Architecture, histoire:
évolution de la conception des bâtiments

Depuis l’Antiquité, l’architecture - l’art de concevoir et de construire des bâtiments - a toujours été étroitement liée à l’histoire de l’art, pour au moins trois raisons.

La relation entre l’architecture et l’art

Tout d’abord, de nombreux édifices publics (en particulier les édifices religieux) ont été conçus dans un souci d’esthétique, mais aussi de fonctionnalité. Ils ont été conçus pour inspirer et remplir des fonctions publiques. Par conséquent, ils ont attiré un large éventail d’artistes «» et d’artistes décorateurs, ainsi que des ouvriers. Deuxièmement, dans beaucoup de ces bâtiments, les extérieurs et les intérieurs servaient de vitrines pour les beaux-arts (par exemple, la chapelle Sixtine), les frises et les reliefs (par exemple, le Parthénon, les cathédrales gothiques européennes), les vitraux (par exemple, la cathédrale de Chartres) et d’autres œuvres d’art telles que les mosaïques et le travail du métal. Troisièmement, les programmes de construction publique allaient généralement de pair avec le développement des arts visuels, et la plupart des grands mouvements «artistiques» (par exemple Renaissance, baroque, rococo, néoclassique) ont influencé à la fois l’architecture et les arts visuels.

L’architecture ancienne

L’architecture ancienne avait deux fonctions principales :

❶ consolider la sécurité et le pouvoir ;

❷ plaire aux dieux.
Plus la société était riche, plus ces fonctions devenaient importantes.
Voir aussi : Histoire de l’art : Chronologie .

Architecture égyptienne

La première grande civilisation à émerger autour du bassin méditerranéen est la civilisation égyptienne (3100-2040 av. J.-C.). Outre sa propre écriture, sa religion et sa classe dirigeante dynastique, elle a développé un style unique d’architecture égyptienne, consistant principalement en des chambres funéraires massives en forme de pyramide (à Gizeh) et des tombes souterraines (dans la Vallée des Rois, à Louxor, dans le désert). La conception était monumentale mais pas architecturalement complexe, et utilisait des poteaux et des linteaux plutôt que des arcs, bien que l’expertise égyptienne en matière de pierre ait eu une forte influence sur l’architecture grecque ultérieure. Parmi les exemples célèbres d’architecture pyramidale égyptienne , on peut citer : La pyramide à degrés de Djéser (vers 2630 av. J.-C.), conçue par Imhotep l’un des plus grands architectes du monde antique - et la Grande Pyramide de Gizeh (vers 2550. J.-C.), également appelée pyramide de Khéops ou «pyramide de Khéops», est la plus ancienne des sept merveilles du monde compilées par Antipater de Sidon (170-120 av. J.-C.). Plus tard, au cours du Moyen et du Bas-Empire (vers 2040-300 de notre ère), les Égyptiens ont construit plusieurs palais à Karnak (par exemple le temple d’Amon, 1530 avant J.-C.). Ces chefs-d’œuvre architecturaux étaient décorés d’une variété d’œuvres d’art - dont peu ont survécu - comprenant des fresques, des panneaux, des sculptures et des objets en métal représentant divers dieux, divinités, souverains et animaux symboliques dans le style hiératique unique de l’art égyptien, ainsi que des inscriptions hiéroglyphiques. Pour plus de détails, voir Architecture égyptienne primitive (3100-2181) ; Architecture égyptienne du Moyen Empire (2055-1650) ; Architecture égyptienne du Nouvel Empire (1550-1069) ; Architecture égyptienne tardive (1069 BCE-200 CE).

Pour une comparaison avec l’architecture pyramidale des débuts de l’Amérique, voir Art précolombien (ca. 1200 BCE - 1535 CE).

Architecture sumérienne

Pendant ce temps, en Mésopotamie et en Perse (vers 3200-323 av. J.-C.), la civilisation sumérienne créait un édifice unique en son genre : une pyramide à degrés appelée ziggourat. Mais contrairement aux pyramides des pharaons égyptiens, les ziggourats n’ont pas été construites comme des tombes, mais comme des montagnes artificielles destinées à rapprocher les souverains et le peuple sumériens de leurs dieux, qui étaient censés vivre dans les montagnes à l’est. Les ziggourats étaient construites en briques d’argile cuites, souvent recouvertes de glaçures colorées. Pour plus de détails, voir : L’art sumérien (vers 4500-2270 av. J.-C.). Sur les autres cultures de l’Irak ancien, voir Art assyrien (ca. 1500-612 BCE) et Art hittite (ca. 1600-1180 BCE). Vue d’ensemble : Art mésopotamien (ca. 4500-539). Voir aussi : Chronologie de l’art préhistorique .

L’architecture irlandaise primitive

Vers la fin de l’âge de pierre les mégalithes cérémoniels (structures construites avec de grandes pierres), tels que la tombe mégalithique de Knowth (vers 3300 av. J.-C.) et la tombe de l’île d’Aarhus

L’architecture minoenne

Le premier art européen de l’Antiquité classique a été créé par les Minoens sur l’île de Crète. L’architecture minoenne utilisait un mélange de pierre, de brique crue et de plâtre pour construire des palais élaborés (par exemple, le palais de Knossos vers 1700-1400 avant notre ère) ainsi que des chambres funéraires à dôme (tholos) cachées dans les collines. Beaucoup de ces bâtiments étaient décorés de fresques et de peintures murales colorées représentant des symboles d’animaux mythologiques (comme le taureau) et des événements. Malheureusement, une grande partie de l’architecture minoenne a été détruite par des tremblements de terre vers 1200 av. La Crète a ensuite été envahie par les Mycéniens, venus de la Grèce continentale, qui ont donné naissance à une culture et à une civilisation grecques unifiées quelques siècles plus tard.

L’architecture grecque

L’histoire de l’art et de l’architecture dans la Grèce antique se divise en trois grandes périodes : la période archaïque (vers 600-500 av. J.-C.), la période classique (vers 500-323 av. J.-C.) et la période hellénistique (vers 323-27 av. J.-C.), voir aussi : L’art égéen . Vers 600 avant J.-C., inspirés par la théorie et la pratique des premiers maçons et constructeurs égyptiens, les Grecs ont commencé à remplacer les structures en bois de leurs bâtiments publics par de la pierre, un processus connu sous le nom de «fossilisation». La pierre calcaire et le marbre sont utilisés pour les colonnes et les murs, et la terre cuite pour les tuiles et la décoration. La décoration est en métal, sous forme de bronze.

Comme les peintres et les sculpteurs, les architectes grecs ne jouissaient pas du statut élevé de leurs successeurs. Ils n’étaient pas considérés comme des artistes mais comme des commerçants. Ainsi, les noms d’architectes ne sont pas connus vers le Ve siècle av. Les bâtiments publics les plus courants étaient les temples, les bâtiments municipaux, les théâtres et les stades.

Les méthodes architecturales de la Grèce antique

L’architecture grecque utilise des méthodes simples de construction de piliers et de linteaux. Ce n’est qu’à l’époque romaine que l’arc a été développé pour couvrir de grandes distances. Par conséquent, les architectes grecs devaient utiliser beaucoup plus de colonnes de pierre pour soutenir de courtes poutres horizontales au-dessus de leur tête. En outre, ils ne pouvaient pas construire des bâtiments avec de grands espaces intérieurs sans des rangées de colonnes de soutien intérieures. Le format de construction standard utilisé dans les bâtiments publics tels que l’Hephaisteum à Athènes était constitué de grands blocs de calcaire ou d’une pierre poreuse légère connue sous le nom de tuf. Le marbre, plus rare et plus précieux, était utilisé pour la décoration sculpturale, sauf dans les édifices les plus majestueux, comme le Parthénon sur l’Acropole.

La conception des bâtiments grecs

Le bâtiment rectangulaire typique était souvent entouré de colonnes sur les quatre côtés (par exemple, le Parthénon) ou, plus rarement, seulement à l’avant et à l’arrière (par exemple, le temple d’Athéna Nike). Les toits étaient constitués de poutres en bois recouvertes de tuiles en terre cuite et n’étaient pas coiffés d’un dôme. Les pignons (une forme triangulaire aplatie à chaque extrémité du bâtiment) étaient généralement ornés de décorations sculpturales ou de frises, tout comme une série de linteaux le long du sommet de chaque mur latéral entre le toit et le sommet des colonnes. À la fin du IVe et au Ve siècle avant J.-C., les architectes grecs ont commencé à abandonner le plan strictement rectangulaire des temples traditionnels au profit d’une structure circulaire (tolos) décorée de marbre noir pour mettre en valeur certains éléments architecturaux et créer de riches contrastes de couleurs.

Ces édifices étaient décorés d’un vaste éventail de sculptures grecques - frontons, frises, reliefs et divers types de statues autoportantes à caractère figuratif, représentant des héros mythologiques et des événements de l’histoire et de la culture grecques.

Les principes de l’architecture grecque : les ordres classiques

La théorie de l’architecture grecque - peut-être la forme la plus influente de l’art grec classique était basée sur un système d’ordres classiques «» - des règles pour la conception des bâtiments basées sur les proportions des parties individuelles et entre elles. Cela permettait d’obtenir une apparence esthétiquement agréable, indépendamment de la taille ou des matériaux utilisés. L’architecture grecque primitive comportait trois ordres : le dorique, le ionique, et le corinthien . Le style dorique était courant en Grèce continentale et s’est ensuite répandu dans les colonies grecques d’Italie. Le style ionique était utilisé dans les villes d’Ionie sur la côte ouest de la Turquie et sur d’autres îles de la mer Égée. Alors que le style dorique était austère, le style ionique était moins sobre et plus décoratif. Un troisième style, le style corinthien, est apparu plus tard et représentait un développement plus riche de l’ordre ionique. Les différences entre ces styles apparaissent le plus clairement dans la relation entre le diamètre de la base et la hauteur des colonnes. L’architecture dorique (illustrée par des édifices grecs tels que le Parthénon et le temple d’Héphaïstos à Athènes) était plus populaire à l’époque classique, tandis que le style ionique a pris le dessus pendant la période plus calme de l’art hellénistique (323-30 av. J.-C.).

Bâtiments célèbres de la Grèce antique

Parmi les exemples célèbres de l’architecture grecque antique, on peut citer : le complexe de l’Acropole (550-404 av. J.-C.), y compris le Parthénon (447-422 av. J.-C.), les temples de Pestum (550 av. J.-C.), le temple de Zeus à Olympie (468-456 av. J.-C.), le temple d’Héphaïstos (v. 449 av. J.-C.), le temple d’Athéna Nike (427 av. J.-C.), le théâtre de Delphes (v. 400 av. J.-C.), le temple de Tholos Athéna Pronée (380-360 av. J.-C.), et l’autel de Pergame (v. 166-156 av. J.-C.). Voir aussi : Sculpture de la Grèce antique .

L’architecture romaine

Contrairement aux Grecs, plus créatifs et intellectuels, les Romains étaient des gens essentiellement pratiques, doués pour l’ingénierie, la construction et les questions militaires. Dans leur architecture, comme dans leur art, ils ont beaucoup emprunté aux Étrusques (par exemple, dans leur utilisation de l’hydraulique pour nettoyer les marécages et construire des arches) ainsi qu’aux Grecs, qu’ils considéraient comme leurs supérieurs dans tous les aspects visuels de l’art. Cependant, sans l’art romain qui avait le génie de copier et d’adapter les styles grecs - la plupart des réalisations artistiques de l’antiquité grecque auraient été perdues.

Les priorités architecturales de la Rome antique

L’architecture romaine répondait aux besoins de l’État romain, qui cherchait à impressionner, divertir et servir une population croissante dans des zones urbaines relativement petites. Le drainage était une préoccupation commune, tout comme la sécurité. Tout cela, ainsi que le désir croissant de Rome d’accroître son pouvoir et sa grandeur dans toute l’Italie et au-delà, exigeait que les bâtiments publics soient imposants, grands et hautement fonctionnels. Les réalisations de l’architecture romaine en matière de systèmes de drainage, d’aqueducs (par exemple l’aqueduc de Ségovie, 100 apr. et plus de 11 aqueducs à Rome même, comme l’Aqua Claudia et l’Anio Novus) et les ponts (par exemple, le Pont du Gar), les routes, les structures municipales telles que les bains publics (par exemple, les thermes de Caracalla et les thermes de Dioclétien), les installations sportives et les amphithéâtres (par exemple, le Colisée, 72-80 ap. J.-C.), et même les systèmes de chauffage central. De nombreux temples et théâtres ont également été construits. Plus tard, avec l’expansion de leur empire, les architectes romains ont saisi l’occasion de créer de nouvelles villes à partir de zéro, en élaborant des plans de quadrillage basés sur deux larges rues, un axe nord-sud (cardo) et un axe est-ouest (decumanus). Le centre de la ville se trouvait à l’intersection de ces deux axes. Ils construisaient également en hauteur ; par exemple, Ostie, une ville portuaire riche près de Rome, compte un certain nombre d’habitations de cinq étages.

Les réalisations architecturales : les arcs et le béton

L’architecture romaine a bénéficié d’avancées significatives en matière de conception et de nouveaux matériaux. La conception a été améliorée par des développements architecturaux dans la construction d’arcs et de dômes de toit. Les arcs augmentaient l’efficacité et la capacité des ponts et des aqueducs (moins de colonnes étaient nécessaires pour soutenir la structure), tandis que les toits en dôme permettaient non seulement de créer de grands espaces ouverts sous la voûte, mais donnaient également à l’extérieur un aspect impressionnant de grandeur et de majesté, comme dans plusieurs basiliques laïques et chrétiennes importantes telles que le Panthéon.

Le développement des matériaux était également crucial, comme l’a écrit l’architecte romain Vitruve (vers 78-10 av. J.-C.) dans son livre De Architectura . L’invention romaine du béton (opus caementicium), un mélange de mortier de chaux, de sable, d’eau et de pierres, au IIIe siècle avant J.-C., en est un exemple. Ce substitut extrêmement durable et pratique de la pierre a révolutionné l’ingénierie et l’architecture romaines. Lorsque le béton recouvert de tuiles a commencé à remplacer le marbre comme principal matériau de construction, les architectes ont pu faire preuve de plus d’audace. Les bâtiments s’affranchissent de la conception rectangulaire grecque (avec ses toits irréguliers et ses rangées de colonnes soutenant des architraves plates) et deviennent moins géométriques et plus fluides.

Comme leurs prédécesseurs égyptiens et grecs, les architectes de la Rome antique décorent leurs édifices publics d’un large éventail d’œuvres d’art, dont la sculpture romaine (en particulier les reliefs, les statues et les bustes de l’empereur), les fresques et les mosaïques.

Les édifices célèbres de la Rome antique

Deux des plus grands édifices de la Rome antique sont le Colisée (amphithéâtre flavien de forme elliptique situé au centre de Rome) et la Colonne de Trajan (monument à la gloire de l’empereur Trajan). Le Colisée, situé à l’est du Forum romain, a été construit en 8 ans et pouvait accueillir 50 000 spectateurs. Les historiens et les archéologues estiment que 500 000 personnes et plus d’un million d’animaux sauvages sont morts lors des «jeux» du Colisée. La colonne de Trajan, située près de la colline du Quirinal, au nord du Forum romain, a été construite en 113 après Jésus-Christ. Elle est connue pour son magnifique bas-relief en spirale, qui fait 23 fois le tour du fût du monument et raconte la victoire de Trajan dans les guerres des Daces. Le fût lui-même est constitué de 20 énormes blocs de marbre de Carrare, pesant chacun environ 40 tonnes. Il mesure environ 30 mètres de haut et 4 mètres de large. Un monument romain plus petit mais non moins important était Ara Pacis Augusta (13-9 av. J.-C.).

L’influence de la politique et de la religion sur l’architecture romaine

En 330 après J.-C., à l’époque de l’achèvement de la basilique Saint-Pierre, l’empereur romain Constantin Ier annonça que la ville de Byzance (rebaptisée plus tard Constantinople, aujourd’hui Istanbul en Turquie) deviendrait la capitale de l’Empire romain. Plus tard, en 395, après la mort de l’empereur Théodose, l’empire a été divisé en deux parties : la moitié occidentale était basée d’abord à Rome, jusqu’à ce qu’elle soit mise à sac au Ve siècle après J.-C., puis à Ravenne (voir Mosaïques de Ravenne) ; et la moitié orientale était basée dans la ville plus sûre de Constantinople. En outre, le christianisme (qui était auparavant une secte minoritaire) a été déclaré seule religion officielle dans l’ensemble de l’empire. Cette double évolution a affecté l’architecture de deux manières : premièrement, le déplacement vers Constantinople a permis de préserver et de prolonger la culture romaine qui, autrement, aurait pu être détruite par les envahisseurs barbares d’Italie ; deuxièmement, l’émergence du christianisme a fourni ce qui est devenu le thème dominant de l’architecture et des arts visuels pour les 1200 ans à venir.

L’architecture byzantine (330-554 ap. J.-C.)

Les architectes byzantins, dont de nombreux Italiens venus d’Italie pour s’installer dans la nouvelle capitale, poursuivent la tradition fluide de l’architecture romaine en construisant un certain nombre d’églises et d’édifices religieux magnifiques à l’époque de l’art paléochrétien, comme l’église de Chora (ca. 333), l’église Sainte-Irène (vers 360) et les églises Saint-Serge et Bacchus, toutes à Istanbul ; l’église Sainte-Sophie à Sofia, en Bulgarie (527-65), la magnifique cathédrale Sainte-Sophie (532-37), qui a remplacé la cathédrale saccagée de Constantinople, et l’église Sainte-Sophie à Thessalonique. Parmi les grands édifices séculiers, on peut citer le grand palais de Constantinople.

Parmi les nouvelles techniques architecturales, citons l’utilisation de sections triangulaires concaves de maçonnerie, appelées pendentifs, pour transférer le poids de la coupole du plafond sur les supports d’angle. Cela a permis de construire des dômes plus grands et plus magnifiques et de dégager davantage d’espace à l’intérieur du bâtiment, comme le montre la cathédrale Sainte-Sophie. Parmi les nouvelles méthodes de décoration, citons l’utilisation de magnifiques mosaïques en verre plutôt qu’en pierre, comme le faisaient les Romains. L’intérieur des églises était également richement décoré d’œuvres d’art byzantines, telles que des dorures, des fresques et des sculptures en relief, mais pas de statues car elles n’étaient pas honorées en tant qu’icônes.

L’utilisation des icônes dans l’architecture religieuse byzantine

Dans la tradition byzantine ou orthodoxe orientale de l’art chrétien, seules les images plates ou les bas-reliefs étaient acceptables dans l’art religieux. Cette tradition culturelle estimait que les images tridimensionnelles glorifiaient l’aspect humain de la chair plutôt que la nature divine de l’esprit, et s’opposait donc aux images religieuses tridimensionnelles. (Les chrétiens romains n’ont pas accepté ces interdictions, ce qui explique la présence de sculptures religieuses dans l’architecture catholique et protestante). Quoi qu’il en soit, l’iconographie byzantine s’est développée de manière très stylisée et visait à présenter une théologie complexe d’une manière très simple, permettant même aux analphabètes d’être enseignés et inspirés. Par exemple, la couleur était très importante : l’or représentait l’éclat du ciel ; le rouge était la vie divine ; le bleu était la couleur de la vie humaine ; le blanc était l’essence non temporelle de Dieu, utilisée par exemple dans l’iconographie de la Résurrection . Typiquement, Jésus porte des sous-vêtements rouges avec un vêtement extérieur bleu (ce qui implique que Dieu devient humain), tandis que Marie porte des vêtements bleus avec un manteau supérieur rouge (ce qui implique que les humains peuvent effectivement atteindre Dieu). Pour plus d’informations, voir : Art chrétien (période byzantine) .

Développement (600-1450)

Après la première période de l’architecture byzantine (vers 300-600), qui était en grande partie une continuation de l’architecture romaine, vint la période moyenne (vers 600-1100), remarquable seulement pour la popularité du type de croix en carré, la conception architecturale de l’église (des exemples incluent le monastère d’Osios Loukas en Grèce (vers 1000.) et le monastère de Daphné près d’Athènes (vers 1050). Viennent ensuite les périodes comnénienne et paléologue (vers 1100-1450), connues uniquement pour de rares réalisations telles que Elmali Kilise et d’autres sanctuaires rupestres en Cappadoce, et les églises de Pantocrator et de Notre-Dame de Kyriotissa à Constantinople.

Au fur et à mesure du développement de l’Empire romain d’Orient, l’architecture byzantine s’est progressivement inspirée des traditions orientales en matière de construction et de décoration. La complexité géométrique des bâtiments s’est accrue, tandis que la brique et le plâtre ont été utilisés en plus de la pierre à des fins décoratives, comme les motifs extérieurs en zigzag. Les ordres «ou styles classiques antérieurs» sont interprétés de manière plus souple, et les fenêtres laissent passer la lumière à travers de minces feuilles d’albâtre pour créer un éclairage plus doux. Les deux principaux plans de conception étaient le type basilical, ou axial (par exemple la basilique du Saint-Sépulcre à Jérusalem) et le type rond, ou central (par exemple la grande église octogonale d’Antioche).

Le patrimoine architectural byzantin

En Occident, la conception byzantine a influencé le renouveau artistique européen sous la forme de l’art carolingien (750-900) et de l’art ottonien (900-1050), qui a conduit à l’architecture romane et gothique. En Orient, il a continué à exercer une influence considérable sur l’art islamique primitif et l’architecture, comme en témoignent la Grande Mosquée des Omeyyades à Damas et le Dôme du Rocher à Jérusalem, et en Bulgarie, en Russie, en Serbie, en Géorgie, en Ukraine et dans d’autres pays orthodoxes, il a duré encore plus longtemps.

Le style roman

Le terme «architecture romane» est parfois utilisé pour désigner tous les dérivés immédiats de l’architecture romaine en Occident après l’effondrement de Rome jusqu’à l’épanouissement du style gothique vers 1200. Le plus souvent, cependant, il désigne un style particulier apparu presque simultanément en France, en Allemagne, en Italie et en Espagne (cette dernière étant également influencée par la conception mauresque) au XIe siècle. Il se caractérise le plus souvent par une nouvelle échelle inspirée par la plus grande stabilité économique et politique qui a suivi des siècles de troubles.

Charlemagne Ier et Otton Ier

Le renouveau roman de l’art chrétien médiéval commence avec Charlemagne Ier, roi des Francs, couronné empereur romain à Saint-Pierre de Rome par le pape Léon III en 800. Célèbre pour son art carolingien, il est curieux que sa principale réalisation architecturale, la chapelle palatine d’Aix-la-Chapelle (vers 800), ait été inspirée non pas par la cathédrale Saint-Pierre ou d’autres églises de Rome, mais par la basilique octogonale de style byzantin de San Vitale à Ravenne. Voir aussi Sculpture médiévale .

Malheureusement, l’empire carolingien s’est rapidement effondré, mais le mécénat de Charlemagne en faveur de l’architecture et de l’art pour promouvoir le christianisme a constitué une première étape importante dans la renaissance de la culture paneuropéenne. En outre, de nombreuses églises et monastères romans et gothiques ont été construits sur la base de l’architecture carolingienne. Les efforts architecturaux de Charlemagne dans le style préroman ont été poursuivis par Otton 1 (empereur du Saint Empire romain 936-73) dans un style appelé art ottonien, qui a cédé la place à l’art roman complet «». (Note : le style roman en Angleterre et en Irlande est généralement appelé «architecture normande».)

Religion

Le christianisme est resté la force motrice dominante de la plupart des travaux de construction importants. L’épanouissement du style roman au XIe siècle a coïncidé avec l’activation de Rome en tant que capitale de la chrétienté, et son influence sur les autorités séculières a conduit à la reconquête chrétienne de l’Espagne (début 1031) et aux croisades visant à libérer la Terre sainte du contrôle islamique. L’acquisition de reliques saintes par les croisés, ainsi que le zèle généré par leurs campagnes, ont entraîné la construction d’une vague de nouvelles églises et cathédrales dans toute l’Europe. En Italie, on peut citer la cathédrale de Pise avec son célèbre clocher incliné, la cathédrale de Modène et la cathédrale de Parme, ainsi que des églises célèbres telles que Santa Maria (Rome), le Baptistère (Florence) et San Zeno Maggiore (Vérone). En France, elles comprennent la cathédrale de Laon (entre autres) et les abbayes de Cluny, Aux Dames (Caen) et Les Hommes (Mont Saint-Michel). En Angleterre, elles comprennent 26 des 27 anciennes cathédrales telles que Winchester, Ely et Durham. En Allemagne, il s’agit des cathédrales d’Augsbourg et de Worms (entre autres), et des abbayes de Mayence, de Worms, de Spire et de Bamberg. (Voir : Art médiéval allemand .) Outre son influence sur la politique internationale, l’Église romaine a également fait preuve d’un pouvoir croissant grâce à son réseau d’évêques et à son étroite association avec des ordres monastiques tels que les bénédictins, les cisterciens, les chartreux et les chanoines augustins. Depuis ces monastères, les évêques et les abbés exerçaient un pouvoir administratif croissant sur les populations locales et consacraient de vastes ressources aux œuvres religieuses, y compris les manuscrits d’évangiles enluminés, les études culturelles, la métallurgie, la sculpture et la construction d’églises. Le puissant monastère bénédictin de Cluny, en Bourgogne, dont l’église abbatiale incarne le style architectural roman et devient le plus grand édifice d’Europe avant la Renaissance, en est un exemple.

Caractéristiques de l’architecture romane

Bien qu’ils se soient inspirés de certaines caractéristiques de l’Antiquité grecque et romaine, les architectes romans n’avaient pas l’imagination des Grecs ni les capacités d’ingénierie des Romains. Par exemple, les méthodes romaines de construction en briques et en pierres ont été largement perdues dans la plupart des régions d’Europe. En général, le style utilise des murs épais, des arcs en plein cintre, des piliers, des voûtes à colonnes, des fenêtres à fentes étroites, de grandes tours et des arcades décoratives. Ce ne sont pas les arcs ou les colonnes qui constituent la charge principale de l’édifice, mais les murs massifs. Les toits, les voûtes et les contreforts étaient relativement primitifs par rapport aux styles ultérieurs. Les intérieurs étaient lourds parce qu’ils étaient en pierre, peu éclairés et - par rapport aux styles gothiques ultérieurs - aux lignes simples et sans ornements. Les églises romanes avaient tendance à suivre une forme clairement définie et étaient reconnaissables dans toute l’Europe. Les traces de l’influence byzantine ou orientale sont rares, sauf le long des routes commerciales. La basilique de Saint-Marc à Venise, surmontée d’un dôme, en est le meilleur exemple.

Malgré la relative simplicité du style, l’architecture romane a permis de renouer avec deux formes importantes d’art visuel : la sculpture (qui avait largement disparu après la chute de Rome) et le vitrail. Mais compte tenu de la taille des fenêtres des édifices romans, ce dernier est resté un élément relativement mineur dans l’art médiéval jusqu’à l’avènement des conceptions gothiques. Voir aussi : Sculpture romane .

L’architecture néo-romane est un style du XIXe siècle défendu par des architectes tels que Henry Hobson Richardson (1838-1886), né en Louisiane , à qui l’on doit le style roman «Richardsonien», illustré par le magasin de gros Marshall Field (1885-87) à Chicago.

NOTE. Pour une comparaison avec les exemples orientaux de la même période, voir : le temple hindou du XIe siècle (1017-29) de Kandariya Mahadev en Inde ; et le temple khmer du XIIe siècle (1115-1145) d’Angkor Vat au Cambodge.

Architecture gothique

Le terme «gothique» désigne le style d’architecture et d’art qui a supplanté le style roman du milieu du XIIe siècle au milieu du XVe siècle. Inventé à l’origine comme un terme injurieux par les artistes italiens de la Renaissance et d’autres comme Christopher Wren pour décrire un type d’architecture médiévale qu’ils considéraient comme barbare, comme pour suggérer qu’il avait été créé par des tribus gothiques qui avaient détruit l’art classique de l’Antiquité, le style de l’art gothique se caractérise par l’utilisation d’arcs brisés, de murs plus minces, de voûtes nervurées, d’arcs-boutants, d’immenses vitraux et d’un motif exquis. Il s’agit d’une forme plus fine, plus verticale, plus détaillée, plus colorée, plus excitante et plus inspirante du style roman. Le style gothique appliqué aux cathédrales est généralement divisé en deux variétés, le gothique rayonnant (vers 1200-1350) et le gothique flamboyant (1375-1500). Des critiques contemporains tels que John Ruskin ont fait l’éloge du style gothique. Pour plus d’informations, voir : Architecture gothique . Voir aussi : Sculpture gothique .

Toile de fond

Le XIIe siècle est une période de croissance du commerce et de développement urbain dans toute l’Europe. Cette prospérité continue, associée aux progrès de la science et de la géométrie, ainsi qu’à de nouvelles idées sur la manière dont les cathédrales pouvaient être construites pour inspirer la dévotion religieuse parmi les masses, ont été des facteurs importants dans le développement de l’architecture gothique. Bien que le nouveau style ait été étroitement associé à la promotion de la religion et qu’une grande partie du programme de construction gothique ait été financée par les ordres monastiques et les évêques locaux, il ne s’agissait pas d’un mouvement architectural religieux. En un sens, le christianisme était une marque de commerce utilisée par les autorités séculières pour rivaliser en termes de prestige et d’influence. En conséquence, les rois et les administrateurs de moindre importance considéraient les cathédrales comme des biens civiques et commerciaux majeurs et soutenaient leur construction en conséquence.

Une caractéristique essentielle de l’architecture gothique

La caractéristique principale du style gothique est l’arc brisé, dont de nombreux experts pensent qu’il trouve son origine dans l’architecture assyrienne et, plus tard, islamique. Cette caractéristique, qui répartit le poids du plafond sur les piliers ou les colonnes de soutien selon un angle beaucoup plus prononcé que ne le permettaient auparavant les arcs romans «arrondis», a permis aux architectes d’élever les voûtes beaucoup plus haut et de donner ainsi l’impression d’un plafond «s’élevant vers les cieux».

Cette évolution a également conduit à l’adoption de nombreuses autres caractéristiques. Au lieu de murs massifs et épais, de petites fenêtres et d’intérieurs sombres, les nouveaux édifices gothiques ont des murs minces, souvent soutenus par des arcs-boutants, et d’immenses vitraux, comme l’illustre la Sainte-Chapelle (1241-48) à Paris. Les hauts plafonds et la lumière plus vive ont révolutionné la conception des églises, transformant l’intérieur de nombreuses cathédrales en sanctuaires inspirants. (Voir aussi : Vitrail : matériaux et techniques .)

La cathédrale gothique est un mini-univers

Conformément à la nouvelle philosophie plus confiante de l’époque, la cathédrale gothique était considérée par les architectes et les ecclésiastiques comme un symbole de l’univers en miniature. Chaque élément de la conception de l’édifice devait transmettre un message théologique : la gloire intimidante de Dieu. Ainsi, la nature logique et ordonnée de la structure reflétait la clarté et la rationalité de l’univers de Dieu, tandis que les sculptures, les vitraux et les fresques illustraient les messages moraux de la Bible.

L’église Saint-Denis (vers 1137-41)

L’édifice qui marque le véritable début de l’âge gothique est l’église de l’abbaye de Saint-Denis, près de Paris. Érigée sous la direction de l’abbé Sougher, ami des rois de France Louis VI et Louis VII, l’église est la première structure à utiliser et à combiner tous les éléments qui définissent le gothique en tant que style architectural. Bien que des arcs brisés, des groupes de colonnes et des voûtes d’arêtes aient été utilisés auparavant, ce n’est qu’à Saint-Denis que ces éléments ont été combinés en un tout cohérent, et l’édifice est devenu une sorte de prototype pour d’autres églises et cathédrales dans la région connue sous le nom d’Île-de-France. Avec le temps, le style s’est répandu en France, en Angleterre, aux Pays-Bas, en Allemagne, en Espagne et en Italie. (Voir aussi : Sculpture gothique anglaise et Sculpture gothique allemande .)

Exemples d’architecture gothique ecclésiastique

Bien que le style gothique ait été utilisé dans la conception et la construction de palais, de châteaux, d’hôtels de ville, d’hôtels de guilde, d’abbayes et d’universités, ce sont les cathédrales gothiques du nord de la France qui en sont le meilleur exemple . En France, les cathédrales gothiques : la cathédrale de Chartres (1194-1250) ; et la cathédrale d’Amiens (1220-1270) ; en Allemagne : la cathédrale de Cologne (1248-1880) ; en Autriche : la cathédrale Saint-Étienne de Vienne ; en Espagne : les cathédrales de Burgos, Tolède et Léon ; en Italie : Florence, Milan et Sienne ; en France : la cathédrale d’Anvers ; en Italie : la cathédrale d’Anvers ; et en Italie : la cathédrale d’Anvers : Florence, Milan et Sienne ; tandis que l’architecture gothique anglaise est surtout représentée par l’abbaye de Westminster, la cathédrale de York et les cathédrales de Salisbury, Exeter, Winchester, Canterbury et Lincoln.

Architecture de la Renaissance (1400-1620)

Financée par la prospérité commerciale et la concurrence entre des villes-États comme Florence, Rome et Venise, et de riches familles comme la dynastie bancaire des Médicis à Florence et la famille bancaire Fugger en Allemagne, la Renaissance n’a jamais été un triomphe de la volonté sur les événements du monde. En effet, l’Europe ne tarde pas à connaître de terribles récoltes (1315-1919), la peste «noire» (1346), qui anéantit un tiers de la population européenne, une guerre de cent ans entre l’Angleterre et la France (1339-1439), et l’Église chrétienne est polarisée par le schisme. Des conditions peu propices au renouveau ou rinacimento qui s’ensuivit. Quoi qu’il en soit, les papes du XVIe siècle, à Rome, au début du XVIe siècle, ont failli mettre l’Église en faillite en finançant à tort et à travers de beaux bâtiments et de beaux objets d’art.

Style architectural

L’architecture de la Renaissance a été le catalyseur de la redécouverte des styles architecturaux et des théories de la Rome antique. Les premières représentations de cette architecture classique sont apparues en Italie au début du XVe siècle, lorsqu’un exemplaire du De Architectura («Dix livres sur l’architecture») de Vitruve, architecte romain du Ier siècle, a été soudainement découvert à Rome. À la même époque, l’architecte et artiste florentin Filippo Brunelleschi (1377-1446) commence à étudier les anciennes constructions romaines et est convaincu que les proportions idéales d’un bâtiment peuvent être déterminées par des principes mathématiques et géométriques. C’est le magnifique projet de Brunelleschi pour la coupole de la cathédrale de Florence (1420-36) - aujourd’hui considérée comme le premier exemple d’architecture de la Renaissance - qui inaugure en 1418 un nouveau style fondé sur les règles de placement et de proportion de l’Antiquité classique, oubliées depuis longtemps.

Architectes célèbres de la Renaissance

Un autre architecte important de la Renaissance est Leon Battista Alberti (1404-72), qui est toujours considéré comme l’un des fondateurs de la théorie architecturale moderne. Convaincu que la conception architecturale idéale repose sur l’harmonie entre la structure, la fonction et la décoration, il s’est fortement inspiré de la théorie et de la pratique des architectes et ingénieurs romains de l’Antiquité.

Parmi les autres architectes italiens célèbres, on peut citer :
❶ Donato Bramante (1444-1514), un des principaux concepteurs de la Haute Renaissance ;
❷ Guiliano da Sangallo (1443-1516), un important architecte intermédiaire entre les périodes de la Première et de la Haute Renaissance ;
❸ Michelangelo Buonarroti (1475-1564), architecte de premier plan et l’un des plus grands sculpteurs et peintres de l’époque ;
❹ Baldassare Peruzzi (1481-1536), architecte et décorateur d’intérieur hors pair ;
❺ Raffaello Santi (Raphaël) (1483-1520), dessinateur et peintre visionnaire ;
❻ Michele Sanmicheli (1484-1559), l’élève le plus célèbre de Bramante ;
❼ Jacopo Sansovino (1486-1570) et
❽ Andrea Palladio (1508-1580), deux figures marquantes de l’architecture de la Renaissance vénitienne ;
❾ Giulio Romano (1499-1546), principal représentant de l’architecture maniériste italienne ;
❿ Giorgio Vasari (1511-1574), qui conçut la loggia de la Galerie des Offices et le corridor de liaison de Vasari ; et
⓫ Vincenzo Scamozzi (1548-1616), l’un des grands théoriciens de la Renaissance tardive.

Caractéristiques de l’architecture de la Renaissance

En termes simples, les bâtiments de la Renaissance s’inspirent de l’architecture classique des Grecs et des Romains, tout en conservant les caractéristiques modernes des inventions byzantines et gothiques, telles que les dômes et les tours élaborés. En outre, tout en reproduisant et en améliorant la sculpture classique, ils ont également incorporé des mosaïques et des vitraux modernes, ainsi que des fresques remarquables. L’architecture de la Renaissance se retrouve dans d’innombrables exemples d’églises, de cathédrales et de bâtiments municipaux dans toute l’Europe (par exemple, de nombreux châteaux français tels que le château de Fontainebleau, l’école de Fontainebleau…) : 1528-1610), et son style a été réappliqué dans les siècles suivants à des structures célèbres aussi diverses que le Capitole des États-Unis et la National Gallery de Grande-Bretagne. (En Angleterre, le style est parfois appelé architecture élisabéthaine.)

Des exemples frappants de l’architecture de la Renaissance

Les deux plus grands édifices de la Renaissance sont sans conteste la basilique Saint-Pierre de Rome rénovée et la cathédrale de Florence, qui ont toutes deux été des points forts du Grand Tour (1650-1850).

Inspirée par la rivalité civile entre les états ducaux, la coupole de Brunelleschi a fait de la cathédrale de Florence l’édifice le plus haut de Toscane. Sa conception architecturale combine la tradition gothique des voûtes en pierre et les principes de l’ingénierie romaine. L’assemblage des briques et des anneaux concentriques de blocs de maçonnerie «en chevrons» a permis d’éviter le centrage, ingérable à une telle hauteur.

Commandée par le pape Jules II (1443-1513), la restauration de l’église Saint-Pierre de Rome (1506-1626), vieille de 1100 ans, est l’œuvre de nombreux architectes, dont Bramante, Raphaël, Sangallo, Maderno, Michel-Ange et Bernini, et s’étend, au-delà de la Haute Renaissance, aux époques maniériste et baroque. Parmi ses caractéristiques, on peut citer une lanterne de 87 pieds de haut au sommet d’un énorme dôme ovale (modifié par rapport au projet hémisphérique de Michel-Ange par crainte d’instabilité) et une façade frontale incorporant un ordre géant de colonnes corinthiennes avec des pilastres, chacun d’entre eux mesurant 27 mètres de haut. La basilique Saint-Pierre mesure 138 mètres de haut, soit plus que toute autre église de la Renaissance.

Informations complémentaires
Art de la Proto-Renaissance
Art de la Première Renaissance
Art de la Haute Renaissance .

Architecture baroque (1550-1790)

Au fur et à mesure que le XVIe siècle avance, les croyances religieuses, politiques et philosophiques qui avaient prévalu pendant les périodes de la Première (env. 1400-1485) et de la Haute (1486-1520) Renaissance commencent à s’éroder. En 1517, Martin Luther a déclenché la Réforme protestante, remettant en question l’intégrité paneuropéenne et la théologie de l’Église romaine. Ce fut le catalyseur de plusieurs guerres impliquant la France, l’Italie, l’Espagne et l’Angleterre, et mena directement au mouvement de la Contre-Réforme lancé par Rome pour éloigner les masses du protestantisme. Le renouvellement du mécénat en faveur des beaux-arts et de l’architecture a été un outil essentiel de cette campagne de propagande, qui s’est traduite par un style plus grandiose et plus dramatique dans ces deux domaines. Jusqu’à la fin du siècle, ce style plus dynamique était connu sous le nom de maniérisme, et plus tard baroque, un terme dérivé du mot portugais barocco, qui signifie «perle irrégulière».

Caractéristiques principales du style baroque

L’architecture baroque peut être considérée comme une forme plus complexe, plus détaillée, plus élaborée, plus ornementale de l’architecture de la Renaissance. La manipulation de la lumière, de la couleur, de la texture et de la perspective est plus tourbillonnante et plus complexe. À l’extérieur des églises, elle se caractérise par des façades plus ostentatoires, des dômes, des colonnes, des sculptures et d’autres embellissements. À l’intérieur, les plans sont plus variés. Les longues allées étroites sont remplacées par des formes plus larges, parfois circulaires ; des chapelles séparées et d’autres espaces sont créés, et des effets trompe-l’œil ; les plafonds sont recouverts de fresques. Tout cela est destiné à intéresser, voire à éblouir le spectateur.

Le baroque est un style d’architecture émotionnel qui exploite le potentiel théâtral du paysage urbain. La place Saint-Pierre (1656-67) à Rome, devant la basilique Saint-Pierre coiffée d’un dôme, en est un excellent exemple. Son architecte Giovanni (Gianlorenzo) Bernini entoure la place de colonnades qui s’élargissent légèrement à l’approche de la cathédrale, donnant au visiteur l’impression d’être enlacé par les bras de l’Église catholique. L’ensemble est construit à une échelle gigantesque pour susciter un sentiment de crainte.

Dans l’ensemble, l’architecture baroque s’inscrit dans la lutte pour la suprématie religieuse, pour le cœur et l’esprit des paroissiens dans toute l’Europe. Sur un plan plus politique, l’architecture séculaire baroque a été utilisée pour soutenir l’absolutisme des monarques au pouvoir, comme le roi Louis XIV de France, entre autres. De l’Italie, le baroque s’est répandu dans le reste de l’Europe, en particulier dans l’Europe catholique, où chaque pays a généralement développé sa propre interprétation. Voir aussi : Art baroque allemand .

Architectes baroques célèbres

Parmi les architectes baroques célèbres : Giacomo Barozzi da Vignola (1507-1573), architecte pontifical du pape Jules III et de la famille Farnèse ; Gianlorenzo Bernini (1598-1680), concepteur qui a parfaitement exprimé les idéaux de la Contre-Réforme ; Francesco Borromini (1599-1667), éternel rival du Bernin ; Pietro Berrettini da Cortona (1596-1669), protégé du pape Urbain VIII (cf. aussi Quadratura) ; François Mansart (1598-1666), concepteur d’hôtels particuliers et de châteaux français comme le château de Maison, dont le toit mansardé (sic) porte son nom ; son petit-neveu Jules Ardouin Mansard (1646-1708), concepteur de la grande coupole de la Maison des Invalides à Paris ; et Louis Le Vau (1612-1670), autre célèbre architecte baroque français responsable de l’église Saint-Sulpice à Paris et des ailes du Louvre. Jules Ardouin Mansart et Louis Le Vau furent les principaux architectes du château de Versailles (début 1623), créant des extravagances telles que la galerie des glaces et la cour de marbre. En Allemagne, la structure baroque emblématique est la Résidence de Würzburg (1720-1744), conçue par Balthasar Neumann (1687-1753).

En Angleterre, le chef de file du style baroque est Sir John Vanbrugh (1664-1726), concepteur du palais de Blenheim ; tandis qu’en Russie Bartolomeo Rastrelli (1700-1771) est principalement responsable du style connu sous le nom de baroque russe, mais qui incorpore des éléments des débuts de l’architecture néoclassique et rococo. Rastrelli a conçu le palais d’Hiver (1754-1762), la cathédrale Smolny (1748-1757) à Saint-Pétersbourg et a remodelé le palais Catherine à l’extérieur de la ville.

Architecture rococo (1715-1789)

Au cours de la dernière phase du baroque, le règne du roi de France Louis XV a été témoin d’une révolte contre le style baroque antérieur de la cour de Louis XIV et de l’émergence d’un style d’architecture plus décoratif et plus ludique connu sous le nom de rococo . Le rococo est un mélange des mots rocaille et coquillage, reflétant l’abondance de formes courbes et fluides, et a été défendu par Nicolas Pinault, qui, avec Jules Ardouin-Mansart, a conçu les intérieurs du château royal de Marly.

Contrairement à d’autres grands mouvements architecturaux tels que le roman, le gothique ou le baroque, le rococo s’est réellement intéressé à la décoration intérieure. En effet, il est né et est resté centré sur la France, où de riches mécènes hésitaient à restaurer des maisons et des châteaux, préférant remodeler leurs intérieurs. De plus, le style était trop fantaisiste et insouciant pour les extérieurs des édifices religieux et publics. Par conséquent, les architectes rococo - en fait, les décorateurs d’intérieur - se sont limités à créer des pièces richement décorées dont le plâtre, les fresques, les tapisseries, les meubles, les miroirs, la porcelaine, la soie, la chinoiserie et d’autres embellissements offraient au visiteur une expérience esthétique complète - une œuvre d’art complète (mais pas d’architecture!)

Le rococo reflétait parfaitement l’oisiveté et la décadence de la cour royale française et de la haute société. C’est peut-être pour cette raison que, bien qu’il se soit répandu de la France vers l’Allemagne, où il s’est avéré plus populaire auprès des catholiques que des protestants, il a été moins bien accepté dans d’autres pays européens tels que l’Angleterre, les Pays-Bas, l’Espagne et même l’Italie. Il fut balayé par la Révolution française et le néoclassicisme, plus sévère, qui annonçait un retour aux valeurs classiques et à des styles plus conformes au siècle des Lumières et à la raison.

Architecture néoclassique (1640-1850)

Les premières formes néoclassiques

Le néoclassicisme n’est pas apparu immédiatement. Dans ses premières formes (1640-1750), il coexiste avec le baroque et fonctionne comme un style correcteur des excès les plus flamboyants de ce dernier. En Angleterre, par exemple, Sir Christopher Wren (1632-1723) a conçu la cathédrale Saint-Paul, l’observatoire royal de Greenwich, l’hôpital royal de Chelsea et le théâtre Sheldonian d’Oxford dans un style beaucoup plus classique que baroque, bien qu’il soit toujours considéré comme un architecte baroque. Parmi les autres premiers architectes néoclassiques anglais, citons Inigo Jones (1573-1652) et William Kent (1685-1748).

Les caractéristiques du néoclassicisme proprement dit (1750-1850)

Soutien opportun des anciens régimes dans toute l’Europe, de Saint-Pétersbourg à Vienne, et modèle pour les jeunes futurs empires comme les États-Unis d’Amérique, l’art néoclassique est un nouveau retour aux ordres classiques de l’Antiquité grecque et romaine. Bien que, comme la Renaissance, ce style ait conservé toutes les avancées techniques et les nouveaux matériaux de l’époque de l’Art nouveau. Il se caractérise par des structures monumentales soutenues ou embellies par des colonnes doriques, ioniques ou corinthiennes et surmontées de coupoles classiques de la Renaissance. Les innovations techniques en architecture de la fin du XVIIIe siècle, telles que les dômes laminés et les noyaux intérieurs, ont renforcé les dômes, et leur taille a augmenté, donnant plus de grandeur aux bâtiments civiques, aux églises, aux établissements d’enseignement et aux grandes maisons privées

L’architecture néoclassique est née à Paris, en grande partie grâce à la présence d’architectes français formés à l’Académie française de Rome. Parmi les architectes français notables, on peut citer Jacques Germain Soufflot (1713-1780), qui a conçu le Panthéon (1756-1797) à Paris ; Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), concepteur de la Saline royale d’Arc-et-Sénan (1773-1793) et de la cathédrale Saint-Germain (1762-1764) ; et Jean Chalgren, qui a conçu l’Arc de Triomphe (1806.). En Angleterre, la tradition a été maintenue par Sir William Chambers, formé à Paris, Robert Adam (1728-1792), John Nash (1752-1835), Sir John Sloane (1753-1837), William Wilkins (1778-1839), et Sir Robert Smirke (1780-1867). Il fut rapidement adopté par les cercles progressistes en Suède également. Parmi les architectes néoclassiques en Allemagne, citons Karl Gotthard Langhans (1732-1808), concepteur de la porte de Brandebourg (1789-1791) à Berlin ; Karl Friedrich Schinkel (1781-1841), responsable du Konzerthaus sur le Gendarmenmarkt (1818-1821), du palais de Tegel (1821-24) et du Vieux Musée (1823-30), tous à Berlin. Ces deux architectes ont transformé la capitale prussienne Berlin pour qu’elle puisse rivaliser avec Paris ou Rome en termes de splendeur classique.

Néoclassicisme russe

Les bâtiments baroques russes de Rastrelli, tels que le Palais d’hiver (1754-62), ne plaisaient pas à la Grande Catherine (1762-1850), qui préférait le style néoclassique. Elle fit donc appel à l’architecte écossais Charles Cameron (vers 1745-1812), qui construisit le palais de Pavlovsk (1782-86) près de Saint-Pétersbourg, le palais de Razumovsky en Ukraine (1802) et le palais Alexandre près de Saint-Pétersbourg (1812). Parmi les autres architectes néoclassiques importants des tsars russes, citons Vincenzo Brenna (élève de Cameron), Giacomo Quarenghi et Matvei Fedorovich Kazakov.

Le néoclassicisme américain

Le Capitole des États-Unis, avec sa façade et son dôme néoclassiques, est l’une des structures les plus reconnaissables et les plus emblématiques des États-Unis. Fondé en 1793, sa conception de base est l’œuvre de William Thornton (1759-1828), révisée par Benjamin Latrobe (1764-1820), Stephen Hallett, et Charles Bulfinch (1763-1844). Le dôme et la rotonde étaient à l’origine construits en bois, mais ont été remplacés par la suite par de la pierre et du fer. La conception générale s’inspire de la façade orientale du Louvre à Paris et du Panthéon à Rome. Latrobe lui-même a conçu de nombreux autres bâtiments en Amérique dans le style néoclassique, notamment : Bank of Pennsylvania (1789), Richmond Capitol (1796), Fairmount Waterworks, Philadelphie (1799), et Baltimore Exchange (1816), pour n’en citer que quelques-uns. Bulfinch a achevé le Capitole dans les années 1820, établissant ainsi un modèle pour d’autres capitoles d’État, puis il est retourné à son cabinet d’architecture à Boston. Le troisième président des États-Unis Thomas Jefferson (1743-1826), dont la préférence marquée pour le néoclassicisme dans la conception des bâtiments publics a fortement influencé ses contemporains, a été une figure clé du développement de l’architecture américaine au début du 19e siècle.

L’architecture du XIXe siècle

L’architecture du XIXe siècle en Europe et en Amérique n’a pas connu de nouveaux mouvements ou écoles de pensée importants. Au lieu de cela, un certain nombre de reprises de styles plus anciens ont vu le jour. Il s’agit notamment des styles suivants le néo-grec (les adeptes américains comprenaient Jefferson et Latrobe) ; le néo-gothique dirigé par Viollet-le-Duc en France ; les adeptes américains comprenaient Richard Upjohn (1802-1878) et James Renwick (1818-1895) ; le néo-roman (1849-1880), dirigé par Henry Hobson Richardson, l’architecture Beaux-Arts une fusion des formes néo-Renaissance et néo-baroque, pratiquée par Richard Morris Hunt (1827-1895) - surtout connu pour avoir créé le piédestal de la Statue de la Liberté (1870-1886) et Cass Gilbert de l’Ohio (1859-1934) ; et le style Second Empire (1850-1880) en France, caractérisé par le renouveau de la mansarde . Le seul chef-d’œuvre architectural monumental est la Tour Eiffel (1885-89), construite par l’architecte français Stephen Sauvestre et l’ingénieur français Gustave Eiffel (1832-1923). Les armatures en fer forgé étaient également une caractéristique de l’architecture victorienne en Grande-Bretagne (1840-1900) - grâce à Robert Stephenson (1803-1859) et Isambard Kingdom Brunel (1806-1859) - tout comme d’autres nouveaux matériaux tels que le verre, qui a été utilisé dans la construction du Crystal Palace conçu par Joseph Paxton (1801-1865). Les styles victori