Pierre Auguste Renoir (1841-1919) Automatique traduire

Le 25 février 1841, dans la ville de Limoges, dans le sud de la France, le quatrième enfant est né de la famille du tailleur - un garçon du nom de Pierre Auguste. Quelques années plus tard, toute la famille Renoir s’installe à Paris. Depuis sa plus tendre enfance, Auguste s’est distingué par une excellente capacité de dessin ainsi qu’une voix magnifique.

Peintures de Pierre Auguste Renoir

Le chef de la chorale de l’église, où chantait le jeune Renoir, avait même conseillé à ses parents de réfléchir à la carrière musicale de leur fils (soit dit en passant, c’était Charles Gounod, qui a écrit plus tard le célèbre opéra Faust). Mais la famille du futur artiste n’était pas riche et son père envisageait un avenir différent pour son fils: l’œuvre prestigieuse et bien rémunérée de l’artiste en Chine.

Ainsi, en 1854, à l’âge de treize ans, Auguste entra dans la manufacture de porcelaine. Le jeune homme aimait ce métier, il a vite appris et a commencé à peindre des tasses et des soucoupes, puis des services entiers. En même temps, le jeune homme se rendait souvent au Louvre, où il peignait, inspiré des sculptures antiques et de la peinture de l’artiste rococo François Boucher, auteur de scènes de genre lumineuses. Au fil du temps, Renoir a commencé à les copier dans des peintures sur porcelaine.

Le jeune homme gagnait bien son âge. Pour progresser dans sa carrière, il entra dans une usine de porcelaine, où il commença à peindre sous la direction d’un sculpteur et d’un collègue dans une usine de porcelaine, qui lui prédisait un avenir prometteur dans le domaine de l’art.

Jeunesse de l’artiste

Malheureusement pour le jeune Renoir, mais heureusement pour tous, le progrès technologique du XIXe siècle a été marqué par un rejet presque total de la production manuelle. La peinture sur porcelaine a été remplacée par des dessins imprimés. Les acheteurs et les propriétaires d’ateliers ont été séduits par le fait que le matériel d’impression permettait de produire exactement les mêmes produits. Au fil du temps, la peinture à la main a cessé d’être valorisée.

Le jeune homme, désespéré au début, essaie de peindre des produits avec une grande rapidité, ce qui ne lui apporte pas le succès. En conséquence, il a dû chercher d’autres revenus. Le temps est venu pour le travail temporaire avec le développement constant de différentes techniques. Renoir a d’abord peint les ventilateurs et les murs des cafés parisiens, puis a décroché un emploi par mégarde en tant que maître rideau. En passant, il maîtrisait parfaitement cette technique et recommençait à gagner de l’argent, mais l’artiste ne voulait pas se reposer sur ses lauriers, car cette profession n’était certainement pas la limite de ses rêves. Renoir a mis de côté tout l’argent qu’il avait gagné pour réaliser un nouveau rêve: peindre dans une école spéciale de l’Académie des arts.

À la fin de 1862, Auguste Renoir a réalisé son désir et est entré à l’école des beaux-arts de Paris. Là, il s’est retrouvé dans l’atelier de l’artiste Charles Gleyre, adhérant au style académique. Le jeune homme avait déjà une expérience considérable, mais il suivait consciencieusement toutes les classes et étudiait le dessin académique. Cependant, Glair n’a tout de suite pas aimé la façon dont Renoir a travaillé avec la couleur: même dans ce cas, l’artiste a utilisé des couleurs juteuses et vives, ce qui n’a pas été bien accueilli dans les milieux universitaires. Une fois, le professeur a même craint que son élève libre ne devienne le second Delacroix - le principal représentant du romantisme français, qui travaille joliment en couleurs et qui est une véritable idole de Renoir, mais qui, aux yeux des artistes académiques, est un ancien "apostat". Auguste n’était pas le seul jeune artiste de l’atelier de Gleur à avoir tenté de se rebeller contre la manière académique et de trouver sa propre voie. Très vite, il se lie d’amitié avec Claude Pug, Alfred Sisley et Frederick Bazil, qui avaient une vue très proche du tableau et discutaient avec ardeur des possibilités de son renouveau, grâce auquel ils comprenaient la libération des chaînes de l’académisme. Un peu plus tard, Camille Pissarro les rejoignit.

La formation ne dura pas longtemps, un an plus tard seulement, Renoir fut contraint de quitter l’école de peinture car il ne pouvait plus le payer. Il a remplacé les cours dans l’atelier par des travaux en plein air, accompagnés de ses nouveaux amis, qui ont rapidement terminé leur formation artistique de manière inattendue en raison de la fermeture de l’atelier. Tous les camarades de Renoir étaient semblables non seulement par leur désir de changer le monde de l’art, mais aussi par le fait qu’ils étaient incapables de trouver des moyens de se procurer de la nourriture et des matériaux de travail.

En 1866, Renoir écrivit l’une de ses premières natures mortes, "Nature morte avec un grand vase à fleurs" (Vogt Museum of Art, Cambridge), écrite à la manière des natures mortes néerlandaises et donnant une impression de joie avec sa lumière vive mais délicate en même temps des couleurs riches. La même année, il crée le tableau «Inn of Anthony’s Inn» (1866, Musée national, Stockholm). Contrairement aux natures mortes en fleurs, les couleurs de cette œuvre sont plutôt sombres, avec une couleur noire dominante. L’expressivité visuelle est basée sur le contraste: les costumes noirs des visiteurs de la taverne soulignent les nappes blanches comme neige sur la table et contrastent également avec les taches lumineuses des cols blancs, le tablier de la femme de chambre, la -un chapeau des héros et du chien blanc qui gisait sous ses pieds.

L’œuvre montre clairement le savoir-faire et les principes de Renoir dans la construction d’une composition à l’aide de couleurs: une nappe blanche comme neige est enfermée dans un anneau composé de figures noires, empêchées de se fondre dans la masse en intercalant des accessoires blancs. L’application de taches blanches littéralement "en damier" donne une harmonie particulière à la répartition des couleurs. La photo décrit l’artiste comme un merveilleux portraitiste et un magnifique maître de la nature morte: l’ensemble de la table a été réglé avec beaucoup d’habileté, les restes de nourriture et d’ustensiles sont exceptionnellement réalistes.

Un an plus tard, l’artiste peint le portrait de sa chère petite amie Lisa Treo, que Renoir a rencontrée pendant plus de sept ans, mais ne s’est jamais mariée. En fin de compte, Lisa a rompu leur relation et s’est mariée quelques mois plus tard avec un jeune architecte.

Néanmoins, la peinture "Lisa" (1867, Musée de Folkwang, Essen) a été acceptée pour participer au Salon de 1868, où elle a été appréciée par le public, ce qui a été un grand succès pour l’artiste encore inconnu. Sur la photo, la jeune fille est en pleine croissance, elle porte une robe blanche, ombragée par une large ceinture noire et un parapluie noir du soleil. La robe claire de la fillette semble être inondée de soleil éclatant et des éclairs de lumière jouent sur les épaules et le visage de l’héroïne, recouverts d’un parapluie. Ce jeu délicat en noir et blanc se poursuit sur le tronc d’un bouleau, qui se trouve derrière le dos de Lisa, et sur l’herbe à ses pieds, où des ombres sombres bordent les zones ensoleillées.

En 1867, Renoir crée un autre tableau pour lequel Lisa Treo pose pour «Diana la chasseresse» (National Gallery of Art, Washington). En raison des principes moraux de l’époque, l’artiste ne pouvait pas représenter une femme moderne nue. Il mit donc un arc de chasse entre ses mains et donna à la photo un nom mythologique qui donnait à son travail le droit à l’existence officielle tout en évitant le scandale. causée par la peinture de 1863 «Le petit déjeuner sur l’herbe»»Eduard Manet.

Très intéressé par le portrait, l’artiste écrivait souvent à ses amis impressionnistes, les décrivant dans une atmosphère familière lors des activités quotidiennes, combinant ainsi portrait et peinture de genre et créant des sources documentaires relatant la vie de ces personnes.

La peinture "Portrait de Frédéric Bazil" (1867, Musée d’Orsay, Paris) nous montre un jeune Bazil occupé, bien sûr, à peindre. L’artiste, tourné vers le spectateur de profil, se concentre sur son travail. Stylistiquement, le travail de sourire narquois est étonnamment harmonieux, en partie dû au jeu de couleurs presque monochrome. Cela ressemble à une photographie élaborée en noir et blanc dans laquelle des volumes sont modélisés à l’aide de clair-obscur. Un an plus tard, Renoir crée une «Portrait d’Alfred Sisley avec sa femme» (1868, Wallraf-Richartz Museum, Cologne). Sur la toile, nous voyons à quel point Sisley est souligné par sa jeune épouse. Toute sa posture exprime son empressement à servir, soutenir et aider une femme, ainsi que son amour et sa tendresse pour elle. Le jeune couple marié représenté sur la toile, comme si respirait la lumière du bonheur et de l’amour.

L’œuvre «La femme algérienne» de Renoir (1870, National Art Gallery, Washington) rend hommage à Eugène Delacroix. Dans celui-ci, l’artiste représente sa Lisa à l’image d’une odalisque, une femme orientale brillante et luxueuse, allongée sur un oreiller, vêtue langoureusement, vêtue de magnifiques robes et se faisant signe. Sur cette toile, Renoir semble se délecter de couleurs. La figure d’une héroïne couchée occupe presque tout l’espace de la toile, il semble que la photo manque d’air.

Engagement envers l’impressionnisme

Auguste Renoir a souvent collaboré avec un autre représentant éminent des jeunes impressionnistes, Claude Monet. Les artistes peignent de la même nature, observent la lumière et les ombres dans la nature et étudient les possibilités de la palette pour transmettre ces effets. Un exemple de leur union est la célèbre peinture «Grenouilles» - peintures peintes non seulement d’une nature, mais également nommées de la même manière. L’intrigue des peintures est simple - un café flottant avec un public amusant sur le fond de bateaux en bois qui attendent leurs passagers.

Renoir, optimiste par nature, portait dans tout son travail l’amour de montrer les vacances de la vie, danser ou se reposer, mesdames et messieurs. L’artiste a essayé de ne pas prêter attention au côté sombre de la vie, il croyait sincèrement que l’art devait donner aux gens de merveilleux moments de plaisir et ne pas remplir le rôle d’édification ou d’enseignement ennuyeux.

Le Renoir “The Frog” (1869, Musée national, Stockholm) semble à première vue un dessin, mais pas du tout une œuvre finie, le recadrage de la scène est aléatoire. Dans une certaine mesure, c’est ainsi que la scène est représentée telle que l’a vue l’artiste, sans une composition réfléchie sophistiquée, des plans équilibrés et des perspectives constructives.

L’artiste poursuivait un objectif complètement différent: capter et transmettre l’atmosphère de divertissement et d’insouciance par une chaude journée d’été, capter les reflets de la lumière sur l’eau, les réflexes solaires sur les robes des dames (bien que ces dames puissent être qualifiées d’étirements: la plupart des héroïnes de l’image sont des demoiselles de commande facile, habitant d’un café à la réputation douteuse). Travailler avec la nature vivante exigeait de peindre en très peu de temps. Renoir et Monet travaillaient donc selon une technique d’écriture particulière - avec des coups larges et rapides, indiquant seulement les personnages et décrivant les environs, sans perdre de temps à écrire les détails. Ce nouveau style, pour ainsi dire, la peinture non dite n’est pas apprécié du public, et la manière artistique apparemment négligente des jeunes impressionnistes est critiquée.

Mais c’est précisément dans la transmission de sensations fugaces de l’état de nature que réside l’essence du nouveau mouvement de la peinture. L’impressionnisme est né au grand air. Les changements constants d’éclairage ont été très importants pour ceux qui, dans le futur, seront d’abord appelés ironiquement et abusivement des impressionnistes. Ce désir inhabituel de transmettre des impressions d’une réalité évasive et changeante établissait une nette distinction entre leur travail et la peinture académique "morte".

La peinture académique classique n’existait que dans le contexte d’un spectre étroit de sujets mythologiques, religieux et historiques, sans reconnaître les images de l’époque moderne. C’était l’art de l’idéalisation, introduisant un ordre interne artificiel et une structure claire dans tout. Les objets et les choses dans les natures mortes, les paysages et les portraits ont été décrits comme idéalisés et non tels qu’ils sont réellement vus par l’œil humain. Le rêve des impressionnistes était de ramener la peinture dans la vie réelle. Jeune Renoir, après que Monet ait commencé à écrire en plein air, seule une telle méthode permettait de transmettre le soleil naturel, donnant ainsi à cette image cette spontanéité perdue de manière irréversible lors du travail en atelier de mémoire. C’est la lumière qui est devenue le principal «protagoniste» de leurs peintures. Cependant, contrairement à Monet, Auguste Renoir était plus intéressé par la figure humaine placée dans cet environnement magique d’air-lumière que la nature elle-même.

Dans un autre ouvrage, The New Bridge (1872, National Gallery of Art, Washington), Renoir nous apparaît comme un maître virtuose du Vedut (paysage urbain), prêt à rédiger avec soin des détails architecturaux et à construire minutieusement une perspective. Il existe déjà un style d’écriture plus fluide et la construction de volumes est créée à l’aide de lignes, d’un dessin auxiliaire. Néanmoins, le paysage urbain avec son large pont et un public ambulant est visible comme si à travers une brume, tous les contours des éléments architecturaux et les figures des personnages sont dépourvus de contours clairs, toutes les lignes sont très douces. L’artiste a capturé une ville baignée de soleil et d’air imprégné de lumière.

Le portrait de son ami et collègue Monet Reads (1872, musée Marmotin, Paris) a été réalisé par Renoir dans des couleurs sombres, le rendant ainsi presque monochrome. Néanmoins, l’image de l’ami de l’artiste s’est révélée très vivante, il a montré à Monet exactement la façon dont il le voyait lui-même tous les jours: un chapeau, un journal frais et une pipe dans la bouche.

Renoir étudie les effets de la lumière et joue les zones en surbrillance et ombrées du visage de Monet et des journaux entre ses mains. Diluez magistralement la couleur foncée générale de la toile avec des tons chauds sur les mains, le lycée à l’arrière de la chaise ainsi que la couleur blanche du journal. Ainsi, l’artiste réalise une composition harmonieuse, construite en couleur. Le tissu du costume est presque mélangé avec un fond sombre, comme absorbé par le crépuscule environnant. C’est cet effet que le peintre cherchait à rendre l’atmosphère de lecture tardive, en basse lumière.

La photo de 1872 «Portrait de la femme de Claude Monet sur le canapé» (collection privée, Lisbonne) est devenue inhabituellement vivante et impressionnante. La jeune Camilla Monet (née Donsier) est assise sur le canapé, vêtue d’une belle robe bleue, elle pose nue pour l’artiste, comme si elle se permettait de dessiner favorablement. Ici, Renoir n’essaie pas de décrire soigneusement les environs, il ne fait que transmettre le sentiment de calme et de liberté de la jeune femme au foyer, qui a trouvé le temps de se reposer l’après-midi.

Véritable connaisseur de la beauté féminine, l’artiste admire ouvertement la jeunesse et la fraîcheur de l’héroïne de la toile. Comme dans un dessin, Renoir ne décrit que des accoudoirs de canapé, dont l’un repose sur Camille, et une table à thé avec une tasse posée sur le bord. C’est en raison de l’absence de motif géométrique sur le canapé et de lignes claires qui en délimitent le design que le canapé semble exceptionnellement doux. Les contours des objets sont flous, ce qui confère à l’atmosphère de la pièce un effet de légèreté et de légèreté extraordinaire, comme si Renoir présentait une sorte d’environnement de lumière solaire intangible qui unit tous les objets de la pièce. Et seuls les cheveux noirs, les sourcils et les yeux de Camilla se détachent sur le fond clair général, attirant ainsi l’œil du spectateur.

Au début des années 70, Renoir passa beaucoup de temps près de Paris, à Argenteuil, où Monet vécut durant cette période. Les amis travaillaient souvent ensemble. L’un de leurs sujets de prédilection était les bateaux à voile sur la Seine. Cette œuvre est dédiée à l’œuvre «Regatta near Argenteuil» (1874, National Gallery of Art, Washington). Dans la peinture, l’artiste a encore utilisé le style de contour de l’écriture à l’aide de traits larges et rapides. Seul un tel style nous a permis de capturer le paysage, de saisir l’état momentané de nature variable.

Le ciel sur la photo est peint d’une dynamique inhabituelle, avec des nuages ​​roses déchirés, comme s’il absorbait toute la lumière du soleil. On dirait qu’il s’enfonce dans la Seine, reflétant le motif des nuages ​​et les voiles blanches des bateaux, qui absorbent à leur tour les réflexes de l’illumination céleste et virent au rose. Renoir peint une image non pas avec des lignes, mais avec des taches de couleur.

La composition du tableau «Chemin dans l’herbe haute» (1874, Musées d’Orsay, Paris) est très similaire au paysage «Champ de coquelicots à Argenteuil» (1873, Musée d’Orsay, Paris) de Claude Monet. Auguste Renoir représente des personnes marchant le long d’un sentier noyé dans l’herbe haute. À l’instar de Monet, pour créer une sensation de mouvement, l’artiste répète les figures de personnes au sommet de la colline et à sa base.

Théâtre et nu

Comme beaucoup d’artistes, Renoir était attiré par le théâtre. Ici vous pouvez trouver une variété de scènes pour des peintures, regarder des milliers de personnes avec leurs personnages et leurs destins, remarquer des choses curieuses et des scènes inhabituelles. Le peintre s’intéresse à la fois au public, situé dans l’auditorium, et aux acteurs, dont la vie animée se passe de l’autre côté de la rampe.

L’une des œuvres de Renoir sur la scène théâtrale - The Lodge (1874, galerie de l’Institut Curto, Londres) a été présentée par l’artiste lors de la première exposition impressionniste, sensationnelle et ratée, organisée la même année dans l’atelier de l’artiste. le photographe Nadar. La photo était un double portrait d’une dame et d’un monsieur qui étaient assis dans une boîte, attendant le début du spectacle. Une femme regarde directement et calmement le spectateur, sa compagne, au contraire, s’assied en arrière et cherche quelqu’un à travers les jumelles parmi la foule. La dame est un peu triste et le monsieur, semble-t-il, a complètement oublié sa présence. La figure de l’héroïne est montrée plus près du premier plan de la photo, son visage est fortement éclairé et comme s’il cherchait un dialogue avec le spectateur, le Le héros est retiré du spectateur et de son compagnon au crépuscule de la boîte. De manière surprenante, l’artiste a pu simplement mettre des accents sémantiques dans la composition en utilisant le jeu d’ombres et de lumières.

L’exposition de la même exposition impressionniste a réuni deux autres œuvres de l’artiste: «Dancer» (1874, National Gallery of Art, Washington) et «Parisian» (1874, National Wells Museum, Cardiff).

La peinture "Danseuse" nous montre une jeune ballerine vêtue d’une robe bleu ciel. Elle occupe la 4ème position libre, rappelant un peu le travail d’Edgar Degas, qui a créé de nombreuses peintures sur le thème de prédilection du théâtre. Cependant, toutes les héroïnes de Degas sont capturées dans une danse ou un arc, elles ne se sont jamais posées pour lui. Degas les a peintes - alors que les paparazzis tournent maintenant - capturées à un moment inattendu dans une perspective apparemment aléatoire, sans se focaliser sur la psychologie.

Auguste Renoir a travaillé différemment. Sur sa toile, la danseuse n’est pas représentée dans la danse ni dans une image de scène, mais bien dans le rôle d’elle-même. Un rôle important dans le portrait est joué par les yeux un peu tristes et l’attractivité d’une jeune fille, son appréhension et sa tendresse. La photo se distingue par des tons pastel et des contours doux - contrairement aux œuvres très définies de Degas, qui utilisaient toujours la ligne comme principal moyen d’expression.

Lorsqu’il s’agit du prochain tableau du maître «Parisian», de nombreux historiens de l’art citent les lignes d’Alexander Blok, écrites plus de trente ans après la création de la toile:

«Et tous les soirs, à l’heure convenue,
(Ou est-ce juste moi qui rêve?)
Un camp de filles, capturé par la soie,
Dans une fenêtre brumeuse bouge.
Et lentement, passant entre les ivrognes,
Toujours sans satellites, seul,
Respirer des parfums et des brumes
Elle s’assied près de la fenêtre… "

Le haut du corps de la jeune femme est dessiné assez clairement, tandis que la jupe légère de sa robe semble être cousue de tissu aérien. Ainsi, l’artiste réalise l’effet favori de l’existence de la figure dans un environnement d’air-lumière spécial, grâce auquel l’héroïne semble sortir de la brume. Le charme de cette image est rendu séduisant par le fait que cette mademoiselle brumeuse, insaisissable, est totalement ouverte au dialogue avec le spectateur.

L’année suivante, Renoir crée son célèbre tableau «Naked in the Sunlight» (1875, Musée d’Orsay, Paris). L’idée novatrice de l’artiste consistait à écrire de la nudité dans la nature, en montrant comment les reflets du soleil et les réflexes des feuilles d’un arbre jouent sur sa peau délicate. L’idée n’était pas mauvaise et, de plus, vraiment impressionniste. Cependant, le résultat a provoqué un vif rejet par les critiques et le public. Selon les canons de la peinture traditionnelle, il fallait idéalement écrire un corps de femme nue, après avoir présenté une pose spectaculaire du modèle, et sa peau devait être parfaitement lisse et exclusivement dans des tons chauds. Renoir, au lieu d’une peau lisse, présentait des reflets et des reflets, que les critiques ont appelés des taches cadavériques sur le corps en décomposition.

En 1876, le peintre crée une autre toile sur ce sujet. Dans le tableau «Nu» (Musée national des beaux-arts Pouchkine, Moscou), Renoir s’est révélé être un véritable connaisseur de la beauté féminine. Il admire littéralement son modèle, comme s’il caressait son corps avec un pinceau. Cette fois, il peint sa peau jeune et mince parfaitement en douceur et exclusivement avec des nuances de rose. Sur le plan de la composition, l’œuvre ressemble au tableau «La Baigneuse» de Jean Auguste Dominique Ingres (1807). L’artiste reviendra plus tard chez Ingres (qui, incidemment, était un exemple pour Edgar Degas) lorsqu’il repensa son propre chemin créatif.

Le maître a régulièrement participé aux expositions ultérieures des impressionnistes. Au tiers d’entre eux, en 1877, entre autres œuvres, il présente The Ball au Moulin de la Galette et à Swing.

Le motif du swing était inhabituel pour la peinture française du XVIIIe siècle; en fait, il était absent. On ne sait pas exactement ce qui a motivé Renoir à ce complot, mais il existe des preuves qu’il connaissait bien le tableau du même nom de Fragonard, qui l’a écrit comme une "scène galante", qui a un sens caché, enfermé dans des perspectives attrayantes. ouvert au cavalier assis sur le sol sous les jupes se balançant dans le vent, balançant dans le vent les demoiselles. Les balançoires (musée d’Orsay, Paris) de Renoir, écrites en 1876, sont essentiellement la même «scène galante», empruntée à l’époque rococo, mais écrite sur un terrain moderne et sans connotation frivole.

Sur la toile, on voit un jeune homme qui se tient dos au spectateur (ce qui est inacceptable dans l’art traditionnel lui-même), il secoue légèrement une fille pensive qui se tient sur une balançoire en bois. À proximité se trouvent un homme et une petite fille, regardant avec affection une dame. À propos, les images d’enfants occupent une page séparée dans l’ensemble du travail de l’artiste, mais nous en parlerons plus tard.

Le tableau général «Bal au Moulin la la Galette» (1876, musée de l’Orsay, Paris) a été peint sur la colline de Montmartre à Paris, sur laquelle se trouvaient encore trois moulins en bois. Dans l’un d’eux se trouvait le restaurant "Moulin de la Galette", réputé pour ses délicieuses côtelettes (moulin - moulin, galette - côtelette). Le restaurant organise régulièrement des soirées dansantes, qui rassemblent le public parisien le plus diversifié, parmi lequel se trouvent de jeunes artistes.

Ces lieux étaient parfaits pour Renoir, qui aime écrire des éclats de lumière juteuse et éclatante, danser sur les robes de dames et les costumes de leurs messieurs. L’artiste aimait passer sur les toiles de scènes de festivals de la vie et de jeunesse insouciante, caractérisées par une atmosphère exceptionnellement joyeuse et lumineuse. Ses toiles représentant le public local sont une sorte de document de l’époque: elles ont toujours capturé ce coin de Paris, où la classe moyenne de cette époque était divertie. L’artiste a consacré une grande toile à un tel complot quotidien extrêmement inhabituel à cette époque.

Pendant longtemps, les peintures de l’artiste n’étaient pas à vendre, le public refusant de reconnaître l’impressionnisme en tant qu’art. Néanmoins, les expositions ont permis de nouer des contacts utiles. Par leur intermédiaire, Renoir a reçu plusieurs commandes de portraits qui ont aidé le peintre à joindre les deux bouts. Agréable et profitable pour l’artiste, une rencontre avec les épouses de Charpentier. Le fait est que Mme Charpentier avait son propre salon à Paris, qui réunissait un public intéressant: écrivains, artistes, poètes et artistes. C’est ici que Renoir a rencontré l’actrice Jeanne Samari à qui il a dédié trois portraits.

Portraitiste Talent

«Portrait de Jeanne Samari» (1877, Musée des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou), d’une étonnante écriture, est animé et lyrique. Il illustre l’approche peu conventionnelle de l’artiste dans la composition de sa composition. La jeune actrice s’appuie sur le menton avec sa main, comme si lors d’une conversation confidentielle, son regard direct et ouvert se dirigeait directement sur les yeux de l’observateur, de même que l’approximation maximale de la figure par rapport au bord crée l’effet de contact étroit de l’héroïne et du spectateur. Merci à cette pose, le portrait a un charme inexprimable et provoque beaucoup d’émotions positives.

Un an plus tard, l’artiste crée une autre toile du même nom (1878, Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg). Dans ce document, Renoir écrit à nouveau à Jeanne de Samarie, mais elle est maintenant en pleine croissance. La femme est vêtue d’une magnifique robe blanche comme neige avec un train qui lui va très bien. Mais même ici, dans un portrait de cérémonie, l’héroïne entre en dialogue avec le spectateur - sa pose est de nouveau orientée vers l’avant, elle se penche légèrement, sacrifiant une posture fière et des épaules droites, pour préserver ce contact. Son regard ouvert ne lâche pas l’observateur, mais ses lèvres légèrement écartées l’attirent.

La même année, Renoir écrivait "Portrait de Madame Charpentier avec des enfants" (Metropolitan Museum of Art, New York). La photo a été faite à la manière «salon» habituelle, pour faire plaisir à l’hôtesse elle-même. Deux jolies figurines pour enfants, représentées en poses directes, reflètent parfaitement le plastique unique des enfants, complété par des attributs angéliques: gonflement des bras et des jambes, délicates boucles de cheveux, confèrent à la toile un charme particulier. La composition générale de l’œuvre est à nouveau construite en utilisant des couleurs: le décor est représenté dans des tons rouge-brun et la figure de Madame Charpentier se détache sur son arrière-plan. L’hôtesse est vêtue d’une robe noire avec une bordure blanche contrastante sur la poitrine, un jupon blanc jaillissant sous l’ourlet et à ses pieds, un énorme Saint-Bernard en noir et blanc. Et dans ce cadre noir et blanc représente des enfants vêtus de robes courtes bleu pâle.

Renoir, de son vivant, était considéré comme un maître du portrait hors pair. Il a réussi à saisir et à transmettre l’ambiance fugace des héros de la toile. Un exemple remarquable de son travail dans ce genre est «La fille à l’éventail» (1881, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg). Le visage tendre et songeur d’une jeune fille avec des mèches de cheveux sombres tombant sur son front est écrit avec soin et en douceur, et les détails des toilettes, des ventilateurs, des mains et du fond sont plus doux, avec des contours flous. L’arrière-plan de la photo, laissé sans explication, ne sert qu’à encadrer la belle apparence de la jeune fille, sans distraire l’attention du spectateur par des yeux noirs brillants, une peau délicate et des lèvres écartées. La toile a un effet de contraste favori, alternant taches noires et blanches que le maître utilisait si souvent: parties blanches de l’éventail - tissu sombre de la robe, col blanc - cheveux noirs du modèle.Cet ordre d’échecs concentre parfaitement l’attention du spectateur sur le teint délicat du modèle.

Contrairement à l’opinion de ses amis impressionnistes, Renoir a décidé de participer au salon annuel. C’était la seule façon pour lui de gagner en notoriété et en contacts utiles. Grâce aux efforts de Mme Charpentier, le Salon de 1879 a accepté deux peintures de l’artiste: «Portrait de Samari» et «Portrait de Madame Charpentier avec des enfants». Alors Renoir s’est finalement déclaré. Le public a rencontré favorablement le peintre et celui-ci a commencé à recevoir régulièrement de nouvelles commandes. À partir de ce moment-là jusqu’en 1882, l’artiste ne participa pas aux expositions des impressionnistes. La situation financière de Renoir s’améliora tellement qu’en 1881, il put se permettre un long voyage en Algérie, à Venise, à Rome et à Pompéi.

À la même période fertile, Renoir rencontre Alina Sherigo, incarnation vivante de l’idéal de la beauté féminine du peintre. Alina a commencé à apparaître dans de nombreuses peintures du peintre, en commençant par «Le petit déjeuner des rameurs» (1881, Phillips Collection, National Gallery, Washington). Quelque temps plus tard, elle est même devenue sa femme.

La composition légère de la toile «Rowing Breakfast» a été peinte par Renoir à la lumière naturelle. L’intrigue de l’image est une autre fête de la vie tant chérie par l’artiste, avec la parade nuptiale de messieurs, une jeunesse insouciante, des sourires de dames et la complexité des relations. Le travail a participé à la septième exposition des impressionnistes en 1882, avec plusieurs paysages vénitiens créés par l’artiste lors de son voyage en Italie. Et juste un an plus tard, en 1883, la première exposition personnelle de Renoir a eu lieu.

Reconnaissance de style et frustration

La renommée de l’artiste dans les années 1880 a déjà dépassé les frontières de la France. Le respecté et respectable Auguste Renoir a commencé à voyager souvent. En 1885, leur premier enfant, le fils de Pierre, est né à la maîtresse et Alina. Bientôt, la famille s’installa dans la patrie d’Alina, en Champagne. En 1886, Renoir crée un portrait de sa femme et de son jeune fils.

La toile "Maternité" (Musée des Beaux-Arts, Saint-Pétersbourg, Floride) célèbre déjà d’autres joies. Les distractions insouciantes du public parisien ont disparu, et toute l’attention de l’artiste s’est tournée vers les délices de la vie de famille et le bonheur de la maternité. La photo est sentimentale: une jeune grosse Alina qui allaite un bébé grassouillet contre une idylle rurale. Les proportions de la femme assise sur la chaise semblent un peu réduites du fait que l’artiste l’a peinte debout et que son point de vue était plus élevé que celui du modèle.

Au fil du temps, Auguste Renoir, ancien maître reconnu de l’impressionnisme, a été déçu par la manière d’écrire qu’il a développée. Son mécontentement vis-à-vis du travail a amené le maître même à détruire certaines toiles créées. Si, dès le début de sa carrière créative, le peintre cherchait inspiration et répondait aux questions qui le tourmentaient dans les peintures d’Eugene Delacroix, Jean Honoré Fragonard et François Boucher, qui contribuaient à la formation de sa personnalité créatrice, il se tournait maintenant vers le oeuvre de Jean Auguste Dominique Ingres - brillant académicien et néoclassiciste, maître de ligne, écrivant des beautés nues séduisantes et des portraits de femmes d’une douceur inhabituelle. En outre, Renoir a commencé à utiliser l’expérience de maîtres de la Renaissance, dont les œuvres l’ont conquis en Italie.

Malgré le changement de style, l’artiste est restée fidèle au monde de la joie, de la beauté et du bonheur. Il n’a jamais créé d’œuvres tristes, philosophiques ou édifiantes. Les oeuvres jumelées «Danse au village (1882, Musée d’Orsay, Paris),«Danse à Bougival»(1883, Musée des arts, Boston), ainsi que«Danse dans la ville»(1883, Musée d’Orsay, Paris) became a logical continuation of the topics raised by the painter in the works of previous years. Les trois tableaux représentent des couples dansants adeptes de mouvement, de musique et poursuivant le thème du bonheur sans nuages ​​et de la jeunesse de la toile «Bal au Moulin de la Galette».

La peinture «Danse au village» rappelle des souvenirs de la peinture ancienne «Portrait d’Alfred Sisley avec sa femme». Dans le nouveau travail, nous pouvons voir la même tendresse, le même soin et la même politesse de politesse que ce monsieur embrasse sa dame. La pose du couple de danseurs séduit par sa plasticité directe et montre clairement la nature de leur relation: l’homme est tendrement amoureux de sa partenaire, il est prêt à faire de son mieux, elle baigne dans son amour et sa sollicitude, comme en musique, absorbé par la danse et subordonnant ses mouvements à la force dirigeante du partenaire.

"Dance in Bougival" montre la différence avec le style d’impression impressionniste. Elle est encore visible dans le feuillage des arbres et l’arrière-plan de la photo, mais la robe de la fille et son costume de gentilhomme sont peints de manière plutôt serrée et lisse. L’ambiance de l’œuvre est proche de la précédente, la même immédiateté y règne, mais avec un soupçon de sentiments cachés - la jeune fille détourne légèrement son regard de son partenaire, qui cherche à attirer son attention par tous les moyens.

Les partenaires du film «Dance in the City» sont beaucoup plus restreints dans leurs mouvements et dans l’expression de leurs sentiments. Les costumes exquis parlent de leur statut social élevé. La fille se tient très droite, sans s’appuyer sur l’épaule de son partenaire avec une crédulité populaire. Sa posture est stricte et répond à toutes les normes de l’étiquette. Le visage de l’héroïne est calme, il n’exprime pas le bonheur et la joie avec lesquels brille l’héroïne de «Danse au village». Le visage d’un jeune homme nous est complètement caché.

Le tableau "Umbrellas" (1881 -, National Gallery, London) est devenu l’une des œuvres les plus célèbres de Renoir. Elle a débuté au moment des beaux jours de sa passion pour l’impressionnisme et s’est terminée cinq ans plus tard, après que l’artiste eut découvert le travail de maîtres de la Renaissance et repensé son propre chemin dans l’art. Les figures féminines du côté gauche de la toile sont écrites plus doucement, tandis que du côté droit, une ligne de contour claire apparaît. L’image densément remplie de personnages semble manquer de construction compositionnelle, mais c’est seulement à première vue. Parmi les figures de passants inondées au hasard, on peut distinguer la construction en diagonale de la toile: la première en diagonale part de la tête de la fille dans le coin droit de la toile,puis est soulignée par la canne du parapluie incliné et se termine enfin par les têtes de la fille et l’homme debout derrière elle à gauche. La ligne de la canne du parapluie dans les mains de la femme accompagnant les filles indique la deuxième diagonale.

"Parapluies" est devenu la dernière grande image de l’artiste, consacrée à la vie de sa ville moderne. L’art de la Renaissance a influencé la sélection des thèmes ultérieurs, qui a laissé sa marque sur la manière picturale de Renoir. Le maître jusqu’à la fin de sa vie resta un chanteur et un connaisseur de la beauté féminine, de formes alléchantes, d’une peau délicate et de yeux pétillants. La toile "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) est une preuve évidente de l’influence des grands maîtres du passé. La présence d’un dessin de contour, de draperies classiques, de corps nus délicatement peints de filles à la peau délicate et de disposition de leurs personnages dans l’espace représente une composition pyramidale claire en forme de triangle.

Certes, dans le tableau «After Bathing» (1888, collection privée), le corps nu d’une jeune fille assise, peint avec douceur, a encore une allusion au style ancien de l’artiste. Les ombres de la toile restent impressionnistes, colorées et son fond est fait de larges traits. Et l’image même du corps de l’héroïne est plus douce que dans le travail précédent.

Dernières années

L’artiste a encore beaucoup voyagé. En 1894, un deuxième enfant est apparu dans la famille Renoir - le fils de Jean. Et en 1897, un petit incident se produisit. Cela ne laissait présager aucun problème. L’artiste est tombé sans succès de son vélo et s’est cassé le bras droit. Pendant la récupération, le maître a appris à écrire de la main gauche. Mais même après une guérison complète de la fracture, Renoir n’a pas laissé de douleur intense et constante. Ainsi débuta une arthrite grave, qui ne laissa pas l’artiste au cours des vingt prochaines années de sa vie, entravant peu à peu les mouvements et les expressions du visage, tordant les doigts, puis causant une paralysie complète. Alina a tout mis en œuvre pour sauver son épouse bien-aimée. Cependant, après chaque amélioration à court terme de son état, des rechutes se produisaient invariablement. Des amis venaient souvent rendre visite au peintre,Renoir lui-même n’a cessé de travailler que le dernier jour de sa vie. En 1901, son troisième fils Claude est né, qui est devenu le modèle le plus aimé d’un artiste vieillissant.

Les peintures de Renoir ont été exposées lors de nombreuses expositions à Paris, New York et Londres. Ils lui ont apporté une renommée bien méritée. Et en 1900, l’artiste est devenu titulaire de la Légion d’honneur et, dix ans plus tard, officier de l’ordre.

En 1909, le peintre crée deux autres œuvres jumelées: «Dancer with Castanets» et «Dancer with Tambourine» (toutes deux - National Gallery, London), dans lesquelles une nette influence de l’art de la Renaissance est révélée. Des corps en plastique, une expression sereine contemplative, des draperies et un fond abstrait les rapprochent avec style des fresques des grands maîtres du passé. Les œuvres sont très décoratives, les figures des danseurs sont comme issues d’une vieille frise.

L’œuvre "Gabriel à la rose" (1911, Musée d’Orsay, Paris) est très différente des portraits "classiques" du maître. La palette de toile s’assombrit, le modèle n’éblouit pas avec un éclat des yeux et un sourire radieux. Mais clairement, une étude plus plastique des volumes est évidente. Mais il est tôt, il est évident que l’artiste vieillissant admire la douceur et la tendresse de la peau de son héroïne (Gabrielle était une parente de sa femme et l’a aidée à élever des enfants).

Avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale, les fils aînés des Renoirs se sont rendus au front, ils sont revenus tous les deux, mais ont été blessés. Alina a fait de son mieux pour aider ses enfants, mais, n’ayant pas enduré les émotions, elle est décédée. Renoir a continué à écrire dans un fauteuil roulant, surmontant une douleur intense dans tout son corps jusqu’à sa mort, le 2 décembre 1919.

Zhuravleva Tatyana