Sculpture grecque d’époque archaïque Automatique traduire
introduction
Pour la sculpture, il est plus pratique de limiter «Archaic» au style qui a réussi Daedalic vers la fin du septième siècle et a duré jusqu’au début du cinquième (vers 600-500 av. J.-C.), quand il a cédé la place à la début de la période classique. Ce style archaïque se distingue du Daedalic par son intérêt pour la profondeur et par une anatomie plus solide et plus crédible. Le changement semble avoir été rapide, voire soudain.
En européen Art grec on peut voir quelques signes de transition, bien que la maturité de la statuaire de Sculpture égyptienne, où les Grecs s’installaient maintenant; mais en Asie grecque, il semble que les modèles syriens aient eu une influence plus directe. Quoi qu’il en soit, avec l’apparition du style archaïque, la sortie de Sculpture grecque est devenu beaucoup plus grand et, avec la nouvelle confiance en l’art, les grandes statues sont devenues normales, certaines d’entre elles – surtout au début – bien au-dessus de leur taille naturelle.
Malheureusement, seules deux régions importantes sur le plan artistique, Attica et Samos, ont produit de nombreuses séries de sculptures et appartiennent à l’Europe et à la Grèce orientale. Ailleurs, il y a assez de kouroïs du sanctuaire de Ptoion près de Thèbes et de reliefs de Sparte et de ses environs pour montrer que les sculpteurs locaux de Béotie et de Laconie étaient aussi provinciaux que les peintres de vases. Mais des territoires de Corinthe, Sicyone, Égine, Argas, Naxos et Paras – tous, selon des enregistrements ultérieurs ou des signatures survivantes, les demeures de sculpteurs archaïques notables – nous n’avons que des œuvres isolées, de sorte que nous ne savons pas par exemple si Les formes lourdes de Cleobis sont caractéristiques de l’Argolide ou, ce qui est particulier, particulièrement égyptien, des figures du fronton d’Égine. Plus grave encore est notre ignorance sur Paros, qui fournissait désormais à ses carrières le marbre le plus préféré des Grecs et se situait, du moins géographiquement, à mi-chemin entre les continents de la Grèce européenne et asiatique. En l’état actuel, l’histoire reconstruite de la sculpture archaïque est fortement orientée vers Athènes.
Kouros et Kore
Les deux principaux types archaïques de statue étaient toujours les kouros (le mâle nu debout) et le kore (la femme drapée debout). De la Grèce européenne, nous avons également quelques personnages assis, des hommes à cheval, et – surtout des monuments funéraires antérieurs – des sphinx accroupis sur leurs pattes postérieures. Dans la région de l’est de la Grèce, où les sculpteurs avaient des idéaux différents, le mâle drapé était assez commun, généralement assis mais parfois debout ou même allongé. Les autres types étaient très rares. Jusqu’à la transition à la fin du style archaïque, les statues demeuraient frontales et symétriques et les exceptions qui se produisaient n’étaient pas significatives. Certains des derniers korai ont une très légère rotation de la tête ou une inclinaison des épaules et, puisque le niveau de fabrication était méticuleux, ces écarts étaient peut-être des tentatives délibérées de donner une variété un peu subreptice à la formule du stock. D’autres exceptions, plus évidentes, peuvent être expliquées par l’exigence d’une vue entièrement frontale du visage humain. Pour les sphinx, si le corps était présenté de côté, il était raisonnable de tourner la tête à angle droit complet; et quand dans un statue équestre la tête du cheval aurait bloqué la vue de la tête du cavalier pour le spectateur se tenant directement devant, c’était un compromis logique de tourner la tête du cavalier légèrement sur le côté. Les reliefs et les sculptures de pedimental avec leur variété nécessairement plus grande de poses avaient des règles comparables, qui seront discutées plus tard.
[Note: Pour les biographies d’importants sculpteurs de la Grèce antique, voir: Phidias (488-431 avant notre ère), Myron (Actif 480-444), Polykleitos / Polyclitus (Ve siècle) Callimaque (Actif 432-408), Skopas / Scopas (Actif 395-350), Lysippe / Lysippe (c. 395-305 AEC), Praxiteles (Actif 375-335), Leochares (Actif 340-320).]
Coloration des sculptures
En ce qui concerne la coloration de la sculpture archaïque, il se trouve que nous sommes assez bien informés, car à cause de l’invasion perse de 480 personnes, de nombreuses œuvres, récemment peintes ou bien entretenues, ont été endommagées et enterrées (ou enterrées de manière à éviter des dommages) et parfois, comme sur Acropole d’Athènes, les conditions de sous-sol se sont avérées aimables. Pour le marbre, la pratique était d’abord de peindre toute la surface sauf la chair; plus tard, à partir du troisième quart du VIe siècle, de grandes zones de draperies étaient souvent laissées non peintes, à l’exception des bandes de motifs le long des bordures et au milieu des jupes et de la dispersion de petits ornements ailleurs. Nous ne connaissions pas la règle concernant la chair des hommes, mais elle était parfois teintée de brun clair. Les couleurs principales étaient le rouge, le bleu et le jaune, les autres étaient le noir, le vert et le marron. Le choix des couleurs a peut-être été limité par les pigments disponibles, mais son objectif était en grande partie décoratif sans porter une attention particulière aux nuances naturelles. Sur les figures en calcaire, la surface était de moins bonne qualité que le marbre et, par conséquent, elle était généralement peinte. Archaïque sculptures en bronze, qui sont extrêmement rares, ne présentent aucune particularité.
Chronologie
Très peu de sculptures archaïques sont datées utilement par le contexte ou les enregistrements. le Art ancien L’historien Hérodote laisse entendre que le Trésor siphnien de Delphes a été construit vers 525 av. J.-C. et que les dernières statues provenant des débris de l’Acropole d’Athènes devraient être très peu plus anciennes que 480 av. J.-C., lorsque les Perses l’ont viré. Ainsi, comme d’habitude, la chronologie acceptée dépend de critères stylistiques, principalement des progrès du rendu naturel de l’anatomie. Le critère anatomique se heurte à des difficultés pour les figures féminines, puisqu’elles ont été drapées, et ne permet pas le conservatisme ou le retard, mais il semble fonctionner comme un guide approximatif. Pour les dates absolues antérieures au Trésor siphnien, les historiens de l’art se fient presque entièrement à des liens avec la peinture sur vase, malheureusement d’une aide limitée, car les conventions des deux arts n’étaient pas si proches et la datation absolue des vases elle-même n’était pas fiable. Cela rend encore plus risqué de relier les changements de style sculptural à des personnages historiques tels que Pisistratus et Polycrate, bien que cela soit tentant.
Types de sculpture
Les trois principaux types d’archaïque sculpture sont
❶ des statues;
❷ Sculptures frontales et
❸ Reliefs. la statue: en particulier le développement de la forme masculine et féminine.
[Remarque: pour plus d’informations sur les céramiques de la Grèce antique, notamment les techniques géométrique, à figures noires, à figures rouges et au sol blanc, voir: Poterie grecque: histoire et styles.]
C’est sur les kouros que les sculpteurs archaïques ont accompli leur progrès le plus durable, car le kouros archaïque était nu – plus nu même que le Daedalic qui portait une ceinture – et donc les problèmes d’anatomie ne pouvaient être ignorés. Comme plus d’une centaine de statues de kouros ont survécu, qu’elles soient complètes ou par fragments, nous pouvons suivre en détail la tendance à des proportions et à une articulation plus naturelles.
Généralement, les fronts sont devenus plus hauts et les crânes plus arrondis, les yeux plus petits, les épaules plus étroites et la taille plus épaisse; la structure du visage, des oreilles, du cou, de la poitrine, du ventre, des hanches et des genoux était représentée avec une compréhension plus étroite et une moindre importance des caractéristiques sélectionnées; et la modélisation de plus en plus d’incision de détail remplacée. Il est évident que les sculpteurs ont observé des corps humains, mais leurs observations ont été combinées et résolues en une sorte de système théorique généralisé qui ne tenait pas compte des particularités d’un modèle particulier: en d’autres termes, la sculpture archaïque était «idéale».
À la fin du VIe siècle, l’anatomie du kouros était devenue suffisamment naturelle pour que sa pose paraisse anormale, et il était temps d’abandonner la frontalité à symétrie raide. En ce qui concerne la taille, certains des kouroïs archaïques primitifs sont beaucoup plus grands que nature; par la suite, les statues plutôt sous-dimensionnées sont devenues courantes, mais peu à peu, un drapeau a émergé: une silhouette d’un peu plus de six pieds de hauteur, impressionnante mais pas surhumaine.
Kleobis et Biton
La statue habituellement appelée « Kleobis» est un exemple commode du style archaïque précoce d’environ 600 av. C’est la mieux conservée d’une paire de kouroïs trouvés à Delphes et identifiés par l’inscription sur leurs socles et un passage d’Hérodote comme représentations de Kléobis et de Biton, bien qu’on ne sache pas quelle statue est de quelle statue. L’histoire raconte que lors d’une fête d’Héra, lorsque leur mère (qui était une prêtresse) fut retenue pour manque de bœufs, Kleobis et Biton tirèrent sa charrette à cinq milles du sanctuaire, en récompense de ce que la divinité les laissa mourir la nuit dans leur sommeil, et qu’en commémoration les Argives en dressent des statues à Delphes. Les statues, en marbre dit cycladique, mesurent plus de sept pieds de hauteur et ressemblent à ce que l’on peut attendre de la sculpture à main levée.
Des traces de Daedalic peuvent être observées dans la maigreur du front et la triangularité persistante de la vue de face du visage; mais il y a un nouvel accent mis sur la solidité et la profondeur, le corps apparaît comme une partie intégrante et intéressante de la figure entière et non plus principalement un support pour la tête, et l’anatomie, même si très inexpérimentée, a été prise en compte. Les pommettes sont gérées avec une meilleure logique qu’auparavant. Une attention particulière a été portée aux oreilles, à la gorge et aux clavicules; les cheveux (toujours difficiles à restituer en découpant) sont divisés en mèches noueuses qui ressemblent maintenant plus à des mèches qu’à une perruque; les muscles pectoraux et les genoux sont fortement modelés; les muscles situés le long des cuisses sont délimités par des rainures; mais la limite supérieure du ventre est seulement incisée, et la taille fait encore une simple courbe concave qui ignore les hanches. Bien que ces deux kouroïs ne soient en aucun cas des portraits, une concession est faite à leur sujet; en tant que transporteurs, Kleobis et Biton portent des bottes moulantes mais distinctes à l’origine par couleur, et c’est peut-être pour montrer à quel point elles sont devenues célèbres par le fait que les figures sont si massivement proportionnées, non pas parce que ces proportions étaient typiques d’une école Argive de la sculpture. Comme le sculpteur était un Argive, dit-on, avec un nom se terminant par "medes", souvent restauré en "Polymedes" bien qu’il existe d’autres possibilités. Incidemment, Cleobis et Biton figurent parmi la dizaine de statues grecques originales qui subsistent et qui sont mentionnées dans ce que nous avons de la littérature grecque et latine.
Kouros (musée métropolitain d’art, New York)
Le Kouros de New York (environ 600 avant notre ère), en marbre cycladique et haut de six pieds, est le plus complet d’un groupe de premiers kouroïs trouvés dans l’attique. Ils sont si proches les uns des autres qu’ils ont dû être confectionnés par un seul sculpteur. atelier. Le visage de la figure new-yorkaise avec son contour ovale, son front et son crâne arrondis est l’antithèse de Daedalic, peut-être délibérément, et ses yeux sont très dominants, comme on peut le voir sur l’illustration si l’on pose un crayon leur. Le nez est malheureusement cassé, mais devait être étroit et proéminent. Il y a ici plus d’indications que de Cleobis sur les caractéristiques anatomiques du corps – par le modelage et le rainurage – et sur la conscience, voire rien de plus, de l’existence des hanches. Quelques traces de peinture rouge subsistent dans les narines, sur les mamelons et sur les bandes nouant les pointes des cheveux à l’arrière. Si l’on compare la statue de New York à celle de Cleobis, il est remarquable de voir quelle différence de effet pourrait être produite par les sculpteurs contemporains dans le cadre de la formule stricte du type kouros. La longueur des bras est particulièrement éclairante – courte dans l’équilibre compact de Cleobis, descendant plus bas sur les cuisses de la statue de New York pour compenser la lourdeur du haut – si l’on noircit la silhouette au-dessous de la poitrine, on pouvait s’attendre à une structure très différente. La date du kouros de New York devrait être sensiblement la même que celle de Cleobis, environ 600 ans avant notre ère, car dans certains détails, il est plus avancé bien que son effet général soit plus primitif. La raison en est probablement que le sculpteur du kouros de New York était peu orthodoxe. Il n’a pas d’ascendance évidente et pourrait bien avoir été le premier sculpteur à s’établir en Attique; Quoi qu’il en soit, bien que de nombreuses sculptures archaïques aient été découvertes en Attique, il n’ya pour l’instant rien de plus ancien que son travail. Il est curieux que la statue de New York, les premiers kouros pour lesquels une correspondance étroite avec Art égyptien a été revendiqué – au niveau des genoux, du nombril, des mamelons, des yeux et peut-être à la main – le style ne semble pas particulièrement égyptien.
Apollon de Ténée
L’ Apollo de Tenea , qui se trouve à Tenea près de Corinthe et n’est pas une image d’Apollon mais un monument funéraire, est également en marbre cycladique, d’une hauteur de cinq pieds et en très bon état. Sa date est d’environ 560 avant notre ère, une bonne génération plus tard que Cleobis et le kouros de New York. La figure humaine est maintenant beaucoup plus naturellement proportionnée, bien qu’elle soit encore trop large au niveau des épaules et trop étroite au niveau de la taille, et les traits de l’anatomie sont modelés de manière organique et sans exagération, ce qui contraste fortement avec le kouros de New York où ils apparaissent superficiels. et adjoints presque décoratifs. Dans l’Apollo de Ténée, la tête, du moins de face, n’a guère plus d’intérêt que le corps; les cheveux ont été simplifiés, les yeux – de taille réduite – sont encastrés au coin intérieur et les lèvres sont courbées joyeusement sous le «sourire archaïque»; mais la modélisation du ventre montre beaucoup plus de subtilité et si la figure est décapitée, elle souffre étonnamment peu. Dans la construction, les vues de face et de côté sont encore cardinales, bien que les transitions soient mieux gérées que dans les travaux précédents et qu’il s’agisse au total d’un rendu d’un homme qui semble capable d’un mouvement humain souple. Certes, l’Apollo de Tenea est d’une qualité exceptionnelle pour son époque, mais il est dommage qu’il n’y ait plus de sculpture archaïque de la Corinthie.
Kouros d’Aristodikos
Le kouros d’Aristodikos est un autre monument funéraire retrouvé à l’est du mont Hyrnettus, où la noblesse athénienne possédait des domaines. Le titre "d’Aristodikos" est gravé sur la marche supérieure de la base, avec les lettres choisies à la peinture rouge. Comme d’autres statues archaïques de l’Attique, il a vraisemblablement été enterré au moment de l’invasion perse, mais malheureusement sur le dos, de sorte que son visage a été marqué par le labour moderne. Le kouros Aristodikos a une hauteur de six pieds et demi, est en marbre de Parian et date d’environ 500 ans avant notre ère. A présent, la structure du corps est largement comprise, même au niveau de la taille, et de même le visage a une forme unifiée sans accentuation particulière d’un trait particulier. Même les cheveux de la tête ne doivent pas détourner l’attention de l’anatomie. Court et ajusté, il comporte deux rangées de boucles classiques simples autour du bord, tandis que la partie restante est finie approximativement avec une pointe – une alternative inhabituelle au courant ondulant fin à l’époque, sauf si elle était destinée à servir de stucco.
Pour des critiques de célèbres statues grecques, voir: Vénus de Milo (c.130-100 AEC) par Alexandros d’Antioche, et Laocoon et ses fils (c.42-20 AEC) par Hagesander, Athenodoros et Polydorus.
Le détail le plus remarquablement ornemental de cette figure sobre est le poil pubien, façonné selon une convention en vogue à la fin du sixième siècle et au début du cinquième. En général, le kouros d’Aristodikos a atteint les limites du style archaïque; pour une figure si naturellement construite, la posture est devenue raide et inconfortable. Peut-être le sculpteur le sentait-il aussi et, pour varier les idées, penchait les bras vers l’avant aux coudes, bien que cela nécessitât l’utilisation inesthétique de jambes de force. Quoi qu’il en soit, bien que la composition reste basée sur les quatre élévations régulières, la vue intermédiaire est plus vivante.
Les quatre kouroïs qui ont été discutés viennent tous de la Grèce européenne et, à l’exception de la statue de New York, sont typiques du style général de cette région. Les écoles des Cyclades semblent avoir été assez proches, bien que certaines pièces présentent un traitement un peu plus doux. Plus loin, la douceur dominait dans les ateliers de la Grèce orientale, qui se concentraient sur les formes charnues et superficielles et prenaient même plaisir à se plisser dans un pli bien rond. Néanmoins, les idéaux grecs et européens peuvent être considérés comme aristocratiques, l’un représentant l’homme qui a le temps de s’adonner à l’athlétisme et l’autre l’homme de propriété qui pourrait se permettre de manger.
Korai Archaïque
Le kore archaïque s’est développé d’une manière très différente des kouros. Comme elle devait être entièrement vêtue, les sculpteurs n’étaient pas tellement incités à explorer l’anatomie féminine et, jusqu’à ce qu’un style plus robuste apparaisse peu après 500 ans avant notre ère, leurs objectifs étaient de plus en plus décoratifs. Cela se voit dans le traitement des cheveux et même dans les traits du visage ainsi que dans les draperies, pour lesquelles une nouvelle formule a été mise au point vers le milieu du VIe siècle. La robe grecque, bien que fondamentalement simple, nécessite un peu d’attention. Les deux principaux vêtements, tant pour les hommes que pour les femmes, étaient le lourd "peplos" sans manches et le "chiton" léger (pour utiliser ces noms comme les archéologues les ont choisis pour les définir) et les deux auraient été constitués de pièces rectangulaires non façonnées de matériel, qui ont été épinglé ou boutonné ou cousu selon les besoins et ont été rassemblés à la taille par une ceinture. La déesse Auxerre porte donc un simple peplas avec une cape séparée sur les épaules; les héroïnes du fronton oriental d’Olympie portent un peplos avec renversement (c’est-à-dire que la partie supérieure du rectangle a été pliée en deux jusqu’à la taille); et le kore de l’ Acropole porte un chiton et au-dessus une sorte de manteau (ou "himation"), drapé en diagonale sur une épaule. Pourtant, le chiton de ce kore est sculpté comme si les parties supérieure et inférieure étaient deux vêtements séparés, et même sur la déesse Auxerre, les motifs du peplos – avec des écailles sur la poitrine mais pas sur le dos et la bande de méandre sur le devant de la jupe – semble improbable sur un seul morceau de tissu, si l’on songe ouvert. Il se peut que les vêtements grecs aient parfois été plus sophistiqués qu’on ne le suppose, mais les artistes ont souvent ignoré la logique du drapé.
Note sur l’évaluation de l’art
Pour apprécier l’art plastique de la Grèce antique, voir: Comment apprécier la sculpture. Pour les travaux ultérieurs, voir: Comment apprécier la sculpture moderne.
Déesse debout de Berlin
La « déesse debout de Berlin» aurait été trouvée dans la campagne de l’Attique, enveloppée dans une feuille de plomb et enterrée, vraisemblablement en 480 avant notre ère pour échapper à la destruction par les Perses. Il est en marbre local, six pieds de haut et daté d’environ 575 av. Le rouge est assez fidèle à la couleur d’origine et le jaune est moins bien conservé. Il y a quelques traces de bleu. La chair n’était pas peinte, les cheveux étaient jaunes, le chiton était rouge, mais nous ne connaissons pas la couleur du châle. Parmi les détails décoratifs, les fleurs sur les polos (ou le bonnet) étaient rouges; le méandre au cou de l’Ehiton a été choisi en rouge, jaune, bleu et blanc, et celui du devant de la jupe en rouge, jaune et bleu; et les sandales avaient des lanières rouges et des semelles jaunes.
En ce qui concerne la taille, la tête ne montre aucune trace du schéma dédalique et les cheveux sont coiffés avec une simplicité qui se conforme à la nature et qui ne détourne pas l’attention du visage avec ses yeux, son nez, ses joues et sa bouche emphatiques, fixés de la sorte. de l’ Apollo de Ténée dans le «sourire archaïque». Comme le prétendent certains historiens de l’art, ce sourire peut provenir de coupures plus profondes aux coins des lèvres, bien que cela n’explique pas leur courbe ascendante; mais quelle qu’en soit la cause, il est vite devenu un maniérisme, même – dans les reliefs et les frontons – pour des personnages dont la situation ne laisse rien sourire. La pose est bien sûr symétrique, bien que pour la variété les deux bras soient amenés à travers le corps. La draperie a également dépassé la planéité dédalique et est sculptée en larges plis peu profonds, qui tombent verticalement sauf à l’arrière du châle, où ils forment un ensemble de simples boucles suspendues d’une épaule à l’autre jusqu’à la taille. Qui le chiffre représente est incertain. La statue de Berlin est une figure féminine solidement efficace, même si son visage et son corps ne sont pas spécifiquement féminins, dans la mesure où ils se distinguent sous la robe enveloppante.
Vers la même époque, certains ateliers plus à l’est expérimentaient une version différente du kore. La forme de certaines de ces statues est tellement plus cylindrique que l’on peut soupçonner l’influence de figurines en ivoire, qu’elles soient syriennes ou leurs successeurs grecs, dont la forme tendait à rester fidèle à celle de la défense qu’elles ont été sculptées.
La robe ici, c’est le chiton, bientôt complétée régulièrement par un manteau porté sur une épaule et traversant la poitrine, et chaque vêtement est décoré de plis serrés et peu profonds qui suivent son mensonge. Une seule statue de ce genre garde encore la tête et celle-ci a une plénitude solide qui pourrait être tirée d’œuvres antérieures telles que le kouros de New York. Souvent, une main est posée sur les seins, tenant une petite offrande et l’autre pend au côté de la cuisse. Mais bientôt, peut-être vers 560 avant notre ère, cette main est utilisée pour saisir le côté de la jupe, déviant ainsi ses plis; et la prochaine étape, au plus tard 550 ans avant notre ère, consiste à exploiter les conséquences de l’embrayage en agençant la jupe en plis rayonnants sur le devant et étanches à la peau en travers des fesses et de l’arrière des jambes, tandis que les plis du les manteaux sont étendus et coupés plus profondément. Le visage et les cheveux aussi deviennent beaux, et généralement un pied est légèrement avancé, que ce soit pour animer la pose ou pour améliorer la stabilité mécanique de la statue. On pense généralement que ce type de kore est une invention ionienne ou grecque, mais les spécimens les plus élaborés semblent être des cyclades, alors que ceux que l’on trouve jusqu’à présent en Ionia sont plutôt clairs et, pour ce qu’il vaut, plus anciens, totalement ioniques. ’korai ont été trouvés en Grèce européenne. Néanmoins, partout où le nouveau kore a été inventé ou développé, il s’est rapidement répandu dans le monde grec.
Statue Numéro 682: Acropole
La statue no. 682. De l’Acropole d’Athènes est l’un des plus mûrs korai, au plus tard environ 525 av. Il mesure près de six pieds de hauteur, en marbre cycladique et – exceptionnellement – en deux parties principales, la jonction étant au niveau des genoux. L’avant-bras droit, qui s’étendait droit aussi, était – comme d’habitude – une pièce distincte, dont la souche est toujours fixée dans son alvéole. L’extrémité de la cape qui pend à l’avant était également sculptée séparément et sur la poitrine, on pouvait voir les trous de forage où des cheveux supplémentaires étaient attachés. Les cheveux étaient rouges, les sourcils noirs, le diadème décoré de palmettes rouges et bleues. La partie supérieure du chiton était peut-être jaune ou bleue, le reste de la draperie non peinte, à l’exception de bandes de motifs le long des bordures et sur le devant de la jupe et d’une multitude de petits ornements soignés ailleurs; cette décoration était principalement en rouge et bleu avec probablement des touches de vert et de jaune. Il y avait aussi un collier peint mais non sculpté; le bracelet était de couleur bleue; et les sandales étaient rouges avec des détails bleus. Pour compléter l’effet original, la tige en métal sur le dessus de la tête devrait être redressée et coiffée d’un petit parapluie en bronze (les «meniskos»), une protection courante contre les oiseaux lorsque les statues étaient à l’air libre. Comparé au kouroi contemporain, la tête de l’Acropole 682 est intéressante. Évidemment, il était censé être à la mode féminine avec son crâne haut bombé, ses yeux bridés (une fois remplis de pâte), ses paupières à demi fermées et ses pommettes saillantes; mais mis à part les seins invraisemblables, les formes caractéristiques du corps féminin ne sont pas très prises en compte et, bien que le sculpteur se soit laissé une chance suffisante dans la partie inférieure de sa silhouette, il semble qu’il ait utilisé le kouros comme modèle. Cette révélation des formes des fesses et des jambes était un vagary sculptural, qui n’a pas été trouvé si tôt dans la peinture sur vase; et l’astuce consistant à faire suivre des courbes serrées à l’intérieur des jambes d’un matériau très étiré est également sculpturale et ne remplace pas la transparence possible en peinture, car les peintres de cette époque évitaient la vue de dos et même de face. Le style de ces korai est intelligent et même brillant, mais il ne mène pas plus loin. En une génération, les sculpteurs se tournent vers un standard plus austère mais plus prometteur pour leurs figures féminines.
Le kore fragmentaire dédié par Euthydikos est l’une des dernières statues parmi les débris persans de l’acropole athénienne et pourrait être daté des années 480 avant notre ère. Le milieu est perdu, mais à l’origine, il devait avoir environ quatre pieds de haut, sans compter la colonne Done sans cannelures sur laquelle il était perché. Le système de drapé et le style des cheveux sont ceux de la corbeille «ionique», bien que la plupart des détails soient superficiels et même sévères, mais il y a aussi des innovations positives. Cela est particulièrement évident dans le visage avec sa structure unifiée sévère, son rejet du charme féminin et sa bouche peu souriante et agressive; et le corps aussi est plus solide, surtout dans sa profondeur d’avant en arrière. C’est une statue de valeur plus historique qu’esthétique, et son effet a dû être encore plus incongru lorsqu’il a été achevé. La formule «ionique» du kore ne correspondait pas aux normes austères auxquelles les artistes étaient attirés au début du Ve siècle et ce dont nous avions besoin n’était pas une adaptation, mais un changement révolutionnaire.
Pour une liste des meilleures statues, statuettes et reliefs qui subsistent du art de l’Antiquité Classique, s’il te plait regarde: Les plus grandes sculptures de tous les temps. Pour le néoclassicisme, voir: Sculpteurs néoclassiques.
Archaïque sculpture en relief tombe en trois classes selon la forme du champ. De nombreuses pierres tombales du sixième siècle étaient de grandes dalles étroites, sculptées (ou simplement peintes) avec une figure unique, debout et de profil. Ce genre de monument funéraire est surtout connu en Attique, où il pourrait être surmonté d’une petite statue compacte d’un sphinx assis ou plus tard d’une palmette. Le changement intervient peu après le milieu du siècle lorsque, à mesure que l’habileté anatomique et le goût s’améliorent, monstres et animaux (autres que le cheval) deviennent des sujets indignes du sculpteur sérieux. Incidemment, le sphinx et le lion (également trouvés sur les premiers monuments funéraires) pourraient être utilisés comme dédicaces dans des sanctuaires et n’étaient donc guère des symboles de la mort. Les Grecs ont peut-être eu l’idée d’être une sorte de chien de garde, mais comme le montrent les peintures sur vases, de telles créatures n’auraient pas été tolérées dans l’art si elles n’avaient pas été considérées comme décoratives. La deuxième classe de reliefs, plus ou moins carrée, comprend les tablettes de métope sculptées de temples et de trésors doriques ainsi que de graves reliefs. Ici, pour remplir l’espace, un groupe de deux ou trois personnages est habituel; et s’il n’ya qu’une figure, elle se pose de manière à s’étendre latéralement, comme les figures uniques de la peinture de vases à l’intérieur des tasses archaïques. Enfin, il y a de longs reliefs – pour les frises de l’architecture ionique ou les bases de statues. Les scènes d’action sont presque inévitables dans de tels domaines.
La composition et les poses sont très semblables à celles de la peinture sur vase. Les chefs de personnages ont normalement atteint le sommet du champ. Certains groupes se chevauchent, ce qui évite plutôt que d’indiquer la profondeur de la scène et il est très rare que le décor soit même suggéré. Les visages sont généralement de profil, bien que les vues complètement frontales soient peut-être moins rares que sur les vases; les épaules et la poitrine sont frontales ou de profil en fonction de l’action de la figure, et le ventre et les jambes sont de profil. Les jonctions entre les vues frontale et de profil sont abruptes, sans transition organique, bien que certains sculpteurs sensibles aient tenté de masquer plus tard le pivotement maladroit à la taille d’une figure nue en passant un bras devant elle. La direction du mouvement est bien sûr latérale, et les poses et les gestes sont clairs et emphatiques. La profondeur de la sculpture varie; Les pierres tombales, pour des raisons évidentes, ont généralement un relief beaucoup moins profond que la sculpture architecturale.
Le premier pedimental sculpture en pierre qui survit est d’environ 580 avant notre ère et provient du temple d’Artémis à Corcyre ou, pour utiliser le nom vénitien bien connu, Corfou. Le matériau utilisé était du calcaire, le champ mesurait environ 55 pieds de long sur 8, 5 de haut au centre et la conception des deux frontons était exceptionnellement semblable. Dans le fronton ouest, qui est bien mieux conservé, le groupe central est composé de la méduse Gorgone avec ses deux enfants, du cheval ailé Pégase et de l’humain Chrysaor. De chaque côté se trouve une "panthère" (ou plutôt, puisqu’elle a des taches, un léopard); tout à fait à droite, Zeus, reconnaissable à son coup de foudre, tue un géant à côté d’un arbre, et dans le coin gauche, se trouve un autre cadavre, puis un mur en vue de face et une silhouette assise menacée par une autre silhouette avec une lance – incident du sac de plateau ou un autre extrait de la bataille des dieux et des géants. Certains étudiants investissent les panthères avec de vagues fonctions surnaturelles, mais il est plus crédible qu’ils soient avant tout décoratifs, choisis parce qu’ils s’intègrent bien dans le domaine et qu’ils pourraient être taillés rapidement – une économie souhaitable dans un si grand travail; Medusa n’est pas non plus nécessairement "apotropaïque". La conception de ce fronton est impressionnante, sauf peut-être aux extrémités, mais il n’y a pas d’unité d’échelle ou de sujet. Donc, Zeus, bien que le plus grand des dieux, est un nain en comparaison avec Medusa, qui n’était qu’un personnage mineur dans la mythologie et même pas immortel. Cela a également pour conséquence insatisfaisante que les grandes figures apparaissent en relief relativement faible, tandis que les groupes d’artistes subalternes dans les angles se détachent presque en rond et que le contraste devait être encore plus troublant lorsque les sculptures ont été exposées à la lumière directe du soleil. Il semble que le sculpteur ait dû être l’un des pionniers de la composition au fronton.
Fronton Barbe Bleue
Le « fronton de la Barbe Bleue» a été constitué à partir de fragments trouvés sur et près de l’Acropole d’Athènes, bien que certains doutent encore de savoir si le centre et les deux côtés appartiennent l’un à l’autre. Il est également en calcaire, à peu près de la même taille que le fronton de Corfou et, à en juger par la tête des hommes, quelques années plus tard seulement. Ici, le centre est rempli par deux lions qui agitent un taureau, un thème utilisé également dans la peinture de vases. À gauche, Heracles se bat avec Triton. À droite, il y a un monstre à trois corps et de la place pour une autre silhouette, qui a disparu mais qui est peut-être un homme qui court. Les couleurs sont remarquablement préservées – rouge pour la chair et rouge et bleu pour les autres parties. En composition, ce fronton est moins ambitieux et plus réussi que celui de Corfou; les têtes sont posées pour donner différentes vues – une indication que ce genre de sculpture établissait maintenant ses propres règles – et les chiffres concordent assez bien en taille, mais le remplissage des coins avec des queues de poisson et de serpent est plutôt facile. Le schéma est répété dans le squelette de l’autre fronton du même temple, s’il a été correctement restauré avec deux lions accroupis, flanqués chacun d’un grand serpent. Là encore, il existe un écart, bien que moins catégorique qu’à Corfou, entre le groupe central et les groupes latéraux, l’un en relief et l’autre sculptés en partie dans le rond.
D’autres ensembles de sculptures à fronton, contemporains du fronton de Bluebeard ou peu de temps après, ont également été trouvés sur l’Acropole athénienne. Celles-ci sont également en calcaire, mais proviennent de petits bâtiments (comme des trésors) et peut-être en raison de leur petite taille plus expérimentale, bien que l’expérience consiste en partie à forcer dans un cadre triangulaire une composition conçue pour un champ rectangulaire. La technique varie du bas relief aux chiffres de la ronde et offre des sujets unifiés de la mythologie. Le fronton est du trésor siphnien à Delphes, qui mesurait 19 pieds sur 2, 5, n’est guère plus avancé, bien qu’il soit en marbre et aussi tard que 525 av. Son sujet est la bagarre entre Héraclès et Apollon sur le trépied de Delphic avec un Zeus entièrement habillé intervenant. Il y a des passants de part et d’autre et le sculpteur n’a pas fait beaucoup d’efforts pour modifier leurs poses, de sorte que la composition soit monotone et que les personnages soient intégrés dans le champ par le malheureux expédient de réduire leur hauteur au centre. Le mur qui atteint la moitié du fronton et qui consiste à sculpter les parties inférieures de certaines figures en relief, tandis que leurs parties supérieures restent libres, est un élément de maladresse plus étrange. De toute évidence, l’homme qui a créé ce fronton n’était pas le créateur de la frise est.
Gigantomachie Fronton
Le fronton de la gigantomachie, datant également d’environ 525 ans avant notre ère, est le premier grand fronton en marbre que nous connaissions. Il a appartenu à un temple de l’Acropole d’Athènes et son champ est estimé à environ 65 pieds. Ce qui reste suggère que Zeus et Athena ont été placés dos à dos au centre, frappant leurs adversaires. Trois géants sont aussi en train de s’effondrer ou de ramper au sol. Le nombre total de chiffres à l’origine n’était probablement que de dix, mais, bien que la composition soit peu précise, il apportait une solution satisfaisante au problème principal de l’art du prétexte; une bataille, avec des combattants tombés et accroupis, permet un remplissage logique et intégré du terrain avec des figures de même ampleur. Voir aussi la gigantomachie dans le Parthénon métopes.
Temple d’Aphaia sur Égine
Le temple d’Aphaia à Égine a été construit vers la fin de la période archaïque et nous avons une grande partie de ses deux ensembles de sculpture en marbre et, curieusement, des fragments de figurines supplémentaires et un acrotère dans le style du fronton ouest. Celles-ci semblent avoir été destinées au fronton est, mais auraient pu être jetées avant leur mise en place. Le fronton ouest, mesurant environ 43 pieds de large et 6 pieds de haut, a au centre Athéna, une tête plus haute que celle des mortels, et six soldats le poignant et le tirant vers le coin. Les poses sont variées de manière réfléchie et la composition est maintenue fermement par un système de lignes obliques. Dans le fronton est, Athéna se trouve de nouveau au centre, bien que moins stationnaire. Sur chaque côté, un groupe de quatre personnages est engagé dans la bataille tandis qu’un cinquième retentit meurt dans le coin. Les soldats tombant à reculons, une de chaque côté, sont une expérience qui n’a pas réussi. Pour les personnages parfaitement arrondis (comme le sont aujourd’hui les sculptures de fronton), la sculpture grecque ne s’est jamais montrée favorable à un tel défi apparent à la gravité. Le fronton oriental a un style un peu plus avancé que celui de l’autre, mais il ne tente toujours pas de représenter la torsion du corps et, si la théorie du remplacement ultérieur peut être écartée, les deux ensembles pourraient tout aussi bien être des œuvres contemporaines. d’environ 510 à 500 avant notre ère, l’un par un conservateur et l’autre par un maître moderne. Les frontons d’Égine sont tellement sculptés que certains étudiants pensent qu’ils ont été inspirés par le travail du bronze et composés de manière si sûre qu’ils donnent presque l’impression d’exercices académiques dans le remplissage d’un champ effilé.Pour les personnages parfaitement arrondis (comme le sont aujourd’hui les sculptures de fronton), la sculpture grecque ne s’est jamais montrée favorable à un tel défi apparent à la gravité. Le fronton oriental a un style un peu plus avancé que celui de l’autre, mais il ne tente toujours pas de représenter la torsion du corps et, si la théorie du remplacement ultérieur peut être écartée, les deux ensembles pourraient tout aussi bien être des œuvres contemporaines. d’environ 510 à 500 avant notre ère, l’un par un conservateur et l’autre par un maître moderne. Les frontons d’Égine sont tellement sculptés que certains étudiants pensent qu’ils ont été inspirés par le travail du bronze et composés de manière si sûre qu’ils donnent presque l’impression d’exercices académiques dans le remplissage d’un champ effilé.Pour les personnages parfaitement arrondis (comme le sont aujourd’hui les sculptures de fronton), la sculpture grecque ne s’est jamais montrée favorable à un tel défi apparent à la gravité. Le fronton oriental a un style un peu plus avancé que celui de l’autre, mais il ne tente toujours pas de représenter la torsion du corps et, si la théorie du remplacement ultérieur peut être écartée, les deux ensembles pourraient tout aussi bien être des œuvres contemporaines. d’environ 510 à 500 avant notre ère, l’un par un conservateur et l’autre par un maître moderne. Les frontons d’Égine sont tellement sculptés que certains étudiants pensent qu’ils ont été inspirés par le travail du bronze et composés de manière si sûre qu’ils donnent presque l’impression d’exercices académiques dans le remplissage d’un champ effilé.mais il n’essaie toujours pas de représenter la torsion dans le corps et, si la théorie du remplacement ultérieur peut être écartée, les deux ensembles peuvent aussi bien être des œuvres contemporaines datant d’environ 510 à 500 ans avant notre ère, l’une par un conservateur et l’autre par un moderne. Maître. Les frontons d’Égine sont tellement sculptés que certains étudiants pensent qu’ils ont été inspirés par le travail du bronze et composés de manière si sûre qu’ils donnent presque l’impression d’exercices académiques dans le remplissage d’un champ effilé.mais il n’essaie toujours pas de représenter la torsion dans le corps et, si la théorie du remplacement ultérieur peut être écartée, les deux ensembles peuvent aussi bien être des œuvres contemporaines datant d’environ 510 à 500 ans avant notre ère, l’une par un conservateur et l’autre par un moderne. Maître. Les frontons d’Égine sont tellement sculptés que certains étudiants pensent qu’ils ont été inspirés par le travail du bronze et composés de manière si sûre qu’ils donnent presque l’impression d’exercices académiques dans le remplissage d’un champ effilé.Les frontons d’Égine sont tellement sculptés que certains étudiants pensent qu’ils ont été inspirés par le travail du bronze et composés de manière si sûre qu’ils donnent presque l’impression d’exercices académiques dans le remplissage d’un champ effilé.Les frontons d’Égine sont tellement sculptés que certains étudiants pensent qu’ils ont été inspirés par le travail du bronze et composés de manière si sûre qu’ils donnent presque l’impression d’exercices académiques dans le remplissage d’un champ effilé.
Bien que la sculpture des frontons soit la décoration la plus imposante de l’extérieur d’un temple, les Grecs n’ont pas besoin que son sujet soit particulièrement lié au dieu ou à la déesse à qui appartient le temple. Les frontons de Corfou n’ont rien à voir avec Artemis, pas plus que le fronton Bluebeard et son pendant avec Athéna, bien que le sujet du Trésor siphnien s’applique à Delphes et qu’au fronton à la gigantomachie, Athéna joue un rôle moteur. En ce qui concerne les frontons d’Égine, Aphaïa à qui le temple a été dédié est pour nous une divinité ombreuse liée à Artémis, mais la déesse dominant chaque ensemble de sculptures est indéniablement Athéna. Il semble donc que les sculptures de frontons, comme celles de tablettes et de frises de métope, étaient davantage destinées à ravir qu’à glorifier la divinité protectrice.
Déjà dans le fronton de Corfou, certaines figures avaient été sculptées presque en rond et, comme cette pratique devenait de plus en plus courante, même les dos étaient souvent finis avec des détails plus ou moins soigneux, de sorte que leur forme pouvait souvent être considérée comme une statue. Pourtant, les poses libres de ces statues-frontales n’ont aucune influence sur les statues ordinaires, qui jusqu’au début du Ve siècle étaient encore régies par les règles de la symétrie frontale. En réalité, la sculpture à fronton était alors considérée comme un relief spécial, du moins jusqu’aux innovations remarquables du Parthénon, et la raison pour laquelle elle était sculptée était probablement destinée à la faire ressortir de manière plus catégorique dans sa position exaltée.
Pour plus d’informations sur les styles et les designs architecturaux de la Grèce antique, voir: Architecture grecque.
Les Grecs du sud de l’Italie et de la Sicile ont naturellement accepté le style de sculpture archaïque, suivant dans l’ensemble le modèle de la Grèce européenne, mais souvent tardivement. Ce retard n’était certainement pas dû à la pauvreté ou à l’inertie, et la principale raison pourrait être l’éloignement des stocks de marbre, de sorte que les ateliers locaux ont dû se débrouiller plus longtemps avec le support inférieur du calcaire. Une idiosyncrasie curieuse est un penchant pour la gravure sur les métopes mais pas pour les frontons des temples Daric, contrairement à la mode de la Grèce contemporaine. En Étrurie, les ingrédients de la sculpture archaïque locale étaient plus variés et leur usage variait, de sorte qu’il était difficile de définir un concept général. Art étrusque style. Ici, la pierre locale, un tuf doux, ne permettait aucune délicatesse de sculpture et le meilleur travail était effectué en terre cuite, même pour la statuaire architecturale. Que ce soit par difficulté à attirer des artistes grecs ou par une particularité du goût autochtone, de nombreuses sculptures étrusques sont restées essentiellement archaïques jusqu’à la fin du Ve siècle. Dans le sens opposé, Chypre a emprunté certaines caractéristiques de l’archaïque grec pour ses statues hybrides calcaire, avec des résultats malheureux. Chypre était en partie un pays grec, mais à la fin du VIe siècle, l’art grec a laissé une empreinte sur les civilisations non grecques de l’Est. Le long de la côte syrienne et phénicienne, des figurines locales ont commencé à être empruntées au style archaïque et à l’ art sculptural de la cour de l’empire perse. (qui avait annexé l’Ionie et le reste de l’Anatolie occidentale en 547 avant notre ère) incluait quelques traits grecs dans sa formule.
En Grèce même, peu de détails archaïques ont survécu à la transition vers le classique au début du Ve siècle. L’exemple le plus notable est les cheveux de hermes – ces blocs de pierre rectangulaires coiffés d’une tête et d’un phallus qui, malgré tout, sont devenus à Athènes des objets familiers de piété privée. Il y a aussi les statues de culte qui apparaissent dans certaines peintures et certains reliefs de vases classiques et sont souvent représentées de manière archaïque raide, moins peut-être pour leur donner un air de temps et de vénération que parce qu’autrement elles ne pourraient pas être distinguées des figures animées. Cependant, certains sculpteurs se sont peu à peu intéressés au style archaïque et, à partir de la fin du Ve siècle, des réminiscences ou des adaptations sont parfois apportées au traitement des cheveux ou du drapé. Plus tard, pendant la Vers la fin de la période grecque de la sculpture grecque et beaucoup plus encore, de petites écoles archaistiques se sont développées, produisant principalement des reliefs pour des clients éclectiques. Dans la plupart des œuvres archaïstes, les postures étaient assez raides et les cheveux étaient assez fidèles aux formules archaïques, mais la draperie était généralement déformée pour donner des plis de machaon exagérés et les visages étaient modernisés. au besoin, de bonnes copies ou de faux pourraient être retournés. À l’époque romaine, le style archaïque jouissait d’une vogue limitée, mais le goût des antiquaires ne remontait généralement pas à la période de la grande époque classique..
À l’époque moderne, la première reconnaissance de la sculpture archaïque s’est faite avec la découverte des figures du fronton d’Egine en 1811 et de leur exposition à Munich en 1830, mais elles étaient étrangères au goût de l’époque et, bien que Thorvaldsen restaurés avec une compréhension honorable et même tenté une œuvre originale dans leur style, ils n’ont eu aucun effet appréciable. Peu à peu, de plus en plus de statues et de reliefs archaïques sont apparus et dans les années 1880, l’Acropole athénienne était riche, de sorte que les archéologues se sont au moins familiarisés avec le style archaïque, même si la plupart d’entre eux le jugeaient encore selon les normes classiques. Ce n’est que tôt dans ce siècle que certains sculpteurs, par exemple Mestrovic et Eric Gill, ont trouvé quelque chose de sympathique dans la sculpture grecque archaïque, bien que fidèles à la tradition de Praxitèle, ils n’ont pas abandonné le nu féminin. Le goût de la culture a suivi et depuis les années 1920, la sculpture archaïque a été admirée, mais pas toujours de manière critique. Certes sa composition est simple, il existe un contraste étudié entre les formes fortes et les détails décoratifs (bien que la décoration puisse sembler plutôt exagérée sur de nombreux korai), la qualité de la finition est très élevée, plus que dans aucune autre période de la sculpture grecque, pas aigri par des copies inférieures. Pourtant, si les mérites du style archaïque sont évidents, il en va de même pour ses limites.
Ressources:
Pour des articles sur les arts visuels de l’Antiquité classique, voir:
Sculpture de la Grèce antique (Introduction)
Peinture grecque archaïque (c.600-500)
Sculpture grecque classique tardive (C.400-323 AEC)
Peinture grecque d’époque classique (c.500-323 AEC)
Statues et reliefs de style hellénistique (c.323-27 AEC)
Peinture grecque de la période hellénistique (c.323-27 AEC)
Héritage de la peinture grecque
Art du métal grec (VIIIe siècle avant notre ère)
Si vous remarquez une erreur grammaticale ou sémantique dans le texte, veuillez la spécifier dans le commentaire. Merci!
Vous ne pouvez pas commenter Pourquoi?