Paul Klee, peintre expressionniste suisse, graveur: Biographie Automatique traduire

NOTE: Pour l’analyse d’œuvres d’expressionnistes semi-abstraits comme Paul Klee,
s’il te plait regarde: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

introduction

Le peintre, artiste graphique et graveur suisse, Paul Klee, a participé à plusieurs des plus grandes mouvements d’art moderne comprenant Expressionnisme et Surréalisme, et est réputé pour son art fantastique et coloré et varié illustrant un monde d’images semi-abstraites et oniriques. Un maître de dessin, il a également expérimenté sans fin avec théorie des couleurs en peinture et était étroitement associé à la Ecole de Paris . Son style a considérablement changé au fil des ans, mais il a toujours été très imaginatif, souvent étrange et parfois ludique. Pablo Picasso et les surréalistes l’admiraient beaucoup. Klee lui-même a défini son art comme "prendre une ligne pour une promenade". Maintenant considéré comme l’un des grands peintres expressionnistes Au XXe siècle, ses chefs-d’œuvre incluent: Le poisson d’or (1925), Ad Parnassum (1932) – une œuvre vaste mais fragile, réalisée dans le style pointilliste – et Revolution of the Viaduct (1937). Pour plus d’informations sur les liens de Klee avec l’expressionnisme, voir: Histoire de la peinture expressionniste (c.1880-1930).

Jeunesse

Klee est né près de Berne, en Suisse, en 1879. Son père était professeur de musique et sa mère avait été formée à la profession de chanteuse. Dans ses premières années, il a étudié et fait preuve de talent pour la musique et art, mais dans son adolescence a déclaré sa préférence pour les arts visuels. À 16 ans, ses dessins montraient déjà de grandes compétences de dessinateur. Il a à peine passé ses examens scolaires, préférant dessiner caricature dans ses livres scolaires plutôt que d’étudier.

En 1898, à l’âge de 19 ans, il étudie à l’Académie des beaux-arts de Munich. Au début, il a montré peu d’habileté à maîtriser l’art de la Couleur, dans la mesure où il pensait qu’il ne devrait jamais apprendre à peindre. Quelques années plus tard, il obtient un diplôme en beaux-arts et se rend en Italie pendant quelques mois pour étudier Art de la Renaissance, notant tristement dans son journal: "une longue lutte m’attend dans ce domaine de la couleur." Il est retourné à Berne et a vécu avec ses parents pendant quelques années, participant à l’étrange cours d’art. Il a commencé à expérimenter divers médiums – notamment la gravure et les arts graphiques, dans lesquels il était fortement influencé à la fois par William Blake (1757-1827) et Aubrey Beardsley (1872-98) – et en 1905 produit plus de 50 eaux-fortes, y compris Portrait of my Father (1905) – créé en utilisant une aiguille pour gratter une image sur une vitre noircie.

Carrière artistique

En 1906, il épousa une pianiste bavaroise, Lily Stumpf, et ils s’installèrent ensemble à Munich. Pendant que Lily travaillait de la musique, Klee s’occupait de la maison et travaillait dans la cuisine. Les progrès pour les cinq années suivantes ont été lents et une tentative d’illustration de magazine a échoué. Cependant, en 1910, les choses s’étaient améliorées. Il a eu sa première exposition personnelle et a rencontré d’autres artistes qui devaient l’influencer grandement – Wassily Kandinsky et Franz Marc. Ensemble ils ont formé le Expressionnisme allemand groupe connu sous le nom Der Blaue Reiter . Ses membres ont été influencés par le cubisme, mais ils ont également mis l’accent sur le processus de peinture avec des coups de pinceau vibrants et des couleurs dramatiques. Ils ont essayé de refléter leurs impulsions et leurs sentiments afin de provoquer une réaction chez leur public. Ils pensaient également que des sources telles que les dessins d’enfants, les peintures orientales et les sculptures africaines pourraient être à la base de la renaissance de l’art. Kandinsky est devenu en quelque sorte un mentor pour Klee, bien que celui-ci ait admis par la suite qu’il avait trouvé les œuvres de Kandinsky «bizarres».

Ecole de Paris

En 1912, Klee se rendit à Paris et fut exposé aux nouvelles œuvres du cubisme et des premiers arts abstraits – particulièrement impressionné par les œuvres du néo-cubiste. Robert Delaunay. Dans les peintures de Delaunay, il voyait que le cubisme n’avait pas besoin d’être statique et qu’il était possible de créer une image complètement séparée et indépendante avec sa propre formalité abstraite, sa propre vie. En d’autres termes, une peinture peut être à la fois naturelle et abstraite. Il est également entré en contact avec le mouvement futuriste et a été particulièrement impressionné par le chef-d’œuvre Nude Descending a Staircase de Marcel Duchamp.

Au cours des deux prochaines années, Klee a commencé à expérimenter avec des couleurs vives, complétant un certain nombre de aquarelles, y compris dans la carrière (1913) et les maisons près de la carrière de gravier (1913). En apprenant davantage sur la couleur, il s’est efforcé d’intégrer ses attributs aux dessins. La percée est venue en 1914 quand il a rencontré August Macke. Impressionné par l’utilisation de la couleur par Macke, il finit par sentir que "la couleur s’est emparée de moi; je ne dois plus la pourchasser". En effet, juste avant le début de la guerre en Europe en août 1914, Klee se rendit en Tunisie avec Macke. Il avait rarement travaillé dans la couleur, mais la forte lumière nord-africaine, le feuillage luxuriant, les toits peints et les tissus colorés locaux l’impressionnaient fortement. Il avait déjà été inspiré par l’utilisation de la couleur par Robert Delaunay dans ses vastes peintures murales. Maintenant, un tout nouveau monde de couleurs s’est ouvert à lui. Il a peint son premier morceau de art abstrait – Dans le style de Kairouan (1914), oeuvre composée de rectangles et de cercles colorés – à son retour de Paris. Le rectangle de couleur allait devenir l’un des éléments fondamentaux de sa peinture, les posant côte à côte ou se chevauchant légèrement.

En 1914, la Première Guerre mondiale éclate et la nouvelle de la mort de ses amis Macke et Franz Marc lui parvient. Se remémorant ses souvenirs, il produit une série étonnante d’aquarelles vibrantes qui évoquent les villes et les paysages de la Tunisie – tels quels, ces motifs méditerranéens ou arabes – dômes, palmiers et chameaux – ont refait surface dans l’œuvre de Klee, même au cours des dernières années de sa vie.. Klee a également créé plusieurs dessins à la plume et à l’encre sur des thèmes de guerre, y compris Mort pour l’idée (1915). En 1916, il rejoignit l’armée mais passa son temps à peindre en camouflage sur des avions et survécut ainsi à la guerre.

Reconnaissance et Bauhaus

En 1919, Klee obtint un contrat de trois ans avec un marchand d’art, Hans Goltz, dont la galerie lui permit de lui donner le genre de publicité dont il avait besoin et l’aida à devenir un contributeur important à l’aile abstractioniste de la mouvement expressionniste. Le succès est rapide et en 1920, Klee est en mesure de tenir sa première rétrospective avec plus de 300 œuvres. En même temps, il a été invité à enseigner l’art à la formation de courte durée. Ecole d’art et de design Bauhaus, dans la ville allemande de Weimar. Au début, l’homme de famille barbu et calme, qui aimait les chats et la musique classique, ne correspondait pas immédiatement à l’esprit avant-gardiste du Bauhaus. Mais il était sérieux dans son enseignement et a rapidement gagné le respect de nombreux membres du personnel et étudiants grâce à ses conférences et à ses écrits pédagogiques, qui sont toujours considérés comme importants aujourd’hui. Emmenant son épouse et son fils, Klee se rendit avec le Bauhaus à Dessau en 1926, où il resta jusqu’en 1931. En 1923, lui et son collègue enseignant Wassily Kandinsky Lyonel Feininger et Alexei von Jawlensky pour former le Blue Four (Die Blaue Vier), et a commencé à exposer ensemble à l’international. La même année, Klee organise une exposition à Paris et remporte un franc succès auprès de artistes surréalistes. Les peintures de cette période incluent Le poisson d’or (1925) à l’huile et à l’aquarelle, ce qui témoigne d’une étude magistrale de la couleur. La chaleur dorée du poisson rougeoie sans être atténuée par le bleu profond de la mer environnante. Il y a eu de nombreuses interprétations de la peinture, y compris une qui dit que la peinture symbolise un amour qui ne peut pas être éteint.

En 1933, dénoncé par les nazis comme un juif galicien, Klee et sa famille sont chassés de son travail et de leur domicile. Ils ont déménagé en Suisse plus tard cette année. Son autoportrait Struck from the List (1933) commémore ses ennuis. Juste avant son déménagement, il créa environ 500 œuvres, mais l’année suivante, en Suisse, ce nombre était réduit à seulement 25. C’est à peu près à cette époque qu’il commence à présenter des symptômes de sclérodermie, diagnostiqués quelques années plus tard par autopsie..

Artiste dégénéré

En 1937, son art et celui de ses collègues peintres Emil Nolde (1867-1956), Otto Dix (1891-1969), Max Beckmann (1884-1950), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Oskar Kokoschka (1886-1980), Kurt Schwitters (1887-1948), et Marc Chagall (1887-1985), a été étiqueté " Art dégénéré "(Entartete Kunst) du gouvernement nazi. Au cours des prochaines années, il traverserait des périodes d’activité et de calme, dépendant de sa santé. Mais même à présent, à la fin de sa vie et souffrant de maladie, Klee se montra audacieux, Des images simplifiées évoquant des peintures rupestres préhistoriques ou des hiéroglyphes antiques, dont le titre faisait référence à des mythes anciens et à de fortes émotions, étaient désormais plus sombres et plus morbides. Il mourut en Suisse en 1940, à l’âge de 61 ans.

Le style de l’art de Klee

La vie de Klee a commencé et s’est terminée en Suisse, mais il a passé la plupart de ses années de travail en Allemagne. Il y a rencontré de nombreux artistes modernes de premier plan de sa génération et des idées qui ont changé l’art et le design pour toujours. Dans ses peintures et ses arts graphiques, Klee développe une gamme extraordinaire de techniques et de styles. Ceux-ci peuvent être attribués à ses nombreux intérêts. Il a écrit des poèmes quand il était jeune et s’est inspiré d’eux plusieurs années plus tard pour ses peintures. Il était intéressé par le théâtre et considérait sérieusement la musique comme une carrière. En fait, ses peintures ont été comparées à la musique. Certains, comme les portraits, ont une qualité théâtrale; dans d’autres, les objets ressemblent à des notes flottantes d’une page de partition. Même quand il a finalement décidé de faire carrière dans l’art, Klee a continué à écrire intensément. Il a toujours été un penseur profond et un peintre. Son grand nombre d’œuvres faisait partie d’une tentative de découvrir ce qu’il appelait "la réalité qui se cache derrière les choses visibles".

Ses premiers travaux étaient généralement de petite taille, mais ils sont devenus plus grands plus tard. Il a présenté une grande variété de couleurs de palette, des couleurs primaires aux couleurs monochromes. Son travail a une qualité enfantine. Il a créé toute une série de nouveaux mondes, généralement joyeux, avec des poissons chatoyants, des plantes mystérieuses et des allumettes dansantes. Les titres de ses œuvres font souvent allusion à son amour de la musique et à son désir de faire «chanter» ses peintures en utilisant des couleurs et des lignes. Sa peinture, The Twittering Machine (1922), montre quatre petits pêcheurs allumettes, ressemblant à des oiseaux, qui sont perchés sur une poignée, ce qui semble devoir être actionné pour les faire chanter.

Les peintures de ses dernières années sont non seulement plus grandes, mais aussi plus audacieuses. Ils ont des bordures noires et la peinture est appliquée plus épaisse. Beaucoup de ces peintures reflètent la mort et le régime nazi, mais elles ont également une grande vitalité et une grande énergie. La Révolution du viaduc (1937) est probablement l’une de ses œuvres les plus célèbres. il était inspiré par la tourmente autour de lui. Les arches, comme elles semblent marcher vers l’observateur, peuvent être considérées comme un défi au nazisme, elles piétinent quelque chose, peut-être le régime répressif.

Au moment de sa mort, il avait produit plus de 9 000 œuvres. A l’époque, sa peinture était considérée comme trop révolutionnaire même pour art moderne, et sa pierre tombale porte les mots "Je ne peux pas être saisi dans l’ici et maintenant, car mon lieu de résidence est très fréquenté par les morts, car il est encore à naître, légèrement plus proche du cœur de la création que d’habitude, mais pas encore assez proche". Le travail en couleurs de Klee a influencé une génération d’artistes et de graveurs, notamment les plus jeunes peintres européens de COBRA, tels que Karel Appel (1921-2006). C’était un homme tranquille, qui parlait très peu. Il n’avait pas à s’expliquer – son travail, l’expression de soi ultime, parlait pour lui.

Liste des principales peintures de Paul Klee

Des œuvres de Paul Klee peuvent être vues dans beaucoup de meilleurs musées d’art dans le monde entier, notamment le Kunstmuseum Basel. Ses travaux majeurs incluent:

Sur un motif de Hamamet, Kunstmuseum Basel, Basel (1914)
Composition cosmique, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (1919)
Fête nocturne, Musée Solomon R. Guggebheim, New York (1921)
A Young Lady’s Adventure, Galerie Tate, Londres (1921)
Gradation de cristal, Kunstmuseum Basel (1921)
Maison tournante, collection Thyssen-Bornemisza, Madrid (1921)
Ballon rouge, Le Solomon R. Guggenheim, New York (1922)
Senecio, Kunstmuseum Basel (1922)
Théâtre de marionnettes, Kunstmuseum, Berne (1923)
Carnaval à la montagne, Kunstmuseum, Berne (1924)
Théâtre botanique, collection privée (1924/34)
Fish Magic, musée d’art de Philadelphie (1925)
Porte dans le jardin, Kunstmuseum, Berne (1926)
Reconstructin, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (1926)
Autour du poisson, Musée des arts modernes, New York (1926)
Attrappen (Omega 5), ​​collection Thyssen-Bornemisza, Madrid (1927)
Petit bouffon en transe, Museum Ludwig, Cologne (1929)
Monument au pays fertile, Kunstmuseum, Berne (1929)
Fire in the Evening, Musée des arts modernes, New York (1929)
Ad Marginem, Kunstmuseum Basel (1930)
Fruits sur le rouge, Stadtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (1930)
Conquérant, Kunstmuseum, Berne (1930)
Altimétrie individualisée des bandes, Kunstmuseum, Berne (1930)
Frères et soeurs, collection privée (1930)
Polyphonie, Kunstmuseum, Bâle (1932)
Ad Parnassum, Kunstmuseum, Berne (1932)
L’homme du futur, Kunstmuseum, Berne (1933)
Drawn One, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (1935)
Contemplation, Galerie Beyeler, Bâle (1938)
Roses héroïques, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (1938)
Gilet rouge, Kunstzammlung Nordrhein-Westfalen (1938)
Femme en costume paysan, Kunstmuseum, Berne (1940)
Mort et feu, Kunstmuseum, Berne (1940)