Sculpture: Définition, Types: Statues, Reliefs Automatique traduire

Pour un récit facile à suivre de l’époque la plus créative de l’histoire de l’art plastique, voir: Sculpture grecque rendue simple .

Qu’est-ce que la sculpture?

La forme la plus durable et, sans doute, la plus grande de beaux arts connue de l’homme, la sculpture a joué un rôle majeur dans l’évolution de la culture occidentale. Son histoire et son développement stylistique sont ceux de l’art occidental lui-même. C’est un indicateur clé des réalisations culturelles de Antiquité classique , et est devenu une influence importante sur le développement de Art de la Renaissance en Italie. Avec l’architecture, c’était la principale forme de monumentale art religieux qui pendant des siècles (environ 400-1800) fut la force motrice de l’Europe civilisation . Même de nos jours, même si elle évolue constamment, la sculpture reste le moyen privilégié d’expression et de commémoration de personnages et d’événements historiques.

Au cours de son histoire, il a attiré certains des plus grands artistes du monde, notamment des sculpteurs classiques comme Phidias, Myron d’Eleutherae, Polyklitos, Skopas, Lysippos, Praxiteles et Leochares, ainsi que Donatello (1386-1466), Michelangelo (1475-1654), Giambologna (1529-1608), le grand Bernini (1598-1680), Auguste Rodin (1840-1917), Henry Moore (1898-1986), Picasso (1881-1973), Constantin Brancusi (1876-1957) et Damien Hirst (né en 1965).

On trouve des exemples suprêmes de cette forme d’art public établie de longue date dans de nombreuses meilleurs musées d’art .

Également appelé «art plastique», la sculpture devrait être assez simple à définir, mais malheureusement ce n’est pas le cas.

Forme d’art en constante expansion

En effet, la définition ou la signification de la sculpture s’est beaucoup élargie au cours du XXe siècle. Avec le développement de nouveaux outils et technologies sculpturaux, les œuvres contemporaines emploient maintenant une telle diversité de nouveaux matériaux, techniques et schémas spatiaux de référence, que "sculpture" n’est plus un terme fixe qui désigne une catégorie fixe d’objets ou d’activités créatrices., mais plutôt un art en pleine expansion qui évolue et se redéfinit constamment.

Définition de la sculpture traditionnelle

La sculpture traditionnelle avant le 20ème siècle avait quatre caractéristiques principales. Premièrement, c’était la seule forme d’art en trois dimensions. Deuxièmement, c’était représentationnel. Troisièmement, c’était considéré comme un art de la forme solide. Tous les espaces vides impliqués étaient essentiellement secondaires par rapport à son volume ou à sa masse. De plus, en tant que forme solide, il ne bougeait pas. Quatrièmement, les sculpteurs traditionnels n’utilisaient que deux techniques principales: la sculpture ou le modelage. Autrement dit, ils ont soit sculpté directement dans le matériau de leur choix (par exemple, la pierre, le bois), soit ils ont construit la sculpture de l’intérieur, pour ainsi dire, en utilisant de l’argile, du plâtre, de la cire, etc. Les modèles de sculpture traditionnelle proviennent du grec et Sculpture romaine de l’Antiquité Classique.

Définition de la sculpture moderne et contemporaine

L’art de la sculpture n’est plus limité par les concepts, les matériaux ou les méthodes de production traditionnels. Il n’est plus exclusivement représentatif mais souvent totalement abstrait. Il n’est pas non plus pur et statique: il peut faire référence à un espace vide de manière importante, mais peut aussi être cinétique et capable de se déplacer. Enfin, en plus d’être sculpté ou modélisé, il peut être assemblé, collé, projeté (holographiquement) ou construit de diverses manières. En conséquence, la signification traditionnelle en quatre points et la définition de la sculpture ne sont plus valables.

Formes de base de la sculpture maintenant dépassées

Auparavant, le histoire des arts comprenait seulement deux formes sculpturales de base: la sculpture ronde (également appelée sculpture autonome) et les reliefs (bas-relief, haut-relief et relief en creux). De nos jours, les nouvelles formes de sculptures liées à la lumière (par exemple les hologrammes) et les sculptures mobiles nécessitent une redéfinition des formes possibles.

Définition et signification de la sculpture aujourd’hui

La diversité du 21ème siècle Art plastique nous a laissé une seule caractéristique déterminante: la trois dimensionnalité. Ainsi, la définition actuelle de la sculpture ressemble à ceci:

"La sculpture est la seule branche des arts visuels qui s’intéresse spécifiquement à la forme expressive à trois dimensions."

L’histoire de la sculpture

L’art en trois dimensions commence par sculpture préhistorique . Les premières œuvres connues de l’âge de pierre sont La Vénus de Berekhat Ram et La Vénus de Tan-Tan , toutes deux effigies primitives datant de 230 000 ans avant notre ère. Par la suite, les sculpteurs ont été actifs dans toutes les civilisations anciennes et dans tous les principaux courants artistiques. Après Sculpture égyptienne , les principaux âges d’or dans l’évolution de la sculpture ont été: (1) l’antiquité classique (500-27 av. J.-C.); (2) l’époque gothique (c.11-15-1300); (3) La Renaissance italienne (environ 1400-1600); et (4) sculpture baroque (1600-1700). Pour une chronologie détaillée des origines et du développement de l’art 3D, voir: Histoire de la sculpture .

La théorie de la sculpture

En raison de sa nature tridimensionnelle et du fait qu’elle peut être exposée dans beaucoup plus de types de lieux différents que la peinture (par exemple), il existe un certain nombre de concepts importants et de questions théoriques qui régissent la conception et la production de sculptures. Voici un bref échantillon.

Éléments de design sculptural

Les deux principaux éléments de la sculpture sont la masse et l’ espace . La masse fait référence à la masse de la sculpture, le bit solide contenu dans ses surfaces. L’espace est l’air qui entoure la sculpture solide et réagit avec celle-ci de plusieurs manières: premièrement, il définit les bords de la sculpture; deuxièmement, il peut être entouré d’une partie de la sculpture, formant des creux ou des zones de vide; troisièmement, il peut relier des parties distinctes de la sculpture qui se rapportent ainsi les unes aux autres à travers l’espace.

Les œuvres de sculpture peuvent être évaluées et différenciées selon leur traitement de ces deux éléments. Par exemple, certains sculpteurs se concentrent sur le (s) composant (s) solide (s) de leur sculpture, alors que d’autres se préoccupent davantage de la manière dont il se lie à l’espace dans lequel il se trouve (par exemple, comment il "se déplace" dans l’espace ou s’il le renferme). Comparez la culture égyptienne aux œuvres d’Alexander Calder (1898-1976) et de Naum Gabo (1890-1977) et vous verrez ce que je veux dire.

Un autre élément important de (la plupart) des sculptures est leur surface . Celles-ci peuvent produire des effets visuels très différents selon qu’elles sont (par exemple) convexes ou concaves, plates ou modélisées, colorées ou non. Par exemple, les surfaces convexes expriment le contentement, la satiété, la pression interne et la "plénitude" générale, tandis que les surfaces concaves suggèrent une pression externe, une absence de substance interne et un effondrement possible. Là encore, une surface plane ne suggère aucune dimension tridimensionnelle, alors qu’une surface modélisée – une surface contenant des crêtes ou des creux attirant la lumière / les ombres – peut transmettre des effets puissants de formes tridimensionnelles émergeant de ou se retirant dans l’obscurité, similaires à un utilisation du clair-obscur par le peintre. Bien que la plupart des traces de pigments aient maintenant disparu, une grande partie de la sculpture réalisée dans l’Antiquité (par exemple les statues / reliefs égyptiens, grecs et romains) et au Moyen-Âge (par exemple les scultures gothiques de cathédrale) était recouverte de peinture ou d’autres matériaux colorants, notamment feuille d’or ou d’argent et autres colorants précieux. Alternativement, les sculpteurs sculptent directement à partir de matières colorées précieuses, telles que l’ivoire, le jade et l’or, ou leurs combinaisons. La couleur peut évidemment conférer à une surface différents attributs de texture, de proportion, de profondeur et de forme, entre autres. Ale Cans, une oeuvre de Pop-Art (1964, huile sur bronze, Offentliche Kunstsammlung, Basel) de Jasper Johns (b.1930) illustre l’utilisation intéressante de la couleur par un sculpteur moderne.

Pour un guide sur les principes esthétiques de la sculpture orientale en Chine, voir: Art Chinois Traditionnel: Caractéristiques .

Principes de conception sculpturale

Ceux – ci régissent l’approche des sculpteurs à des questions telles que l’ orientation, proportion, échelle, articulation et de l’ équilibre.

Orientation
Pour créer un sentiment d’harmonie (ou de désaccord) dans la sculpture elle-même, ou entre ses parties, ou entre la sculpture et le spectateur, ou entre la sculpture et son environnement, le sculpteur travaille habituellement selon un plan spatial ou un schéma de référence particulier.. Un tel plan, souvent basé sur un système d’axes et de plans, est essentiel pour maintenir une proportion linéaire entre autres. Ainsi, par exemple, les poses de figures humaines sont généralement calculées et créées en référence aux quatre plans cardinaux, à savoir: le principe d’axialité (par exemple, le mouvement anatomique), le principe de frontalité (prédominant dans les figures debout du kouros de l’archaïque grec) sculpture), contrapposto - la pose dynamique dans laquelle une partie du corps se tord ou se détourne d’une autre partie, illustrée par des œuvres de Michel-Ange (1475-1564) et de Giambologna (1529-1608) – et la posture chiastique (la pose dans laquelle le poids du corps repose principalement sur une jambe, caractéristique typique de la sculpture figurative grecque de la période grand classique).

Proportion
La manière dont les sculpteurs gèrent la proportionnalité varie considérablement. Certains (par exemple, les sculpteurs égyptiens) ont observé des proportions hiérarchiques (par exemple, les dieux les plus grands, les pharaons suivants, les citoyens les plus petits, etc.). D’autres sculpteurs ont suivi des règles de proportion plus naturalistes, mais tout aussi iconométriques. En comparaison, de nombreuses cultures tribales utilisent des systèmes qui – pour des raisons religieuses ou culturelles – accordent une plus grande taille à certaines parties du corps (par exemple la tête). De plus, l’emplacement spécifique d’une sculpture peut nécessiter une approche particulière de la proportionnalité. Par exemple, une statue humaine montée au sommet d’une structure haute peut nécessiter un haut du corps plus grand pour équilibrer les effets de raccourcissement vu du sol. (Le grand peintre rococo Tiepolo était un maître pour contrer cet effet lors de la création de fresques de plafond).

Échelle
Cela renvoie, par exemple, à la nécessité de créer une sculpture à l’échelle de son environnement. Promenez-vous dans n’importe quelle cathédrale gothique majeure et observez la grande diversité des sculptures qui décorent les portes, les façades et autres surfaces. En outre, certains groupes de personnages illustrant des scènes bibliques peuvent contenir plusieurs échelles différentes: la Vierge Marie et Jésus peuvent être de taille similaire, tandis que (par exemple) les Apôtres peuvent être plus petits.

Articulation
Ceci décrit comment les figures sculpturales (et autres formes) sont jointes: soit comment les différentes parties d’un corps fusionnent en une seule forme, soit comment des sections distinctes se rejoignent. Le sculpteur réaliste français Auguste Rodin (1840-1917) a créé une continuité de style impressionniste dans ses figures, contrairement aux sculpteurs grecs classiques (par exemple, Polyklitus) et aux sculpteurs de la Renaissance qui préféraient des unités distinctes de forme délinée.

Équilibre
Dans la sculpture figurative autonome, l’équilibre implique deux matières principales. Premièrement, le corps sculptural doit être physiquement stable – assez facile à réaliser dans une figure rampante ou inclinée, moins facile dans une statue debout, surtout s’il se penche en avant ou en arrière. Si naturellement instable, une base doit être utilisée. Deuxièmement, d’un point de vue compositionnel, la statue doit projeter une impression d’équilibre dynamique ou statique. Sans une telle harmonie, la beauté est presque impossible à réaliser.

La meilleure façon de comprendre la sculpture

Êtes-vous dérouté par tous ces concepts étranges sur les éléments et les principes de la théorie de la conception sculpturale? Ne vous inquiétez pas, beaucoup critiques d’art sont trop. La meilleure façon de comprendre la sculpture est d’en regarder le plus possible, idéalement dans la chair. Si possible, visitez le musée d’art public le plus proche et jetez un œil à quelques copies de sculptures grecques ou de la Renaissance. Cela devrait vous donner une bonne compréhension des œuvres de style traditionnel. De plus, si possible, visitez toute exposition comportant des œuvres de sculpteurs abstraits comme Umberto Boccioni (1882-1916), Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), Alexander Calder (1898-1976), Alberto Giacometti (1901-1966), Barbara Hepworth (1903-1975), Louise Bourgeois (1911-2010), Sol LeWitt (1928-2007) ou Richard Serra (né en 1939). Travaux de sculpture abstraite par l’un de ces artistes modernes devrait vous donner beaucoup à réfléchir.

Matériaux

Presque tous les matériaux pouvant être façonnés en trois dimensions peuvent être utilisés pour sculpter. Mais certains matériaux comme la pierre – en particulier le calcaire dur (marbre) – le bois, l’argile, le métal (bronze, par exemple), l’ivoire et le plâtre ont des attributs exceptionnels en matière plastique et sont donc les plus populaires auprès des sculpteurs de la préhistoire. En conséquence, la sculpture a été créée pour la majeure partie de son histoire selon quatre méthodes de base: la sculpture sur pierre, la sculpture sur bois, la coulée du bronze et la cuisson à l’argile. Un type rare était sculpture chryséléphantine , réservé exclusivement aux grandes statues de culte.

Sculpture en pierre

Sculpture en pierre , probablement la plus ancienne forme de sculpture monumentale ainsi que le meilleur support pour les œuvres monumentales, était commune à de nombreuses époques de l’âge de la pierre au Paléolithique. Parmi les œuvres prototypes de sculptures sur pierre préhistoriques figurent la figurine basaltique appelée La Vénus de Berekhat Ram (environ 230 000 ans avant notre ère) et la figurine en quartzite connue sous le nom de La Vénus de Tan-Tan (environ 200 000 ans avant notre ère). Depuis lors, le plus grand ensemble de sculptures en pierre a probablement été la série de statues à colonnes et de reliefs réalisés pour le grand Cathédrales gothiques de Chartres, Notre Dame de Paris, Amiens, Reims, Cologne, parmi beaucoup d’autres, durant la période 1150-1300.

Des pierres appartenant aux trois principales catégories de formations rocheuses ont été sculptées, notamment ignées (par exemple, granite), sédimentaires (par exemple, calcaires et grès) et métamorphiques (par exemple, le marbre). Du marbre italien de Carrare blanc et pur a été utilisé dans l’art romain et Sculpture Renaissance Italienne comme Donatello et Michelangelo, tandis que des artistes grecs préféraient le marbre pentélique pour Parthénon sculptures (Voir également: Sculpture en marbre .) À la fin du Moyen Âge, la sculpture irlandaise était principalement confinée à Hautes croix celtiques en granit.

Exemples suprêmes de sculpture en marbre sont Vénus de Milo (c.130-100 AEC) par Alexandros d’Antioche; Laocoon et ses fils (c.42-20 AEC) par Hagesander, Athenodoros et Polydorus; Pieta (1497-99) et David par Michelangelo ; le Extase de Sainte Thérèse (1647) par le génie baroque Bernini; Cupidon et Psyché (1796-1717) du néo-classique Antonio Canova; et The Kiss (1889) du génie français Auguste Rodin.

Sculpture De Jade

La forme la plus connue de la sculpture en pierre dure, sculpture de jade est une spécialité des maîtres artisans chinois depuis le néolithique. La néphrite et la jadéite sont les deux types les plus courants de pierre de jade, bien que la bowenite (une forme de serpentine) soit également utilisée. Les Chinois attribuent au jade d’importantes qualités, notamment la pureté, la beauté, la longévité, voire l’immortalité, et les sculpteurs apprécient les pierres de jade pour leur lustre, leurs couleurs translucides et leurs nuances.

Sculpture en bois

Sculpture sur bois est le type de sculpture le plus ancien et le plus continu. Particulièrement pratique pour les petits travaux, la sculpture sur bois a été largement pratiquée à l’époque préhistorique, puis plus tard à l’époque de Sculpture paléochrétienne – voir, par exemple, la sculpture en chêne doré connue sous le nom de croix de Gero (965-70, cathédrale de Cologne) – et ayant eu son âge d’or à l’ouest, en particulier en Allemagne, à l’époque de la fin Art médiéval Admirez les magnifiques sculptures religieuses en tilleul des sculpteurs allemands Veit Stoss (1445-1533) et Tilman Riemenschneider (1460-1531). Plus tard, à l’époque baroque, le bois était souvent recouvert de stuc et enduit de plâtre, à la manière de l’art égyptien antique. Parmi les grands sculpteurs sur bois modernes, citons Henry Moore (1898-1986) connu pour sa figure allongée en orme (1936) et Barbara Hepworth (1903-1975).

Sculpture en bronze

Sculpture dans bronze est un processus compliqué qui a été développé indépendamment en Chine, en Amérique du Sud et en Égypte. La fonte du bronze nécessite la modélisation d’une forme en argile, en plâtre ou en cire, qui est ensuite retirée après le coulage du bronze en fusion. La méthode à la cire perdue était une technique courante à l’époque de la Renaissance. C’était aussi une technique largement utilisée dans Sculpture africaine du Bénin et du Yoruba.

La célèbre fille dansante de Mohenjo-Daro (environ 2500 ans avant notre ère), chef-d’œuvre de la première Sculpture indienne de la culture Harappan ou la civilisation de la vallée de l Indus en Inde, et le grand amas de plaques de bronze et de sculptures (faites de moulage à la pièce) avec une décoration en jade, trouvées dans le bassin du fleuve Jaune dans la province du Henan, dans le centre de la Chine, datant du royaume de Xia et plus tard de la dynastie Shang 1 750 AEC).

Parmi les chefs-d’œuvre en bronze, citons les Portes du paradis , de Lorenzo Ghiberti (1378-1455), de David de Donatello (1386-1466) et de Michel-Ange, Le viol des Sabines (c.1583) de Giambologna, Les Bourgeois de Calais (1884- 9) et les portes de l’enfer (1880-1917) de Auguste Rodin, Formes uniques de continuité dans l’espace (1913) de Umberto Boccioni (1882-1916), Bird in Space (1923) du sculpteur abstrait roumain Constantin Brancusi (1876- 1957), Femme avec elle Cut Throat (1932) et L’ homme qui marche I (1960) par Alberto Giacometti (1901-1966), et la ville détruite (1953) par Ossip Zadkine (1890-1967).

Sculpture En Terre Cuite

La sculpture en argile date de l’ère paléolithique de l’âge de pierre. Connu (quand il est tiré) comme sculpture en terre cuite , il s’agit de la méthode de sculpture la plus plastique, polyvalente, légère, peu coûteuse et durable. Bien que l’argile soit principalement utilisée pour les modèles préliminaires, puis fondue en bronze ou taillée dans la pierre, elle a également été utilisée pour produire des sculptures à grande échelle. La plus ancienne sculpture en argile connue est la Vénus de Dolni Vestonice (environ 26 000 – 24 000 avant notre ère), une figurine en céramique datant de la période gravettienne, découverte en République tchèque. Un autre chef d’œuvre paléolithique est le Bison Tuc d’Audoubert de la période magdalénienne (environ 13 500 ans av. J.-C.), un relief non cuit de deux bisons, trouvé dans la grotte du Tuc d’Audoubert, Ariège, France. Un troisième chef-d’œuvre préhistorique est le Penseur de Cernavoda (environ 5 000 ans av. J.-C.), la figurine emblématique en terre cuite créée à l’occasion de la culture mésolithique de Hamangia en Roumanie.

Cependant, l’exemple le plus célèbre de sculpture en argile doit être l’Armée de terre cuite de la dynastie Qin (les «guerriers en terre cuite»), une collection de 8 000 guerriers et chevaux d’argile découverts en 1974 dans la province du Shaanxi en Chine. Datant de 246-208 avant notre ère, chacun des 8 000 soldats en argile est unique, avec une expression faciale et une coiffure différentes.

Autres matériaux de sculpture

Parmi les autres matériaux traditionnels utilisés pour créer des sculptures figurent l’ivoire et les os de baleine, ainsi que des métaux précieux.

Les plus anciens exemples connus de sculptures en ivoire / os incluent: les célèbres sculptures en ivoire de mammouths d’animaux préhistoriques, d’oiseaux et de figures géanthropiques (environ 33 000 à 30 000 ans avant notre ère) découvertes dans les grottes de Vogelherd du Jura souabe, en Allemagne; la Vénus de Kostenky (environ 22  000 ans av. J.-C.), un mammouth sculpture sur ivoire d’une figure féminine, trouvée en Russie; et l’ homme-lion de Hohlenstein-Stadel (environ 38 000 ans av. J.-C.), une statuette en ivoire de mammouth trouvée dans le Jura souabe.

Parmi les œuvres célèbres fabriquées à partir de pierres précieuses, citons Sculpture mésopotamienne connu comme le Bélier dans un fourré (vers 2500 avant notre ère), une petite statue faite de feuilles d’or, de cuivre, de lapis-lazuli et de calcaire rouge, découverte dans la grande fosse de la mort, à Ur; et le Maikop Gold Bull (environ 2500 ans avant notre ère), une sculpture en or (réalisée à l’aide de la méthode de coulée à la cire perdue) de la sculpture Maikop du Nord-Caucase, en Russie.

Matériaux modernes utilisés dans la sculpture du XXe siècle

Matériaux utilisés par Sculpteurs du 20ème siècle inclure des matériaux secondaires tels que le béton, ainsi qu’une liste infinie de matériaux modernes tels que l’acier inoxydable, la fibre de verre, l’aluminium, le caoutchouc mousse, le papier mâché, les pièces de bicyclettes, les plastiques, les vitraux, les objets "trouvés", etc. Pour plus d’informations sur certains types d’art plastique postmoderne, voir: Sculpture de glace et aussi Art de sable .

Parmi les sculptures remarquables du XXe siècle fabriquées avec des matériaux non traditionnels, citons:

Types de sculpture

Les formes traditionnelles de base de cet art à trois dimensions sont: la sculpture autonome, qui est entourée de tous côtés par l’espace; et sculpture en relief (englobant bas-relief, alto-relievo ou haut-relief et relief encaissé), où le dessin reste attaché à un fond, généralement en pierre ou en bois. Des exemples de travail de secours peuvent être vus dans art mégalithique telles que les gravures complexes en spirale trouvées à Newgrange (Irlande), sur la colonne de Trajan à Rome, le temple de Zeus à Olympie et le Parthénon. Des reliefs d’architecture gothique apparaissent sur toutes les grandes cathédrales européennes de l’époque: vous pourrez voir les saints sur le transept sud de la cathédrale de Chartres et les apôtres sur le transeptique nord de la cathédrale de Reims.

Il peut également être classé par son sujet. Une statue, par exemple, comme les deux versions de David de Donatello et Michelangelo, est généralement un portrait en trois dimensions, représentant une personne, alors qu’un buste représente généralement la tête, le cou et les épaules – voyez le buste de George Washington (1788) de Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Une statue représentant une personne à cheval, telle que celle de Giambologna (1529-1608) de Cosimo de ’Medici à Florence, est appelée sculpture équestre. Peut-être le plus grand jamais statue équestre est le cavalier de bronze de style baroque de Falconet sur la place Decembrist à Saint-Pétersbourg: un monument dédié au tsar Pierre le Grand et un chef-d’oeuvre de Sculpture russe , bien que créé par un français.

La sculpture comme art public

La présence physique vivante d’une sculpture en fait une forme idéale de l’art publique : des exemples suprêmes de la culture occidentale comme monumentale mégalithes à Stonehenge, les sculptures classiques du Parthénon à Athènes, des hautes croix celtiques d’Irlande et des statues à colonnes et gothiques gothiques des XIIe et XIIIe siècles dans les cathédrales du nord de la France et de l’Allemagne.

La sculpture religieuse sur bois a été portée à de nouveaux sommets à la Renaissance nordique par des maîtres sculpteurs tels que: Tilman Riemenschneider et Veit Stoss, connus pour leurs autels en bois et leurs figurines, tandis que la Contre-Réforme baroque stimulait des exemples suprêmes de catholiques. Art chrétien sous la forme de sculptures en bronze et en marbre de (entre autres) Gianlorenzo Bernini (1598-1680), connu pour la série de chapelles Cornaro (1645-16), notamment The Extase of St Teresa .

L’art public laïc moderne présente des sculptures célèbres comme le Statue de la Liberté , Chicago Picasso – une série de figurines en métal réalisées pour le Chicago Civic Center et la sculpture architecturale The Spire of Dublin , connue sous le nom de «pic», créée par Ian Ritchie (né en 1947). La sculpture publique contemporaine continue de défier les concepts traditionnels de l’art 3D grâce à ses nouveaux concepts spatiaux et à son utilisation de matériaux de tous les jours assemblés ou créés dans de nombreuses formes de sculptures de type installation ou fixes.

Sculpture moderne versus postmoderne

Depuis les années 1960, l’art dit moderne a été remplacé par l’art contemporain ou le postmodernisme. Contrairement aux anciens modernistes, les sculpteurs postmodernistes actuels (artistes pop comme Claes Oldenburg, Robert Indiana et l’artiste néo-pop Jeff Koons) se sentent libres d’utiliser une plus grande variété de matériaux, d’images et de méthodes d’affichage. Les styles ont tendance à être plus localisés, la tendance actuelle des mouvements d’art contemporain étant de se méfier des grandes idées et de l’internationalisme des mouvements d’art moderne de la fin du 19ème siècle et du début du milieu du 20ème siècle.

Plus d’information

Pour les périodes / mouvements importants, voir: Sculpture médiévale (400-1000);
Sculpture Romane (environ 1000-1200); Sculpture Gothique (c.1150-1280);
Sculpture Gothique Anglaise ; Sculpture gothique allemande ;
Sculpteurs Renaissance (1400-1600); Sculpture Baroque (1600-1700);
Sculpture Néoclassique (environ 1750-1850); Sculpteurs du 19ème siècle (1800-1900).