Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) Automatique traduire

Le merveilleux artiste russe Valentin Serov a eu la chance de naître dans une famille prospère et douée. Les parents du peintre étaient des gens talentueux et polyvalents. Alexander Nikolaevich Serov, le père du futur artiste, était un compositeur, auteur des opéras Enemy Force, Judith et Rogneda. Il était considéré comme le meilleur critique musical de son temps et était également un grand artiste original. Dans sa jeunesse, il allait se consacrer à la peinture, mais s’intéressait ensuite à la musique et s’y rendait complètement.

Photos de Valentin Alexandrovich Serov

Famille talentueuse

C’est de son père que Valentine a hérité de son don extraordinaire, sa capacité à percevoir avec une précision incroyable la forme et la couleur, ainsi que son grand amour pour les animaux, que Serov Sr. a le plus souvent dépeint sur ses toiles. Alexander Nikolayevich n’était marié qu’à l’âge de quarante-quatre ans, il était déjà un compositeur accompli et un homme mûr. Son choix était un jeune pianiste talentueux Valentina Semenovna Bergman, une ancienne étudiante du musicien.

Le fils unique des Serov est né le 7 janvier 1865. Dès son plus jeune âge, Valentin était entouré de personnalités créatives et extraordinaires issues de divers milieux, qui se réunissaient régulièrement dans la maison du compositeur et de sa jeune épouse. Ils comprenaient tous les gens talentueux de cette époque, musiciens, scientifiques, écrivains, artistes et acteurs. Parmi les amis proches d’Alexandre Nikolaïevitch, qui visitaient souvent sa maison, se trouvaient le sculpteur Mark Antokolsky, l’écrivain Ivan Tourgueniev, avec qui Serov était le plus proche, et l’artiste Nikolai Ge, le premier à inculquer le petit Valentin, qui le suivit à vie, amour pour les chevaux.

La famille Serov organisait souvent des lectures littéraires et des concerts en tant que spectateurs auxquels la servante était souvent invitée. Ces soirées éducatives n’étaient pas leur invention personnelle, mais un hommage à la mode de l’époque.

La petite Valentine accompagnait souvent ses parents à l’opéra. Et en 1869, ils emmenèrent leur fils pour la première fois à l’étranger. Après ce voyage, Serov, le plus jeune, se souvint toute sa vie de sa visite à la maison du grand Richard Wagner. Cependant, l’impression indélébile sur le garçon ne fut pas faite par le célèbre compositeur lui-même, mais par une cage avec des faisans chien énorme. Avec une vie aussi intéressante en apparence, Valentine depuis son enfance n’était pas gâtée par l’attention des parents qui vivaient chacun dans leur travail.

En 1871, alors que le futur artiste n’avait que six ans, son père est décédé. Le temps des réceptions sereines dans le salon et des lectures littéraires est pour toujours dans le passé. Ils vivaient maintenant avec leur mère à Munich (de 1872 à 1873). Ces deux années ont été très fructueuses pour le petit dessinateur. En vivant dans un hôtel, Serov a rencontré le peintre déjà célèbre, Kegshing, intéressé par un garçon talentueux. Kegshing a non seulement commencé à emmener l’enfant aux études, à l’aider avec des conseils professionnels, mais a également influencé Valentina Semenovna, lui recommandant de développer et d’encourager le jeune talent de toutes les manières possibles.

Croyant que les capacités du fils pouvaient devenir son destin, la mère de Serov commença à les encourager et à les développer consciemment. En 1874, alors âgé de neuf ans, Valentine et sa mère s’installent à Paris, où se trouvait Ilya Repin. La décision de Valentina Semenovna de demander à Repin d’éduquer son fils a été le choix le plus réussi dans la vie d’un futur peintre.

C’était Ilya Repin qui était le seul maître capable de développer pleinement et de révéler les capacités du jeune Serov. Ainsi, le garçon a commencé les premières leçons de dessin régulières et sérieuses. Repin travaillait alors à Paris sur les peintures "Café" et "Sadko". Il réalisa de nombreux croquis d’après nature, sans oublier de donner constamment des devoirs à l’étudiant. Le jeune Valentin Serov a reçu à cette occasion beaucoup de précieux conseils, astuces et clarifications dont il s’est ensuite souvenu toute sa vie. Repin lui permettait de copier son travail. Il lui demandait parfois d’écrire certains objets de mémoire, mais il accordait une grande importance au dessin de la nature.

L’artiste en herbe s’abandonne complètement à son passe-temps, y consacrant tout son temps libre. Dans la journée, il peignait et le soir, il faisait des croquis et des dessins à l’infini. Grâce à l’attitude sérieuse de sa mère, de nombreuses œuvres d’étudiants de Serov ont été parfaitement préservées. Dans ses premiers albums, la plupart des peintures et des croquis consacrés aux chevaux. Bien sûr, Serov a également peint d’autres animaux, mais ce sont les chevaux qui sont devenus son amour pour la vie.

Ce fut sans aucun doute une période fructueuse dans la formation du grand peintre russe. Mais malgré toute la prospérité apparente, la vie d’un garçon de neuf ans à Paris était solitaire et morne. Sa mère, complètement plongée dans son travail, était constamment absente pendant la journée et assistait à l’opéra le soir. Valentine resta longtemps seul, livré à lui-même. Cette retraite forcée a laissé une empreinte sur le personnage de Serov, lui donnant la morosité et l’isolement que l’artiste a conservés tout au long de sa vie.

L’influence de Savva le Magnifique

Comme beaucoup d’habitants talentueux de Moscou, la mère de Valentin Serov connaissait Savva Mamontov, qui remporta un vif succès pour le futur artiste. Ce philanthrope et industriel était au centre de la vie spirituelle et intellectuelle de Moscou de la seconde moitié du XIXe siècle. Rassemblant toute la couleur de l’intelligentsia artistique russe autour de lui, Mamontov a offert aux invités de son domaine d’Abramtsevo une occasion unique d’inspirer, gratuitement et sans fardeau, y compris les problèmes financiers et la vie créatrice. Le domaine de Mamontov, près de Moscou, a été pendant plus de vingt ans un centre important de la culture russe, où des artistes, parfois pendant tout l’été, sont venus communiquer, partager leurs expériences et associer travail et loisirs.

Vivant souvent avec sa mère à "Abramtsevo", Valentin Serov, dès son enfance, a participé directement à presque tous les domaines de la créativité, ce qui a été développé par cet environnement créatif composé de passionnés et de personnes aux arts similaires. C’est là que son talent brillant et multiforme s’est développé. Le club Abramtsevo, soutenu par Savva Mamontov, a ouvert deux ateliers d’artiste en même temps: la céramique et la coupe de menuisiers, où l’artisanat ancien a été ravivé. Une grande attention a également été accordée au théâtre. Serov participait avec plaisir aux représentations à domicile de Mamontov, il interprétait avec brio des rôles comiques d’animaux, tout en remportant un succès retentissant. Il n’est pas surprenant que Valentine ait créé ses premières œuvres les plus inspirantes qui l’ont rendu célèbre, comme par exemple La Fille aux pêches, dans ce magnifique domaine.

Mais l’influence bénéfique du cercle d’Abramtsevo est apparue beaucoup plus tard et, au début, exercée par un jeune talent du domaine de Mamontov, n’a pas profité à son talent. Selon le biographe de l’artiste Igor Grabar, à l’été de 1875, lorsque Valentina Semyonovna avait amené son fils pour la première fois à la succession, le garçon avait abandonné les cours de dessin habituels et tous ses albums, emporté par la vie amusante et insouciante des enfants de Mammouth.. Ce qui n’a pas manqué de réfléchir à ses capacités artistiques. Les quelques dessins de l’époque dans les albums de ses enfants ne font que confirmer que des capacités innées sans pratique ne veulent pas dire grand-chose, car le talent original du peintre et ses compétences en dessin disparaissent rapidement sans travail constant pour les développer et les entretenir. Ce n’est pas pour rien qu’ils disent que le vrai génie représente 10% du talent et 90% du travail acharné.

Ainsi, avec Serov, le jeune artiste commença à dessiner beaucoup moins bien, sans entraînement constant pour améliorer la précision du trait et l’affichage des couleurs et des formes. C’est pourquoi, à l’automne, sa mère l’emmena à Saint-Pétersbourg, où le vieil ami de la famille, l’artiste Nikolai Ge, commença à s’occuper du talent de Valentin, à le cultiver et à se perfectionner. Bientôt, grâce aux soins de Ge, il devint évident que Serov entrait dans une nouvelle phase de développement.

Ensuite, Valentine et sa mère ont déménagé à nouveau. Cette fois à Kiev, où ils ont passé environ trois ans, qui sont devenus les plus heureux de la vie de leur mère et de leur fils. À Kiev, le garçon est entré à l’école de dessin, après être entré dans la classe de Nikolai Murashko, le vieil ami de Repin à l’Académie des arts.

Meilleurs éducateurs

Décidant de ne pas limiter le développement de son fils à une simple éducation artistique, Valentina Semenovna retourna à Moscou et organisa son enfant dans un gymnase de Moscou. Ici, la mère de l’artiste s’est à nouveau tournée vers Repin, lui demandant de reprendre les cours. La famille du peintre a reçu Serov à bras ouverts et ses leçons se sont poursuivies à un niveau encore plus élevé.

Repin lui-même a noté que, malgré la rupture constante des classes, Valentin avait fait d’excellents progrès et que le travail très réussi avait inculqué au garçon lui-même la conviction qu’il avait de nouveau réussi à dépeindre tout ce qu’il avait prévu. Valentine croyait en lui-même et abandonnait presque complètement ses études au gymnase, avec une grande passion pour son passe-temps favori. Finalement, le directeur du gymnase s’est tourné vers la mère du jeune artiste avec une proposition de transférer l’enfant dans une institution spéciale, où son talent de peintre pourrait être pleinement développé. Alors le garçon a finalement déménagé à Repin. Maintenant, ses études de dessin et de peinture n’arrêtent rien d’autre.

Igor Grabar a écrit dans ses mémoires: «Même Repin le regarde déjà comme un artiste, pas comme un adolescent, et pose même pour lui comme portrait tout en dessinant lui-même Serov. Serov, âgé de 14 ans, a l’air tristement sombre - une habitude de loup reconnaissable comme "Serov", qu’il a conservée jusqu’aux derniers jours. Et derrière cette sombre apparence se cache un cœur gentil et l’âme la plus tendre et la plus pure. Repin dresse le portrait de Serov et Serov dresse le portrait le plus précis jamais réalisé de Repin. Il a toute l’essence de Repin: son look, son charme, son sourire, même son éternelle gêne - en un mot, absolument tout ce que nous savions si bien et qu’il a gardé jusqu’à 70 ans. ”

Entré à l’Académie des Arts en 1880, Serov se retrouva dans l’atelier du célèbre professeur Pavel Chistyakov, qui se distingua par un style d’enseignement extrêmement sévère, critiquant et ridiculisant tous les coups imprécis de ses étudiants. Ces méthodes du professeur ont aidé l’artiste à développer une manière réfléchie et sans hâte de décrire la nature. Comme son professeur, Valentin Serov ne pouvait tolérer la précipitation et le rapprochement dans le dessin et la peinture.

Répondant à des questions sur sa manière d’écrire avec minutie, le peintre dit: "Sinon, je ne sais pas écrire, c’est de ma faute, je ne sais pas à quel point je l’aime." En effet, il ne serait pas juste de dire que Serov ne possédait pas de techniques d’imagerie ultra-rapides. Exigeant pour ses portraits au moins quarante séances de pose (et il est arrivé que ce nombre atteigne cent), le talentueux artiste a parfaitement fait des croquis instantanés et maîtrisait parfaitement l’art des croquis au crayon à grande vitesse.

Valentin Aleksandrovich, avec son habileté intrinsèque, a non seulement su saisir la forme reconnaissable de la figure et de la tête, mais aussi transmettre avec un toucher clair et précis tous les traits caractéristiques de son apparence, jusqu’à une expression immédiatement capturée sur son visage. Ces courtes esquisses rapides sont plus fortes que d’autres œuvres, vous pouvez juger de l’habileté incroyable de l’artiste.

Serov ne peinait pas du tout à la ressemblance entre portraits, mais, malgré lui, il réalisait de véritables portraits, malgré ses croquis ultrarapides de défilés et de manœuvres militaires. L’œil précis et la main indiscutable du maître ne savaient pas comment autrement. Le peintre pouvait se permettre d’écrire des compositions complexes sans croquis préalable au crayon, immédiatement au pinceau aquarelle. Le charbon, un pinceau et un crayon lui obéirent implicitement. Il a donc peint des enfants qui ne posaient jamais pour lui avec autant de confiance que pendant des mois avec des adultes, les épuisant par de longues séances de pose.

Cinq ans seulement après son admission, Serov quitte l’Académie, se sentant un maître tout préparé. Toute sa vie future, son auto-perfectionnement créatif constant se déroule selon un horaire libre et continu.

En 1885, Serov peint le tableau «Les boeufs» (Galerie d’Etat Tretyakov, Moscou), un an plus tard, le tableau «Le soir d’automne à Domotkanovo» (Galerie d’Etat Tretiakov, Moscou) et «L’hiver à Abramtsevo. Eglise ”(Galerie nationale Tretiakov, Moscou). La formation du style de peinture de Valentin Serov a eu lieu sous l’influence de deux vénérables peintres - Repin et Chistyakov et de leurs écoles d’art.

Néanmoins, déjà à vingt ans, l’artiste n’a plus rien en commun avec le style et la technique d’écriture avec aucun des professeurs, il développe sa propre manière unique de jouer, qui ne peut être confondue avec aucune des techniques bien connues de la profession. histoire des arts. Ceci en dépit du fait que les peintures de Serov sont très diverses dans l’exécution.

Le peintre n’a jamais arrêté de trouver quelqu’un qui a réussi à trouver et une fois une solution au problème, comme c’est souvent le cas chez d’autres peintres. Tout en cherchant de nouvelles approches, il a essayé de choisir pour chaque intrigue la forme et la technique d’expression artistique les plus appropriées. Pendant toute la période de son travail. Serov a constamment recherché et trouvé des moyens encore plus précis d’exprimer son attitude envers l’objet, ne se contentant jamais de ceux déjà utilisés.

Innovateur des beaux-arts russes

Serov est souvent appelé le premier impressionniste russe, comparant son travail à des peintures de Renoir. Certains historiens de l’art pensent cependant que l’artiste russe devançait même son prédécesseur en ce qui concerne la vivacité des couleurs, l’élégance de la transmission de la lumière et la noblesse des tons.

Si Renoir a souvent utilisé des transitions brumeuses et vagues dans son travail, créant un certain euphémisme, alors Serov, au contraire, par tous les moyens à sa disposition, a démontré la transparence et la profondeur de l’arrière-plan ainsi qu’un triomphe éclatant de la vie. Dans les œuvres de l’artiste, on peut souvent observer un changement étrange de lumière et d’ombre, un débordement inimitable de tons clairs et un jeu avec des reflets.

Même dans ses portraits classiques sombres, Serov a été capable d’introduire un accent clair de manière à souligner et à souligner la personnalité de la personne représentée. Valentin Aleksandrovich a prescrit les plus petits détails et les objets avec une grande fiabilité, consolidant sa renommée en tant qu’artiste très méticuleux qui attache de l’importance à chaque élément.

Il est à noter que l’artiste a peint ses toiles selon les meilleures traditions de l’impressionnisme bien avant de voir les peintures elles-mêmes de représentants de cette direction, nés en France et voyageant à travers l’Europe jusqu’en Russie seulement deux décennies plus tard.

Un génie si sensible, tel que Serov, avec tout son esprit qui adoptait des idées novatrices, a soudainement commencé à travailler de manière complètement nouvelle et inhabituelle pour notre école de peinture, appelée le nouveau réalisme. On peut juger l’impression que le premier spectacle des œuvres du jeune Valentin Serov fait sur le public, selon l’enregistrement fait dans la monographie d’Igor Grabar, qui écrivait: "L’antithèse" la vérité de la vie et la vérité de l’art "peut être symbolisé par les noms suivants: Manet et Courbet en France, Aable et Menzel en Allemagne, Serov et Repin en Russie. Je me souviens de la première fois où j’ai ressenti toute la portée de cette antithèse. C’était en 1888. Pour nous, alors adolescents, les jours d’ouverture des deux seules expositions de Moscou de cette époque, le Periodic et le Mobile, constituaient de vraies vacances, les jours les plus heureux de l’année… L’exposition a été extrêmement significative.. Maintenant, il est clair que cela n’est pas arrivé plus tôt ou plus tard… elle était destinée à jouer un rôle important dans l’histoire de notre dernière peinture… Les plus significatifs de tous étaient… deux toiles inconnues à cette époque de Serov, deux de ces perles, que s’il était nécessaire de ne nommer que cinq des peintures les plus parfaites de toutes les peintures russes les plus récentes, il serait inévitable que les deux soient incluses dans cette liste… ".

La monographie traite de deux portraits qui ont instantanément porté le peintre de vingt-deux ans à une hauteur inatteignable. Cette œuvre est “Une fille aux pêches” (1887, Galerie d’Etat Tretyakov, Moscou) et “Une fille illuminée par le soleil” (1888, La Galerie d’Etat Tretyakov, Moscou). La première toile a véritablement fait sensation pendant la période de sombre réalisme et la prédominance apparente des couleurs sombres et mates de la peinture. Dans ce contexte, l’impact émotionnel de la peinture rayonnante de Serov, baignée de lumière solaire, dont les rayons pénètrent dans la pièce, avec une transition en douceur de toutes sortes de nuances, la chaleur envoûtante des couleurs pastel, n’était pas simplement un mot nouveau., mais un vent de fraîcheur des changements dans l’art russe.

Le peintre lui-même a décrit le travail sur le tableau: «Tout ce que j’ai réalisé, c’est la fraîcheur, cette fraîcheur particulière que vous ressentez toujours comme telle et que vous ne pouvez pas voir dans les peintures. J’ai écrit pendant plus d’un mois et je l’avais tourmentée, pauvre, à en mourir, je voulais vraiment conserver la fraîcheur du tableau une fois complètement terminé, à la manière des vieux maîtres… ".

La toile représente un enfant spécifique - Verusha Mamontova, mais l’œuvre elle-même était tellement plus composée que le portrait d’une personne en particulier que son nom général - «Fille aux pêches» est devenu célèbre. Le travail est comme tissé du soleil et de la joie, remplissant la pièce à ras bord, enveloppant tous les objets d’un halo étincelant. Des rayons de lumière glissent le long des murs, tombent sur une nappe blanche, jouent sur les épaules et les manches de la robe rose de la fillette, pénètrent à travers le tissu fin et tiède, un "lapin" chaud gît sur la peau sombre des joues. Il semble que l’air de la pièce soit bourdonnant et transparent, empli de l’odeur délicate des pêches et des étincelles d’or scintillantes.

La peinture est peinte avec des couleurs si lumineuses qui traduisent de manière précise la réalité, de sorte que l’harmonie de la vraie vitalité recouvre la beauté incontestable de cette œuvre et respire littéralement tous les sujets représentés. Les yeux noirs de Verusha brillent d’une spontanéité enfantine, derrière laquelle on devine son agitation. L’enfant retient à peine un sourire. Elle est déjà impatiente de mordre la pêche choisie, qu’elle tient avec une main bronzée incroyablement peinte. Tout le regard de la fille, d’une mèche ébouriffée à un petit rire dans les yeux, est plein d’énergie inépuisable et lui confère une nature curieuse et vivante. Même après plus de cent ans, la fillette de douze ans sur la photo continue de mener une vie sans soucis.

Même les pêches sur la photo participent à l’action. Ils sont épelés avec une imagination frappante. Leur peau de velours est presque physiquement palpable. Le dos des chaises et le plateau poli sont également remarquablement soulignés. De manière incompréhensible, Serov parvient à traduire la texture des objets, du polissage brillant au velours magique, en absorbant la lumière en douceur et en s’harmonisant harmonieusement avec la même peau de velours d’un enfant. La Société des amateurs d’art de Moscou a décerné le prix au jeune Valentin Serov pour ce travail.

Une autre œuvre - «La fille illuminée par le soleil» (portrait de son cousin M. Ya. Simonovich) est une autre toile solaire sur laquelle l’artiste a porté une attention particulière à la transmission du jeu captivant de la lumière et de l’ombre. Une fille assise sous un arbre est enveloppée dans un motif de feuillage de dentelle percé par le soleil d’un après-midi d’été calme. Son visage est calme, toute sa posture est féminine et détendue, comme si elle était dans le royaume du repos et de la paix. Le débordement ajouré de reflets du soleil inonde le chemisier et la peau de l’héroïne. Ils sont écrits en traits de mosaïque, créant un contraste avec la jupe étonnamment douce en velours bleu-violet. Encore une fois, le peintre était capable de transmettre avec une précision incroyable le débordement de velours du tissu avec plusieurs traits longs. L’œuvre trace un rythme de vie complètement différent de celui de «La fille aux pêches» écrit un an plus tôt. Ces deux œuvres semblent se chevaucher, comme si elles étaient des allégories imagées: enfance et adolescence, jeu insouciant et contemplation rêveuse. Beaucoup plus tard, en novembre 1911, juste avant sa mort, Serov et Igor Grabar examinèrent cette toile de la galerie Tretyakov. «Il s’est tenu longtemps devant elle», se souvient Grabar, «en la regardant attentivement et sans mot dire. Puis il a agité sa main et a dit, pas tant à moi qu’à l’espace: "J’ai écrit cette chose, et puis toute ma vie, peu importe la façon dont elle s’est boursouflée, rien n’est sorti, alors tout était épuisé." - se souvient Grabar, - La regarder intensément et sans dire un mot. Puis il a agité sa main et a dit, pas tant à moi qu’à l’espace: "J’ai écrit cette chose, et puis toute ma vie, peu importe la façon dont elle s’est boursouflée, rien n’est sorti, alors tout était épuisé." - se souvient Grabar, - La regarder intensément et sans dire un mot. Puis il a agité sa main et a dit, pas tant à moi qu’à l’espace: "J’ai écrit cette chose, et puis toute ma vie, peu importe la façon dont elle s’est gonflée, rien n’est sorti, alors tout était épuisé."

Bien sûr, en le disant, le peintre était trop critique envers lui-même. Toutes ses œuvres ultérieures ne font que confirmer son talent remarquable, qui est simplement à la recherche constante de nouvelles formes d’expression, permettant à son propriétaire de nous montrer la réalité à travers de nouvelles formes de sa perception unique.

Vie personnelle et publique du maître

Dans une lettre de Venise à la mariée Olga Trubnikova, Serov écrit en 1887 à propos de sa fascination pour les «maîtres de la Renaissance du XVIe siècle»: «Il leur était facile de vivre sans soucis. Je veux être comme ça - sans soucis; en ce siècle, ils écrivent tout ce qui est difficile, rien d’encourageant. Je veux, je veux quelque chose de bien et je n’écrirai que quelque chose de bien. ”Deux ans plus tard, en janvier 1889, Olga Trubnikova et Valentin Serov se sont mariés à Saint-Pétersbourg. Après 10 ans, en 1999, l’artiste a représenté leurs fils, Yuri et Sasha, dans le tableau "Enfants" (Musée russe, Saint-Pétersbourg).

Serov était un portraitiste de talent. Ses premiers modèles étaient familiers et proches de lui: écrivains, artistes, artistes. Il a souvent peint les portraits de ses amis: Rimski-Korsakov, Korovin, Repin, Levitan et Leskov.

Pour chaque nouvelle œuvre, l’artiste a choisi un style particulier, mettant l’accent sur l’individualité de ses personnages. Par exemple, en créant le tableau «Portrait de Konstantin Korovin» (1891, Galerie nationale Tretiakov, Moscou), le maître a représenté son ami de manière totalement «korovine», en utilisant de grands traits libres et les couleurs inhérentes à Korovin, enrichissant ainsi le travail de l’artiste. caractéristiques personnelles. Les vêtements de la maison, une pose libre et tous les environnements environnants traduisent très précisément le tempérament et l’apparence de Konstantin.

Le Portrait de II Levitan (1893, Galerie nationale Tretiakov, Moscou) a été exécuté de manière complètement différente. Pour lui, Serov trouve d’autres moyens graphiques, une couleur différente, plus sobre. Le front haut aristocratique et la main gracieuse se détachent sur la toile avec deux taches claires, tout le reste est absorbé par le calme crépuscule brunâtre. Il n’ya pas un seul objet sur la photo, du moins une allusion au type d’activité de la personne représentée, bien que Levitan ait posé dans son atelier. Pour Serov, il était beaucoup plus important de transmettre le caractère de son ami, sa romance, sa mélancolie, sa tristesse constante, sa prévenance et sa poésie.

Valentin Serov a mené une vie publique active. Depuis 1894, il a commencé à participer à l’Association des expositions d’art itinérantes. Trois ans plus tard, en 1897, il commença à enseigner à l’École de peinture, de sculpture et d’architecture de Moscou. Parmi ses élèves figuraient des artistes tels que Pavel Kuznetsov, Nikolai Ulyanov, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan et Kuzma Petrov-Vodkin.

Les intérêts de l’artiste ne se limitaient pas aux animaux et aux portraits d’amis, comme le disait lui-même Serov: "Je suis encore un petit paysagiste". Ses paysages sont étonnamment laconiques et sans prétention, ce qui ne les empêche pas de véhiculer de manière extrêmement subtile l’ambiance de la nature environnante. En outre, l’artiste possédait un talent parfaitement développé pour choisir des coins incroyables pour ses paysages.

Le peintre aimait travailler principalement à l’image du village russe. Il aimait avant tout la bande médiane de la Russie, qu’il a magnifiquement et subtilement peinte dans les peintures «Femme au panier» (1896, Musée national russe, Saint-Pétersbourg), «Octobre» (1895, Galerie nationale Tretiakov, Moscou), «Winter» (1898, Musée national russe de Saint-Pétersbourg), «Gargling» (1891, lieu inconnu), «Femme au cheval» (1898, Galerie nationale Tretiakov, Moscou) et «Strigouni à un point d’eau» (1904, Galerie nationale Tretiakov, Moscou).

Au début du XXe siècle, notamment de 1900 à 1904, l’artiste était membre de l’association «World of Art». Au cours de cette période, Serov a été emporté par l’image du réformateur tsar Pierre Ier, à qui il a consacré plusieurs de ses magnifiques toiles. À cette époque, le peintre commence à s’intéresser vivement aux processus politiques en cours dans son pays. C’est peut-être précisément ce qui a suscité l’intérêt pour la figure de Pierre, qui a vécu comme Serov lui-même à l’ère du changement.

Le travail de l’artiste «Peter Ier à la chasse au chien» (1903, Musée d’Etat russe, Saint-Pétersbourg) est très révélateur. Selon l’intrigue de l’image, le jeune roi décide de donner une leçon aux nobles qui se vantaient de leur succès dans la chasse au chien. Peter décide de prouver aux fiers que leur chance dépend entièrement de l’habileté des chiens-serviteurs. Le roi organise une chasse dans laquelle il n’y a pas un seul chenil, forçant les boyards à faire face à la meute. Naturellement, il existe un chaos complet, juste pour le plaisir de Peter. De nombreux chasseurs vénérables tombent de leurs chevaux, incapables de contrôler leurs chiens. Dans ce travail, Serov parvint avec une fiabilité inhabituelle à transmettre le parfum de l’hiver russe et l’ambiance de tous les participants à la scène.

Un autre tableau de l’artiste, écrit un peu plus tard, en 1907, “Peter I” (Galerie nationale Tretiakov, Moscou), est dédié au grand réformateur russe. Nous voyons ici à la fois une scène très pathétique et très dynamique, emplie de l’esprit des transformations rapides de cette époque héroïque. Peter I er se hâte de faire face au vent et souffle pratiquement sur sa suite. La photo est conçue pour souligner la grandeur, la force et la détermination du souverain.

Serov a réussi à être un académicien, ayant été élu en 1903 membre à part entière de l’Académie des arts. Mais cela n’a pas duré longtemps. Deux ans plus tard, l’artiste abandonnera ce statut honorifique pour protester contre l’exécution de masse du 9 janvier 1905.

Le peintre a également participé à l’organisation de la publication satirique "Zhupel", lui dessinant des caricatures à orientation politique. Pendant près de quinze ans, Veerov a également créé des illustrations d’animaux pour les fables de Krylov. Ce sont ces dessins qui sont devenus l’idée originale de l’artiste. il les répéta plusieurs fois, recherchant avec un soin particulier les traits et les émotions nécessaires. Déjà dans ses années de maturité, Serov créa un certain nombre de chefs-d’œuvre du peintre et du graphisme néo-classique et moderniste russe, prouvant une nouvelle fois sa polyvalence et sa recherche constante du style et de la manière de peindre.

En 1907, le maître se rendit en Grèce, qui le marqua de manière indélébile avec ses sculptures et ses monuments. Serov a créé plusieurs peintures sur panneaux décoratifs consacrées au thème ancien: «Ulysse et Navzikaya» (existe en plusieurs versions) et à la légende poétique de «L’enlèvement de l’Europe» (les deux œuvres de 1910, Galerie nationale Tretyakov, Moscou). Le taureau Zeus représenté sur la dernière photo est étonnamment vivant, avec un regard tout à fait significatif, tandis que le visage de la fille ressemble au contraire à un masque antique, allégoriquement figé et non émotionnel.

Comme beaucoup d’artistes de l’époque, Serov a collaboré avec des théâtres. Son rideau au ballet "Scheherazade", véritable chef-d’oeuvre des beaux-arts, créé en 1911, remporta un vif succès à Londres et à Paris.

Le meilleur portraitiste de Russie

La gloire d’un portraitiste de talent est devenue pour Serov un véritable esclavage et une malédiction. Après 1895, les commandes de portraits de nobles bourgeois et aristocratiques se répercutent sans cesse sur l’artiste. En dépit de son énorme travail, le peintre rêvait de dessiner non pas des laïcs, mais des animaux, il travailla donc avec beaucoup d’enthousiasme à la création d’illustrations de fables. Mais, parallèlement à la croissance des compétences de l’artiste, sa renommée du meilleur portraitiste de Russie grandit progressivement.

Le portrait de SM Botkin (1899, Musée d’Etat russe, Saint-Pétersbourg) témoigne du talent prononcé de Serov en tant qu’artiste-psychologue. Le peintre ne peut résister à l’ironie dans les portraits laïcs. L’élégante Sofya Botkina, vêtue d’une somptueuse robe dorée brodée de fleurs artificielles, est installée sur un canapé recouvert de soie bleue, ornement floral richement tissé. L’artiste était contrarié par ce luxe fantaisiste de l’intérieur, l’abondance excessive d’or et la dame elle-même, qu’il a qualifiée de «maîtresse ennuyée». L’œuvre, remplie d’une subtile ironie, immédiatement après sa publication, a été surnommée "la dame sur le canapé dans le désert".

En effet, l’artiste a tellement brouillé l’arrière-plan du tableau qu’il semble s’étendre beaucoup plus loin, comme au-delà de l’horizon. Mais ce n’est pas ce qu’il ya de plus intéressant dans le portrait: contre toutes les lois de la composition, Serov a déplacé la "maîtresse" posante du centre vers la droite et, strictement, au centre de la toile, il a planté un minuscule lévrier italien, écrit avec presque plus d’attention et d’amour que sa maîtresse élégante et luxueuse. L’artiste était persuadé que la présence d’animaux rend les postures tendues et complexes des personnes plus naturelles.

L’exemple le plus frappant de ce qui précède est le "Portrait du Grand-Duc Pavel Alexandrovich" (1897, Galerie nationale Tretiakov, Moscou). Sur cette photo, le prince lui-même est représenté avec une attitude artificielle comme une pose figée, tandis que son cheval sensible, vif, aux yeux élégants donne à la toile dynamique et naturel. Pour ce portrait de cérémonie, qui fut l’un des premiers portraits de ce genre dans la carrière de l’artiste, Serov a reçu la médaille d’or du Grand Prix à l’exposition universelle de Paris en 1900.

L’image sur les portraits d’animaux est devenue une sorte de débouché pour l’artiste. Ainsi, dans «Portrait du comte FF Sumarokov-Elston avec un chien» (1903, State Russian Museum, Saint-Pétersbourg), le peintre lui-même insiste sur la présence sur la toile de son chien bien-aimé d’un jeune comte, qui, semble presque plus important que son noble propriétaire. Même histoire avec un magnifique cheval blanc sur le «Portrait du prince FF Yusupov» (1903, Musée d’État russe, Saint-Pétersbourg).

Selon les contemporains de Serov, c’est son pinceau qui possède le meilleur portrait du dernier tsar russe.Le tableau «Portrait de l’empereur Nicolas II» (1900, galerie nationale Tretyakov, Moscou) n’a pas été facile pour l’artiste, qui se prêtait le moins à un rôle de peintre de cour, en fonction de ses aspirations créatrices et de sa disposition spirituelle. Le peintre était déjà célèbre, avait un grand nombre d’ordres, qu’il rejetait souvent à cause de l’impossibilité physique de tout faire.

Bien sûr, Serov ne voulait pas dresser un portrait du dirigeant du pouvoir, mais il ne pouvait pas non plus refuser l’empereur. Le portrait n’a pas fonctionné pendant longtemps. Surtout, l’impératrice agaçait la peintre, qui intervenait constamment dans le processus de création avec ses conseils. En conséquence, Serov ne pouvait pas le supporter et a donné le pinceau avec la palette à ses mains, offrant de finir le portrait elle-même, car elle est très douée pour la peinture. N’étant jamais arrogant, Nikolai s’est excusé auprès de l’artiste pour le manque de tact de sa femme. Mais le portrait échappait toujours à l’œil du maître, l’image de l’empereur qu’il véhiculait s’effondrait. Serov était extrêmement mécontent de lui-même, il ne pouvait pas achever le tableau raté, cela l’aurait trop blessé dans sa fierté pour le meilleur portraitiste de Russie. À la fin,l’artiste devait admettre au souverain qu’il ne pouvait plus continuer, le portrait n’ayant pas abouti.L’empereur Nicolas II, vêtu du manteau uni d’un officier du régiment Preobrazhensky, réconcilié avec la situation, s’assit à la table, plié ses bras devant lui et regarda le portraitiste avec une véritable tristesse. C’était cette vision, révélant l’essence intérieure de la personnalité de l’empereur, caractérisant parfaitement sa délicatesse et sa vulnérabilité, dont Serov avait besoin.révélant l’essence même de la personnalité de l’empereur, caractérisant parfaitement sa délicatesse et sa vulnérabilité, dont Serov avait besoin.révélant l’essence même de la personnalité de l’empereur, caractérisant parfaitement sa délicatesse et sa vulnérabilité, dont Serov avait besoin.

Après de nombreuses années, Konstantin Korovin parlera de la toile de la manière suivante: "Serov a été le premier des artistes à saisir la douceur, l’intelligence et, en même temps, la faiblesse de l’empereur, et à les capturer sur une toile…", le portrait est presque sommaire, mais pensivement précis et harmonieux, complètement lyrique et simple. Une similitude surprenante de l’empereur a été notée par tous les contemporains. L’artiste a pu, avec les légers mouvements du pinceau, soulignés par une exécution simple et un jeu de couleurs discret, concentrer l’attention du spectateur aux yeux du souverain, montrant non pas l’empereur, mais un homme simple, avec ses inquiétudes, préoccupations et attentes. Grâce à cette approche, le portrait s’est avéré très réussi. Malheureusement, la toile originale a été détruite en 1917,une copie originale nous est parvenue.

Souvent, l’artiste écrivait des œuvres symboliques. Comme par exemple le tableau "Portrait de l’actrice MN Ermolova" (1905, Galerie nationale Tretiakov, Moscou). L’architecte Fedor Shekhtel, voyant les travaux, a déclaré: "C’est un monument à Ermolova!" Et, en effet, la toile est monumentale et la grande actrice ressemble elle-même à une sculpture ancienne ou même à une colonne dirigée vers le haut. La tête d’Ermolova est écrite sur le fond d’un miroir qui reflète le plafond, ce qui crée l’illusion de l’ascension de la figure de l’actrice, à la manière d’une caryatide. La monochrome et la nature de chambre du portrait semblent élever l’héroïne sur un socle, tout en soulignant l’empreinte de l’exclusivité et de la solitude de la personne créative.

Le peintre aimait représenter des artistes dans leurs rôles théâtraux. Serov a créé le merveilleux «Portrait de Francesco Tamagno» (1903, Galerie nationale Tretiakov, Moscou), où le magnifique chanteur est capturé dans un béret théâtral et où une réflexion symbolique d’or est visible sur sa gorge. Le deuxième exemple est le «Portrait de Chaliapine» (1905, Galerie d’Etat Tretiakov, Moscou), célèbre pour le fait qu’il n’a presque jamais quitté l’image de scène devenue familière dans la vie.

Le portrait de Ida Rubinstein (1910, Musée d’Etat russe de Saint-Pétersbourg), représenté à l’image de Cléopâtre, était l’apogée de son talent. Ce n’est pas pour rien que le chorégraphe Mikhail Fokin a estimé que l’apparition de la ballerine était indispensable pour les ballets alors à la mode Schehérazade et Cléopâtre lors des célèbres saisons de Diaghilev. L’idée était la sophistication charismatique de l’Art Nouveau, à la Beardsley, et son accord parfait avec les goûts de cette époque. Rubeinstein est apparu à Cléopâtre, à peine recouvert d’une couverture presque transparente, inventée spécialement par Lev Bakst.

L’artiste a brillamment combiné l’art et la vie dans cette image, en associant les images théâtrales de l’héroïne à son apparence élégante et exotique. Cléopâtre et Zobeida unis à jamais dans la silhouette d’une ballerine, l’Orient se confondant avec l’Égypte sur la fine ligne de la fiction et de la réalité.

Mais une personne vivante dans cette fusion paradoxale du "théâtre de la vie" et de la "vérité de l’art" est sans défense dans sa nudité. La «belle nudité» mythologique d’une héroïne de fiction se transforme soudainement en «déshabillage» éhonté d’une personne réelle spécifique, et c’était précisément la note la plus déchirante du portrait.

Naturellement, lorsque le portrait a été présenté au public, un terrible scandale a éclaté. «Ma pauvre Ida Rubinstein… pauvre, nue…», commentera Serov lui-même, décrivant le scandale qui avait caractérisé l’acquisition du portrait par le musée Alexandre III, en dépit de la vague d’indignation grandissante.

La photo est faite dans le style Art Nouveau. Les contours clairement définis d’un corps fragile font apparaître la figure en relief sur un fond complètement plat. Une écharpe vert vif, presque tordue en un paquet, ruisselle le long des gracieuses chevilles d’une ballerine, ressemblant à un serpent à l’heure de la mort. Ce moment tisse comme par hasard dans un portrait le thème de la mort imminente. Le regard de l’héroïne est presque absent, adieu, d’un autre monde, arrêté par l’artiste à ce moment presque insaisissable, quand l’angle de rotation de la tête permet toujours de toucher. Il ne fait aucun doute que c’est le dernier regard déjà condamné de la reine égyptienne qu’elle envoie au monde avant de se transformer pour toujours en pierre.

Cette toile a littéralement assommé Ilya Repin, comme un coup de tonnerre venant d’un ciel dégagé: "… et, comme Vénus de l’évier," Ida Rubinstein "est apparue… Il m’a semblé que le plafond de notre pavillon glissant était tombé sur moi et m’a écrasé au sol; je me tenais avec la langue collée au larynx… ", décrit ses impressions. Naturellement, la critique profane soumet son travail à une frappe impitoyable:" mauvaise imitation de Matisse "," décadentisme " "La laideur". Mais, malgré tous les cris critiques violents, Serov était très fier de son travail.

À chaque fois, se préparant à créer un nouveau portrait, le peintre cherchait à éviter toute répétition de l’angle, de la pose, de l’environnement ou du geste. Il a longuement regardé le nouveau modèle, fait des croquis, recherché la pose la plus expressive pour le héros et l’intérieur le plus approprié pour lui.

Serov a très longtemps choisi un cadre approprié pour un portrait de la femme de l’influent antiquaire Vladimir Girschman. L’artiste voulait que l’intérieur accentue le lustre et la grâce de ce mondain, sans pour autant simplifier et minimiser sa beauté brillante. Le maître était très compatissant et chaleureux avec Henrietta Leopoldovna, la considérant «intelligente, instruite, cultivée, modeste et simple, sans les manières d’un riche parvenu et, en outre, très jolie». Le tableau «Portrait de LL Hirschman» (1907, State Galerie Tretiakov, Moscou) est un chef-d’œuvre d’art et de sémantique exquis.

La composition de l’œuvre est très simple. La seule figure accrocheuse sur la toile est une jeune femme luxueuse vêtue d’un costume noir strict, qui semblait s’être levée de la table de toilette et s’est tournée vers l’artiste et le public. Elle voulait peut-être s’auto-examiner dans un autre miroir, mais entre elle et le mur opposé avec un autre miroir, il y avait un artiste qui arrêtait ce tour avec son pinceau et fixait le regard doux mais exigeant de la femme, qui le tournait vers nous. La belle Henrietta Leopoldovna scrute le spectateur, comme dans un miroir, son regard exigeant s’adressant à ceux qui la regarderont à travers les âges. Un costume noir strict n’est rafraîchi que par un petit boa blanc comme neige qu’une femme se redresse avec coquetterie avec son mince manche en lis, incrusté d’anneaux.Une pose gracieusement incurvée permet à l’héroïne de s’appuyer avec la seconde main sur la coiffeuse. Contrairement aux mondains luxueux, que l’artiste n’a pas aimés, nous voyons ici une femme jeune, austère mais belle, dotée de caractère et de charme.

Valentin Aleksandrovich a créé sur la toile un jeu de miroirs, un double reflet, visible uniquement du côté du peintre et ouvert au spectateur. Il dépeint non seulement le dos d’Henrietta Hirschman se reflétant dans le miroir, mais aussi sa petite copie floue, visible dans le miroir éloigné, fermant ainsi un cercle et montrant au spectateur en réflexion ce qui se trouvait au-delà des limites de la toile du portrait. En outre, Serov a présenté pour la première et dernière fois, pour l’ensemble de son travail, un dialogue ouvert entre le modèle et le maître. Il se reflétait lui-même au bord du miroir. Bien que le visage de l’artiste soit déformé par les facettes, il lit clairement la tension avec laquelle il essaie de faire travailler cette femme.

La vision radiographique très caractéristique de Serov a tellement effrayé beaucoup de laïcs qu’ils ont eu peur de poser pour lui. Le peintre a toujours clairement et clairement montré dans ses œuvres l’essence de la personne représentée, le fondement de sa personnalité. Tout le monde savait qu’il était «dangereux» de poser pour cet artiste, même si Serov n’a jamais déçu les attentes des clients en créant des portraits magnifiques et très réalistes dont ils pouvaient être fiers.

Le maître lui-même a toujours reconnu qu’il ne s’intéresse pas à l’apparence de celui qui pose, mais à sa caractérisation, qui peut être exprimée sur une toile. Les caractéristiques révélées par les artistes dans leurs héros étaient souvent si inattendues pour leurs propriétaires qu’il fut à plusieurs reprises accusé de caricature. Le maître lui-même a commenté ceci: «Et si le dessin animé s’insère dans le modèle lui-même, de quoi suis-je en cause? Je viens de regarder, remarqué. "

Le «Portrait de la princesse O. Orlova» (1911, Musée de l’État russe, Saint-Pétersbourg) est un exemple de cette caricature finement pensée et réalisée. Igor Grabar a écrit à propos d’Olga Orlova: «Elle ne pouvait pas rester debout, s’asseoir, parler ou marcher sans astuces particulières pour souligner qu’elle n’était pas simplement un aristocrate ordinaire, mais… la première dame à la cour., la princesse ne se distinguait pas par une grande intelligence, elle n’était pratiquement pas intéressée par l’art, mais c’était la fashionista la plus élégante de Saint-Pétersbourg, elle dépensait son argent dans les plus luxueuses toilettes parisiennes. De nombreux Orlova considéraient que Serov, qui était juste au sommet de sa popularité, était digne d’honneur pendant des siècles de conserver l’apparence de cette lionne laïque du début du XXe siècle. Ce que l’artiste a fait, cependant, à sa manière.

Le peintre a commencé par rendre absurde la pose de la princesse, assis sur un Orlova haut et élancé, de sorte que ses genoux pointus dépassent. Le manteau luxueux glissa légèrement, révélant une épaule blanche gracieuse. La princesse semble jouer avec un collier de perles et, dans ce geste ambigu, elle se donne la main, comme si elle insistait sur la signification et l’importance de sa propre personne. Le centre de composition de l’image était l’énorme chapeau noir de l’héroïne, ce qui est clairement trop. Elle semble claquer le modèle, l’abaissant encore plus bas sur le plan de la composition.

Le prétexte de cette situation était la situation, comme si la princesse s’était assise un moment en prévision de son équipage, déjà complètement rassemblée pour la sortie. Le visage d’Orlova exprime la frustration nerveuse habituelle causée par le besoin d’attendre. Ses sourcils levés sont soulevés de manière perplexe et son menton relevé avec arrogance. Orlova a une posture élaborée, même si elle est seule dans l’attente. Son arrogance est presque vulgaire, mais le maniérisme et la non-naturalité d’une mondaine exquise sont délibérément soulignés par le portraitiste.

Derrière la princesse se trouve un grand vase, reproduisant presque la silhouette du modèle. Représentant sur le mur une ombre projetée par un vase, Serov la déforme délibérément, contrairement à la précision photographique de son œil. Les contours de l’ombre font plus penser à l’héroïne de la toile dans son immense chapeau. Ainsi, l’artiste a subtilement laissé entendre que la princesse était aussi vide que le vase situé derrière elle. Il n’est pas surprenant que la princesse et ses admirateurs aient été déçus par le portrait, bien que le peintre ait très soigneusement représenté les plis du tissu d’une robe coûteuse, le reflux de la fourrure de luxe et le décor chic autour de l’héroïne.

Serov était accusé de subjectivité envers Orlova et de n’avoir pas utilisé les qualités les plus avantageuses de l’héroïne, à savoir son élégance et sa forte croissance. Néanmoins, cette image prouve encore une fois la sensibilité et la perspicacité de l’artiste. Le client, sans regret, a présenté le portrait au musée d’Alexandre III (musée d’Etat russe de Saint-Pétersbourg), en précisant qu’il ne devait pas être exposé dans la même salle que le portrait d’Ida Rubinstein nue.

Un ami de l’artiste, Vladimir Dmitrievich von Derviz, écrivait dans ses mémoires: «Valentin Alexandrovich se distinguait par une franchise et une simplicité absolument exceptionnelles, malgré son caractère apparemment assez doux, il savait défendre ses vues et ne compromettait jamais ses convictions.

Épilogue

Le grand peintre est décédé subitement, le matin du 22 novembre 1911, alors qu’il se rendait à la maison des Shcherbatov, où une séance de portrait était prévue. La cause de la mort prématurée de Serov était une attaque d’angine. Valentin Serov, qui n’a vécu que quarante-six ans, compte une trentaine d’années en or, dans la toile de l’âge argentin russe. Étant dans la force de l’âge, l’artiste a beaucoup travaillé. Le poète Valery Bryusov, adorant le talent du peintre, a écrit: «Serov était un réaliste au meilleur sens du terme. Il a bien vu la vérité secrète de la vie, ses œuvres ont révélé l’essence même de ces phénomènes que d’autres yeux ne pourraient même pas voir. ”

Zhuravleva Tatyana