions telles que les statues ou les hauts reliefs. Bon pour les peintres, mauvais pour les sculpteurs.
Sculpture pendant les âges sombres (c.500-800)
Comme son nom l’indique, ce fut une période sombre et calme pour les sculpteurs européens. L’église était faible, les barbares (qui n’étaient pas grands dans la sculpture) étaient forts, et les villes étaient pauvres et incultes. Il y avait une activité à Constantinople et à la périphérie de l’Europe, par exemple en Irlande, où (de 800 à 1100) l’église monastique a commencé à commander un certain nombre de croix en pierre indépendantes connues sous le nom de Sculptures de haute croix celtique – décoré de scènes de gospel et d’autres motifs de style celtique – mais peu art médiéval a été créé sur le continent.
Note sur la sculpture et l’architecture
Avant de poursuivre, il convient de souligner le lien essentiel qui existe entre l’architecture publique ou les programmes de construction et la sculpture. En termes simples, les bâtiments publics ont généralement besoin d’une décoration sculpturale, à la fois à l’intérieur et à l’extérieur. Les colonnes de soutien incorporaient souvent des motifs décoratifs ou des statues et des reliefs, de même que les façades, les portes et divers écrans intérieurs. Ainsi, chaque nouveau programme majeur d’ouvrages publics – généralement caractérisé par un nouveau style d’architecture – a déclenché un vaste programme parallèle de sculptures. En bref, les sculpteurs médiévaux adoraient les architectes.
Sculpture romane ancienne (carolingienne, ottonienne) (c.800-1050)
La renaissance de sculpture médiévale a commencé avec Charlemagne I, roi des Francs, qui a été couronné empereur du Saint-Empire romain en 800. L’empire carolingien a été dissout assez rapidement, mais le patronage artistique de Charlemagne a été un premier pas crucial dans la revitalisation de la culture européenne, notamment à cause de et les églises gothiques ont été construites sur les fondations de l’architecture carolingienne. Les réalisations architecturales de Charlemagne ont été poursuivies par les empereurs du Saint-Empire romain, Otto I, II et III, dans un style appelé ottonien. L’art de la sculpture était donc de retour, bien qu’à une échelle modeste. Voir également: Artistes médiévaux .
Sculpture romane (c.1000-1200)
Au 11ème siècle, une église chrétienne plus confiante commença à se réaffirmer. Cet expansionnisme doctrinal a conduit les Croisades à libérer la Terre Sainte de l’emprise de l’Islam. Le succès des Croisés et leur acquisition de Holy Relics ont entraîné la construction de nouvelles églises et cathédrales à travers l’Europe, dans le style architectural roman à part entière – un style connu en Grande-Bretagne et en Irlande sous le nom d’architecture "normande". Cela a conduit à une énorme vague de commissions pour Sculpture romane et vitrail. Ainsi enfin, l’art de sculpter était de retour. Et avec cette nouvelle demande de Art plastique vint l’établissement de nouveaux ateliers de sculpture et de modelage, l’apprentissage et la reconnaissance des maîtres artisans. En effet, dès le XIIe siècle, les principaux sculpteurs sont devenus très recherchés par les abbés, les archevêques et d’autres mécènes laïques, pour leur contribution unique à l’impact visuel des édifices religieux en construction.
Sculpteurs romans célèbres:
Gislebertus (12e siècle)
Maître de Cabestany (12e siècle)
Maître Mateo (12e siècle)
Benedetto Antelami (actif 1178-1196)
Sculpture gothique (c.1150-1300)
Le programme de construction de l’église a stimulé le développement de nouvelles techniques architecturales. Ces techniques ont été réunies au milieu du XIIe siècle dans un style que les architectes de la Renaissance ont plus tard surnommé " architecture gothique ". Les caractéristiques de style roman telles que les arches arrondies, les murs massifs et épais et les petites fenêtres ont été remplacées par des arcs en ogive, les plafonds hauts, les murs minces et les immenses vitraux. Ceci a complètement transformé l’intérieur de nombreuses cathédrales en des havres de paix inspirants. Le message chrétien a été véhiculé dans une variété de Art biblique , y compris de beaux vitraux, et par une grande variété de sculptures. Les façades et les portes de la cathédrale étaient généralement recouvertes de reliefs sculpturaux représentant des scènes bibliques, ainsi que de rangées de sculptures représentant des prophètes, des apôtres, des anciens rois de Judée et d’autres figures de l’Évangile. Les intérieurs comportaient des statues de colonnes et davantage de reliefs, le tout étant présenté selon un plan complexe d’iconographie de l’Évangile conçu pour éduquer et inspirer les fidèles illettrés.
En substance, la cathédrale gothique était destinée à représenter l’Univers en miniature – une pièce unique Art chrétien conçu pour transmettre un sens de la puissance et de la gloire de Dieu et de la nature ordonnée rationnelle de son plan terrestre. Parmi les plus grandes demeures de la sculpture architecturale gothique, on trouve les cathédrales françaises de Notre-Dame de Paris, Chartres, Reims et Amiens; les cathédrales allemandes de Cologne, Strasbourg et Bamberg, ainsi que les églises anglaises de l’abbaye de Westminster et de York Minster – parmi beaucoup d’autres. En résumé, Sculpture gothique représenté le point culminant de l’art religieux monumental. Bien que l’Église continuerait d’investir massivement dans le pouvoir de la peinture et de la sculpture pour inspirer les masses (notamment à l’époque baroque de la Contre-Réforme), l’époque gothique était vraiment l’apogée de l’art religieux "idéaliste". Dorénavant, l’art de la sculpture s’intégrerait de plus en plus dans la politique laïque et papale.
Les célèbres sculpteurs gothiques:
Nicola Pisano (c.1206-1278)
Giovanni Pisano (c.1250-1314)
Arnolfo di Cambio (c.1240-1310)
Giovanni di Balduccio (c.1290-1339)
Andrea Pisano (1295-1348)
Filippo Calendario (avant 1315-1355)
André Beauneveu (1335-1400)
Claus Sluter (c.1340-1406)
Voir également: Sculpture Gothique Anglaise et Sculpture Gothique Allemande .
Sculpture de la Renaissance italienne (environ 1400-1600)
le Renaissance italienne a été inspiré par la "redécouverte" et le respect des arts de l’Antiquité classique, en particulier dans le domaine de l’architecture et de la sculpture. Art de la Renaissance était également marquée par une forte croyance en l’humanisme et la noblesse de l’homme. Il a commencé à Florence, s’inspirant d’architectes tels que l’architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446), le sculpteur Donatello (1386-1466), le peintre Tommaso Masaccio et le théoricien Leon Battista Alberti (1404-72), et financé par le Famille Médicis. Il s’est ensuite étendu à Rome – où il a reçu le soutien des ambitions papales du pape Sixte IV (1471-84). Pape julius ii (1503-13), le pape Léon X (1513-21) et le pape Paul III (1534-45) – et Venise. Les arts du nord de l’Europe (notamment les Flandres, les Pays-Bas, l’Allemagne et l’Angleterre) ont également connu une renaissance, en particulier dans les domaines de la peinture à l’huile, de la gravure et, dans une moindre mesure, de la sculpture sur bois. 15h15) et l’absence de patronage religieux qui en découle de la part d’une église protestante qui a une vision sombre de la peinture et de la sculpture religieuses.
Première sculpture de la Renaissance (1400-90)
Compte tenu du respect accordé à la Renaissance italienne, il est facile d’oublier que de nombreux artistes italiens ont été fortement influencés par les traditions et l’artisanat gothiques. Les sculpteurs de la Renaissance, en particulier, devaient beaucoup à leurs prédécesseurs gothiques. Il suffit d’étudier les reliefs des façades et des portes des cathédrales du XIIe siècle pour constater l’extraordinaire réalisme en trois dimensions et l’émotionnalisme qui se réalisaient des siècles avant la Renaissance. La grande différence entre les sculpteurs gothiques et ceux de la Renaissance réside dans le fait que les noms de ces derniers sont désormais mondialement connus, alors que beaucoup d’entre eux sont inconnus.
Gardant cela à l’esprit, les sculpteurs de la première Renaissance ont cherché à perfectionner les œuvres gothiques, en s’inspirant en grande partie de la sculpture classique romaine et grecque. Ce faisant, ils ont injecté toute une gamme d’émotions dans leurs statues et leur ont insufflé une nouvelle énergie et une nouvelle pensée. Les trois plus grands artistes en 3D de la première Renaissance étaient Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolo di Betto Bardi, dit Donatello et Andrea del Verrocchio (1435-88).
Lorenzo Ghiberti
En 1401, un concours fut organisé pour la commission afin de créer une paire de portes en bronze pour le baptistère de Saint-Jean à Florence, l’une des plus anciennes églises survivantes de la ville. Lorenzo Ghiberti a dûment remporté la commission pour les portes, ce qui lui a pris 27 ans pour terminer. Une deuxième commission similaire a suivi, occupant Ghiberti pendant 25 ans. Cependant, ses portes sont devenues un symbole tangible de l’art florentin, ce qui a amené Michel-Ange à les appeler "les portes du paradis".
Donatello
Donatello , le premier vrai génie de Sculpture Renaissance Italienne , réinventant le médium de la sculpture de la même manière que Masaccio, Piero della Francesca et Mantegna ont révolutionné l’art de la peinture. Capable d’investir ses personnages avec un réalisme et une émotion intenses, son chef-d’œuvre est sa sculpture en bronze David (1435-53 environ), la première sculpture de nud grandeur nature depuis l’Antiquité, créée pour la famille Medici et située au Palazzo Medici à Florence. La forme élancée du berger biblique semble à peine capable de l’habileté d’homicide requise pour tuer Goliath, mais sa pose féminine pensive avec son contrapposto classique (torsion des hanches) exerce un effet hypnotique sur le spectateur. Ce doit sûrement être l’une des plus grandes statues jamais créées. Pour plus de détails, voir: David par Donatello .
Andrea del Verrocchio
Le David (c.1475) de Andrea del Verrocchio Il est plus raffiné mais moins intense que la statue de Donatello, alors que sa statue équestre du condottiere Bartolommeo Colleoni (années 1480) est moins héroïque, mais exprime un plus grand sens du mouvement et de la fanfaronnade que Gattamelata (1444-53) de Donatello à Padoue.
Parmi les autres sculpteurs importants du début de la Renaissance, citons: Jacopo della Quercia (c.1374-1438); Nanni di Banco (c.1386-1421); les sculpteurs en terre cuite Luca Della Robbia (1400-1482), son neveu Andrea Della Robbia (1435-1525), Niccolo Dell’Arca (1435-94) et Guido Mazzoni (1450-1518); Antonio Rossellino (1427-79); Antonio Pollaiuolo (1432-98).
Sculpture Haute Renaissance (1490-1530)
Sculpteurs de la Renaissance ont été dominés par Michelangelo (1475-1564), le plus grand sculpteur de la Renaissance italienne et sans doute de tous les temps. L’historien de l’art Anthony Blunt a parlé des œuvres de Michelangelo comme Pieta (1497-9, marbre, Basilique Saint-Pierre, Rome), David (1501-4, marbre, Galleria dell’Accademia, Florence) et Dying Slave (1513-16, marbre, Louvre, Paris) qu’ils possédaient une "qualité surhumaine "mais aussi" un sentiment de couvaison, de sombre inquiétude… ils reflètent la tragédie du destin humain. " Certaines des sculptures de marbre de Michelangelo ont une beauté et un poli parfaits, témoignant de sa maîtrise technique absolue. Dans le domaine du nu masculin héroïque, il reste l’exposant suprême. Pour plus, voir David par Michelangelo .
Parmi les autres sculpteurs importants de la Haute Renaissance figurent l’artiste et l’architecte vénitien Jacopo Sansovino (1486-1570) et Baccio Bandinelli (1493-1560).
Sculpture de la Renaissance nordique (environ 1400-1530)
En Europe du Nord, l’art de la sculpture a notamment été illustré par deux impressionnants artisans qui ont poussé l’art de la sculpture sur bois vers de nouveaux sommets: le sculpteur allemand du tilleul Tilman Riemenschneider (1460-1531), connu pour ses reliefs et ses sculptures en bois sur pied; et le sculpteur sur bois Veit Stoss (1450-1533) réputé pour ses retables délicats.
Parmi les autres sculpteurs importants du nord des Alpes, citons:
Hans Multscher (1400-1467); Giorgio da Sebenico (1410-1473);
Michel Colombe (c.1430-1512); Gregor Erhart (c.1460-1540).
Sculpture maniériste (1530-1600)
Si la confiance et l’ordre de la Haute Renaissance se reflétaient dans ses formes idéalisées de sculpture figurative, la sculpture maniériste reflétait le chaos et l’incertitude d’une Europe déchirée par la division religieuse et d’une Rome récemment saccagée et occupée par des soldats français mercenaires. Les sculpteurs maniéristes introduisirent une nouvelle expressivité dans leurs œuvres, comme en témoigne le puissant Viol des Sabines de Giambologna (1529-1608) et Perseus (1545-54) de Benvenuto Cellini (1500-71). Cependant, comparez la célèbre statue naturaliste en marbre allongée de sainte Cécile de Stefano Maderno (1576-1636). Voir également Juan de Juni (1507-1577), qui ont étendu la Renaissance à l’Espagne, Alonso Berruguete (c.1486-1561) qui a introduit le maniérisme en Espagne, et Francesco Primaticcio (1504-1570) qui a lancé le maniérisme en France. Pour les meilleurs sculpteurs maniéristes français, voir: Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthélemy Prieur (1536-1611) et Adriaen de Vries (1560-1626).
Sculpture Baroque (1600-1700)
À la fin du XVIe siècle, en réponse à la réforme protestante, l’Église catholique romaine lança sa propre contre-réforme. Cette campagne de propagande, conçue pour persuader les fidèles de revenir à la "vraie" église, utilisa toute la panoplie des arts visuels, y compris l’architecture, la sculpture et la peinture, et fut associée à un langage plus grand et plus dramatique connu sous le nom d’art baroque. Cela impliquait un mécénat massif pour les artistes – une bonne nouvelle pour les sculpteurs!
Même la place Saint-Pierre à Rome a été réaménagée de manière à impressionner les visiteurs. Le génie architecte / sculpteur Bernini (1598-1680) ont conçu une série de colonnades menant à la cathédrale, donnant ainsi aux visiteurs l’impression d’être embrassés par les bras de l’Église catholique.
Bernini était le plus grand de tous Sculpteurs baroques . Après avoir travaillé pour le cardinal Scipione Borghese, il est devenu le principal sculpteur du pape Urbain VIII. Attiré par le naturalisme dramatique de ce qu’on appelle le style baroque hellénistique des deuxième et premier siècles avant notre ère (par exemple, voir des œuvres telles que La Gaulo vaincue se faisant tuer et son épouse ), la contribution unique de Bernini fut de créer des chefs-d’œuvre illusionnistes sensationnels (par exemple en un moment dans le temps), d’une manière qui n’a été réalisée jusqu’à présent par les peintres. C’était comme s’il traitait les matériaux de sculpture relativement difficiles à traiter comme s’ils étaient entièrement malléables. Sa technique sculpturale et sa composition étaient si étonnantes qu’il a suscité de nombreuses critiques de la part de rivaux envieux.
Son principal rival était Alessandro Algardi (1598-1654), le sculpteur préféré du pape Innocent X. Si le Bernin incarnait le naturalisme dramatique grec, le style d’Algardi était plus sobre (les critiques disent faible). Un autre rival était le sculpteur flamand François Duquesnoy (1594-1643) dont le style était entièrement classique. Duquesnoy était plutôt une figure de l’ombre qui travaillait dans un style sévère et sans émotion qui était pourtant très apprécié des écrivains académiques pour sa synthèse parfaite de la nature et de l’antique. Les tentures coulent élégamment, épousant la forme du corps, tandis que la silhouette est équilibrée dans une grâce et un repos parfaits, à l’opposé du mouvement dynamique et de la sensation intense du Bernin.
La sculpture baroque française a été illustrée par François Girardon (1628-1715), une sorte de français Algardi, et son rival Antoine Coysevox (1640-1720) dont le style plus souple était encore relativement sobre par rapport au Bernin et Pierre Puget (1620-94) qui fut l’un des rares sculpteurs à reconquérir l’immédiateté de la meilleure œuvre de Bernini.
Parmi les autres sculpteurs baroques figurent: Juan Martines Montanes (1568-1649), Alonzo Cano (Grenade, 1601-167), et Andreas Schluter (1664-1714), le plus grand sculpteur baroque du nord de l’Allemagne. Dans le sud de l’Allemagne, l’un des plus grands maîtres était Jorg Zurn (1583-1638), qui produisit l’impressionnant maître-autel de la Vierge Marie sur cinq étages (1613-1616), dans l’église Saint-Nicolas d’Uberlingen, sur la rive nord du lac de Constance (Bodensee).
Pour plus, voir: Sculpture Baroque .
Sculpture Rococo (c.1700-1789)
Fondamentalement, une réaction française contre le sérieux du baroque, Art rococo a commencé dans la cour française à la château de Versailles avant de se répandre à travers l’Europe. Si la sculpture baroque était dramatique et sérieuse, le rococo était superficiel et sans substance, bien qu’il ne s’agisse pas en réalité d’un style différent du baroque, mais plutôt d’une variation du style mis au point par Bernini et ses contemporains. Même dans ce cas, on peut parler des qualités rococo dans une œuvre de sculpture – l’informalité, la gaieté, le souci du cœur et l’évitement conscient du sérieux.
Le sculpteur le plus réussi de la première moitié du 18ème siècle était Guillaume Coustou (1677-1746), directeur du Académie Française à partir de 1707, qui a continué la tendance baroque de son oncle Coysevox. Son élève, Edme Bouchardon (1698-1762), est une figure plus intéressante. dont le sentiment pour l’antiquité l’a amené à anticiper la tendance ultérieure au néoclassicisme.
Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785), favori de Madame de Pompadour, était un autre exemple important du style rococo, tout comme son principal rival Etienne-Maurice Falconet (1716-1791) qui se spécialisa dans les figures érotiques ayant une dérivation ténue des originaux hellénistiques. Son chef-d’œuvre reste cependant son monument classique "Cavalier de bronze" de Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg – voir Sculpture russe .
En Angleterre, les grands sculpteurs du XVIIe / XVIIIe siècle ont inclus le classique Michael Rysbrack (1694-1770), le plus théâtral Louis Francois Roubiliac (1705-62), et l’éminent sculpteur sur bois Grinling Gibbons (1648-1721). La sculpture rococo allemande est illustrée par les œuvres du sculpteur de Dresde Balthazar Permoser (1651-1732), de petits groupes d’artisans travaillant dans les églises catholiques du sud de l’Allemagne et Ignaz Gunther (1725-75) dont les sculptures figuratives présentent un réalisme de surface dure et une surface polychrome rappelant la sculpture sur bois médiévale allemande.
Le rococo décadent et fantasque a été balayé par la Révolution française qui a inauguré le nouveau style plus sévère du néoclassicisme.
Sculpture néoclassique (Epanouie vers 1790-1830)
L’art néoclassique – essentiellement de l’art grec avec une touche moderne – était dominé par Architecture néoclassique . Les bâtiments néoclassiques comprennent le Panthéon (Paris), l’Arc de Triomphe (Paris), la Porte de Brandebourg (Berlin) et le Capitole des États-Unis. Sculpture néoclassique impliqué un accent sur les vertus de l’héroïsme, le devoir et gravitas. De premier plan Sculpteurs néoclassiques inclus l’extrêmement sévère et héroïque Antonio Canova (1757-1822), le maître du portrait en buste troublé Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), le plus naturaliste / réaliste Jean-Antoine Houdon (1741-1828), Claude Michel, plutôt léger, appelé Clodion (1738-1814) et les sculpteurs anglais Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) et Sir Richard Westmacott (1775-1856). Au XVIIIe siècle, un digne successeur de Canova apparut en la personne du sculpteur danois. Bertel Thorwaldsen (1770-1844), qui a abordé l’antiquité avec une hauteur comparable, mais avec moins d’originalité.
Sculpture du 19ème siècle
À bien des égards, le XIXe siècle a été une époque de crise pour la sculpture. En termes simples, le développement architectural s’est largement épuisé, le patronage religieux a diminué à la suite de la Révolution française et le climat général de "populisme" a commencé à semer la confusion dans l’esprit des clients institutionnels et privés quant à ce qui constitue une solution acceptable. sujets (et styles) pour la représentation sculpturale. S’impliquant dans une forme d’art plus onéreuse que les peintres, et donc dépendant de commandes coûteuses, les sculpteurs se sont souvent retrouvés à la merci de l’opinion publique sous la forme de conseils de villes et de comités. Mis à part un certain nombre de monuments grandioses publics et les statues commémoratives habituelles des évêques et des rois – toujours exécutées dans le style stérile et conformiste exigé par les autorités (par exemple, le mémorial Albert) – les sculpteurs n’ont guère eu l’occasion de démontrer leur originalité. La peinture, en revanche, était en pleine mutation. En bref, ce n’était pas le bon moment pour s’impliquer dans l’art 3D.
Sculpteurs du XIXe siècle James Pradier (1790-1852), les romantiques François Rude (1784-1855), David d’Angers (1788-1856), Antoine-Louis Barye (1796-1875) méritent une mention spéciale. Auguste Preault (1809-1879) et la sculpteur florentine néo-Renaissance Félicie de St Fauveau (1799-1886). L’un des artistes les plus talentueux était le cœur léger Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75), dont Ernest Carrier-Belleuse (1824-87) adapte la sensualité aux exigences des sculpteurs décorateurs des années 1860, sans parler du fait qu’un de ses élèves était un sculpteur inconnu, Auguste Rodin. Jules Dalou (1838-1902) était un disciple plus contemplatif et sérieux de Carpeaux. Parmi les classiques du XIXe siècle, John Gibson (1791-1866), le talentueux mais frustré Alfred Stevens (1817-1875), le polyvalent George Frederick Watts (1817-1904) et l’Américain Hiram Powers (1805-73).
Il ne faut pas non plus oublier le sculpteur français imaginatif Auguste Bartholdi (1834-1904) – mieux connu comme le créateur de la sculpture de renommée mondiale – La Statue de la Liberté – dans le port de New York. Aussi le grand sculpteur américain monumental Daniel Chester français (1850-1931), noté pour la figure assise de Lincoln au Lincoln Memorial à Washington DC.
Auguste Rodin
La grande exception était l’incomparable génie français Auguste Rodin (1840-1917). Un des rares maîtres authentiques de la sculpture moderne, Rodin s’est vu succéder à son héros emblématique Michelangelo – bien que le Florentin soit un sculpteur sur marbre, alors que Rodin était principalement un modeleur en bronze. De plus, alors que Michel-Ange illustre les formes nobles et intemporelles de l’Antiquité classique, les œuvres les plus caractéristiques de Rodin véhiculent une modernité indéniable et un naturalisme dramatique. On peut dire que les vrais prédécesseurs de Rodin étaient les sculpteurs gothiques, car il était un admirateur passionné du Cathédrales gothiques de France, dont il tire beaucoup de son inspiration des reliefs héroïques. En tout état de cause, l’impact de Rodin sur son art est plus important que n’importe quel sculpteur depuis la Renaissance.
Sculpture du XXe siècle: l’avènement du modernisme
Avec la sculpture moins capable de refléter les nouvelles tendances de art moderne au 19ème siècle, laissant des artistes comme Auguste Rodin (1840-1917) libres de poursuivre un monumentalisme essentiellement inspiré de l’idéologie de la Renaissance, et d’autres célébrer les valeurs victoriennes sous la forme de personnages patriotiques et historiques, également exécutés à la manière des temps anciens, il a fallu attendre l’émergence de la modernité Sculpteurs du 20ème siècle comme Constantin Brancusi (1876-1957), Umberto Boccioni (1882-1916) et Naum Gabo (Naum Neemia Pevsner) (1890-1977), cette sculpture a vraiment commencé à changer, au tournant du siècle. Pour l’influence des cultures tribales sur le développement de la sculpture du 20ème siècle, voir: Primitivisme / Art Primitif . Voir à cet égard le travail de Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915) et son mentor Jacob Epstein (1880-1959). En particulier, notez l’impact de Sculpture africaine sur les sculpteurs modernes de l’ Ecole de Paris .
En fait, les premières décennies du 20e siècle ont été marquées par la fermentation des beaux-arts. Le mouvement révolutionnaire cubiste, inventé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963), brise nombre des canons sacrés de l’art traditionnel et déclenche une vague d’expérimentation tant en peinture qu’en sculpture. Ce dernier a été considérablement redéfini par une série de sculpteurs comme Marcel Duchamp (1887-1968) – voir ses " readymades " – Jacques Lipchitz (1891-1973) et Alexander Archipenko (1887-1964), ainsi que Brancusi, Boccioni et Gabo. Le représentationnalisme a été rejeté au profit de nouvelles expressions abstraites d’espace et de mouvement, faisant souvent appel à des matériaux non traditionnels jamais utilisés auparavant en sculpture.
À la suite du cubisme, la Grande Guerre (1914-18) et la révolution bolchevique de 1917 eurent un impact considérable sur les artistes de toute l’Europe, comme en témoignent les mouvements iconoclastes influents de Dada et du constructivisme. Les sculpteurs se sont joints aux peintres pour produire des œuvres d’art reflétant de nouvelles icônes comme la machine, ainsi que de nouvelles idéologies du design (par exemple, les théories de l’école de design Bauhaus) et la forme (par exemple, l’incroyable Merzbau de Kurt Schwitters).
Les années 1920 à Paris voient l’émergence du surréalisme, un mouvement extrêmement influent qui cherche un nouveau "surréalisme" dans un style qui englobe à la fois l’abstraction et le naturalisme. Parmi les artistes surréalistes célèbres travaillant en 3D, citons: Salvador Dali (1904-1989) qui a produit son canapé surréaliste Mae West Lips Sofa et Lobster Telephone; Meret Oppenheim (1913-1985) qui a créé Furry Breakfast ; et FE McWilliam (1909-1992) qui a produit Eyes, Nose and Cheek . D’autres sculpteurs modernes comme Jean Arp (1886-1966) ainsi que Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-1975), chefs de file de la sculpture britannique moderne, expérimentaient de nouvelles formes d’ abstraction biomorphique / organique , tandis que l’Américain Alexander Calder (1898-1976) était un pionnier de la sculpture mobile et art cinétique , et David Smith (1906-65) développa une sculpture abstraite en métal. Au cours du siècle, de nombreux sculpteurs ont développé leur style: Alberto Giacometti (1901-1966), par exemple, a débuté de manière surréaliste dans les années 1920 et 1930 avant de perfectionner ses œuvres figuratives semi-abstraites uniques. Voir aussi l’artiste moderniste américano-britannique Jacob Epstein (1880-1959), dont les audacieuses œuvres figuratives ont suscité de vives controverses.
Sculpture d’après-guerre (1945-1970)
Aucune sculpture n’a émergé à New York ni à Paris pour être comparée au style de peinture prédominant de l’expressionisme abstrait (c.1945-1962), bien que l’innovation ait certainement eu lieu, principalement dans l’utilisation de nouveaux matériaux et dans un climat de conceptualisme croissant – un style qui se concentre sur l’idée derrière l’objet à trois dimensions, plutôt que l’objet lui-même – ainsi qu’un flou entre peinture et sculpture. Les innovations majeures – principalement des sculpteurs américains , mais voir Cité détruite (1953) du sculpteur russe Ossip Zadkine (1890-1967) – comprenaient les "murs sculptés" de Louise Nevelson (1899-1988) – des assemblages composés objets trouvés , principalement du bois, recouvert de peinture blanche, noire ou dorée et disposés dans des étagères en forme de boîte occupant un mur; les sculptures en feutre de Robert Morris (né en 1931); les œuvres au néon et fluorescent de Bruce Nauman (b.1941); les œuvres de César (1921-98) fabriquées à partir de pièces automobiles; les sculptures de junk (par exemple, des tas de téléphones cassés) d’ Arman (Armand Fernandez) (né en 1928); l’art cinétique de Jean Tinguely (1925-1991) et la sculpture abstraite de l’artiste britannique Sir Anthony Caro (1924-2013).
Sculpture Pop-Art
Chronologiquement, le premier grand mouvement d’après-guerre auquel participent des sculpteurs est le Pop-Art des années 1960, né du travail pionnier de Robert Rauschenberg (1925-2008) et Jasper Johns (né en 1930) au cours des années 1950. Les sculptures Pop célèbres incluent: Japanese War God (1958) du pionnier Eduardo Paolozzi (né en 1924), Ale Cans (1964) de Jasper Johns Floor Burger (1962) et Giant Fag-Ends (1967) de Canvas, caoutchouc mousse et carton Claes Oldenburg (né en 1929), et l’esprit malin Joe Sofa (1968) des Italiens Jonathan De Pas (1932-1991), Donato d’Urbino (né en 1935) et Paolo Lomazzi (né en 1936) – tous portant des traces de l’ancien surréaliste art. La sculpture pop n’est pas grave mais c’est très amusant.
Sculpture Minimaliste
En contraste total avec le pop art des années 1960 Minimalisme a exploré la pureté des formes ultra-simplifiées jusqu’à l’absurdité. Parmi les sculpteurs minimalistes célèbres, citons Sol LeWitt (né en 1928) – l’artiste conceptuel américain connu pour ses constructions squelettiques et géométriques ressemblant à des boîtes; les formes simplifiées sans compromis de Donald Judd (1928-1994); l’artiste expérimental Walter de Maria (né en 1935); et le Massachusetts-né Carl Andre (b.1935). Toute personne ayant un doctorat en interprétation des beaux-arts peut apprécier pleinement la sculpture minimaliste.
Land Art: Sculpture Environnementale
Les années 1960 ont également vu un nouveau type de sculpture appelé Land Art (Travaux de terrassement ou art environnemental). Comme des enfants qui construisent des châteaux de sable sur la plage, des artistes se sont précipités dans la nature et ont creusé, fouillé et remodelé le paysage naturel pour créer (ce qu’ils espéraient être) de l’art. Le pessimiste Robert Smithson (1938-1973) fut le pionnier de la sculpture environnementale. Dernièrement, le couple d’artistes Christo et Jeanne-Claude Javacheff ont acquis une renommée en enveloppant des parties de l’environnement dans un tissu coloré, tandis qu’Andy Goldsworthy (né en 1956) se spécialise dans les sculptures temporaires en environnement (par exemple en neige) qui se décomposent ou disparaissent.
Sculpture contemporaine postmoderne
En 1970, une quantité croissante de art contemporain devenait extrêmement expérimental – les critiques d’art diraient peut-être farfelu, incompréhensible et kitsch. A partir des années 1970, cette tendance a été baptisée " Art postmoderniste ". Personne ne sait vraiment ce que ce mot signifie, et s’ils le savent, ils ne peuvent pas l’expliquer. En ce qui concerne la sculpture postmoderniste, le mieux que l’on puisse dire est qu’il porte la sculpture à la limite de l’expression tridimensionnelle, et passe fréquemment dans d’autres formes d’art, comme l’installation, pure art d’assemblage et même du théâtre. L’un des plus célèbres sculpteurs postmodernistes est le Britannique Turner Prize, lauréat indien. Anish Kapoor (b.1954).
Damien Hirst
Le postmodernisme est illustré par les travaux de Damien Hirst (né en 1965), leader ingénieux et axé sur le marché du mouvement des jeunes artistes britanniques des années 1980, qui a acquis une renommée mondiale pour L’impossibilité physique de mourir dans l’esprit de quelqu’un qui vit (1991).), un requin tigre mort mariné dans un réservoir de formaldéhyde – Est-ce une sculpture ou une installation? Personne ne sait vraiment. Parmi les autres œuvres controversées de Hirst, citons: Virgin Mother (2005), une immense œuvre représentant une femme enceinte, découpée pour afficher le fœtus, le tissu musculaire et le crâne; et son crâne incrusté de diamants Pour l’amour de Dieu (2007). Les critiques affirment que Hirst n’est rien de plus qu’un showman très novateur, mais les collectionneurs – ainsi que le public – semblent l’aimer. Laissez l’histoire avoir le dernier mot sur cet artiste multimillionnaire.
Toutes les sculptures contemporaines ne sont pas controversées en tant que requin mort de Hirst. La fin du 20e siècle a vu un certain nombre de sculpteurs exceptionnels travaillant selon des modes plus ou moins traditionnels, bien qu’ils aient une conception moderniste. Des exemples célèbres de sculptures contemporaines incluent: les sculptures en métal à grande échelle de Mark Di Suvero (b.1933), les formes monumentales publiques de Richard Serra (b.1939), les figures hyper-réalistes de Duane Hanson (1925-96) et John De Andrea (b.1941), les structures environnementales de Antony Gormley (b.1950), les fabuleuses figures réalistes de Rowan Gillespie (b.1953), les œuvres novatrices néo-pop de Jeff Koons (b.1955), et les sculptures surréalistes de Maman araignée de Louise Bourgeois (1911-2010).
Parmi les sculptures acclamées du début du XXIe siècle figurent des œuvres d’Eduardo Chillida (1924-2002) (par exemple, la pièce de fer Berlin , 2000, Bundeskanzleramt, Berlin-Tiergarten); Sudobh Gupta (né en 1964) et Damian Ortega (né en 1967), entre autres trop nombreux pour être mentionnés.
Voir également: Sculpture irlandaise .
Sculpture architecturale
Bien que n’entrant pas dans le cadre de cet article, il convient de mentionner de grandes œuvres emblématiques de la sculpture architecturale, notamment: Le Colosse de Rhodes , La Statue de la Liberté , La Tour Eiffel , La Colonne Nelson , Le Chicago Picasso et Le Dublin Spike , entre autres..
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