Exposition d’œuvres de Galina Vanshenkina "Empreinte d’une personnalité"

L’Académie des Arts de Russie et la galerie GrosArt présentent une exposition d’œuvres de la graphiste moscovite Galina Vanshenkina. L’exposition se composait d’œuvres de différentes années, caractérisant les traits du style de son auteur, se développant en fonction des recherches artistiques et plastiques du XXe siècle et l’une des facettes de l’art graphique moderne.

Galina Konstantinovna Vanshenkina est née en 1950 dans la famille des poètes russes Konstantin Vanshenkin et Inna Goff. En 1973, elle est diplômée du département d’art de l’Institut polygraphique de Moscou. Il s’occupe d’imprimerie et de graphisme de chevalet, conçoit des livres, travaille dans la technique rare de l’eau-forte de l’aquatinte pure. Elle est membre de l’Association des Arts Graphiques, Association de Moscou "Print". Les œuvres du maître sont présentées dans les collections du Musée d’État russe, Musée Pouchkine im. A. Pouchkine, collections privées aux USA, Italie, Israël, France.

La formation de la personnalité créative de l’artiste commence par le cheminement vers son métier, qui dans chaque cas est à la fois unique et naturel. Galina Vanshenkina, qui aimait dessiner depuis son enfance, a pris la décision ferme de devenir artiste à l’âge de douze ans et après avoir obtenu son diplôme, elle est entrée à l’Institut polygraphique (anciennement VKHUTEMAS), qui a toujours été célèbre pour ses traditions épris de liberté et ses remarquables enseignants en la personne, tout d’abord, de Vladimir Favorsky, Peter Miturich, et plus tard de son élève Pavel Zakharov, Andrey Gontcharov et d’autres. Selon les souvenirs de Vanshenkina, l’institut "a appris non seulement à dessiner, mais aussi à penser". Dans l’enceinte de cet établissement d’enseignement, la pratique consistait à se passer d’études académiques et de moulages en plâtre, pour n’utiliser qu’un modèle vivant.Ainsi, la liberté intérieure de l’étudiant coïncidait organiquement avec l’esprit de l’institut.

Au cœur de la méthode d’auteur de tout artiste, il faut le plus souvent chercher une source d’inspiration caractéristique de lui, qui peut être cachée dans le physique ou métaphysique, supra-réel, dans l’expérience directement sensorielle ou spéculative. Galina Vanshenkina n’invente pas d’intrigues et de motifs pour ses séries graphiques, elle se livre plutôt à l’émergence spontanée d’images plastiques, estimant que «l’artiste ne pense pas qu’avec sa tête». Elle a fait l’expérience d’une perspicacité particulière et d’une super inspiration lorsqu’une nouvelle technique lui est venue.

En 1976, dans le cadre d’un groupe de jeunes artistes, Vanshenkina est apparue pour la première fois dans les ateliers de gravure de la maison d’art Chelyuskinskaya et y a découvert l’aquatinte comme l’une des techniques de gravure les plus expressives, avec ses propriétés décoratives, sa variété de tons, sa texture, enrichie de grains blancs de colophane fondue… L’artiste démontre les riches capacités imaginatives et techniques de l’aquatinte, par exemple, dans sa première série "Foreshortenings" (1987), dont les personnages, visiteurs attentifs des musées d’art, sont soumis à une lumière plastique grotesques et se distinguent par une transmission raffinée des gestes et des poses.

En 1990, Galina Vanshenkina a réussi à moderniser considérablement sa technique de prédilection. Selon les souvenirs de l’artiste, à un moment donné, elle s’est rendu compte «que vous pouvez utiliser le fil comme un autre outil pour dessiner sur la plaque - vous obtenez une ligne fine, impossible à graver d’une autre manière». C’est ainsi qu’est né le "Cycle de la Bible". Plus tard, elle a proposé beaucoup d’autres choses, qui améliorent l’expressivité de la feuille, rendant l’impression unique, mais c’est avec le fil qui dessine une ligne blanche de divers contours qu’une interaction spéciale s’est développée qui en a fait un vrai.

Le langage formel de ses œuvres graphiques de chevalet, caractérisé par une individualité vive et un manque d’emprunts, trouve cependant des analogies avec certains phénomènes de l’art du XXe siècle, associés d’une manière ou d’une autre au minimalisme plastique. Par exemple, les formes géométriques en forme de ruban dans les feuilles de la série "Screens" de 1999 évoquent en mémoire des échantillons individuels de l’abstraction post-peintique de Frank Stella. Et les figures monumentales des séries "On the Shore" (2005) et "In the Water" (2010-2011) font écho aux formes visuelles de représentants de l’art de l’abstraction organique en la personne, disons, du designer japonais Isamu Noguchi ou le sculpteur britannique Henry Moore. En outre, certaines des techniques formelles de l’artiste moscovite utilisées dans la série d’œuvres "Enfance" (1998-1999), "Tableau des nez selon Durer" (2004),"De la vie d’une poupée" (2004-2005) et d’autres pointent légèrement vers les "registres" visuels symboliques-litristes et tabulaires-automatiques des maîtres domestiques du cercle conceptuel, tels comme Valery Gerlovin, Igor Makarevich ou Viktor Pivovarov.

Cependant, un concept artistique purement abstrait en tant que tel n’intéresse pas du tout Vanshenkin ; au contraire, elle s’occupe d’un jeu plastique intrigant, comme joué à partir de notes, riches en nuances de silhouette et en paradoxes rythmiques. Sans aucun doute, le sens aigu du rythme et la généralisation formelle expressive, mais tout en maintenant l’attachement à la réalité, font également que les compositions des séries « Conveyor » (2004) et « Paysans » (2009) en commun avec les motifs graphiques impeccablement trouvés des clôtures et les figures d’enfants de l’un des gourous indiscutables du graphisme russe, la première moitié du XXe siècle Peter Miturich.

S’orientant avec assurance vers le renforcement de l’abstraction des formes picturales, comme en témoignent les œuvres de la série de ces dernières années «Gynécologie» ou «Madonna in a Landscape» (2017) et surtout «Path» en 2018, Vanshenkina ne rompt toujours pas totalement avec le figuratif motivation de l’image artistique… On peut donc conclure qu’une synthèse si cohérente de ces deux principes opposés est la principale particularité de sa stylistique.

L’art de Galina Vanshenkina est remarquable par de nombreuses qualités professionnelles. Premièrement, malgré l’agitation technologique, cela ne sent pas la lampe, comme diraient les anciens Romains. Deuxièmement, il maintient un équilibre de synthèse délicat entre l’idée et le sentiment, la géométrie et l’organique, l’abstraction et le figuratif, l’innovation inconditionnelle, quoique discrète et, avec elle, une attention particulière à la tradition, organiquement mélangée sur la combinaison facile des principes des « plastiques » et "Métaphoristes", désignés par clairvoyance par le critique d’art G. Elshevskaya dans le graphisme domestique des dernières décennies du XXe siècle. Enfin, il se distingue par la "précision" enviable que Favorsky a particulièrement distinguée dans les "hautes œuvres d’art" ainsi que par l’originalité, la musicalité et le rythme.

La gravure elle-même est difficile et Vanshenkina complique toujours sa tâche de toutes les manières possibles. En véritable artiste, elle est rarement complètement satisfaite du résultat. Elle s’intéresse au processus de création d’œuvres, une «empreinte de personnalité» à part entière dans l’art. Elle aime l’expérimentation, et depuis de nombreuses années cette jeune passion créative, qui peut conduire à de nouvelles découvertes et découvertes, a été préservée en elle.

Le matériel a été préparé sur la base d’un article de la commissaire du projet, la critique d’art Elena Gribonosova-Grebneva