Exposition Art pour Art Automatique traduire

Du 20 au 28 octobre 20018, à la Maison centrale des artistes, dans le cadre du 44e Salon des antiquités russes, une présentation de la nouvelle association créative d’artistes anonymes Art for Art aura lieu, offrant une alternative au salon traditionnel paradigme de l’existence des beaux-arts dans le monde moderne. Il sera présenté par Gallery Cart Art Foundation, qui est à la fois une galerie d’art et une fondation philanthropique, fondée non seulement pour collectionner et exposer des objets d’art, mais aussi, particulièrement, pour leur création. La galerie est une approche révolutionnaire de la collecte et de la promotion des arts visuels contemporains sur le marché. La Gallery Cart Art Foundation a pour mission de répandre un paradigme idéologiquement nouveau de la création artistique, formé pour protester contre le modèle de travail universellement accepté des galeries et autres institutions liées à l’art. Déterminé par les relations du marché, dans lequel l’activité artistique est également ancrée, ce modèle s’appuie sur des motifs tels que le style, l’âge (peintures et artiste), la provenance, qui déterminent le destin de l’œuvre. Elle est également influencée par les opinions des critiques et des experts qui définissent les tendances de la mode. La liberté de création est piégée dans ces modèles, comme dans un étau, et la vraie valeur de l’art est remplacée par la valeur marchande. Le mouvement Art for Art a réuni des artistes souhaitant travailler en dehors de ce système. L’anonymat des auteurs des œuvres alors que tous les artistes agissaient sous des pseudonymes était le premier geste en ce sens. Ainsi, l’attention se porte sur le produit de leur travail, libéré de toute corrélation avec la personnalité de l’auteur. Cela libère l’artiste des conventions, donne une liberté illimitée pour la créativité, l’expérimentation, la fantaisie, sans se soucier des circonstances réelles, de la biographie, des relations personnelles, des mérites passés, etc. L’objet de l’art agit comme une donnée absolue, ouverte à une perception libre par le public. hors du contexte historique et biographique, en tant que «chose en soi», dont l’existence dépend de la volonté artistique du spectateur et de l’environnement - y compris le matériau - dans lequel il place l’objet d’art. La galerie (et dans notre cas, la fondation philanthropique) assume la responsabilité non seulement de ces expériences créatives, mais également du destin des œuvres. Sa tâche consiste, d’une part, à présenter dans sa collection le maximum de variabilité possible des styles, des techniques de peinture, des approches créatives et des thèmes sélectionnés selon un critère unique - pour intéresser le plus grand nombre de spectateurs. D’autre part, donner accès à votre réunion au plus grand nombre de personnes. Par conséquent, les bureaux de Gallery Cart Art Foundation sont situés dans de nombreux pays et villes - à Monaco, Paris, Berlin, Zurich et les expositions qu’il organise ont lieu littéralement dans le monde entier. Pour la première fois, Moscou est également incluse dans ce cercle.

Une telle approche de l’existence de l’art dans le monde moderne d’aujourd’hui est très pertinente pour les galeries, qui sont de moins en moins «un lieu où les peintures sont suspendues», et de plus en plus - également le sujet de la créativité, qui influe sur ce processus, avec les principales tendances de la vie socioculturelle et donc même de la contrôler. Cela vaut également pour les artistes eux-mêmes, car dans le monde moderne, l’artiste s’éloigne de plus en plus de l’image d’un «démiurge opposé à la foule». Les moyens électroniques de diffusion de l’information, qui effacent souvent les barrières entre le flux d’informations et l’expression artistique, ont considérablement affecté le contenu, la perception et la distribution des œuvres d’art. Le Créateur s’éloigne de plus en plus de l’opposition élitiste envers les masses et en devient de plus en plus une partie intégrante, un exposant, qui ne se manifeste pas personnellement et personnellement, caché derrière un mot de passe, un surnom, un avatar, un pseudonyme. L’inévitabilité d’une telle voie de développement artistique a été soulignée dans la première moitié du XXe siècle par l’éminent philosophe espagnol José Ortega et Gasset dans son ouvrage «Rise of the Masses». Nous pouvons dire que cela s’est pleinement réalisé aujourd’hui, lorsque la popularité d’un événement, d’un message, d’un phénomène particulier sur Facebook, Instagram et d’autres réseaux sociaux et les médias détermine le fait même de leur existence dans le domaine actuel. À partir de là, les priorités esthétiques de l’art contemporain émergent également, dont le but est de pénétrer aussi précisément que possible dans la conscience de masse, en appelant directement aux formes archétypales et aux genres populaires. Tout cela ne signifie pas qu’un tel art est dépourvu de style individuel et de recherche créative. Au contraire, leur combinaison avec la capacité de ressentir les tendances populaires peut conduire à la création d’œuvres vraiment intéressantes et talentueuses, comme le montre l’exposition Art for Art.

L’exposition présentera plus de 30 peintures réalisées selon des techniques et des genres divers. Les artistes, dont les peintures participent à l’exposition, ont chacun cherché, chacun à sa manière, des moyens de parvenir à une harmonie entre la masse et l’individu. Ainsi, par exemple, Harry Carlson, présenté à l’exposition avec des œuvres de deux cycles «On Nature» et «Life of Machines», possède la technique extrêmement laborieuse d’un auteur unique consistant à écrire de longues lignes continues de différentes épaisseurs à partir d’encre encollée les toiles, qui sont entrelacées, couche par couche, créent un effet unique de volume et de profondeur d’image. Ses œuvres ne sont pas étrangères à la philosophie. Le cycle «La vie des machines» est consacré à l’idée du temps: les voitures, qui étaient autrefois des produits de luxe, ont été détruites dans les peintures par les fantômes des illusions, une partie de la nature qui les absorbe. Dans ces peintures, la lutte et l’unité du progrès technique avec les forces naturelles sont exprimées avec une énergie profonde et une implication sémantique particulière. Dans la série "On Nature", l’artiste crée un sentiment de profondeur et de réalisme incroyables du paysage naturel. Jouant subtilement avec les couleurs et les demi-tons, il réalise un effet incroyable, presque mystique, envoûtant pour le spectateur.

John Atwood travaille dans le pointillisme. Il construit ses toiles, comme une mosaïque, à partir des plus petits points, pixels de différentes nuances de couleurs. Thin, coloriste, John Atwood exprime la forme et le volume dans un jeu de couleurs et de tons moyens, tout en donnant du dynamisme à ses personnages. Dans ses peintures, il a tendance à refléter les tendances modernes liées aux sujets populaires de la société: l’héroïsation des stars de la musique, l’esthétique du monde de la mode, l’idéalisation de la féminité, etc.

Otto Wagner est un artiste connu pour son interprétation des motifs ethniques. Ses peintures sont une expression des images archétypales de base de l’interprétation moderne. Ils sont fabriqués avec de larges traits libres avec un couteau à palette dans le style du post-impressionnisme.

Ursula Larsen - le style de cet artiste est reconnaissable à première vue. Elle se concentre sur les images féminines gravitant autour des motifs préraphaélites. ils sont placés au centre d’un fond ornemental saturé, qui joue le rôle d’un contexte extérieur. Ses peintures sont similaires aux motifs de l’Art nouveau européen, de l’art et de l’artisanat américains et de l’Art nouveau russe, s’inspirant du folklore et des contes populaires russes.

Patrick Duchamp adapte ses toiles dans un espace socioculturel numérique moderne où une image claire et accrocheuse absorbe ou repousse toutes les autres significations au nom de l’idée pour capter l’attention du plus grand nombre. Les thèmes de ses peintures correspondent à cette idéologie - mode, stars du show business, culture pop moderne, chic et luxe - en bref, tout ce qui relève de la définition du consumérisme dans la société moderne. Mais il dépeint tous ces sujets avec une auto-ironie et un psychologisme subtils. En tant que technique, il recourt à la sanguine, au crayon, au fusain sur carton et au papier couché.

Alice Zimmerman glorifie dans ses peintures la beauté et l’originalité individuelle du corps humain. Derrière la simplicité formelle des lignes et des formes, l’artiste ouvre le monde intérieur superposé de ses personnages. Dans ses peintures, elle se tourne souvent vers des images familières: féminité, maternité, amour, fidélité, trahison, solitude, etc., souvent interprétées de manière philosophique et mythologique.

Jing Wu est un artiste américain qui travaille dans le style de l’expressionnisme abstrait. Coloriste subtil, il construit à partir du chaos de couleurs une harmonie subtile qui remplit le spectateur de paix et de tranquillité intérieures. Les peintures de Jing Wu sont parfaitement combinées à une variété de solutions intérieures et peuvent constituer un excellent accent de couleur dans tout projet de conception.

L’exposition Art for Art est ouverte aux visiteurs du 21 au 28 octobre de 12 à 20 heures dans le hall ADN de la Maison centrale des artistes, située au 10 Krymsky Val.