Évaluation de l’art: comment apprécier l’art, juger une peinture Automatique traduire
Série d’éducation artistique
Cet article, écrit par
notre éditeur, Neil Collins, est conçu pour les étudiants en art
et écoles d’art dans le cadre
de notre nouvelle série sur l’art
appréciation.
Qu’est-ce que l’évaluation artistique?
La tâche d’évaluer une œuvre d’art, telle qu’une La peinture ou un sculpture , nécessite une combinaison d’informations objectives et d’opinions subjectives. Oui, c’est vrai que l’appréciation de l’art est hautement subjective, mais l’évaluation d’une image ne vise pas simplement à déterminer si vous aimez ou non une image, mais POURQUOI vous l’aimez / ne l’aimez pas. Et cela nécessite une certaine quantité de connaissances. Après tout, votre évaluation d’un dessin réalisé par un enfant de 14 ans dans une cour d’école risque fort d’être assez différente d’un dessin similaire réalisé par Michel-Ange, âgé de 40 ans. De même, on ne peut pas utiliser les mêmes normes pour évaluer les qualités d’un portrait réaliste par rapport à un portrait expressionniste. En effet, le peintre expressionniste n’essaie pas de saisir le même degré d’objectivité visuelle que son homologue réaliste. Pour le dire simplement, les évaluateurs d’art doivent générer des faits sur lesquels fonder leurs opinions: à savoir, des faits concernant (1) le contexte de l’œuvre d’art; et (2) l’œuvre d’art elle-même. Une fois que nous avons les faits, nous pouvons alors faire notre évaluation. Plus nous pouvons glaner d’informations sur le contexte et l’œuvre d’art elle-même, plus notre évaluation sera raisonnée.
Définitions et terminologie
Veuillez noter que dans cet article, les termes "évaluation de l’art", "évaluation de l’art" et "appréciation de l’art" sont utilisés de manière interchangeable.
L’évaluation artistique, ce n’est pas simplement aimer ou ne pas aimer
Avant d’entrer dans les détails sur la manière d’évaluer l’art, soulignons encore une fois que l’intérêt de l’appréciation de l’art est d’expliquer POURQUOI nous aimons ou n’aimons pas quelque chose, pas simplement si nous l’aimons ou non. Par exemple, vous pouvez finir par ne pas aimer une image car elle est trop sombre, mais vous pouvez toujours aimer son sujet ou apprécier son message dans son ensemble. Pour le dire simplement, dire "je n’aime pas cette peinture" est insuffisant. Nous devons connaître les raisons qui sous-tendent votre opinion et également savoir si vous pensez que le travail a des qualités.
Comment apprécier une oeuvre d’art
Le moyen le plus simple de comprendre et donc d’apprécier une œuvre d’art est d’enquêter sur son contexte ou son contexte. En effet, cela nous aide à comprendre ce qui était (ou aurait pu être) dans l’esprit de l’artiste au moment où il a créé l’œuvre en question. Pensez-y comme un travail de détective de base. Commencez avec ces questions.
A. Comment évaluer le contexte / le contexte du travail?
Quand la peinture a-t-elle été créée?
Connaître la date du travail nous aide à évaluer sa fabrication et son degré de difficulté. Par exemple, les paysages produits avant la popularité de la photographie (vers 1860) ou l’apparition de tubes de peinture à l’étain pliables (1841) présentaient un plus grand niveau de difficulté. Peinture à l’huile produites avant la Renaissance, ou après la Renaissance par des artistes ayant des moyens modestes, ne contiendront pas le pigment bleu naturel fabuleux mais astronomiquement cher Ultramarine, fabriqué à partir de minéraux broyés Lapis Lazuli .
La peinture est-elle abstraite ou figurative?
Une peinture peut être totalement abstraite (autrement dit, elle ne ressemble à aucune forme naturelle: une forme connue sous le nom de art non objectif ), ou organiquement abstraite (certaines ressemblances avec des formes organiques naturelles), ou semi-abstraite (les figures et autres objets sont discernables dans une certaine mesure), ou représentationnel (son contenu figuratif et autre est immédiatement reconnaissable). Il est évident qu’un travail abstrait a des objectifs tout à fait différents de celui d’un travail de représentation et doit être jugé selon différents critères. Par exemple, une image totalement abstraite ne tente pas de détourner le spectateur de quelque manière que ce soit. naturalisme et dépend donc entièrement de son effet sur ses qualités formelles (ligne, forme, couleur, etc.).
De quel type de peinture s’agit-il?
Les peintures sont de différents types ou catégories (appelées genres de peinture ). Les genres établis sont: Paysage, Portrait, Genre-Peintures (scènes de tous les jours), Histoire et Nature morte. Au XVIIe siècle, les grandes académies européennes, telles que l’Académie des arts de Rome, l’Académie des Arts de Florence, l’ Académie des Beaux-Arts de Paris et l’Académie royale de Londres ont suivi la règle établie en 1669 par le professeur Andre Felibien, secrétaire du Académie Française , qui a classé les genres comme suit: (1) Peinture d’histoire – avec peintures religieuses être peut-être une catégorie indépendante; (2) Portrait ; (3) Peinture de genre ; (4) Peinture de paysage ; (5) Nature morte . Cette hiérarchie reflète l’impact moral de chaque genre. Les experts ont estimé qu’un message moral pourrait être transmis beaucoup plus clairement par le biais d’une image d’histoire, d’un portrait ou d’une peinture de genre que par un paysage ou une nature morte.
Parmi les autres types de peintures, en plus des cinq précédentes, figurent les suivantes: paysages urbains, peintures marines, icônes, retables, miniatures, peintures murales, enluminures, illustrations, caricatures, dessins animés, affiches, graffitis, images d’animaux, etc.
Un certain nombre de ces types de peintures ont des règles traditionnelles en matière de composition, de sujet, etc. Cela vaut particulièrement pour art religieux . Les thèmes chrétiens, par exemple, qui apparaissent souvent dans les peintures de la Renaissance et du baroque, sont obligés de contenir certaines figures sacrées et doivent être conformes à certaines règles de composition. De plus, les peintres se réfèrent souvent à des images antérieures du même genre (Screaming Pope de Francis Bacon a été inspiré de l’un des plus grands portraits – le Portrait d’Innocent X de Velazquez). Pour toutes ces raisons, les peintures sont mieux évaluées par rapport à d’autres œuvres du même type. Pour plus de conseils, voir: Comment apprécier les peintures .
À quelle école ou à quel mouvement la peinture est-elle associée?
Une "école" peut être un groupe national d’artistes (par exemple, l’école égyptienne antique, l’école espagnole, l’expressionnisme allemand) ou un groupe local (par exemple, l’école de réalisme hollandais de Delft, l’école Ashcan de New York, l’Ecole de Paris), ou un mouvement esthétique général (ex. Baroque , Néoclassicisme, impressionnisme, fauvisme, cubisme, dada, surréalisme, pop art), un groupe local ou un groupe d’artistes (par exemple, Der Blaue Reiter, école de l’expressionnisme abstrait de New York, groupe Cobra, Fluxus, école de St Ives), ou même tendance générale (réalisme, expressionnisme). Alternativement, l’école peut s’intéresser à un genre particulier (par ex. École de Barbizon et Newlyn School, deux groupes de paysagistes; Préraphaélite, images historiques ou à thème littéraire), ou méthode de peinture (par exemple, le néo-impressionnisme, basé sur Pointillisme – une variante de la théorie de la couleur du divisionnisme), ou un aspect du monde naturel (par exemple, le constructivisme, consacré à refléter le monde industriel moderne), ou la politique, ou des symboles mathématiques (par exemple, l’austère Néo-plasticisme ).
Savoir lequel des nombreux mouvements d’art la peinture appartient à peut nous donner une meilleure compréhension de sa composition et sa signification. À l’école de Art égyptien par exemple, les peintres devaient adhérer à des règles de peinture spécifiques concernant la composition et la couleur. Ainsi, les chiffres ont été classés en fonction de leur statut social plutôt que par référence à perspective linéaire . La tête et les jambes étaient toujours profilées, alors que les yeux et le haut du corps étaient vus de l’avant. Les peintres égyptiens n’utilisaient pas plus de six couleurs: rouge, vert, bleu, jaune, blanc et noir, chacune d’elles symbolisant différents aspects de la vie ou de la mort. Les autres cultures et écoles culturelles ont leurs propres directives. Artistes réalistes hollandais une réplique fidèle, fidèle à la réalité, de l’intérieur et de l’environnement – sauf dans le portrait, où le but était de flatter le sujet: cf. La garde de nuit , de Rembrandt. Les peintres impressionnistes privilégient généralement les coups de pinceau lâches pour capturer des impressions de lumière éphémères. Les cubistes ont rejeté les règles habituelles de la perspective linéaire et ont plutôt démonté leur sujet en une série de plaques géométriques plates et transparentes qui se chevauchaient et se croisaient à des angles différents. Les artistes de De Stijl, comme Piet Mondrian, n’utilisaient que des formes géométriques dans leurs images, tandis que les lignes étaient toujours horizontales ou verticales – jamais en diagonale. Etc.
Notez que l’art occidental est très différent de l’ art oriental . Peinture chinoise par exemple, se concentre sur l’essence intérieure spirituelle des choses plutôt que sur l’apparence extérieure.
Où l’image a-t-elle été peinte?
Savoir où et dans quelles circonstances une peinture est créée peut souvent améliorer notre compréhension et notre compréhension de l’œuvre concernée. Voici quelques exemples.
Balancer dangereusement sur un échafaudage branlant, Michelangelo peint le plafond de la Chapelle Sixtine (une superficie gigantesque de 12 000 pieds carrés), pratiquement sans aide, au cours des quatre années écoulées entre 1508 et 1512. Sachant que Art chrétien a été créé in situ , plutôt que dans un bel atelier chaleureux, nous aide à apprécier l’énormité de la tâche.
Monet, le chef de file français Impressionnisme , a consacré sa vie à peinture en plein air . Dans ses dernières années, il a aménagé un jardin d’eau japonais avec des étangs à lis, à côté de sa maison, et c’est ici qu’il a réalisé sa vaste série de peintures de nénuphar. Pissarro a également peint principalement à l’extérieur et a donc toujours eu un grand nombre de peintures inachevées, car la lumière s’estompait souvent avant que son travail ne soit terminé. Cela explique pourquoi il a peint la même scène ou le même motif (pour capturer la lumière différente) et pourquoi son pinceau était si rapide et flou. De leur côté, Manet et Degas étaient tous deux des citadins et travaillaient exclusivement dans leur studio, où ils pouvaient peaufiner et perfectionner leur travail. Parmi les autres peintres en plein air exceptionnels figurent les Scandinaves Kroyer et Hammershoi (surnommés «les peintres de la lumière»), qui ont produit un certain nombre de paysages exceptionnels à Skagen, au Danemark.
Les environnements peuvent avoir un impact majeur sur l’humeur d’un artiste, et donc sur sa peinture. Van Gogh et Gauguin en sont des exemples. Au cours de ses 10 années de peinture, Van Gogh s’est appuyé sur des couleurs sombres alors qu’il peignait pendant les jours difficiles en Hollande (par exemple, The Potato Eaters , 1885); passe à des couleurs plus claires et plus vives à Paris alors qu’il subit l’impact de l’impressionnisme; se tourna vers des jaunes vifs alors qu’il peignait à Arles, près de la Riviera ( Café Terrasse de nuit , 1888); avant de revenir à des pigments plus foncés dans sa dernière période (The Olive Pickers, 1889, et le sinistre Wheat Field with Crows , 1890). En 1891, un an après la mort de Van Gogh, l’artiste français Paul Gauguin s’embarqua pour Tahiti et les îles du Pacifique, où il passa la majeure partie de ses 10 dernières années dans une extrême pauvreté. Néanmoins, son retour à la nature insufflait à ses peintures une vie et des couleurs énormes, ainsi Primitivisme qui a trouvé des échos chez Picasso et d’autres.
L’intimiste français Edouard Vuillard, qui a vécu pendant 60 ans avec sa mère, couturière, dans une série d’appartements à Paris, est un artiste particulièrement intéressant. Sa mère tenait sa corsetière depuis chez elle, ce qui donnait à Vuillard l’occasion d’observer les motifs, les matières, les couleurs et les formes de ses robes. Tout cela a été soigneusement reflété dans les motifs de ses peintures.
Une fois, au cours de sa jeunesse artistique, le pionnier Robert Rauschenberg était (apparemment) si pauvre qu’il resta dans son appartement et peignit la couette sur son propre lit, le décorant avec du dentifrice et du vernis à ongles. L’œuvre emblématique s’intitulait Bed (1955).
À quel moment l’artiste était-il dans sa carrière? Quel était son fond?
Savoir si une peinture a été réalisée tôt ou tard dans la vie d’un peintre peut souvent aider notre appréciation de l’œuvre.
Les artistes améliorent généralement leur technique de peinture avec le temps, atteignent un sommet au milieu de leur carrière et s’effacent ensuite au cours des années suivantes. Certains artistes, cependant, sont morts à l’apogée de leurs pouvoirs. Raphaël (1483-1520), Caravaggio (1571-1610), Jan Vermeer (1632-75), Thomas Girtin (1775-1802), Richard Parkes Bonington (1802-28), Van Gogh (1853-90). Aubrey Beardsley (1872-1898), Isaac Levitan (1860-1900), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Amedeo Modigliani (1884-1920), Nicolas de Stael (1914-1955) et Jackson Pollock (1912- 56), pour n’en nommer que quelques-uns. D’autre part, certains artistes s’épanouissent tôt et, bien qu’ils puissent continuer à peindre pendant des décennies, ne parviennent pas à répéter leur premier succès. Dans cette catégorie, nous pourrions trouver des artistes modernes tels que Marcel Duchamp, Georges Braque, Oskar Kokoschka, André Derain, Maurice de Vlaminck, Kees Van Dongen, voire, Picasso. À la manière de Tintoret, Monet, Renoir, Joan Miro et Lucian Freud, seule une proportion relativement petite maintient sa créativité jusqu’à un âge extrême.
Comprendre le fond de l’artiste peut aussi expliquer énormément de choses sur sa peinture.
L’expressionniste norvégien Edvard Munch n’aurait jamais récupéré d’un certain nombre de décès prématurés dans la famille. Sa nature névrotique et morbide qui en découle se retrouve dans nombre de ses œuvres. La peintre mexicaine Frida Kahlo n’a jamais complètement retrouvé l’usage de sa jambe droite après avoir contracté la polio à 6 ans et à 18 ans, elle a été grièvement blessée après un accident de bus. Cela aide à expliquer ses interminables séries d’autoportraits, illustrant son manque de mobilité.
Paul Cezanne (paysages du mont Sainte-Victoire , Baigneuses et natures mortes) et Edgar Degas (danseurs de ballet) ont peint des versions sans fin et laborieuses de certains sujets. Une des raisons probables à cela est que ni l’un ni l’autre ne dépendaient de son art pour vivre. Certes, ni l’un ni l’autre n’a tenté beaucoup de portraits, ce qui était le genre le plus rentable sur le plan financier. En revanche, les deux hommes étaient plus classicistes que leurs collègues impressionnistes, ce qui explique leur méthode de travail précise et méticuleuse.
Où était l’emplacement prévu de la peinture? (si seulement)
Évidemment, un tableau destiné à occuper un grand espace sur le mur d’un réfectoire de monastère espagnol du XVIe siècle (monument religieux monumental et inspirant) sera radicalement différent de celui destiné à l’étude d’un prospère marchand de textiles à Amsterdam au XVIIe siècle – échelle, portrait poli, intérieur ou nature morte). De même, un tableau conçu pour la réception d’un logiciel de haute technologie californien (grande image abstraite moderne, éventuellement géométrique ou expressionniste) sera probablement différent de celui installé dans la salle de conseil d’une banque privée de la ville de Londres (système traditionnel). Paysage du 19ème siècle). Bien entendu, ces suggestions ne sont que des possibilités stéréotypées, mais elles servent à illustrer le rôle et les caractéristiques d’œuvres d’art spécifiques à un site.
B. Comment évaluer l’œuvre d’art elle-même
Voir: Comment apprécier les peintures .
Voir également: Tableaux célèbres analysés .
Une fois que nous avons étudié ou étudié le contexte de la peinture, nous pouvons commencer à apprécier le travail lui-même. Savoir apprécier une peinture est en soi un art plutôt qu’une science. Et peut-être l’aspect le plus difficile de l’évaluation artistique est-il de juger la méthode de peinture elle-même: c’est-à-dire comment la peinture a été réalisée? C’est donc avec une grande humilité que nous proposons ces suggestions pour évaluer la technique de peinture utilisée.
Quels matériaux ont été utilisés dans la création de la peinture?
Quelle sorte de peinture a été utilisée? Quel type de sol ou de support le peintre a-t-il utilisé? Les réponses à ces questions peuvent fournir des informations intéressantes sur les intentions de l’artiste. Les matériaux standard sont la peinture à l’huile sur toile. Huile par sa richesse de couleur, toile par son adaptabilité. cependant, acryliques ou aquarelles sont utilisés à la place des huiles lorsque des émaux minces sont nécessaires, et les acryliques sont également préférables lorsque de larges zones de couleur plates sont requises. Les expressionnistes abstraits américains Mark Rothko et Barnett Newman, célèbres pour leurs toiles monumentales de couleurs, ont expérimenté dans les années 1950 un mélange d’huile et d’acrylique. Les peintures à l’aquarelle et à l’acrylique sèchent également beaucoup plus rapidement que les huiles et conviennent donc parfaitement aux peintures exécutées rapidement. En bois peintures sur panneaux sont parfois utilisés comme alternative à la toile lorsque des peintures très précises sont souhaitées (les miniatures ont été / sont encore peintes sur du bois, du cuivre ou même des panneaux en ardoise), ou en conjonction avec détrempe ou des acryliques quand l’artiste veut construire la peinture en très fines couches.
Parfois, la surface de la peinture, son support et son cadre constituent une caractéristique spécifique de l’œuvre d’art. Au début des années 1960, l’art contemporain français était dominé par le groupe d’extrême-gauche Supports-Surfaces , dont les membres peignaient de grandes toiles sans châssis (support physique derrière la toile), tandis que les matériaux étaient souvent coupés, tissés ou froissés. Le peintre italien Lucio Fontana s’est également fait connaître dans les années 60 avec ses toiles "découpées", permettant au spectateur de voir à travers le plan de l’image vers l’espace tridimensionnel situé au-delà, qui fait lui-même partie de l’œuvre. Angela de la Cruz, une des artistes contemporaines nominée pour le prix britannique 2010 Prix Turner , est devenu célèbre pour ses toiles qui, après avoir été peintes, sont ensuite retirées de leur support de civière et froissées, puis relancées.
Quel est le contenu et l’objet de la peinture?
Qu’est-ce qui est décrit dans la peinture? Si c’est une photo historique ou peinture mythologique , posez-vous ces questions: quel événement est montré? Quels personnages sont impliqués et quels sont leurs rôles? Quel message la peinture contient-elle? Si c’est un portrait, posez-vous les questions suivantes: Qui est le gardien? Comment l’artiste le représente-t-il? Quelles caractéristiques ou quels aspects de la personne sont mis en avant ou retenus? Si c’est une scène de genre, posez-vous ces questions: Quelle scène est représentée? Qu’est-ce qui se passe? Quel message (le cas échéant) le peintre a-t-il pour nous? Pourquoi a-t-il choisi cette scène particulière? Si c’est un paysage, posez-vous les questions suivantes: Quel est l’emplacement géographique de la vue sur la photo? (par exemple. Est-ce un lieu de prédilection du peintre?) Qu’est-ce que l’artiste essaie de nous dire sur le paysage? Si c’est une nature morte, posez-vous ces questions: Quels objets – aussi apparemment insignifiants qu’ils soient – sont inclus dans l’image? Pourquoi l’artiste a-t-il choisi ces objets? Pourquoi les a-t-il présentés de la manière qu’il a? Les natures mortes sont connues pour leur symbolisme, il est donc intéressant d’analyser les objets peints pour voir ce que chacun d’eux pourrait symboliser.
Comment apprécier la composition dans une peinture?
Composition signifie la conception générale ( disegno ), la disposition générale. Et la manière dont une peinture est disposée est essentielle car elle détermine en grande partie son impact visuel. Pourquoi? Parce qu’une peinture bien composée attirera et guidera l’œil du spectateur autour de l’image. Les peintres qui excellaient en composition étaient toujours formés de manière classique dans les grandes académies, où la composition était un élément hautement considéré dans le processus de peinture. Trois exemples suprêmes sont Nicolas Poussin (1594-1665), JAD Ingres (1780-1867) et Edgar Degas (1834-1917).
Le manque d’espace nous empêche d’entrer ici dans les détails, mais nous recommandons d’étudier les ouvrages suivants: La Sainte Famille en Égypte (1655-1617, Hermitage, Saint-Pétersbourg) de Poussin; Le Bather of Valpincon (1808, Louvre, Paris) par Ingres; et Absinthe (1876, Musée d’Orsay) de Degas.
Dans le premier ouvrage – qui montre Joseph et Marie reposant à côté d’un temple dans une ville -, celui de Poussin montre son incroyable capacité à positionner tout dans le tableau exactement comme il se doit, pour une harmonie optique maximale et pour transmettre des messages importants qui correspondent à le thème général. En termes simples, tout dans l’image a un objectif très spécifique et une position spécifique. Dans la deuxième œuvre – un intérieur plus simple d’une chambre à coucher sans fenêtre dans laquelle on voit le dos d’un nu féminin anonyme qui est assis sur le lit – Ingres crée un agencement hautement symbolique de couleurs, de formes et d’angles, qui imprègne le tableau d’un mystère voyeuriste. La troisième photo – une des plus grandes peintures de genre ever – représente une prostituée assise dans un café parisien, un verre d’absinthe devant elle; un autre homme est assis à côté d’elle; les deux sont perdus dans leurs pensées et dans leur propre monde. Dans ce travail, Degas utilise une série d’angles et de lignes, ainsi que des couleurs sombres lugubres, pour capturer l’isolement semblable à une cellule et la solitude déprimante des individus au cœur d’une grande métropole. Les trois œuvres offrent un certain nombre d’informations importantes qui vous aideront à apprécier la composition des peintures.
Comment apprécier le trait et la forme dans un tableau?
L’habileté d’un peintre se révèle souvent dans la force et la confiance de son trait, créant et délimitant les différentes formes de son tableau. Dans une histoire célèbre, un important mécène envoie un messager à Giotto, le grand peintre de la Renaissance. Le messager demande à Giotto une preuve d’identité, après quoi l’artiste produit un pinceau et un morceau de lin sur lequel il trace un cercle parfait. Il le tend ensuite au messager en disant: "votre Maître saura exactement qui a peint cela." La ligne est un élément crucial de la structure d’un tableau et explique pourquoi dessin a été considéré par tous les experts de la Renaissance comme le plus grand attribut d’un artiste. En fait, lors de la première ouverture des grandes académies européennes des beaux-arts, les élèves n’apprenaient pas la peinture ( colorito ) du tout – juste dessiner. Certains des meilleurs dessinateurs étaient des portraitistes, dont le trait pouvait être presque irréprochable: le portraitiste de formation classique John Singer Sargent (1856-1925), qui était un expert de la technique du " premier premier coup " – brosse, sans retravailler. Parmi les artistes modernes sans formation classique, les peintures de Van Gogh et de Gauguin se distinguent par des lignes exceptionnellement fortes et confiantes.
Dans la peinture figurative: (1) examiner comment l’artiste utilise clair-obscur optimiser la qualité 3D de ses figures; (2) voir s’il utilise ténébrisme dans le cadre de son plan d’éclairage afin de mettre en lumière certaines parties de l’image; (3) regarder si le peintre utilise la technique de sfumato dans le mélange de couleurs.
Comment apprécier les couleurs dans une peinture?
Couleur en peinture a une influence majeure sur nos émotions et joue donc un rôle déterminant dans notre façon d’apprécier l’art. Curieusement, bien que nous puissions identifier jusqu’à 10 millions de variantes de couleur, il n’y a que 11 termes de couleur de base en anglais – noir, blanc, rouge, orange, jaune, vert, bleu, violet, rose, brun et gris. Il n’est donc pas facile de parler de couleur. Par ailleurs, en ce qui concerne les termes: une "teinte" est synonyme de couleur; une "teinte" est une version plus claire (par exemple rose) d’une couleur particulière (rouge); une "nuance" est une version plus sombre (par exemple, magenta); "ton" est la luminosité, l’intensité ou la brillance d’une couleur. Incidemment, de nombreuses œuvres de maîtres anciens commencent à s’assombrir avec l’âge, ce qui les rend moins attrayantes. Il peut aussi faire même la meilleurs musées d’art l’air extra sombre!
La couleur est utilisée par les peintres de plusieurs manières. Prendre Peintures de Mark Rothko par exemple. Rothko a été l’un des premiers peintres à créer d’énormes toiles abstraites saturées de couleurs riches – jaunes, oranges, rouges, bleus, indigos et violettes. Son but était de stimuler une réaction émotionnelle du spectateur. Et pourquoi pas? Après tout, la psychologie des couleurs exerce déjà une influence considérable sur la décoration intérieure des hôpitaux, des écoles et d’autres institutions.
Historiquement, l’impressionnisme et l’expressionnisme (notamment Le fauvisme ) ont été les premiers mouvements internationaux à exploiter tout le potentiel de la couleur. Les peintres académiques ont adhéré aux schémas de couleurs conventionnels – herbe verte, mer bleue / grise, etc., mais les artistes modernes ont peint ce qu’ils voyaient (impressionnistes) ou comment ils se sentaient (expressionnistes): si cela voulait dire peindre de l’herbe rouge, qu’il en soit ainsi. L’art figuratif a reçu le même traitement que les paysages: ainsi le "Matisse russe" Alexei von Jawlensky (1864-1941) a établi de nouvelles normes en matière d’utilisation de la couleur dans les portraits, tandis que Degas a utilisé la couleur pour ajouter du lustre à ses étoiles de ballet et le désespoir son buveur d’absinthe. D’autres artistes utilisent une palette de couleurs monochromes tonales sur l’ensemble du tableau afin de créer une ambiance particulière. Parmi les exemples suprêmes, citons les paysages romantiques de Corot, les scènes nocturnes d’Atkinson Grimshaw, les nocturnes tonales de Whistler, les intérieurs de Peter Ilsted, les paysages de Kroyer, les intérieurs de Hammershoi et les œuvres "bleu" et "rose" de Picasso (1881-1973)..
En résumé, les peintres utilisent la couleur pour stimuler les émotions, capturer les effets naturalistes de la lumière, donner du caractère à une figure ou à une scène et ajouter de la profondeur à une œuvre abstraite ou semi-abstraite. Il peut également être utilisé pour attirer l’œil du spectateur. Si vous voulez apprendre à apprécier les peintures, portez une attention particulière à la manière dont l’artiste utilise la couleur. Demandez-vous: Pourquoi a-t-il / elle choisi cette / cette teinte particulière? Comment cela contribue-t-il à l’ambiance ou à la composition de l’image? Quel est le lien entre les différentes couleurs utilisées: créent-elles une harmonie ou des frictions?
Comment apprécier la texture et le pinceau dans une peinture?
Pour apprendre à évaluer la texture et le travail au pinceau en peinture, rien ne remplace la visite d’une galerie ou d’un musée et la visite de quelques toiles. Même le meilleur livres d’art sont incapables de reproduire la texture dans une certaine mesure. Encore une fois, ce sont des peintres de formation classique qui excellent dans la texture et l’utilisation des empâtement . Ingres choisirait même certains sujets (par exemple, La baigneuse du valpincon 1808, La Grande Odalisque 1914) afin de montrer son habileté à capturer la texture de matériaux comme la nacre, la nacre et la soie. Quoi qu’il en soit, la manière dont un peintre gère la texture est un bon indicateur de la force de sa technique de peinture.
Le travail au pinceau peut être serré (plus lent, précis, contrôlé) ou lâche (plus rapide, plus occasionnel, plus expressionniste). Cela dépend en grande partie du style et de l’ambiance de la peinture, plutôt que du tempérament de l’artiste. Caravaggio avait un tempérament chaud et violent, mais ses peintures étaient des modèles de travail au pinceau contrôlé. Cézanne avait un tempérament lent: il peignait si lentement que tous les fruits de ses natures mortes étaient pourris des semaines avant sa fin. Pourtant, le travail de pinceau dans beaucoup de ses œuvres est exceptionnellement lâche. En généralisant sauvagement, on pourrait dire que les coups de pinceau des peintres réalistes ont tendance à être plus délibérés et plus contrôlés que les expressionnistes. Lorsque les impressionnistes ont tenu leur première exposition à Paris, en 1874, les critiques et les spectateurs ont été horrifiés par ce qu’ils ont appelé le "paresseux" des coups de pinceau. Ils devaient se tenir beaucoup plus loin des peintures avant que l’image exacte ne prenne forme. De nos jours, nous sommes assez à l’aise avec l’impressionnisme, mais au début, son coup de pinceau très lâche a provoqué un scandale.
Pour évaluer une image, la question à se poser est la suivante: le travail au pinceau ajoute-t-il ou non de la peinture?
Comment apprécier la beauté dans une peinture?
Esthétique est un sujet intensément personnel. Nous voyons tous les choses différemment, y compris «l’art» et surtout la «beauté». En outre, la peinture est avant tout un art visuel, une chose que nous voyons plutôt que de penser. Donc, si on nous demande si nous pensons qu’une peinture est belle, nous allons probablement donner une réponse assez instantanée. Cependant, si on nous demande ensuite d’évaluer la beauté (ou son absence) d’un tableau – ce qui signifie, expliquer et donner des raisons – eh bien, c’est une histoire différente. Alors, pour vous aider à analyser la situation, voici quelques questions à vous poser sur le tableau. La plupart sont concernés par l’harmonie, la régularité et l’équilibre visibles.
Quelles sont les proportions évidentes dans l’image?
Art grec et Art de la Renaissance reposait souvent sur certaines règles de proportion qui correspondaient aux vues classiques sur l’harmonie optique. Alors peut-être que la beauté que vous voyez (ou pas) peut être en partie expliquée par la référence aux proportions (des objets et des figures) dans l’œuvre.
Certaines formes ou certains motifs sont-ils répétés dans la peinture?
Selon les psychologues, la répétition de formes agréables, en particulier de motifs symétriques, peut détendre les yeux et le cerveau, ce qui nous fait ressentir du plaisir.
Les couleurs utilisées dans la peinture se complètent-elles?
Les schémas de couleurs avec des nuances complémentaires ou des variations de tons sont connus pour leur effet séduisant sur les sens.
Est-ce que l’image vous attire? Cela maintient-il votre attention?
Les plus grands tableaux sont les plus faciles à regarder. Ils attirent notre attention, puis des "panneaux indicateurs" guident notre regard autour du travail.
Comment le tableau se compare-t-il aux autres?
Tout est relatif. Alors, comment la peinture devant vous se compare-t-elle à des peintures similaires du même artiste? S’il s’agit d’un travail mature, vous constaterez peut-être qu’il améliore les travaux antérieurs, et inversement. Si vous ne trouvez pas d’autres du même artiste, essayez de regarder des œuvres similaires d’autres artistes. Idéalement, commencez par les œuvres peintes au cours de la même décennie, puis avancez progressivement dans le temps. Vous ne pouvez pas regarder trop de peintures!
Conseils pour apprécier l’art abstrait
Peintures abstraites ne sont pas faciles à évaluer. C’est bien quand ils suivent un thème général, comme Cubisme , ou quand ils incluent des caractéristiques reconnaissables, mais purement art concret – qui utilise uniquement des symboles géométriques – a tendance à être trop cérébrale pour le confort! Cela dit, beaucoup peintres abstraits ont apporté une contribution considérable à la culture contemporaine et nous devons essayer de les comprendre. Alors, voici quelques conseils.
La peinture totalement abstraite nous libère, spectateurs, de toute association optique avec la vie réelle. (C’est pourquoi de nombreux artistes travaillent dans l’idiome abstrait). En dehors de la peinture, nous ne sommes donc pas distraits et nous pouvons nous concentrer exclusivement sur les aspects picturaux de l’œuvre: la ligne, la forme, la couleur, la texture, le pinceau, etc.
En particulier, demandez-vous: (1) Comment l’artiste divise-t-il la toile? (2) Comment l’artiste dirige-t-il notre regard et où s’attarde-t-il? (3) Comment l’artiste utilise-t-il la couleur pour créer de la profondeur, attirer l’attention ou donner à certaines formes une signification ou un sens particuliers? (4) Quelles formes spécifiques l’œuvre contient-elle et que pensez-vous qu’elles signifient? (5) Parfois, les artistes abstraits utilisent les couleurs avec parcimonie et créent délibérément un style minimaliste. Si vous ne parvenez pas à en dire beaucoup sur ces œuvres, ne vous inquiétez pas: tout le monde a de la difficulté avec elles! La meilleure chose à faire est de rechercher une œuvre en particulier et de savoir ce qu’en pense un «expert en art» de premier plan. Cela ne vous plaira peut-être toujours pas, mais au moins, vous saurez quoi chercher. (6) En général, les peintures abstraites sont beaucoup plus cérébrales que d’autres œuvres. Ils doivent être déchiffrés! Alors, au lieu de lever les mains en l’air et de dire: «Je ne comprends pas cette peinture horrible!», Traitez-le comme un casse-tête et voyez si vous pouvez déterminer ce que l’artiste cherche à obtenir.
Voir également: Comment apprécier les peintures .
Comment évaluer l’art: quelques questions finales
Après avoir étudié le contexte de la peinture et l’œuvre elle-même, nous arrivons à quelques dernières questions.
Histoire de la critique d’art: critiques célèbres
Vous ne devez rien savoir de critiques d’art ou leur histoire pour savoir apprécier l’art. Donc, nous ne vous ennuierons pas avec des détails. Cependant, quelques extraits pourraient aider à vous assurer que même les experts peuvent ne pas être d’accord sur le point de savoir si un tableau est une œuvre de génie ou un déchet complet.
Denis Diderot (1713-84) est considéré comme le père fondateur de la critique d’art, en raison de sa direction de l’ Encyclopedie (1751-2). Plutôt sentimental dans son goût artistique, il a fait beaucoup de choses importantes, trop ennuyeuses pour la plupart.
Theophile Thore (1807-69) est plus intéressant: il était l’écrivain et historien d’art français qui a "redécouvert" le célèbre Jan Vermeer (1632-75) et l’a établi comme l’un des plus grands peintres de tous les temps. Pas beaucoup d’aide pour Vermeer, cependant. Le pauvre homme pouvait à peine payer ses factures de pain, ne tirait pas d’argent de sa peinture et tombait dans l’obscurité après une mort prématurée.
Le poète Charles Baudelaire (1821-1867), du 19e siècle, est un autre critique d’art reconnu. Il a notamment lancé la carrière de Félicien Rops (jamais entendu parler de lui?) Et a également distingué l’artiste Constantin Guys (qui n’a jamais entendu parler de lui non plus). Gentil Charles. Il était également un écrivain régulier du Salon annuel de Paris, dont les vieilles autorités interdisaient à tous les très bons artistes d’organiser de nombreuses expositions concurrentes, dont le Salon des Refuses (1863), le Salon des Indépendants (1884-1914) et le Salon d’Automne (À partir de 1903).
En Suisse et dans le monde germanophone, on peut dire que le plus grand historien de l’art après Johann Winckelmann a été Jacob Burckhardt (1818-1897), professeur d’histoire à l’université de Bâle. Son livre le plus célèbre – "La civilisation de la Renaissance en Italie" ( Die Kultur der Renaissance in Italian ), publié en 1860 – explore la totalité du Rinascimento italien et exerce un impact majeur sur les critiques d’art du 19ème siècle.
En Angleterre, le plus grand critique d’art du XIXe siècle était John Ruskin (1819-1900). Artiste talentueux et bel écrivain, connu pour ses classiques comme ses Peintres modernes en 5 volumes (1843-60), Les sept lampes de l’architecture (1849) et Les 3 volumes de Stones of Venice (1851-1835), il finit par devenir fou. mais pas avant qu’il ait perdu une affaire de diffamation célèbre à Whistler.
Voir également: Les plus grandes peintures modernes (1800-1900).
Roger Fry (1866-1934) était un critique d’art anglais très influent qui avait une voix merveilleusement mélodieuse. Il s’est construit une réputation d’expert de la Renaissance italienne et est devenu conservateur des peintures au Metropolitan Museum of Art de New York (1906-1910). Cependant, en 1907, Fry "découvrit" Cézanne et passa de son intérêt à Post-impressionnisme – devenir le plus grand champion du mouvement. À Londres, en 1910 et 1912, il organisa deux expositions majeures sur le post-impressionnisme. De nombreux visiteurs ont pensé que Fry était folle. Son apôtre principal était l’écrivain, critique d’art et formaliste Clive Bell (1881-1964).
Herbert Read (1893-1968) était un critique d’art anglais célèbre du XXe siècle et le principal interprète de art moderne . A publié de nombreux ouvrages, notamment Le sens de l’art (1931), Art Now (1933), L’ éducation par l’art (1943), Une histoire concise de la peinture moderne (1959) et Une histoire concise de la sculpture moderne (1964). Assez dit.
De retour en France, le principal critique d’art du début du XXe siècle était le poète Guillaume Apollinaire (1880-1918). Brillant propagandiste de Picasso, Cubisme, Orphisme, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, André Derain, Henri Matisse, Henri Rousseau et Marcel Duchamp, son évaluation artistique était impeccable.
Le surréalisme avait ses propres propagandistes internes comme André Breton (1896-1966) et, au moment du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, presque tous les artistes avaient quitté Paris pour se rendre à New York, qui était désormais le centre mondial de l’art. Ses principaux critiques d’art étaient Clément Greenberg (1909-94) Harold Rosenberg (1906-1978) et John Canaday (1907-1985). Greenberg, un ancien trotskyste, privilégiait les œuvres abstraites telles que les peintures de Jackson Pollock et écrivait Art and Culture (1961) ainsi que des monographies sur Miro (1948) et d’autres. Malheureusement, alors qu’il savait certainement apprécier la peinture, une grande partie de la art d’avant-garde il a tellement aimé est presque indéchiffrable – un peu comme Greenberg lui-même. Comme Greenberg, Rosenberg était un adepte de l’abstraction d’avant-garde. Canaday, critique d’art du New York Times, était l’un des rares critiques influents de l’expressionnisme abstrait.
Kenneth Clark (1903-1883), bien qu’il soit plus traditionaliste que la plupart des critiques du XXe siècle, était sans doute le plus influent, en raison de la création de la série documentaire primée "Civilization" de la BBC, qui remporta un grand succès en Grande-Bretagne et en Amérique, et à travers le monde anglophone.
Il est impossible d’apprécier tout l’art
L’impressionnisme français est l’un des mouvements artistiques les plus réussis et les plus influents de tous les temps. Pourtant, au début, il a suscité la dérision, pas seulement de la part des critiques, mais de tous les publics. Monet, Renoir et Pissarro ont failli mourir de faim. Sisley est mort dans la pauvreté.
Au printemps 1913, l’ Armory Show – la plus grande exposition d’art moderne jamais vue aux États-Unis – s’est tenue à Manhattan, avant de se rendre à Chicago et à Boston. Près de 300 000 Américains ont assisté aux 1 300 expositions, qui comprenaient la peinture européenne la plus moderne et une sélection du meilleur art américain contemporain. Les opinions variaient énormément, notamment en ce qui concerne les œuvres cubistes et autres œuvres du XXe siècle. Des émeutes ont éclaté en réponse et l’artiste Marcel Duchamp a été agressé physiquement par une foule déterminée à incendier le spectacle.
La leçon? Tous les arts de haute qualité ne sont pas facilement appréciés ou compris.
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