Sculpture: Définition, Types: Statues, Reliefs Automatique traduire

Qu’est-ce que la sculpture?

Forme la plus durable et peut-être la plus grande des arts visuels connus de l’homme, la sculpture a joué un rôle important dans l’évolution de la culture occidentale. Son histoire et son développement stylistique appartiennent à l’art occidental lui-même. Elle est un indicateur clé des réalisations culturelles de l’Antiquité classique et a été un facteur important influençant le développement de l’art de la Renaissance en Italie. Avec l’architecture, elle a été la principale forme d’art religieux monumental qui, pendant des siècles (vers 400-1800), a été le moteur de la civilisation européenne. Aujourd’hui encore, bien qu’en constante évolution, la sculpture reste le premier mode d’expression et d’immortalisation des personnages et des événements historiques.

Au cours de son histoire, elle a attiré certains des plus grands maîtres du monde, notamment des sculpteurs classiques tels que Phidias, Myron d’Eleuthera, Polyclitus, Scopas, Lysippe, Praxitèle et Léochar, ainsi que Donatello (1386-1466), Michel-Ange (1475-1654) Giambologna (1529-1608), le grand Bernini (1598-1680), Auguste Rodin (1840-1917), Henry Moore (1898-1986), Picasso (1881-1973), Constantin Brancusi (1876-1957) et Damien Hirst (b. 1965).

De superbes exemples de cette forme ancienne d’art public se trouvent dans de nombreux musées d’art parmi les plus prestigieux.

Pour comprendre l’époque la plus créative de l’histoire des arts plastiques, voir : «La sculpture grecque».

Appelée aussi «art plastique», la sculpture devrait être assez facile à définir, mais ce n’est malheureusement pas le cas.

Une forme d’art en constante expansion

En effet, la définition ou la signification de la sculpture s’est considérablement élargie au cours du 20e siècle. Avec le développement de nouveaux outils et techniques de sculpture, les œuvres contemporaines utilisent aujourd’hui une telle variété de nouveaux matériaux, techniques et systèmes de référence spatiaux que «la sculpture» n’est plus un terme fixe qui se réfère à une catégorie fixe d’objets ou d’activités créatives. Il s’agit plutôt d’une forme d’art en constante expansion qui évolue et se redéfinit en permanence.

Définition de la sculpture traditionnelle

Avant le 20e siècle, la sculpture traditionnelle présentait quatre caractéristiques principales. Premièrement, elle était la seule forme d’art tridimensionnelle. Deuxièmement, elle était la plus représentative. Troisièmement, elle était considérée comme un art de la forme solide. Les espaces vides étaient essentiellement secondaires par rapport au volume ou à la masse. Quatrièmement, les sculpteurs traditionnels n’utilisaient que deux techniques de base : la sculpture ou le modelage. En d’autres termes, soit ils taillaient directement dans le matériau choisi (pierre, bois, etc.), soit ils construisaient la sculpture de l’intérieur, pour ainsi dire, en utilisant de l’argile, du plâtre, de la cire, etc. Les modèles de la sculpture traditionnelle proviennent de l’Antiquité grecque et romaine classique.

Définition de la sculpture moderne

L’art de la sculpture ne se limite plus aux concepts, matériaux et méthodes de production traditionnels. Il n’est plus exclusivement représentatif, mais souvent complètement abstrait. Et pourtant, la sculpture n’est pas exclusivement solide et statique : sa partie peut être un espace vide, elle peut aussi être cinétique et capable de mouvement. Enfin, en plus d’être sculptée ou modelée, elle peut être assemblée, collée, projetée (holographiquement) ou construite de diverses manières. Par conséquent, la signification et la définition traditionnelles à quatre chiffres de la sculpture ne s’appliquent plus.

Les formes de base de la sculpture sont obsolètes

Auparavant, seules deux formes de base de la sculpture étaient comprises dans l’histoire de l’art : la sculpture volumétrique (également appelée sculpture autoportante) et les reliefs (y compris les bas-reliefs, les reliefs et les reliefs en creux). Aujourd’hui, les nouvelles formes de sculpture lumineuse (par exemple les hologrammes) et de sculpture en mouvement nécessitent une redéfinition des formes possibles.

Définition et signification de la sculpture aujourd’hui

La diversité des arts plastiques du 21ème siècle ne nous a laissé qu’une seule caractéristique : la tridimensionnalité. Ainsi, la définition actuelle de la sculpture ressemble à ceci :

«La sculpture est la seule branche des arts visuels qui s’intéresse spécifiquement à la forme expressive tridimensionnelle».

Histoire de la sculpture

L’art tridimensionnel commence avec la sculpture préhistorique . Les premières œuvres connues de l’âge de pierre sont Venus Berehat Ram et Venus Tan-Tan, toutes deux primitives, datant de 230 000 ans avant notre ère. Par la suite, les sculpteurs ont été actifs dans toutes les civilisations anciennes et dans tous les grands mouvements artistiques jusqu’à nos jours. Après la sculpture égyptienne, les principaux âges d’or dans l’évolution de la sculpture sont (1) l’Antiquité classique (500-27 av. J.-C.) ; (2) l’ère gothique (c.1150-1300) ; (3) la Renaissance italienne (1400-1600) ; et (4) la sculpture baroque (1600-1700). Pour une chronologie détaillée de l’origine et du développement de l’art tridimensionnel, voir : Histoire de la sculpture

Théorie de la sculpture

En raison de sa nature tridimensionnelle et du fait qu’elle peut être exposée dans de nombreux types d’endroits différents que, par exemple, la peinture, il existe un certain nombre de concepts et de questions théoriques importants qui déterminent la conception et l’objectif de la sculpture. En voici un bref exemple.

Éléments de la conception sculpturale

Les deux principaux éléments de la sculpture sont la masse et l’espace . La masse fait référence au volume de la sculpture, à la pièce solide enfermée dans sa surface. L’espace est l’air qui entoure une sculpture solide, et il réagit avec cette dernière de plusieurs manières : premièrement, il définit les bords de la sculpture ; deuxièmement, il peut être entouré par une partie de la sculpture, formant des creux ou des zones de vide ; troisièmement, il peut lier les différentes parties de la sculpture, qui sont ainsi liées entre elles dans l’espace.

Les œuvres de sculpture peuvent être évaluées et différenciées en fonction de leur traitement de ces deux éléments. Par exemple, certains sculpteurs se concentrent sur la composante solide de leur sculpture, tandis que d’autres s’intéressent davantage à la manière dont elle est liée à l’espace dans lequel elle se trouve (par exemple, comment elle «se déplace dans» l’espace ou comment elle l’entoure). Comparez la sculpture égyptienne avec les œuvres d’Alexander Calder (1898-1976) et de Naum Gabo (1890-1977) et vous comprendrez de quoi il s’agit.

Un autre élément important de (la plupart) des sculptures est leur surface . Elles peuvent produire des effets visuels très différents selon qu’elles sont (par exemple) convexes ou concaves, planes ou modelées, colorées ou non. Par exemple, les surfaces convexes expriment le contentement, la satiété, la pression interne et la complétude «globale», tandis que les surfaces concaves suggèrent la pression externe, la défaillance interne et l’effondrement éventuel. D’autre part, une surface plane n’est pas tridimensionnelle, tandis qu’une surface modelée - qui contient des protubérances ou des dépressions d’ombre ou de lumière - peut produire de forts effets de formes tridimensionnelles émergeant ou s’enfonçant dans l’obscurité, à l’instar de ce qu’utilisent les artistes du clair-obscur. Bien que la plupart des traces de pigments aient aujourd’hui disparu, une grande partie des sculptures créées dans l’Antiquité (par exemple les statues/reliefs égyptiens, grecs et romains) et au Moyen Âge (par exemple les sculptures des cathédrales gothiques) étaient recouvertes de peinture ou d’autres matériaux colorants, y compris ce qui pourrait avoir été une couche d’or ou d’argent et d’autres teintures précieuses. Les sculptures peuvent également avoir été taillées directement dans des matériaux précieux colorés tels que l’ivoire, le jade et l’or, ou des combinaisons de ces matériaux. La couleur peut évidemment conférer à une surface divers attributs tels que la texture, les proportions, la profondeur et la forme. L’œuvre Pop Art Ale Cans (1964, huile sur bronze, Offentliche Kunstsammlung, Bâle) de Jasper John (né en 1930) témoigne d’une utilisation intéressante de la couleur par un sculpteur contemporain.

Pour un guide des principes esthétiques de la sculpture orientale en Chine, voir : Art traditionnel chinois : caractéristiques .

Principes de la conception sculpturale

Ils régissent l’approche des sculpteurs dans des domaines tels que l’orientation, la proportion, l’échelle, l’articulation, et l’équilibre .

Orientation
Pour créer un sentiment d’harmonie (ou de disharmonie) dans la sculpture elle-même, ou entre ses parties, ou entre la sculpture et le spectateur, ou entre la sculpture et son environnement, le sculpteur travaille généralement sur un plan spatial particulier ou un cadre de référence. Ce plan, souvent basé sur un système d’axes et de plans, est important pour maintenir les proportions linéaires entre les éléments qui interagissent. Ainsi, par exemple, les poses des figures humaines sont généralement calculées et créées en référence aux quatre plans cardinaux, c’est-à-dire le principe de l’axe et du plan : le principe d’axialité (par exemple, le mouvement anatomique), le principe de frontalité (prédominant dans les figures debout du Kouros de l’archaïque grec), l’opposé - une pose dynamique dans laquelle une partie du corps se tourne ou se détourne d’une autre partie, illustrée par les œuvres de Michel-Ange (1475-1564) et de Giambologna (1529-1608) - et l’attitude chiastique (pose dans laquelle le poids du corps repose principalement sur une jambe, caractéristique typique de la sculpture figurative grecque de la période du haut classicisme).

Proportion
La manière dont les sculpteurs traitent la proportionnalité varie considérablement. Certains (par exemple, les sculpteurs égyptiens) observent des canons de proportion hiérarchiques et non naturalistes (par exemple, les dieux les plus grands, les pharaons les plus grands suivants, les citoyens les plus petits, etc.) D’autres sculpteurs ont suivi des règles de proportion plus naturalistes mais tout aussi iconométriques. En comparaison, de nombreuses cultures tribales utilisent des systèmes qui, pour des raisons religieuses ou culturelles, donnent une plus grande taille à certaines parties du corps (par exemple, la tête). En outre, l’emplacement particulier d’une sculpture peut nécessiter une approche particulière de la proportionnalité. Par exemple, une statue humaine montée au sommet d’une haute structure peut nécessiter une partie supérieure du corps plus grande afin d’équilibrer les effets de la perspective lorsqu’elle est vue du sol. (Le grand peintre rococo Tiepolo était passé maître dans l’art de contrebalancer cet effet dans la création de ses fresques de plafond).

Échelle
Cela s’applique, par exemple, à la nécessité pour une sculpture de correspondre à l’échelle de son environnement. Faites le tour de n’importe quelle grande cathédrale gothique et observez la variété des sculptures qui ornent les portes, les façades et autres surfaces. Par ailleurs, certains groupes de personnages illustrant des scènes bibliques peuvent présenter des échelles légèrement différentes : la Vierge Marie et Jésus peuvent être de la même taille, alors que (par exemple) les Apôtres peuvent être plus petits.

Articulation
Il s’agit de la manière dont les figures sculpturales (et d’autres formes) sont assemblées : soit en combinant différentes parties du corps en une seule forme, soit en assemblant des sections séparées. Le sculpteur réaliste français Auguste Rodin (1840-1917) a créé une continuité impressionniste dans ses figures, contrairement aux sculpteurs classiques grecs (par exemple Polyclète) et aux sculpteurs de la Renaissance qui privilégiaient les unités individuelles de formes délimitées.

L’équilibre
Dans la sculpture figurative autonome, l’équilibre implique deux questions principales. Premièrement, le corps sculptural doit être physiquement stable - suffisamment léger pour obtenir une figure rampante ou penchée, moins léger pour une statue debout, surtout lorsqu’elle est penchée vers l’avant ou vers l’arrière. Si la position naturelle est instable, il faut utiliser un socle. Deuxièmement, du point de vue de la composition, la statue doit présenter un équilibre dynamique ou statique. Sans cette harmonie, la beauté est presque impossible.

La meilleure façon de comprendre la sculpture

Toutes ces notions étranges sur les éléments et les principes de la théorie de la conception sculpturale vous laissent perplexe? Ne vous inquiétez pas, de nombreux historiens de l’art le sont aussi. La meilleure façon de comprendre la sculpture est de la regarder le plus possible. Si possible, visitez le musée d’art public le plus proche de chez vous et regardez quelques copies de sculptures grecques ou de la Renaissance. Cela devrait vous donner une bonne idée des œuvres de style traditionnel. Visitez également, si possible, une exposition comprenant des œuvres de sculpteurs abstraits tels que Umberto Boccioni (1882-1916), Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1976), Naum Gabo (1890-1977), Alexander Calder (1898-1976), Alberto Giacometti (1901-1966), Barbara Hepworth (1903-1975), Louise Bourgeois (1911-2010), Sol Lewitt (1928-2007) ou Richard Serra (né en 1939). 1939). Les œuvres de sculpture abstraite de l’un ou l’autre de ces artistes contemporains devraient vous donner matière à réflexion.

Matériaux

Presque tous les matériaux susceptibles d’être mis en volume peuvent être utilisés en sculpture. Mais certains matériaux, comme la pierre - surtout le calcaire dur (marbre) - le bois, l’argile, le métal (par exemple le bronze), l’ivoire et le plâtre, ont des propriétés plastiques «exceptionnelles» et sont donc les plus prisés par les sculpteurs depuis la préhistoire. Par conséquent, pendant la majeure partie de son histoire, la sculpture a été créée à l’aide de quatre méthodes principales : la sculpture sur pierre, la sculpture sur bois, la fonte du bronze et la cuisson de l’argile. Un type rare était la sculpture chryséléphatine, destinée exclusivement aux grandes statues de culte.

La sculpture sur pierre

La sculpture sur pierre, probablement la forme la plus ancienne de la sculpture monumentale et aussi le meilleur support pour les œuvres monumentales, était commune à de nombreuses époques paléolithiques de l’âge de pierre. Les œuvres prototypes de la sculpture préhistorique en pierre comprennent la statuette en basalte connue sous le nom de Venus Berehata Ram (vers 23000 av. J.-C.) et la statuette en quartzite connue sous le nom de Venus Tan-Tan (vers 200000 av. J.-C. ou plus tôt). Depuis lors, le plus grand ensemble de sculptures en pierre a probablement été la série de statues-colonnes et de reliefs réalisés pour les grandes cathédrales gothiques européennes de Chartres, Notre Dame de Paris, Amiens, Reims, Cologne et bien d’autres, entre 1150 et 1300

Les pierres des trois grandes catégories de roches se prêtaient à la sculpture, à savoir les roches ignées (par exemple le granit), les roches sédimentaires (par exemple le calcaire et le grès) et les roches métamorphiques (par exemple le marbre). Le marbre blanc pur de Carrare a été utilisé dans l’art romain et dans la sculpture de la Renaissance italienne par des artistes tels que Donatello et Michel-Ange, tandis que les artistes grecs ont préféré le marbre pentélique pour sculpter le Parthénon (voir aussi : Sculpture en marbre …). La sculpture irlandaise de la fin de la période médiévale se limitait principalement à des croix celtiques, en granit.

Les plus grands exemples de sculpture en marbre sont la Vénus de Milos (vers 130-100 av. J.-C.) d’Alexandre d’Antioche ; Laocoon et ses fils (vers 42-20 av. J.-C.) d’Hagesander, Athènes ;

la Vénus de la Vierge (vers 130-100 av. J.-C.) d’Alexandre d’Antioche.) par Hagesander, Athenodorus et Polydorus ; Pieta (1497-99) et David par Michel-Ange ; Extase de sainte Thérèse (1647) par le génie baroque Bernini ; Cupidon et Psyché (1796-97) du néoclassique Antonio Canova ; et Le Baiser (1889) du génie français Auguste Rodin.

Sculpture de jade

Forme la plus connue de la sculpture sur pierre dure, la sculpture sur jade est une spécialité des artisans chinois depuis le néolithique. La jadéite et la jadéite sont les deux types de pierre de jade les plus courants, bien que la bowénite (une forme de serpentine) soit également utilisée. Les Chinois attribuent des qualités importantes au jade, notamment la pureté, la beauté, la durabilité, voire l’immortalité, et les sculpteurs apprécient les pierres de jade pour leur éclat, leurs couleurs translucides et leurs teintes.

Sculpture en bois

La sculpture sur bois est la forme de sculpture la plus ancienne et la plus continue. Particulièrement adaptée aux petites œuvres, la sculpture sur bois a été largement pratiquée à la préhistoire, puis à l’époque de la sculpture paléochrétienne - voir, par exemple la sculpture en chêne doré connue sous le nom de Héro-Croix (965-70, cathédrale de Cologne) - et il y eut un âge d’or en Occident, notamment en Allemagne, à l’époque de l’art médiéval tardif : en témoignent les exquises sculptures religieuses en bois des sculpteurs allemands Feit Stoss (1445-1533) et Tilman Riemenschneider (1460-1531). Plus tard, à l’époque baroque, le bois a souvent été recouvert de plâtre et peint à la manière de l’art égyptien antique. Les grands sculpteurs modernes sur bois sont Henry Moore (1898-1986), célèbre pour son «Orme couché» (1936) et Barbara Hepworth (1903-75).

Sculpture en bronze

La sculpture en bronze est un procédé complexe qui s’est développé indépendamment en Chine, en Amérique du Sud et en Egypte. La fonte du bronze nécessite le modelage du moule en argile, en plâtre ou en cire, qui est ensuite retiré après la coulée du bronze en fusion. La méthode de la cire était une technique courante à la Renaissance. C’était également une technique couramment utilisée dans la sculpture africaine du Bénin et des Yorubas.

Parmi les œuvres notables, on peut citer la «Danseuse de Mohenjo-Daro» (vers 2500 av. J.-C.), chef-d’œuvre de la sculpture primitive

), un chef-d’œuvre de la sculpture indienne primitive de la culture Harappa ou de l’art de la civilisation de la vallée de l’Indus en Inde, et un grand nombre de plaques et de sculptures en bronze (réalisées par moulage) avec des ornements en jade trouvées dans le bassin de la rivière Huanghe dans la province du Henan, en Chine centrale, du royaume Xia et de la dernière dynastie Shang (à partir de 1750 av. J.-C.).

Chefs-d’œuvre ultérieurs en bronze : La Porte du Paradis de Lorenzo Ghiberti (1378-1455), David de Donatello (1386-1466) et Michel-Ange, L’Enlèvement des Sabiniens (vers 1583) Giambologna, L’Enlèvement de la femme (vers 1583), L’Enlèvement de la femme (vers 1583).) de Giambologna, La Bourgeoisie de Calais (1884-89) et La Porte de l’Enfer (1880-1917) d’Auguste Rodin, Formes uniques de continuité dans l’espace (1913) d’Umberto Boccioni (1882-1916), Oiseau dans l’espace (1923) du sculpteur abstrait roumain Constantin Brancusi (1876-1957), Femme à la gorge tranchée (1932), Homme qui marche I (1960) d’Alberto Giacometti (1901-66) et Ville détruite (1953) d’Osip Zadkin (1890-1967).

Sculpture en terre cuite

Les sculptures en argile datent de l’ère paléolithique de l’âge de pierre. Connue (lorsqu’elle est cuite) sous le nom de sculpture en terre cuite, c’est la plus plastique de toutes les techniques de modelage, polyvalente, légère, peu coûteuse et durable. Bien que l’argile ait été principalement utilisée pour les modèles préliminaires qui étaient ensuite coulés dans le bronze ou sculptés dans la pierre, elle a également été utilisée pour créer des sculptures à l’échelle réelle. La plus ancienne sculpture en argile connue est la Vénus Dolní Vestonice (v. 26 000 - 24 000 av. J.-C.), une statuette en céramique datant de la période gravettienne découverte en République tchèque. Un autre chef-d’œuvre du Paléolithique est le Bison du Tud d’Audoubert du Magdalénien (vers 13 500 av. J.-C.), un relief non cuit de deux bisons trouvé dans la grotte du Tuc d’Audoubert, en Ariège, en France. Le troisième chef-d’œuvre préhistorique est Le Penseur de Cernavode (vers 5 000 av. J.-C.), une statuette emblématique en terre cuite créée au cours de la culture mésolithique Hamangia en Roumanie.

Cependant, l’exemple le plus célèbre de sculpture en terre cuite est l’Armée de terre cuite de la dynastie chinoise Qin («Armée de terre cuite»), une collection de 8 000 guerriers et chevaux en terre cuite découverts en 1974 dans la province de Shaanxi, en Chine. Datant de 246-208 av. J.-C., chacun des 8 000 soldats en argile est unique, avec une expression faciale et une coiffure différentes.

Autres matériaux de sculpture

Parmi les autres matériaux traditionnels utilisés pour créer des sculptures figurent l’ivoire et les métaux précieux.

Les premiers exemples connus de sculptures en ivoire, par exemple : les célèbres figurines en ivoire de mammouth sculpté représentant des animaux préhistoriques, des oiseaux et des figures thérianthropiques (vers 33 000-30 000 av. J.-C.) trouvées dans les grottes de Vogelherd dans le Jura souabe, en Allemagne ; la Vénus de Kostönkov (vers 22 000 av. J.-C.), la Vénus de Kostönkov ,, , et. 22 000 av. J.-C.), une figure féminine géante sculptée en ivoire trouvée en Russie ; et l’homme-lion de Holenstein-Stadel (vers 38 000 av. J.-C.), une statuette géante en ivoire trouvée dans le Jura souabe.

Parmi les œuvres célèbres réalisées avec des pierres précieuses, on peut citer : une sculpture mésopotamienne, connue sous le nom de Baran dans un fourré (vers 2500 av. J.-C.), une petite statue en feuilles d’or, qui a été trouvée dans le Jura souabe.), une petite statue faite de feuilles d’or, de cuivre, de lapis-lazuli et de calcaire rouge trouvée dans la grande fosse funéraire d’Ur ; et le Taureau d’or de Maikop (vers 2500 av. J.-C.), une sculpture en or (faite par moulage à la cire perdue) provenant de la sculpture de Maikop dans le Caucase du Nord, en Russie.

Matériaux modernes utilisés dans la sculpture du 20e siècle

Matériaux utilisés par les sculpteurs du 20e siècle, comprennent des matériaux recyclés tels que le béton, ainsi qu’une liste infinie de matériaux modernes tels que l’acier inoxydable, la fibre de verre, l’aluminium, le caoutchouc mousse, le papier mâché, les pièces de bicyclette, les plastiques, les vitraux, les objets «trouvés», etc. Pour en savoir plus sur certains types d’art plastique postmoderne, voir : Sculpture de glace, et Art du sable .

Types de sculptures

Les principales formes traditionnelles de cet art tridimensionnel sont : la sculpture autoportante entourée de tous côtés par l’espace et la sculpture en relief (englobant le bas-relief, l’alt-relief ou le haut-relief et le relief en creux), où le dessin reste attaché à un fond, généralement en pierre ou en bois. On trouve des exemples de travail en relief dans l’art mégalithique, comme les gravures en spirale élaborées trouvées à Newgrange, en Irlande, sur la colonne de Trajan à Rome, les temples de Zeus à Olympie et le Parthénon. Les reliefs architecturaux gothiques apparaissent sur toutes les grandes cathédrales européennes de l’époque : citons, par exemple, les saints du transept sud de la cathédrale de Chartres et les apôtres du transept nord de la cathédrale de Reims.

La sculpture peut également être classée en fonction de l’objet qu’elle véhicule. Par exemple, une statue, comme les deux versions de David de Donatello et Michel-Ange, est généralement un portrait tridimensionnel en pied d’une personne, tandis qu’un buste ne représente généralement que la tête, le cou et les épaules - voir Buste de George Washington (1788), Jean-Antoine Houdon (1741-1828). La statue d’un homme à cheval, comme celle de Giambologna (1529-1608) par Cosimo de’ Medici à Florence, est appelée sculpture équestre. La plus grande statue équestre est peut-être le cavalier en bronze baroque de la place des Décembristes à Saint-Pétersbourg : un monument au tsar Pierre le Grand, un chef-d’œuvre de la sculpture russe, bien qu’il ait été créé par un Français.

La sculpture en tant qu’art public
La présence physique très visible de la sculpture en fait une forme idéale d’art public : Les exemples suprêmes dans la culture occidentale sont les mégalithes monumentaux de Stonehenge, les sculptures classiques du Parthénon à Athènes, les croix celtiques en Irlande, et les colonnes gothiques du 12e-13e siècle avec des statues et des reliefs dans les cathédrales du nord de la France et de l’Allemagne.

La sculpture religieuse sur bois a atteint de nouveaux sommets pendant la Renaissance nordique grâce à des maîtres sculpteurs tels que : Tilman Riemenschneider et Veit Stoss, connus pour leurs retables et statuettes en bois élaborés, tandis que la Contre-Réforme baroque a stimulé des exemples exceptionnels d’art chrétien catholique sous la forme de sculptures en bronze et en marbre réalisées (entre autres) par Gianlorenzo Bernini (1598-1680), célèbre pour la série de la chapelle Cornaro (1645-52), dont l’ Extase de sainte Thérèse .

L’art public séculier moderne comprend des sculptures célèbres telles que Statue de la Liberté, Chicago Picasso, une série de figures métalliques créées pour le Chicago Civic Centre, et la sculpture architecturale «Dublin Spire», connue sous le nom de «Spike», créée par Ian Ritchie en 1947. La sculpture publique contemporaine continue de remettre en question les concepts traditionnels de l’art tridimensionnel grâce à ses nouveaux concepts spatiaux et à l’utilisation de matériaux quotidiens collectés ou créés dans de nombreuses formes d’installations et de sculptures fixes.

Sculpture moderne et postmoderne

Depuis les années 1960, le modernisme a été remplacé par l’art contemporain ou le postmodernisme. Contrairement aux premiers modernistes, les sculpteurs postmodernes contemporains (par exemple, les artistes pop tels que Claes Oldenburg, Robert Indiana et le néo-performer Jeff Koons) sont libres d’utiliser une plus grande variété de matériaux, d’images et de techniques. Les styles tendent à être plus localisés, la tendance actuelle des mouvements artistiques contemporains étant de se méfier des grandes idées et de l’internationalisme des mouvements artistiques modernes de la fin du 19e siècle et du début et du milieu du 20e siècle.

Informations complémentaires

Pour les périodes/mouvements importants, voir :
Sculpture médiévale (c.400-1000) ;
Sculpture romane (c.1000-1200) ;
Sculpture gothique (c.1150-1280) ;
Sculpture gothique (c.1150-1280).) ;
Sculpture gothique anglaise ;
Sculpture gothique allemande ;
Sculpteurs de la Renaissance (1400-1600) ;
Sculpture baroque (1600-1700) ;
Sculpture néoclassique (c.1750-1850) ;
Sculpture néoclassique (c.1750-1850)) ;
Sculpteurs du XIXe siècle (1800-1900).