Nature morte peinture Automatique traduire
Voir également: Meilleurs peintres de nature morte.
Qu’est-ce que la nature morte?
Dans beaux arts, le terme «nature morte» désigne un genre de peinture, comprenant généralement une disposition d’objets (traditionnellement des fleurs ou des ustensiles de cuisine, mais presque tous les objets de la maison peuvent être inclus) disposés sur une table.
Le terme est une traduction directe du mot néerlandais ’Stilleven’, qui a été utilisé à partir de 1656 pour décrire des peintures précédemment appelées simplement ’Fruit’ ou ’Morceaux de fleurs’, ou encore ’Ontbijt’ (petit déjeuner), Bancket (banquet) ou Pronkstilleven (du mot hollandais ’pronk’ signifiant ostentation), ou avec des connotations religieuses, en ligne avec la nouvelle esthétique de Art de la réforme protestante – Peinture Vanitas.
La peinture de natures mortes était très pratiquée dans le monde antique, mais a ensuite décliné et n’est pas réapparue dans le monde. histoire des arts comme genre indépendant jusqu’au 16ème siècle. Comme le suggère l’origine du nom, la nature morte était particulièrement appréciée dans le nord de l’Europe, en particulier en Hollande et en Flandre, parmi les peintres de la fin du XXe siècle. Renaissance nordique. Cela était en partie dû aux effets de la Réforme nord-européenne qui entraîna un déclin de la peinture religieuse parmi les nations protestantes. Malgré tout, il existait d’importantes écoles d’art de natures mortes en Italie (notamment à Naples) et en Espagne, et dans une moindre mesure en France, bien que Chardin fût sans doute le plus grand peintre de natures mortes du XVIIIe siècle et Paul Cézanne du XIXe siècle. Les natures mortes contemporaines peuvent inclure une gamme illimitée d’objets contemporains, des urinoirs aux canettes de bière.
Nature morte comme forme d’art
Pour les débutants, les images de nature morte peuvent sembler assez ennuyeuses, comparées à celles remplies d’action peinture d’histoire, évocateur paysages ou émotionnel des portraits. Cependant, certaines des plus grandes natures mortes contiennent des messages complexes (narratifs) encapsulés dans le type d’objets affichés et leur organisation. Ainsi, lorsque vous étudiez une composition de nature morte, sachez que les éléments affichés peuvent être des symboles, conférant à l’image une signification symbolique. En conséquence, bien que, comme le paysage, la nature morte ne contienne généralement pas de formes humaines, elle est aussi capable de présenter un message politique, moral ou spirituel que les exemples les plus complexes de peinture d’histoire (istoria). Ceci est en contradiction avec la "ligne officielle" adoptée par les défenseurs de la art académique, qui a classé l’art de la nature morte au dernier rang des cinq genres, après l’histoire, le portrait, la peinture de genre et le paysage.
Types de nature morte
En termes simples, les natures mortes peuvent être classées en quatre groupes principaux, à savoir:
❶ les fleurs;
❷ des morceaux de petit-déjeuner ou de banquet;
❸ des morceaux d’animaux. Nombre de ces œuvres sont exécutées uniquement pour démontrer la virtuosité technique et dessin capacité de l’artiste. Ou ils peuvent être peints pour donner une vue particulière de art (comme dans les natures mortes pré-cubistes de Paul Cezanne) ou pour démontrer une émotion artistique (comme dans les études sur le tournesol "jaune" de Van Gogh).
Parfois, cependant, un artiste peut avoir un message plus complexe en tête. D’où le groupe final
❹ Symbolique Still Lifes. C’est une catégorie plus large qui désigne tout type de nature morte avec un récit symbolique manifeste, généralement de nature religieuse ou quasi religieuse. Un exemple spécifique de ce symbolisme est le type connu sous le nom de Vanitas peinture (ainsi appelé dans Ecclésiaste 12: 8 "La vanité des vanités dit le prédicateur, tout est vanité") contenant des images symboliques (par exemple: crânes, bougies à priser, sabliers, montres, papillons) pour rappeler au spectateur la fugacité et la trivialité de la vie mortelle. Cependant, les images symboliques peuvent être plus ouvertement religieuses, comprenant du pain sous une certaine forme, du vin, de l’eau et d’autres références obscures à l’Eucharistie, à la Passion, à la Sainte Trinité ou aux Saints. Harmen van Steenwyck (1612-56), des écoles de Delft / Leiden, est l’un des plus grands représentants de ce genre, qui a prospéré entre 1620 et 1650.
Histoire de la nature morte
L’art de la nature morte n’était pas rare dans le monde antique. Des peintures murales avec des compositions de nature morte ont été découvertes dans de nombreuses tombes égyptiennes (vraisemblablement les produits alimentaires exposés étaient destinés à être utilisés par le défunt dans la vie après la mort), ainsi que dans des maisons romaines fouillées à Herculanum et à Pompéi. Voir, par exemple, le «bol de fruits et de vases transparent» (v. 70 de notre ère) réalisé par un artiste inconnu, trouvé à Pompéi). De plus, la légende grecque de Zeuxis et de Parrhasius fait référence à l’art de la nature morte. Cependant, pendant la période médiévale qui a suivi la chute de Rome (environ 350), la peinture de natures mortes a complètement disparu. Il est réapparu au début Renaissance, mais simplement comme toile de fond pour des peintures religieuses ou comme éléments dans les intérieurs de Jan Van Eyck, plutôt qu’un genre à part entière.
Nature morte après 1517: Renaissance nordique et réalisme hollandais
Les plus anciennes peintures de natures mortes enregistrées sont Hare (1502) du peintre allemand Albrecht Durer et Dead Bird (1504) de l’artiste de formation vénitienne Jacopo de Barbari , qui a travaillé dans des tribunaux en Allemagne et en Hollande.
Au cours des années 1520 et 1530, l’artiste allemand Hans Holbein the Younger (1497-1543) a peint une série de portraits qui comprenait également des images de natures mortes, accompagnées de messages moraux et de symboles inspirés du style Vanitas. Voir, par exemple: Erasmus de Rotterdam (1523) Dame avec un écureuil et un étourneau (1527-28); Le marchand Georg Gisze (1532) et Les ambassadeurs (1533).
Le maître incontesté de Baroque Nature morte était l’artiste anversois Frans Snyders , avec des chefs-d’œuvre tels que Pantry Scene avec une page (c.1617), The Pantry (c.1620) et A Game Stall (c.1625). Le travail de Snyders a été développé par plusieurs Peintres réalistes hollandais des écoles d’Utrecht et de Delft qui ont encore affiné le genre. La plus ancienne pièce de pure fleur datée fut exécutée en 1562 par l’Allemand Ludger Tom Ring .
Le fait que tous ces développements se soient produits en Flandre, en Hollande et en Allemagne n’est pas une coïncidence. À la suite de la Réforme – la révolte protestante contre l’Église de Rome (vers 1517) – la peinture religieuse subit un grave déclin en Europe du Nord, facilitant ainsi la réémergence du genre de la nature morte ) Stilleven). La popularité de peinture à l’huile sur toile dans ces pays – ce qui a permis de mieux retravailler une image et donc des détails plus fins – a également contribué à développer le genre. L’apogée de la nature morte a été atteint à Peinture hollandaise du 17ème siècle, dans un style dit " Réalisme hollandais ", qui est considéré comme représentant la manifestation la plus fidèle à la réalité du genre. Il a également fourni un moyen d’expression religieuse, avec l’introduction de messages moraux symboliques, qui ont encore élargi son attrait. Une forme particulière de nature morte symbolique ) vanitas) comprenait des arrangements d’objets symboliques destinés à rappeler au spectateur la misérable fugacité de la vie sur Terre. Les natures mortes en général et les œuvres de vanitas en particulier ont fortement attiré la classe moyenne néerlandaise puritaine, et leur clientèle grandissante a suscité une recrudescence à Stilleven qui s’est ensuite étendu à l’Espagne et à la France.
Parmi les autres exemples de natures mortes d’artistes néerlandais: The Vanities of Human Life (1645) de Harmen Steenwyck ; Vanitas Still Life (1645) de Pieter Claesz ; Petit déjeuner de crabe (1648, Hermitage, Saint-Pétersbourg) par Willem Claesz Heda ; Nature morte avec homard, corne à boire et lunettes (c.1653) de Willem Kalf ; Les pantoufles (1654) de Samuel Hoogstraten ; La nature morte de fruits (c.1670) de Jan Davidsz de Heem ; Fleurs et insectes (1711) de Rachel Ruysch .
Nature morte après 1600 en Italie, en Espagne et en France
Nature morte restait impopulaire auprès de la plupart des artistes italiens et figurait rarement en italien. peinture d’art, indépendamment du sujet, sauf le petit panier de fruits de Caravage ; bien qu’il y ait eu des exceptions. Ceux-ci comprenaient les morceaux de fruits, de fleurs et de poissons du Ecole Napolitaine de Peinture et le Baroque Napolitain aux XVIIe et XVIIIe siècles (par exemple, par Recco et Ruoppolo) et les instruments de musique peints par Baschenis.
En Espagne, le genre était plus populaire et les peintres aiment Francisco de Zurbaran et Juan Sanchez Cotan a investi la plus simple des natures mortes avec le drame. Voici quelques exemples d’œuvres espagnoles: Nature morte aux citrons, Orange et une rose (1633) de Zurbaran et Nature morte aux oiseaux de gibier (vers 1602) de Juan Sanchez Cotan. Parmi les autres artistes de Stilleven figuraient Sanchez et Melendez. L’élément dramatique espagnol a culminé un siècle plus tard dans les natures mortes de Francisco Goya, Calf’s Head et Plucked Turkey.
En France, peut-être en raison de l’influence conservatrice de l’Académie des Beaux-Arts de Paris, la peinture de natures mortes a mis plus de temps à se développer que chez ses voisins du nord. Ce n’est qu’aux XVIIe et XVIIIe siècles que les aristocrates français ont commencé à commander des trompe l’oeil Des natures mortes que des exemples virtuoses du genre sont apparues dans les peintures de Moillon, Stoskopff, Oudry et surtout Jean-Siméon Chardin, bien qu’il ait évité les «objets de luxe» au profit des ustensiles de cuisine et des agencements simples de nourriture et de boissons. Les peintures exquises à petite échelle de Chardin – par exemple. Nature morte avec une bouteille d’olives (1760) et Lapin, muguet, paille (1755) – sont si «réels» que vous voulez les toucher. Le riche français romantique-réaliste Theodore Gericault a également produit plusieurs œuvres inhabituelles de ce genre, telles que Anatomical Pieces (1818).
Natures mortes du XIXe siècle
Au cours du XIXe siècle, la peinture académique décline avec l’influence des académies elles-mêmes et de leur hiérarchie des genres. En conséquence, le paysage et la nature morte ont prospéré. Henri Fantin-Latour est devenu célèbre pour ses natures mortes de fleurs telles que, White and Pink Roses (1890), ainsi que pour d’autres compositions telles que, Still Life avec un vase d’aubépine, un bol de cerises, un bol japonais et une tasse et une soucoupe). le Impressionnistes a exploré les effets coloristes des compositions florales tout en Paul Cezanne a donné à ses natures mortes et à ses paysages une monumentalité sans précédent à partir de laquelle le cubisme est largement dérivé. Les chefs-d’œuvre de Cézanne incluent: Poires sur une chaise (1882), Nature morte avec panier (1890) et Nature morte avec un cupidon en plâtre (1895). Les Hollandais Post-impressionniste artiste Vincent Van Gogh excité tout le monde avec son utilisation de riches jaunes dans ses célèbres peintures de tournesol. Aux États-Unis, bien au-delà de l’influence crispante des académies européennes, des artistes américains ont peint des natures mortes tout au long du XIXe siècle. Parmi les chefs de file du genre, citons la philatélienne Raphaelle Peale (1774-1825).
Natures mortes du vingtième siècle
le Fauvistes approfondi l’approche coloriste du genre – comme dans Henri Matisse Nature morte aux géraniums (1910) – alors que les artistes aiment Emil Nolde, un membre de Die Brucke le pivot Expressionniste allemand groupe produit des œuvres individualistes telles que Still Life with Dancers (1914) et Red Poppies (1920). Pendant ce temps, Cubisme était occupé à étendre les assemblages géométriques de Cézanne dans une série de peintures cubistes à surfaces multiples telles que: Violon et Chandelier (1910) de Georges Braque, Nature morte avec bastonnade sur chaise (1912) de Picasso et Nature morte avec corbeille de fruits et mandoline (1919) de Juan Gris. En effet, Georges Braque a poursuivi ses efforts pendant des décennies, avec des œuvres comme Studio V (1949). Le genre a également été développé plus tard par l’artiste italien solitaire Giorgio Morandi, qui est devenu célèbre pour ses natures mortes d’objets simples (par exemple, des bouteilles) d’une grande délicatesse presque poétique.
Aux États-Unis, au début du XXe siècle, des peintres de natures mortes comme William Harnett et John Peto se sont fait connaître par leurs arrangements en trompe-l’œil d’objets et collages des coupures de journaux. Le genre a ensuite été exploré par des artistes très différents, tels que le Kandinsky et expressionniste d’inspiration Jawlensky Marsden Hartley (1877-1943), le cubiste Stuart Davis (1894-1964) et le créateur d’images exotiques Georgia O’Keeffe (1887-1986). Dans le dernier art, la nature morte a figuré dans le surréalisme et le Pop Art – par exemple: la peinture de Roy Lichtenstein de 1972, Still Like with Goldfish Bowl (huile et magna sur toile).
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