Sculpture abstraite, histoire, types d’art non objectif Automatique traduire

Introduction : la sculpture du XIXe siècle : figurative et fonctionnelle

La sculpture du XIXe siècle est figurative et fonctionnelle, dominée par le matérialisme croissant des sociétés des deux côtés de l’Atlantique. La plus grande partie de la sculpture visait probablement à commémorer des personnalités importantes (par exemple, Albert Memorial à Londres), des événements (par exemple, l’émigration vers l’Amérique, Statue de la Liberté) ou des lieux (par exemple, Washington, D.C., U.S. Capitol building, Paris, Arc de Triomphe). Ironiquement, la fonctionnalité croissante de l’art - notamment dans l’architecture des gratte-ciel de la fin du XIXe siècle en Amérique, qui ne nécessitait pas de décoration sculpturale à l’intérieur ou à l’extérieur - a peut-être contribué à ouvrir la voie à l’abstraction. Mais avant que cela ne se produise, l’emprise de l’art académique traditionnel sur la théorie et la pratique de la peinture et de la sculpture devait être brisée.

Le cubisme : la révolution du début du 20e siècle

L’invention du cubisme (fl.1908-14) par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) ébranle le monde de l’art dans ses fondements. Il s’agit d’une forme d’art abstrait qui, dans sa peinture, rejette la perspective linéaire et se concentre entièrement sur le plan de l’image. Malgré la nouvelle semi-abstraction introduite dans «Baiser» (1907, Museul de Arta Craiova) par Constantin Brancusi (1876-1956) et dans «Dessin accroupi» (1907, Musée d’art moderne de Vienne) par André Derain (1880-1954), il n’y avait rien eu de comparable au cubisme jusqu’à présent. Si les premiers à appliquer les principes du cubisme sont les peintres, les sculpteurs ne sont pas en reste. Les œuvres deviennent plus géométriques, la perspective s’aplatit et se fragmente. Bientôt, un tout nouveau style d’œuvres tridimensionnelles commence à émerger. Exemples : «Femme marchant» (1912, collection privée) Alexandra Archipenko (1887-1964) ; The Rock Drill (1913-14, MoMA, NY), Jacob Epstein (1880-1959) ; Le grand cheval (1914, Musée national d’art moderne, Paris) Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) ; «Homme à la guitare» (1915, MoMA, New York), Jacques Lipchitz (1891-1973) ; Coupe de fruits avec raisins (1918) par Henri Laurens (1885-1954) ; «Tête de femme» (1917-20, MoMA, New York), Naum Gabo (1890-1977) ; et Torse (1924-6, MoMA, New York) par Antoine Pevsner (1886-1962).

Le cubisme était trop radical pour faire partie du courant créatif dominant. Néanmoins, il a dominé la communauté artistique d’avant-garde jusqu’en 1920, date à laquelle l’art non représentatif s’est fermement établi.

Le futurisme : son influence sur l’art cinétique

Le futurisme italien (est.1909-14) n’est pas affecté par la révolution cubiste (surtout dans sa peinture), son orientation générale est différente. Elle vise à souligner le dynamisme, la technologie et la rapidité du monde moderne. Avant la guerre, le principal chef-d’œuvre sculptural du mouvement était sans aucun doute «Formes uniques de continuité dans l’espace» (1913 ; moulages au MoMA de New York, à la Tate de Londres et ailleurs) Umberto Boccioni (1882-1916). Cependant, la plus grande influence du mouvement a été le développement de l’art cinétique, de sorte que la sculpture futuriste englobe des œuvres telles que : «Oiseau dans l’espace» (1925-31, Kunsthaus, Zurich) de Constantin Brancusi (1876-1957) ; «Tablettes rotatives» (1920, Yale University Art Gallery, New Haven) de Marcel Duchamp (1887-1968) ; «Construction cinétique» (1919-20, Tate Collection, Londres) de Naum Gabo (1890-1977) ; «Aluminium Leaves», «Red Mail» (1941, Lipman Family Foundation) et «Arch of Petals» (1941, Guggenheim Museum, New York) de Alexander Calder (1898-1976), inventeur des téléphones mobiles ; Relief Mobile 5 (1954, Musée d’Art Moderne, Saint-Etienne) de Paul Bury (1922-2005) ; et «Signal : Cosmic Insect Animal» (1956, Tate Collection, Londres) Takis (Panayiotis Vassilakis) (b. 1925).

Sculpture abstraite Dada

Le mouvement Dada (1916-24) était anti-art et n’a peut-être pas eu une grande influence. Néanmoins, il a eu un impact significatif sur le type de matériau à partir duquel l’art pouvait être réalisé. Alors qu’auparavant, la plupart des sculptures étaient taillées ou moulées dans du bois, de la pierre, de l’argile ou du bronze, Dada a encouragé l’utilisation de matériaux non conventionnels, y compris divers types de métal, de carton, de caoutchouc, de fil de fer, de textiles, de béton, de verre et même de matériaux de rebut en général. L’exemple le plus insolite de sculpture dadaïste est peut-être la construction de Merzbau par Kurt Schwitters (1887-1948). En outre, des pièces finies d’avant-garde «» de Marcel Duchamp (1887-1968), telles que «Roue de bicyclette» (1913, Musée national d’art moderne, Paris), Porte-bouteille (1914, Musée national d’art moderne). (Paris) et Fontaine (1917, copie au Musée national d’art moderne, Paris) - étaient également typiquement dadaïstes car ils subvertissaient les conventions de l’art académique.

La sculpture abstraite constructiviste

La sculpture abstraite avant, pendant et après la Première Guerre mondiale a continué à être fortement influencée par les développements de l’avant-garde à Paris, mais aussi dans la Russie prérévolutionnaire, où la ferveur artistique et politique s’est mêlée aux écoles modernistes telles que le Vaionisme, le Suprématisme et le Constructivisme . Ce dernier - le seul des trois à impliquer l’art tridimensionnel - encourageait les sculpteurs à construire (et non à sculpter, modeler ou couler) des dessins à partir de matériaux industriels (métal, verre, plastique). Ce style est illustré par des œuvres telles que Construction n° 557 (1919) de Konstantin Medunetsky (1899-1935) ; Tour de feu (1919-20) de Johann Itten (1888-1967) ; Monument à la Troisième Internationale (1920, Musée national d’art moderne, Paris) de Vladimir Tatlin (1885-1953) ; et Construction spatiale n° 12c (1920, MoMA, New York) d’Alexander Rodchenko (1891-1956). «Infinite Column» Brancusi (1938, Târgu Giu, Roumanie) peut également être inclus dans la catégorie des sculptures constructivistes.

Sculpture abstraite de De Stijl

Dans les années 1920, en Hollande, l’abstraction géométrique atteint son apogée dans le mouvement De Stijl (1917-31), qui encourage d’abord le néoplasticisme - inventé par Piet Mondrian (1872-1944) - et l’élémentarisme - fondé par Theo van Doesburg (1883- 1931), l’homme qui a également introduit le terme d’art concret . De Stijl est relativement bien implanté en architecture, en peinture et parmi les designers contemporains, comme ceux de l’école de design du Bauhaus, mais pas parmi les sculpteurs. Entre-temps, Paris reste le centre incontesté de l’art abstrait, notamment parce qu’il attire les réfugiés des États totalitaires de Russie et d’Allemagne, où l’abstraction est bannie parce que considérée comme bourgeoise ou dégénérée. Deux groupes importants d’artistes abstraits sont apparus à Paris au cours de cette période : Cercle et Carré et Abstraction-Création.

Groupes d’avant-garde d’artistes abstraits (années 1930) Cercle et Carre (1929-31)

Le Cercle et Carre (cercle et carré) est un groupe d’exposition (et une revue) de sculpteurs et de peintres abstraits, créé à Paris en 1929 par le critique Michel Sephor (1901-1999) et le peintre Joaquin Torres-Garcia (1874-1949), centré sur l’abstraction géométrique, mais elle reste ouverte à tous les types d’œuvres non représentatives, une faiblesse qui incite Theo Van Doesburg (1883-1931), le grand prêtre de l’art géométrique ou non objectif, à lancer sa propre revue intitulée «The Art of the Concrete», en 1930. Cercle et Carré n’organisa qu’une seule exposition, qui eut lieu à la Galerie 23 en avril 1930, mais ce fut la première exposition d’art consacrée exclusivement à l’art abstrait. Plus de quarante artistes y participèrent, dont Kandinsky (1866-1944), Piet Mondrian (1872-1944), Georges Vantongerloo (1886-1965), Kurt Schwitters (1887-1948) et d’autres.

Abstraction-Création (1931-36)

L’activité du Cercle et Carre dure moins de deux ans et, en février 1931, une nouvelle association, connue sous le nom de Abstraction-Création, voit le jour et se consacre exclusivement à l’art non-objectif (géométrique). Parmi les fondateurs figuraient le sculpteur et peintre belge Georges Vantongerloo, ainsi que les artistes français Jean Helion (1904-1887) et Auguste Herbin (1882-1960). Les participants ultérieurs représentaient la crème des sculpteurs abstraits européens tels que Jean Arp (1886-1966), Antoine Pevsner (1886-1962) et son frère Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Alexander Calder (1898)-1976, Barbara Hepworth (1903-1975) et Ben Nicholson (1894-1982). «Abstraction-Création» organise un certain nombre d’expositions collectives et publie une fois par an une revue illustrée (1932-36) «Abstraction-Création : art non figuratif». Exemple de sculpture «Abstraction-création» - «Ruban sans fin» (1935) de Max Bill (1908-1994), ex-sculpteur suisse du Bauhaus, qui illustre le concept d’une surface de Möbius qui devient une structure spatiale pliée à 180 degrés autour de son axe longitudinal. Cela conduit au paradoxe mathématique de la bande, qui n’a qu’une surface et qu’un bord, mais qui prend la forme d’une boucle continue. Apparemment cantonnés à l’abstraction géométrique, de nombreux membres du Abstraction-Création se sont tournés vers des formes d’art géométrique telles que l’art cinétique.

Unit One (1933-35)

Une autre association d’artistes abstractionnistes s’est formée en Grande-Bretagne en 1933 sous le nom de Unit One . Parmi ses membres figurent les chefs de file de la sculpture britannique moderne, à savoir Moore et Hepworth, ainsi que l’artiste Paul Nash (1889-1946). En avril 1934, l’association publie un livre intitulé «First Block : the modern movement in English architecture, painting and sculpture», qui coïncide avec leur unique exposition de groupe à la Mayor’s Gallery de Londres, l’exposition se déplaçant ensuite à Belfast, Swansea, Liverpool et Manchester. Malgré le livre et l’exposition, le groupe n’avait pas de manifeste ou de programme. En fait, il incluait à la fois l’abstraction et le surréalisme, deux styles qui furent présentés dans des expositions séparées à Londres en 1936. En conséquence, il a toujours été difficile de maintenir une identité de groupe ciblée et le premier bloc a été dûment dissous en 1935. Néanmoins, il a eu une influence significative sur l’art britannique d’avant-garde du milieu des années 1930 (voir aussi École de St Ives (c.1939-75)).

Abstraction organique et fantaisie surréaliste (années 1930)

Inspirée par les formes naturelles, l’abstraction biomorphique / organique en sculpture est illustrée dans des œuvres telles que «Concentration humaine» (1934, Musée national d’art moderne, Paris) et «Déméter» (1961, Musée d’Israël, Jérusalem), toutes deux réalisées par Jean Arp (1887-1966) ; Mère et enfant (1934, Tate Collection, Londres) Barbara Hepworth (1903-1975) ; Abstraction (1940, Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe) George O’Keeffe (1887-1986) ; Femme accroupie (Adieu) (1940-41) d’Henri Lawrence ; et Deux formes (1966, marbre de Sorai, collection privée Staehein, Zurich) d’Henry Moore (1898-1986). L’une des sculptures surréalistes les plus puissantes est «Woman with Throat Slit» ) La Femme Egorgee, 1932, Collection privée) d’Alberto Giacometti (1901-1966). Une femme crustacé métamorphosée, égorgée, gît sur le sol dans une convulsion mêlant acte d’amour et agonie. Le surréalisme plus étrange est représenté par des sculptures telles que «Figure avec parapluie» (1931) et «Objet» (1936), toutes deux de Juan Miró (1893-1983) ; Moon Asparagus (1935) de Max Ernst (1891-76) ; et «Eyes, Nose and Cheek» (1939, Tate Collection, Londres) de F. E. McWilliam (1909-1992).

Sculpture abstraite d’après-guerre (c.1945-65)

Malgré les efforts de divers artistes et groupes abstraits, l’art figuratif reste prédominant dans l’entre-deux-guerres (1920-40). Cependant, l’impact de la Seconde Guerre mondiale sur l’art figuratif a été profond, notamment parce qu’il restait très peu d’images fortes dans l’esprit des gens qui étaient soit non violentes, soit tout à fait significatives à la suite de l’Holocauste et du nombre considérable de morts de la guerre. (Voir aussi L’art de l’Holocauste 1933-45). La photographie et le cinéma ont également commencé à glamouriser l’imagination du public, laissant moins de place aux images figuratives dessinées à la main. En conséquence, l’abstraction a soudainement pris son essor, du moins en peinture. L’expressionnisme abstrait américain a pris de l’avance, parallèlement à l’art informel et au tachisme en Europe.

Sculpture abstraite néo-dada

La sculpture abstraite a suivi une voie légèrement différente. Au lieu de se concentrer sur le sujet non figuratif, il se concentre sur les matériaux, d’où le nom d’art d’assemblage, une forme d’art visuel tridimensionnel créé à partir d’objets quotidiens qui auraient été «trouvés» par l’artiste. Populaire en Amérique dans les années 1950 et 1960, l’assemblage a effectivement comblé le fossé entre le collage et la sculpture, tandis que l’utilisation de matériaux non artistiques - une caractéristique de l’art néo-dada - a anticipé l’utilisation d’œuvres produites en masse dans le Pop art. La collection de sculptures est illustrée par des œuvres de Louise Nevelson (1899-1988), comme «Mirror Image 1» (1969, Museum of Fine Arts, Houston), et de Jean Dubuffet (1901-85) et son Monument «Standing Beast» (1960, James R. Thompson Centre. Thompson, Chicago). Une importante exposition - «The Art of Assembly» - au Museum of Modern Art de New York en 1961 a grandement contribué à l’essor de cet idiome.

Parmi les autres exemples de Trash Art» néo-dadaïste «, on peut citer «Hudson River Landscape» (1951, Whitney Museum of American Art) et «Australia» (1951, MoMA, New York), tous deux réalisés par David Smith (1906-1965) ; Sans titre (bois, pièces métalliques, clous) (1960, Museum of Modern Art, New York), Jesús Rafael Soto (né. 1923) et quelques «Combines» de Robert Rauschenberg (1925-2008), comme First Landing Jump (contenant de la peinture, du tissu, du métal, du cuir, des lumières électriques, des câbles, de la peinture à l’huile, des planches) (1961, MoMA, New York). Untitled (feutre industriel) (1967, Kunsthalle, Hambourg) de Robert Morris (né en 1931) est un autre exemple de l’utilisation de matériaux inhabituels dans la sculpture, tout comme le monument minimaliste à Vladimir Tatlin (tubes éclairés au néon) (1975, Musée national d’art moderne George Pompidou), Dan Flavin (1933-96).

Les dadaïstes prônaient également un art dénué de sens et quoi de plus absurde que l’autodestruction de la sculpture? C’était sans doute un élément important de la philosophie créatrice de Jean Tinguely (1925-1991), le maître incontesté de la sculpture autodestructrice, dont le chef-d’œuvre est généralement considéré comme un hommage à New York (1960, Museum of Modern Art, New York).

Un excellent exemple de sculpture pop abstraite est le genre du mot d’art, adopté par Robert Indiana (né en 1928) dans sa série de sculptures LOVE.

Sculpture abstraite en métal (années 1960)

Les années 1960 ont également vu le début d’une nouvelle tradition de sculpture en métal, allant de la sculpture portable à la sculpture monumentale. Parmi ces œuvres, citons «Sculpture for a Large Wall» (1956-7, MoMA, New York) Ellsworth Kelly (b. 1923) ; Noon (1960, MoMA, NY) de Sir Anthony Caro (1924-2013) ; Die (1962, MoMA, NY) de Tony Smith (1912-1980) ; Broken Obelisk (1963-9, MoMA, NY) Barnett Newman (1905-1970) ; «Storm Angel» (1973-74, Quadrat Chab, Chalon-sur-Saône) Mark Di Suvero (n. 1933) et une série d’œuvres d’Eduardo Chillida (1925-2002), culminant avec son Coastline «Wind Crest» (1977, baie de Saint-Sébastien, Espagne).

Sculpture minimaliste

Le minimalisme, en réaction aux variations de plus en plus complexes de l’expressionnisme abstrait, est un mouvement puriste qui englobe la peinture, la sculpture, l’architecture et le design. Il recherchait sa propre vérité artistique dans une pléthore de structures géométriques ultra-simplifiées, généralement fabriquées à partir de matériaux industriels. Il reste l’une des formes les plus obscures de l’art actuel. Sculptures abstraites minimalistes : Cage II (1965, MoMA, New York) de Walter de Maria (b.1935) ; Serial Project I (ABCD) (1966, MoMA, NY) Sol Levitt (1928-2007) ; Equivalent 1 (1966-9, Kunstmuseum, Basel) de Carl Andre (b. 1935) ; et Untitled (Stack) (1967, MoMA, NY) de Donald Judd (1928-1994). Pour la sculpture dite «post-minimaliste», voir. Œuvres d’Eva Hesse (1936-1970).

Abstraits monumentaux

L’art postmoderne est obsédé par l’impact, et la création d’une sculpture monumentale est un bon moyen d’y parvenir. Le genre a été défendu par plusieurs artistes, dont : Allen Jones (né en 1937), voir Dancers (1987, Cotton Atrium, London Bridge City, Londres) ; Richard Serra (né en 1939), voir «The Case for Time» (2004, Guggenheim, Bilbao) ; Jonathan Borofsky (né en 1943), voir «Walking Man» (1994-5, Paula Cooper Gallery, NY) ; et Anish Kapoor (né en 1954), voir Marsyas (2002, Turbine Hall, Tate Modern, Londres).