Exposition d’Igor Pchelnikov Automatique traduire

L’Académie des arts de Russie présente une exposition d’œuvres de l’artiste du peuple de la Fédération de Russie et académicien de l’Académie des arts de Russie Igor Vladimirovitch Pchelnikov (1931-2021), qui présentera plus de 200 œuvres de chevalet importantes pour le travail du maître.

L’art monumental soviétique a connu une floraison sans précédent dans la période d’après-guerre, lorsque le besoin de décorer l’architecture était particulièrement ressenti par la société. Igor Vladimirovich Pchelnikov est entré dans l’art avec une génération d’artistes exceptionnels qui, dans le sillage du renouveau du langage plastique de la fin des années 1950 et du début des années 1960, ont créé le design de théâtres, de bâtiments publics, d’ambassades de l’Union soviétique à l’étranger. Ses collègues et contemporains étaient VB Elkonin, NI Andronov, AV Vasnetsov, BA Talberg, LG Poleshchuk, II Lavrova, EM Ablin, BP Milyukov, AA Gubarev, EA Zharenova, VK Vasiltsov, etc.

Cette exposition présente une rétrospective des oeuvres d’Igor Vladimirovitch. L’artiste lui-même réalisait généralement des expositions personnelles sous forme de reportages pendant un certain temps. Aujourd’hui, un an après son départ, le spectateur peut constamment considérer les étapes de son travail, retracer l’évolution de ses thèmes et motifs de prédilection, le changement de tendances stylistiques. Au début de l’exposition - esquisses d’œuvres de décoration d’ensembles architecturaux et d’œuvres de chevalet de la première période, lorsqu’Igor Pchelnikov travaillait en collaboration avec Irina Lavrova (1962-1984). Artistes monumentaux, ils ont développé un plan bidimensionnel en volume, introduisant des détails en bois et travaillant simultanément avec une forme directe et inversée. La technique consistant à donner une troisième dimension et une expressivité en relief a été utilisée à plusieurs reprises et ingénieusement par Pchelnikov:

Les trames de ses œuvres de chevalet sont souvent autobiographiques. Dans les années 1980, de lourdes expériences sont tombées en raison d’une longue maladie de la mère, et avec la naissance de sa fille Polina, des peintures d’humeur joyeuse sont apparues. Dans l’exposition, les œuvres des années 1990-2016 sont regroupées selon le principe de mise en valeur du motif principal qui révèle l’une des facettes de l’âme russe : images de la famille, nature indigène, sujets religieux, portraits d’êtres chers. Dans cette série, une place importante est occupée par les autoportraits, marqués par toute une gamme d’expériences intérieures. La critique d’art Tatyana Nechaeva a fait remarquer: «Ayant appris à se dessiner les yeux fermés, il aiguise de manière hyperbolique la caractéristique de la silhouette, le relief de la figure, exprimant les sentiments qui le submergent, sa relation avec le monde.» En parallèle, le master résout des problèmes spatiaux et plastiques individuels. "J’essaie d’écrire ce que je vois tous les jours ou presque. Si je peins des portraits, ce sont les personnes que je connais le mieux - mes parents, ma femme, moi-même. Mon objet préféré de l’image est une personne dans un intérieur. Dans cette intrigue, le contraste entre les formes organiques et géométriques est clairement révélé : la forme géométrique cherche à transformer l’image d’une personne en une structure architecturale, en une colonne avec un chapiteau et des cannelures. La lutte entre la géométrie et la forme vivante m’inquiète toujours, et je ne considérez pas cette question comme formelle. La volonté de l’artiste de rationaliser le monde visible est à la fois une question de forme et de contenu. la forme géométrique cherche à transformer l’image d’une personne en une structure architecturale, en une colonne avec chapiteau et flûtes. La lutte entre la géométrie et la forme vivante m’inquiète toujours, et je ne considère pas cette question comme formelle. La volonté de l’artiste de rationaliser le monde visible est à la fois une question de forme et de fond. la forme géométrique cherche à transformer l’image d’une personne en une structure architecturale, en une colonne avec un chapiteau et des cannelures. La lutte entre la géométrie et la forme vivante m’inquiète toujours, et je ne considère pas cette question comme formelle. La volonté de l’artiste de rationaliser le monde visible est à la fois une question de forme et de fond. la forme géométrique cherche à transformer l’image d’une personne en une structure architecturale, en une colonne avec un chapiteau et des cannelures. La lutte entre la géométrie et la forme vivante m’inquiète toujours, et je ne considère pas cette question comme formelle. La volonté de l’artiste de rationaliser le monde visible est à la fois une question de forme et de fond. la forme géométrique cherche à transformer l’image d’une personne en une structure architecturale, en une colonne avec un chapiteau et des cannelures. La lutte entre la géométrie et la forme vivante m’inquiète toujours, et je ne considère pas cette question comme formelle. La volonté de l’artiste de rationaliser le monde visible est à la fois une question de forme et de fond.

L’exposition met également en lumière une méthode stylistique diamétralement opposée. Ce sont des œuvres abstraites auxquelles le maître s’est intéressé dans les années 1990. Il leur a attribué une place spéciale de «recherche», car il a lui-même déterminé la mode de sa modernité. Dans l’abstraction, c’est l’espace qui l’intéresse. Il a écrit : "C’est une partie essentielle de mes aspirations, mais je ne dirais pas que c’est abstrait, c’est comme une recherche tâtonnante d’espace." Igor Vladimirovitch a continué à créer des compositions mystérieuses, que chacun de nous lira avec sa propre «accentuation», voir sa propre signification.

L’évolution plastique de Pchelnikov visait à atteindre une expression picturale intense. De grandes opportunités pour cela ont été fournies par les sujets religieux, vers lesquels l’auteur s’est tourné dès le début des années 1990. Il montre le pouvoir indéniable du sentiment et parvient à une interprétation personnelle des images et des intrigues éternelles connues de tous. Son thème gospel s’est développé au fil des années, parfois les tableaux sont réécrits plusieurs fois, l’artiste "finit" ses compositions, les complète d’une nouvelle lecture dramatique et de sa propre philosophie. Ainsi, le motif des escaliers vers le ciel reçoit une nouvelle compréhension. L’amour pour son pays et l’esprit russe se transmettent à travers les "portraits" de vieux arbres en hiver, leurs silhouettes complexes et tragiques, moments épiques de l’état de la nature dans la région de Tula, où Pchelnikov a longtemps vécu avec sa femme Maria Krasilnikova dans une maison de village, qui est devenue pour lui le centre du monde. L’artiste transmet avec parcimonie le caractère intemporel d’un simple village russe, scrutant ses fragments et ses détails de vie. Les voyages à l’étranger, qui donnaient un sentiment de liberté et la portée souhaitée de l’héritage classique, donnaient une tonalité comparative pour une prise de conscience encore plus grande de ses propres valeurs et de sa dignité. Grâce à l’émotivité accrue du langage artistique et du code culturel personnel, qui a absorbé les leçons de la culture nationale et mondiale, ainsi que du modernisme du XXe siècle, chaque œuvre d’Igor Vladimirovitch contient le symbolisme interne du dialogue et de l’énergie humaine unique. L’exposition présente une centaine d’œuvres qui permettent de retracer les découvertes conceptuelles et plastiques du maître sur ses 70 ans de carrière. L’artiste transmet avec parcimonie le caractère intemporel d’un simple village russe, scrutant ses fragments et ses détails de vie. Les voyages à l’étranger, qui donnaient un sentiment de liberté et la portée souhaitée de l’héritage classique, donnaient une tonalité comparative pour une prise de conscience encore plus grande de ses propres valeurs et de sa dignité. 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L’exposition présente une centaine d’œuvres qui permettent de retracer les découvertes conceptuelles et plastiques du maître sur ses 70 ans de carrière. donnant un sentiment de liberté et l’ampleur souhaitée du patrimoine classique, définir une intonation comparative pour une prise de conscience encore plus grande de ses propres valeurs et de sa dignité. Grâce à l’émotivité accrue du langage artistique et du code culturel personnel, qui a absorbé les leçons de la culture nationale et mondiale, ainsi que du modernisme du XXe siècle, chaque œuvre d’Igor Vladimirovitch contient le symbolisme interne du dialogue et de l’énergie humaine unique. 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Le texte a été préparé par le commissaire de l’exposition, le critique d’art Piotr Baranov.

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