Collectionneurs d’art, les plus grands: meilleures collections d’art Automatique traduire

Les collectionneurs d’œuvres d’art peuvent exercer plusieurs activités différentes. Il peut s’agir de simples acheteurs d’art individuels, de conservateurs souhaitant acquérir des œuvres spécifiques pour leur musée, de marchands d’art négociant un achat pour leur propre fondation ou la collection d’un client, de mécènes souhaitant commander une peinture ou une sculpture particulière pour la collection d’une institution, ou de collectionneurs institutionnels - tels que des cardinaux ou des industriels - souhaitant acheter des œuvres d’art pour la décoration d’un bâtiment. Il peut même s’agir de critiques d’art souhaitant acheter une œuvre qu’ils admirent. Bien que leurs intérêts soient différents, chacun de ces groupes est impliqué dans l’acquisition d’œuvres d’art et peut être qualifié de collectionneur. Voir aussi : Appréciation de l’art : Comment apprécier l’art .

Les premiers collectionneurs d’art

L’art antique a attiré de nombreux collectionneurs. La culture égyptienne, surtout pendant la période millénaire qui s’étend de l’Ancien Empire (26802258 avant notre ère) au Moyen Empire (2134-1786 avant notre ère), est connue pour son art funéraire (peinture, sculpture, travail du métal, bijoux), collectionné par les pharaons pour leurs tombes.

L’art de la Perse antique n’était pas moins populaire. Les souverains de villes telles que Suse et Persépolis étaient connus pour avoir commandé de nombreuses pièces de poterie complexes. Plus tard, à l’époque achéménide (vers 550-330 av. J.-C.) , Darius Ier a amassé un trésor d’objets d’art , d’artefacts et de céramiques de grande valeur qui peuvent être admirés au Metropolitan Museum of Art (New York) et au British Museum (Londres).

En Méditerranée , la culture minoenne s’est épanouie sur l’île de Crète (vers 2100-1500 av. J.-C.), où plusieurs palais à Knossos, Phaistos et Akrotiri abritaient d’étonnantes collections de fresques, de sculptures, de céramiques, de gravures sur pierre (en particulier des pierres de scellement) et de métaux précieux. Sur le continent de la Grèce antique, entre 500 et 27 après J.-C., les artistes et artisans grecs hautement qualifiés ont suscité l’intérêt des rois, des empereurs et d’autres riches souverains de toute la Méditerranée, en particulier pendant la période hellénistique (vers 323-27 avant J.-C.).

Les styles de l’art grec ont eu une énorme influence sur la collection des Romains, des Celtes et d’autres peuples : en particulier (en 100 av. J.-C. - 400 ap. J.-C.) sur les mécènes de l’art chrétien à Rome et (en 400-1450 ap. J.-C.) sur les mécènes de l’art byzantin oriental à Constantinople.

Les collectionneurs d’art médiéval

L’âge des ténèbres en Europe (vers 400-800 ap. J.-C.) a été marqué par un effondrement culturel à l’échelle du continent, la romanisation ayant été remplacée par la barbarie. Dans ce contexte, les seuls arts médiévaux qui se sont accumulés sont les manuscrits chrétiens enluminés dans le style hiberno-saxon, créés et produits par des moines artistes dans les scriptoriums des monastères d’Irlande (Kildare, Darrow, Clonmacnoise, Clonfert, Kells et Monasterboys), d’Écosse (Iona) et du nord de l’Angleterre (Lindisfarne sur la côte nord-ombrienne). (Ces enluminures, en particulier les motifs abstraits celtiques, ont eu une influence significative sur l’art islamique ultérieur ). Le collectionneur d’art dans ce cas était l’Église chrétienne de Rome, dont l’homologue orientale, l’Église orientale de Constantinople, était également un mécène actif de l’art religieux , y compris les icônes et autres panneaux, ainsi que l’art éblouissant de la mosaïque .

Au cours des six siècles qui ont suivi l’âge des ténèbres (vers 800-1400), la culture européenne médiévale a été progressivement ravivée, en commençant par les réalisations artistiques à la cour de Charlemagne Ier (742-814), empereur romain germanique et roi des Francs, à Aix-la-Chapelle. Sous l’égide de Charlemagne, mais aussi de Louis le Pieux, de Lothaire Ier et II, et de Charles le Chauve, une grande variété d’artistes ont produit de nombreux textes évangéliques enluminés, des fresques religieuses et de l’architecture d’église. À cet art médiéval carolingien succède l’art ottoman (vers 900-1050) sous le patronage des empereurs Otto I, II et III .

En l’an 1000 , l’Église romaine avait suffisamment de confiance et de relations pour lancer un nouveau programme de construction d’églises en Europe occidentale, dont les conceptions architecturales sont devenues connues sous le nom d’art roman . À la fin du XIIe siècle, un style inspirant connu sous le nom de gothique lui a succédé, qui a stimulé le développement de la sculpture sur pierre et de l’art du vitrail . Les étonnantes cathédrales gothiques françaises et allemandes ont attiré beaucoup plus de fidèles, ce qui a permis de financer le programme artistique de l’église.

Les collectionneurs d’art de la Renaissance

L’art italien de la Renaissance (1400-1600) a été stimulé par la richesse croissante des cités-états italiennes rivales, par l’église de Rome et par l’effondrement de l’église romaine d’Orient à Constantinople (qui a libéré un grand nombre d’artisans hautement qualifiés).

Le début de la Renaissance a commencé à Florence au XVe siècle, en grande partie grâce au mécénat de la famille des Médicis . Parmi les membres de la dynastie des Médicis qui furent des mécènes actifs et des collectionneurs de beaux-arts, on peut citer : Giovanni di Bicci Medici (1360-1429), Cosimo I (1389-1464), Lorenzo the Magnificent (1449-1492), puis le grand-duc Cosimo I (1519-1574), le grand-duc Francesco I (1541-1587), le grand-duc et cardinal Ferdinand Ier (1549-1609), le grand-duc Cosimo II (1590-1621), le grand-duc Ferdinand II (1610-1670) et le grand-duc Cosimo III (1642-1673). La Renaissance à Rome a été déclenchée par le pape Léon X (1475-1521 : a régné 1503-1513) et le pape Clément VII (1478-34 : a régné 1523-1534), qui ont failli provoquer la faillite de l’Église romaine.

Les principales collections d’art de la Renaissance comprennent : la Galerie des Offices (Florence), fondée en 1581 par le grand-duc François Ier de Médicis ; les nombreux musées du Vatican, dont l’origine remonte à un groupe de sculptures rassemblées par le pape Jules II et exposées pour la première fois au public en 1506 dans le Cortile Ottagono au Vatican. Il s’agit notamment de La chapelle Sixtine, peinte avec des fresques de Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli, Luca Signorelli, Pietro Perugino, Pinturicchio et, bien sûr, le grand Michel-Ange ; et les quatre chambres de Raphaël (Stanze di Raffaello), décorées par Raphaël et les membres de son atelier.

Les collectionneurs d’art maniériste et baroque

L’art des XVIe et XVIIe siècles a été influencé par les politiques religieuses de la Réforme protestante et de la Contre-Réforme catholique. La Réforme a produit un style méticuleux et très portable de peinture de genre réaliste hollandaise, des natures mortes et des portraits destinés spécifiquement aux riches collectionneurs de la classe moyenne ; la Contre-Réforme a attiré des rois, des reines et des empereurs absolutistes dans des cours à travers toute l’Europe.

L’un des plus grands collectionneurs d’art de l’époque est le cardinal et diplomate italien Alessandro Farnese (1520-1589), petit-fils du pape Paul III, qui a amassé la plus grande collection privée de sculptures romaines depuis l’Antiquité. (Voir aussi : École bolonaise : vers 1590-1650). 1590-1650). Sa collection d’art, comprenant les marbres Farnèse, et une collection de pierres précieuses créées à l’origine par Cosimo de’ Medici et Lorenzo il Magnifico, fut ensuite répartie entre le Museo Nazionale di Capodimonte, le Musée archéologique national de Naples et la Galleria Farnese.

En termes de collection, l’équivalent américain d’Alessandro Farnese au XXe siècle est Jay Paul Getty (1892-1976), connu pour sa collection californienne de sculptures grecques. L’un des grands collectionneurs de l’époque baroque était le cardinal italien Scipione Borghese (1576-1633) de la famille Borghese, qui a financé le peintre Caravage. L’héritage de Scipione Borghese est la collection d’art de la Villa Borghese à Rome.

En France, l’un des grands mécènes royaux fut François Ier (1494-1547), qui construisit le palais du Louvre et fut à l’origine de l’influente école de Fontainebleau du maniérisme français. Cependant, ce n’est qu’au XVIIIe siècle qu’il a été transformé en musée d’art - le Musée central d’art . Il constitue aujourd’hui l’une des plus vastes collections de beaux-arts au monde, comprenant des antiquités du Moyen-Orient, des trésors égyptiens, des antiquités grecques et romaines, de l’art islamique, des peintures, des gravures et des dessins.

Les collectionneurs d’art du XVIIIe siècle

Le XVIIIe siècle a vu l’essor de la culture russe sous Pierre le Grand (règne 1682-1725), qui a attiré en Russie un grand nombre d’architectes, de sculpteurs et de peintres. Toutefois, ce n’est qu’en 1757 que l’Académie impériale russe des arts a été créée et, en 1764, son successeur, la tsarine Catherine la Grande (règne 1762-96), a fondé l’Ermitage à Saint-Pétersbourg.

L’Ermitage est la plus grande galerie d’État de Russie et l’un des plus grands musées d’art au monde, avec plus de 3 millions d’œuvres d’art. La collection a été créée par Catherine elle-même lorsqu’elle a acheté plus de 200 œuvres à Johann Gotzkowski en 1763. D’autres collections ont été acquises, notamment La collection Bruhl (Saxe), la collection Crozet (France), la collection d’art Horace Walpole (Angleterre) et d’autres encore. Les monarques suivants ont continué à enrichir les trésors du musée en négociant avec des collectionneurs de toute l’Europe. Voir aussi : Comment apprécier la peinture .

Les collectionneurs d’art des XIXe et XXe siècles : l’âge d’or

Les idéaux de la Révolution française, combinés à l’efficacité révolutionnaire, ont préparé le terrain pour le développement de l’art au XIXe siècle. La croissance de la classe moyenne a entraîné l’expansion du marché de la peinture et l’émergence de nombreux salons dans toute l’Europe. À Paris, capitale mondiale de l’art, ces salons comprenaient le Salon officiel, le Salon des Refusés occasionnel (1863, 1874, 1875 et 1886), le Salon des Indépendants (à partir de 1884) et, enfin,  ; le Salon d’Automne (à partir de 1903).

En 1874, la ville a donné naissance à l’impressionnisme, l’un des grands mouvements de l’art moderne, qui en a engendré beaucoup d’autres, dont le post-impressionnisme et le fauvisme . En outre, les peintures impressionnistes sont apparues en même temps que de riches acheteurs étrangers. Parmi ces derniers, on trouve des collectionneurs russes Sergei Shchukin (1854-1936) et Ivan Morozov (1871-1921), des collectionneurs britanniques tels que Samuel Courtauld (1876-1947), et les collectionneurs américains Isabella Stewart Gardner (1840-1924), Albert Barnes (1872-1951) et Duncan Phillips (1886-1966). Les peintres et sculpteurs français ont également bénéficié des activités de promotion de plusieurs marchands d’art parisiens influents, dont Paul Durand-Ruel (1831-1922), Ambroise Vollard (1866-1939) et Paul Guillaume (1891-1934).

Le marché parisien de l’art moderne stimule les collectionneurs d’art russe à Moscou, comme Pavel Tretyakov (1832-1898), et les collectionneurs d’art américain à New York, comme Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942), fondatrice du Whitney Museum, New York.

Avec l’émergence au XXe siècle des mouvements d’art abstrait tels que le cubisme (1908-14), le futurisme (1909-14), le suprématisme (1913-1918), le constructivisme (c. 1917-21), De Stijl (Dutch «Style») (1917-31), de nouveaux collectionneurs d’art sont apparus, centrés sur l’art sans objet . L’un des premiers fut le marchand d’origine allemande Daniel-Henri Kahnweiler (1884-1979), qui devint le premier grand marchand de Picasso. Lui succédèrent Léonce Rosenberg (1879-1947) et son frère Paul Rosenberg (1881-1959), après des collectionneurs américains tels que Solomon Guggenheim (1861-1949) et sa nièce Peggy Guggenheim (1898-1979).

L’art abstrait est resté populaire en Amérique, où l’expressionnisme abstrait est devenu le principal idiome dans les années 1950 et au début des années 1960. Des collectionneurs tels que Leo Castelli (1907-1999) se sont d’abord fait connaître par des peintures abstraites, puis par le Pop art. Un autre collectionneur d’art moderne américain était Clement Greenberg (1909-1994), dont la collection est exposée au Jubitz Centre for Modern and Contemporary Art (Jubitz Centre d’art moderne et contemporain), qui fait partie du Portland Art Museum (musée d’art de Portland). L’un des principaux collectionneurs d’art contemporain, connu pour sa haute opinion d’artistes tels que Damien Hirst et feu Donald Judd, est Charles Saatchi (né en 1943), fondateur de la Saatchi Gallery à Londres.

Les plus grandes collections d’art

Voici quelques-unes des plus grandes collections conservées dans les plus beaux musées d’art du monde . Pour des listes séparées, voir : Musées d’art d’Europe, et pour les Etats-Unis, voir Musées d’art d’Amérique .

Collections encyclopédiques des musées

- Louvre (Paris).
Une des plus grandes collections du monde.

- Ermitage (Saint-Pétersbourg).
Fondé par la Grande Catherine, c’est l’un des plus grands musées du monde.

- Pinakothek (Munich)
Trois importantes galeries d’art dans le Kunstareal de Munich.

- La collection encyclopédique du musée des beaux-arts de Boston
contient 450 000 œuvres d’art.

- Institut des arts de Détroit
. Une collection de 65 000 objets d’une valeur d’un milliard de dollars : y compris une collection de peintures d’artistes américains.

- Metropolitan Museum of Art (New York).
Fondé par John Taylor Johnston et d’autres, c’est l’un des plus grands musées du monde, avec une collection de 3 millions d’objets couvrant presque toutes les époques et toutes les cultures.

- Art Institute of Chicago.
Immense collection de beaux-arts et d’arts décoratifs, y compris l’art de l’époque précolombienne, en particulier les céramiques mésoaméricaines.

- La collection du Philadelphia Museum of Art
comprend 225 000 objets : peintures, céramiques, sculptures, armures, tapisseries, meubles et autres arts décoratifs d’Europe, des Amériques et de Chine.

- Musée d’art du comté de Los Angeles.
Plus de 100 000 œuvres d’art culturel ancien, d’art fin et d’art moderne.

- J. Paul Getty Museum of Art (Los Angeles)
Comprend des œuvres d’art au Getty Centre et des antiquités à la Getty Villa.

Collections nationales et d’État

- Prado Madrid
Collection de peinture espagnole n° 1 au monde : El Greco, Velázquez, Ribera, Surbarán. Fondé par le roi d’Espagne Charles III en 1785.

- Galerie Tretiakov à Moscou
La plus grande collection d’icônes russes et d’art russe au monde est abritée ici. Elle a été installée par Pavel Tretyakov.

- Musée d’histoire de l’art, Vienne
Célèbre pour ses collections d’art des Habsbourg et la plus grande collection d’œuvres de Pieter Bruegel l’Ancien.

- Rijksmuseum (Musée national d’Amsterdam)
Chefs-d’œuvre de Rembrandt, Jan Vermeer, Frans Hals et autres réalistes néerlandais.

- London National Gallery
La collection nationale britannique d’art produit avant 1900 se trouve ici.

- La collection royale britannique d’œuvres d’art.
7 000 peintures, 40 000 aquarelles et dessins, 150 000 gravures de maîtres anciens, collectionnés par le roi et la reine d’Angleterre.

- Tate Collection, Londres.
Fondée par Sir Henry Tate. Comprend la Tate Britain et la Tate Modern.

- National Gallery of Art à Washington, DC.
Collection de grande qualité de maîtres anciens et d’œuvres d’artistes américains.

- Whitney Museum of American Art.
Fondé par Gertrude Vanderbilt Whitney, il possède l’une des plus belles collections de peinture et de sculpture américaines.

Arts décoratifs

- Victoria and Albert Museum (Londres)
Le plus grand musée d’arts décoratifs et de design au monde. Fondé par le prince Albert, consort de la reine Victoria.

Renaissance

- Galerie des Offices (Florence)
L’une des plus belles collections d’œuvres de la Renaissance italienne.

- Musées du Vatican
Ils abritent une collection inestimable d’œuvres d’art rassemblées par l’Église catholique au cours des siècles.

Le modernisme français

- Musée d’Orsay (Paris).
La plus grande collection de peinture française du XIXe siècle, en particulier les œuvres des impressionnistes et des post-impressionnistes.

- Fondation Barnes (Merion)
spécialisée dans les peintures impressionnistes et postimpressionnistes.

- Musée d’art Carnegie (Pittsburgh).
Spécialisé dans l’art moderne d’Europe et d’Amérique.

Art contemporain du XXe siècle

- Musée d’art moderne, MoMA (New York)
La plus belle collection d’art moderne au monde (depuis 1860). Fondé par Abbie Aldrich Rockefeller (épouse de John D. Rockefeller, Jr.), Mme Cornelius J. Sullivan, Mlle Lillie P. Bliss et d’autres.

- Samuel R. Guggenheim Museum (New York)
Collection de renommée mondiale d’art moderne précoce et d’art contemporain d’artistes majeurs d’Europe et d’Amérique. Fondé par Samuel Guggenheim.

- Guggenheim Venice
Connu pour ses œuvres du XXe siècle du cubisme, du surréalisme et de l’expressionnisme abstrait. Fondé par Peggy Guggenheim.

- Hugh Lane Gallery, Dublin
Principale collection irlandaise d’œuvres modernistes, fondée par Hugh Lane . Comprend une reconstitution de l’atelier de Francis Bacon.

Art moderne

- Centre Pompidou (Paris).
Célèbre pour sa collection d’art d’avant-garde du 20e siècle .

- Saatchi Gallery (Londres)
Fondé par Charles Saatchi, c’est le principal musée d’art moderne de Grande-Bretagne.

Collections compactes célèbres

- Collection Frick
Peintures à l’huile, sculptures, porcelaines, meubles rares, émaux de Limoges, tapis orientaux.

- Isabella Stewart Gardner Museum à
Bijoux fantaisie, collection d’œuvres de la Renaissance italienne.

- Points forts Phillips Collection
: El Greco, Goya, Renoir, Winslow Homer, Whistler, et Mark Rothko. Fondée par Duncan Phillips.

- Galerie de l’Institut Courtauld.
Connue pour ses impressionnantes peintures impressionnistes et post-impressionnistes . Fondé par Samuel Courtauld.