Sculpture abstraite, histoire, types d’art non objectif Automatique traduire
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Introduction: Sculpture du XIXe siècle: figurative et fonctionnelle
XIXe siècle sculpture était figuratif et fonctionnel et était dominé par le matérialisme croissant des sociétés des deux côtés de l’Atlantique. La part du lion de toutes les commandes de sculptures a probablement été consacrée à la commémoration de personnages importants (par exemple, le Albert Memorial à Londres), d’événements (par exemple, l’émigration vers l’Amérique, le Statue de la Liberté ) ou des lieux (par exemple Washington, le Capitole des États – Unis ; Paris, l’ Arc de Triomphe ). Ironiquement, cependant, la fonctionnalité croissante de l’art – visible dans l’architecture de gratte-ciel de l’Amérique de la fin du XIXe siècle, qui ne nécessite aucune décoration sculpturale interne ou externe – peut avoir contribué à ouvrir la voie à l’introduction de l’abstraction. Mais avant que cela puisse se produire, il fallait briser l’emprise que l’art académique traditionnel maintenait sur la théorie et la pratique de la peinture et de la sculpture. Picasso et Braque dûment obligés.
Cubisme: Révolution au début du 20ème siècle
L’invention de Cubisme (fl.1908-14) de Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) ont ébranlé le monde de l’art. Voici une forme de art abstrait qui (dans sa peinture) a rejeté la perspective linéaire et concentré entièrement sur le plan de l’image. Malgré la nouvelle demi-abstraction introduite dans Le baiser (1907, Muzeul de Arta Craiova) de Constantin Brancusi (1876-1956) et dans Crouching Figure (1907, musée d’art moderne de Vienne) d’André Derain (1880-1954), on n’avait jamais rien vu de tel que le cubisme auparavant. Bien que les peintres aient été les premiers à appliquer les principes cubistes, les sculpteurs n’étaient pas loin derrière. Les œuvres sont devenues plus géométriques; la perspective est devenue aplatie et fragmentée. Bientôt, une toute nouvelle série d’œuvres en trois dimensions a commencé à émerger. Les exemples incluent: Femme marchant (1912, Collection privée) de Alexander Archipenko (1887-1964); The Rock Drill (1913-14, MoMA, NY) de Jacob Epstein (1880-1959); Le Grand Cheval (1914, Musée National d’Art Moderne, Paris) par Raymond Duchamp-Villon (1876-1918); Man With Guitar (1915, MoMA, NY) de Jacques Lipchitz (1891-1973); Assiette de fruits aux raisins (1918) d’Henri Laurens (1885-1954); Tête de femme (1917-1919, MoMA, NY) par Naum Gabo (1890-1977); et Torso (1924-6, MoMA, NY) d’Antoine Pevsner (1886-1962).
Le cubisme était trop radical pour faire partie du courant créatif. Néanmoins, jusqu’en 1920, il dominait la communauté artistique avant-gardiste où l’art non-représentationnel s’imposait.
Le futurisme: son influence sur l’art cinétique
italien Futurisme (fl.1909-14) n’a pas été épargnée par la révolution cubiste (en particulier dans sa peinture), mais son objectif général était différent. Il visait à mettre en évidence le dynamisme, la technologie et la rapidité du monde moderne. Le chef-d’œuvre sculptural d’avant-guerre du mouvement était sans aucun doute Unique Fors of Continuity in Space (1913; moulages au MoMA NY, à Tate London et ailleurs) de Umberto Boccioni (1882-1916). Cependant, le mouvement a eu le plus grand impact sur le développement de Art cinétique Ainsi, la sculpture futuriste embrasse des œuvres telles que: Bird in Space (1925-1931, Kunsthaus, Zurich) de Constantin Brancusi (1876-1957); Plaques rotatives (1920, galerie d’art de l’université de Yale, New Haven) de Marcel Duchamp (1887-1968); Kinetic Construction (1919-1920, Collection Tate, Londres) de Naum Gabo (1890-1977); Aluminium Leaves, Red Post (1941, Fondation Lipman de la famille) et Arc of Petals (1941, Guggenheim Museum, NY), tous deux de Alexander Calder (1898-1976) inventeur de téléphones portables; Relief Mobile 5 (1954, musée d’art moderne, Saint-Etienne) de Pol Bury (1922-2005); et Signal: Insecte Animal of Space (1956, Collection Tate, Londres) de Takis (Panayiotis Vassilakis) (b.1925).
Sculpture Abstraite Dada
le Mouvement dada (1916-1924) était trop anti-art pour exercer une influence généralisée. Même dans ce cas, cela a eu un impact significatif sur le type de matériau à partir duquel l’art pourrait être fabriqué. Alors que précédemment, la plupart des sculptures étaient sculptées dans le bois, la pierre, l’argile ou le bronze, Dada a encouragé l’utilisation de matériaux non traditionnels, notamment de divers types de métal, carton, caoutchouc, fil métallique, textiles, béton, verre et ordures en général. L’exemple le plus extraordinaire de sculpture dadaïste est peut-être la construction " Merzbau " de Kurt Schwitters (1887-1948). En outre, les "ready-mades" d’avant-garde créés par Marcel Duchamp (1887-1968) – comme Bicycle Wheel (1913, Musée national d’art moderne, Paris), Bottle Rack (1914, Musée national d’art moderne, Paris) et Fountain (1917, copie au Musée national d’art moderne), Paris) – étaient également le dadaïsme par excellence, en ce sens qu’ils sapaient les conventions de l’art académique.
Sculpture abstraite constructiviste
La sculpture abstraite avant, pendant et après la Première Guerre mondiale a continué à être fortement influencée par les développements avant-gardistes à Paris, mais aussi dans la Russie pré-révolutionnaire, où la ferveur artistique et politique se fondait dans les écoles modernistes comme le rayonisme. Suprématisme et Constructivisme . Ce dernier – le seul des trois à faire appel à l’art 3D – a exhorté les sculpteurs à construire (et non à sculpter, à modeler ou à mouler) des structures en matériaux industriels (métal, verre, plastique). Ce style est illustré dans des travaux tels que: Construction n ° 557 (1919) de Konstantin Medunetsky (1899-1935); Tour de feu (1919-1920) de Johannes Itten (1888-1967); Monument à la Troisième Internationale (1920, Musée national d’art moderne, Paris) de Vladimir Tatlin (1885-1953); et Construction spatiale n ° 12c (1920, MoMA, NY) d’Alexander Rodchenko (1891-1956). La Colonne sans fin de Brancusi (1938, Targu Jiu, Roumanie) pourrait également être incluse dans la catégorie de la sculpture constructiviste.
De Stijl Sculpture Abstraite
Au cours des années 1920 en Hollande, l’abstraction géométrique a atteint son zénith dans le Mouvement De Stijl (1917-1931), qui a d’abord promu Néo-plasticisme – inventé par Piet Mondrian (1872-1944) – et Élémentarisme – fondé par Theo Van Doesburg (1883-1931), l’homme qui a également inventé le terme art concret . De Stijl jouissait d’une réputation relativement forte en architecture, en peinture et chez les designers modernes tels que ceux de la Ecole de design Bauhaus , mais pas chez les sculpteurs. En attendant, Paris reste le centre incontesté de l’art abstrait, notamment parce qu’il attire des réfugiés des États totalitaires, la Russie et l’Allemagne, où l’abstraction est interdite en tant que bourgeoise ou dégénérée. Cercle et Carre et Abstraction-Creation sont deux groupes importants d’artistes abstraits apparus à Paris au cours de cette période.
Groupes d’artistes abstraits d’avant-garde (années 1930)
Cercle et Carre (1929-31)
Cercle et Carre (cercle et carré) était un groupe d’exposition (et journal) pour sculpteurs abstraits et peintres, formé à Paris en 1929 par le critique Michel Seuphor (1901-99) et le peintre Joaquin Torres-Garcia (1874-1949).. Son thème principal était l’abstraction géométrique, mais il restait ouvert à tout type de travail non représentatif – une faiblesse qui a motivé Theo Van Doesburg (1883-1931), le grand prêtre de art non objectif , pour lancer sa propre revue intitulée Art Concret , en 1930. Cercle et Carré n’a tenu qu’une seule exposition, qui s’est déroulée à la Galerie 23 en avril 1930. Il s’agit du premier salon consacré exclusivement à l’art abstrait. Plus de quarante artistes y ont participé, parmi lesquels Kandinsky (1866-1944), Piet Mondrian (1872-1944), Georges Vantongerloo (1886-1965), Kurt Schwitters (1887-1948) et d’autres.
Abstraction-Création (1931-1936)
Cercle et Carre a duré moins de deux ans. Il fut remplacé en février 1931 par une nouvelle association appelée Abstraction-Creation , qui se consacrait uniquement à l’art non-objectif (géométrique). Parmi les membres fondateurs figuraient le sculpteur et peintre belge Georges Vantongerloo, ainsi que les peintres français Jean Helion (1904-1987) et Auguste Herbin (1882-1960). Plus tard, des membres ont présenté la crème de sculpteurs abstraits européens, tels que Jean Arp (1886-1966), Antoine Pevsner (1886-1962) et son frère Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Alexander Calder (1898 -1976, Barbara Hepworth (1903-1975) et Ben Nicholson (1894-1982). Abstraction-Creation a organisé plusieurs expositions de groupe et publié une fois par an (1932-1936) un journal illustré intitulé Abstraction-Creation: Art non figuratif . Un exemple de sculpture Abstraction-Création est Endless Ribbon (1935) de Max Bill (1908-94), sculpteur suisse du Bauhaus. Ce travail illustre le concept de surface de Mobius qui devient une structure spatiale en se tordant à 180 degrés autour de son axe longitudinal. Cela aboutit au paradoxe mathématique d’une bande qui n’a qu’une surface et un bord mais se présente sous la forme d’une boucle continue. Bien que censés se limiter à l’abstraction géométrique, de nombreux membres de Abstraction-Creation ont opté pour des formes d’art non géométriques, telles que l’abstraction organique et l’art cinétique.
Unité un (1933-1935)
Une autre association d’artistes abstraits se forma en Grande-Bretagne en 1933 sous le nom de Unit One . Les membres comprenaient les dirigeants de sculpture britannique moderne , à savoir Moore et Hepworth, ainsi que le peintre Paul Nash (1889-1946). En avril 1934, l’association publia un livre intitulé Unité 1: Le mouvement moderne dans l’architecture, la peinture et la sculpture anglaises, qui devait coïncider avec leur unique exposition de groupe à la Mayor Gallery de Londres. L’exposition a ensuite été présentée à Belfast, Swansea et Liverpool. et Manchester. En dépit du livre et de l’exposition, le groupe n’avait pas de programme ni de programme. En fait, il comprenait à la fois l’abstraction et le surréalisme, deux styles qui ont été promus lors d’expositions distinctes à Londres en 1936. En conséquence, cela allait toujours être un combat maintenir l’identité du groupe ciblé et que l’ unité 1 fut dûment dissoute en 1935. Néanmoins, elle eut un impact important sur la Colombie britannique. art d’avant garde du milieu des années 1930, pour lesquelles voir aussi le Ecole St Ives (c. 1939-75).
Abstraction organique et fantaisie surréaliste (à partir de 1930)
Inspiré par les formes naturelles, abstraction biomorphique / organique La sculpture est illustrée par des œuvres telles que: Concentration humaine (1934, Musée national d’art moderne, Paris) et Demeter (1961, Le Musée israélien, Jérusalem), toutes deux par Jean Arp (1887-1966); Mother and Child (1934, Collection Tate, Londres) de Barbara Hepworth (1903-1975); Abstraction (1940, Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe) par Georgia O’Keeffe (1887-1986); Femme accroupie (The Farewell) (1940-1) d’Henri Laurens; et deux formes (1966, marbre Soraya, collection privée Staehein, Zurich) de Henry Moore (1898-1986). L’une des sculptures les plus puissantes surréalistes est La femme à la gorge ( La Femme Egorgee , 1932, Collection privée) de Alberto Giacometti (1901-166). Une femme métamorphique de crustacés à la gorge tranchée gît par terre dans une convulsion combinant l’acte d’amour et l’agonie. Plus lunatique Surréalisme est représentée par des sculptures comme Figure with Umbrella (1931) et Object (1936), toutes deux par Joan Miro (1893-1983); Asperges de Lune (1935) de Max Ernst (1891-1876); et Eyes, Nose and Cheek (1939, Tate Collection, Londres) de FE McWilliam (1909-1992).
Sculpture abstraite d’après-guerre (c.1945-65)
Malgré les efforts de divers artistes et groupes abstraits, l’art figuratif est resté prédominant durant l’entre-deux-guerres (1920-1940). Cependant, l’impact de la Seconde Guerre mondiale sur les beaux-arts fut profond, notamment parce qu’il restait très peu d’images puissantes dans la tête des gens, qui n’étaient ni violentes ni significatives après l’holocauste et le grand nombre de morts à la guerre. (Voir également Art de l’Holocauste 1933-1945.) La photographie et les séquences de film avaient également commencé à captiver l’imagination du public, laissant ainsi moins de place aux images figuratives faites à la main. En conséquence, l’abstraction a soudainement décollé, du moins en peinture. américain expressionisme abstrait a ouvert la voie, parallèlement à Art Informel et à Tachisme en Europe.
Sculpture abstraite néo-dada: assemblages
En revanche, la sculpture abstraite a suivi un parcours légèrement différent. Plutôt que de se concentrer sur des sujets non figuratifs, il s’est concentré sur les matériaux, d’où l’émergence de Assemblage Art – une forme d’art visuel tridimensionnel fabriqué à partir d’objets du quotidien, dits «trouvés» par l’artiste (objets trouvés). Populaire dans les années 1950 et 1960 en Amérique, l’assemblage a efficacement comblé le fossé entre collage et la sculpture, alors que son utilisation de matériaux non-artistiques – une caractéristique de Art néo-dada – a anticipé l’utilisation d’objets de masse dans Pop-Art. La sculpture d’assemblage est illustrée par les œuvres de Louise Nevelson (1899-1988), tel que Mirror Image 1 (1969, Musée des Beaux-Arts, Houston ), et de Jean Dubuffet (1901-1985) et son monument avec Standing Beast (1960, James R. Thompson Center, Chicago). L’idiotisme a été considérablement renforcé par une importante exposition intitulée " The Art of Assemblage " – au Museum of Modern Art de New York en 1961.
Autres exemples du style néo-dadaïste " junk art "incluent Hudson River Landscape (1951, musée d’art américain Whitney) et l’ Australie (1951, MoMA, NY), tous deux de David Smith (1906-1965); Sans titre (bois, pièces métalliques, clous) (1960, Museum of Modern Art, NYC) de Jesus Rafael Soto (b.1923); et certains "combine" par Robert Rauschenberg (1925-2008), tel que First Landing Jump (en: peinture, tissu, métal, cuir, luminaire, câble, peinture à l’huile, tableau) (1961, MoMA, NY). Sans titre (feutre industriel) (1967, Kunsthalle, Hamburg) de Robert Morris (b.1931) est un autre exemple d’utilisation de matériaux inhabituels dans la sculpture, à l’instar du monument minimaliste For Vladimir Tatlin (tubes d’éclairage au néon) (1975, Musée national d’art moderne, Centre George Pompidou) de Dan Flavin (1933-96).
Dada exaltait également l’art absurde, et quoi de plus absurde qu’une sculpture qui s’autodétruit? Nul doute que c’était un élément important de la philosophie du travail de Jean Tinguely (1925-91), le maître inégalé de la sculpture autodestructrice, dont le chef-d’œuvre est généralement considéré comme étant l’ Hommage à New York (1960, Museum of Modern Art, New York).
Un excellent exemple de sculpture pop abstraite est le l’art des mots genre adopté par Robert Indiana (b.1928) dans sa série de sculptures LOVE.
Sculpture abstraite en métal (à partir de 1960)
Les années 1960 ont également vu le début d’une nouvelle grande tradition de la sculpture sur métal, allant du portable au monumental. Parmi ces œuvres: Sculpture pour un grand mur (1956-1957, MoMA, NY) de Ellsworth Kelly (b.1923); Midi (1960, MoMA, NY) par monsieur Anthony Caro (1924-2013); Die (1962, MoMA, NY) de Tony Smith (1912-1980); Obélisque brisé (1963-9, MoMA, NY) de Barnett Newman (1905-70); Storm Angel (1973-4, Square Chabas, Chalon-sur-Saone) par Mark Di Suvero (b.1933); et un certain nombre d’œuvres d’Eduardo Chillida (1925-2002), aboutissant à sa sculpture littorale Wind Comb (1977, baie de Saint-Sébastien, Espagne).
Sculpture Minimaliste
Minimalisme , réaction aux variations toujours plus complexes de l’expressionnisme abstrait, était un mouvement puriste qui s’étendait à la peinture, à la sculpture, à l’architecture et au design. Il a cherché sa propre vérité artistique dans une variété de structures de style géométrique ultra-simplifiées, généralement fabriquées à partir de matériaux industriels. Il reste l’une des formes les plus obscures de art contemporain . Les sculptures abstraites minimalistes incluent: Cage II (1965, MoMA, NY) de Walter de Maria (né en 1935); Serial Project I (ABCD) (1966, MoMA, NY) de Sol LeWitt (1928-2007); Equivalent 1 (1966-9, Kunstmuseum, Basel) par Carl Andre (b.1935); et Untitled (Stack) (1967, MoMA, NY) de Donald Judd (1928-1994). Pour la sculpture dite "post-minimaliste", voir les œuvres de Eva Hesse (1936-1970).
Les résumés monumentaux
Art postmoderniste est obsédé par l’impact, et créer un morceau de sculpture monumentale est un bon moyen de le réaliser. Le genre a été défendu par plusieurs artistes, notamment: Allen Jones (né en 1937), voir Dancers (1987, Cottons Atrium, London Bridge City, Londres); Richard Serra (B.1939), voir L’affaire du temps (2004, Guggenheim Bilbao); Jonathan Borofsky (né en 1943), voir Walking Man (1994-1995, Paula Cooper Gallery, NY); et Anish Kapoor (B.1954), voir Marsyas (2002, Turbine Hall, Tate Modern, Londres).
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