Perspective linéaire en peinture Automatique traduire
PUT SIMPLY: Le terme "perspective" fait référence à la tentative de représenter (sur une surface à deux dimensions comme le papier) une image telle qu’elle est vue par l’œil. C’est ce qui donne de la profondeur à une peinture ou à un dessin. Il a été maîtrisé pour la première fois au cours de la Renaissance italienne , par des peintres tels que Piero della Francesca (1420-92).
Définition et signification de la perspective
La perspective est un système linéaire d’alignement spatial qui crée une illusion de profondeur sur une surface plane bidimensionnelle (ou sur une surface tridimensionnelle peu profonde, telle qu’une sculpture en relief). Il reproduit les effets optiques de la récession en organisant l’espace et la profondeur d’un point de vue. Souvent appelé perspective linéaire (perspective géométrique, mathématique ou optique), ce système est basé sur la façon dont l’œil humain perçoit le monde: 1) les objets rapprochés paraissent plus grands, tandis que les objets plus éloignés paraissent plus petits; (2) la taille des dimensions d’un objet le long de la ligne de visée apparaît relativement plus courte (raccourcie) que les dimensions le long de la ligne de visée. Le dessin en perspective est utilisé par les artistes de la représentation pour recréer une profondeur et une solidité naturelles. C’est un outil très utile pour créer un art réaliste. Cependant, les surréalistes ou d’autres peintres pour qui une réplication stricte du monde naturel n’est pas important ou souhaitable, peuvent déformer ou ignorer totalement les règles de la perspective.
Point de fuite
L’une des principales utilisations de la perspective en peinture est d’établir la position à partir de laquelle l’artiste ou le spectateur voit la scène. Cela se fait en plaçant une ligne horizontale sur la surface fictive de l’image (la "ligne d’horizon") et une ligne verticale vers le bas (le "centre de vision"). Les deux sont des lignes entièrement imaginaires et peuvent dépasser le bord de l’image pour permettre la construction. Après avoir fixé la position à partir de laquelle le spectateur voit la scène, l’artiste part du principe que les lignes parallèles convergent au fur et à mesure qu’elles s’éloignent et qu’elles se rencontrent finalement à ce que l’on appelle le «point de fuite» sur la «ligne d’horizon». L’artiste dessine ensuite des lignes convergentes imaginaires afin de décrire comment les objets diminuent de taille au fur et à mesure qu’ils s’éloignent du spectateur.
Types de perspective linéaire
Il existe plusieurs types de perspective en peinture, les plus courants étant les perspectives à un point et à trois points, classées en fonction du nombre de points de fuite du dessin. La perspective à un point est normalement utilisée lorsque des vues simples sont représentées, telle qu’une voie de chemin de fer disparaissant au loin directement devant le spectateur. La perspective à deux points est généralement utilisée pour décrire deux vues en retrait, telles que celles visibles par une personne se tenant au coin de la rue d’un bâtiment, où un mur se retire (par exemple) à gauche, un à droite. La perspective à trois points est généralement utilisée pour les bâtiments vus d’en haut ou de dessous. En plus des deux points de fuite de notre dernier exemple, un pour chaque mur, il existe maintenant un troisième point de fuite qui reflète la façon dont ces murs se retirent dans le sol ou au-dessus du ciel.
Parce que, par définition, un ou des points de fuite ne peuvent exister que lorsque des lignes parallèles sont présentes dans la scène, l’absence de telles lignes signifie que la photo ne comporte pas de points de fuite, c’est-à-dire une perspective de point zéro. Cette situation existe, par exemple, dans une scène naturelle telle qu’une chaîne de montagnes ou une vue sur la mer – qui ne contiennent généralement pas de lignes parallèles. Cependant, la perspective du point zéro peut toujours donner une impression de «profondeur»: des montagnes plus éloignées et des voiliers plus éloignés ont des caractéristiques plus petites. Le concept de «perspective atmosphérique» – où la poussière et la vapeur d’eau en suspension dans l’atmosphère occultent en partie notre vision d’objets éloignés – est également utilisé pour décrire la profondeur de ces scènes naturelles.
Histoire de la perspective linéaire
Les techniques de la perspective picturale ont été discutées au cours du 5ème siècle avant notre ère, par le peintre Agatharchus de Athensas, dans le cadre d’un intérêt croissant pour l’illusionnisme (appelé skenographia) dans les décors et les scènes de théâtre. Il a ensuite été mis en œuvre avec succès dans les peintures murales illusionnistes de Pompéi. Mais la valeur de la perspective dans l’art n’était pas simplement une question d’esthétique, c’était aussi un reflet de la politique culturelle. Par exemple, Art égyptien et Art byzantin – perspective totalement ignorée, en faveur de la représentation non naturaliste. Ainsi, les artistes égyptiens et byzantins adhéraient à un schéma hiératique de représentation picturale, dans lequel les figures étaient dimensionnées et dessinées en fonction de leur statut relatif dans la société. Dans peinture chinoise , la perspective était une préoccupation secondaire jusqu’à l’ère de Art de la dynastie Qing (1644-1911).
Développement de la perspective à la Renaissance
Au début du 14ème siècle, le grand proto-renaissance peintre de fresques Giotto di Bondone (1267-1337) a introduit une perspective linéaire dans sa peinture de 1305 – Jesus Before Caiaphas ; mais la mise en œuvre était contradictoire et inadéquate.
En effet, l’utilisation de la perspective en peinture n’a pas fait l’objet d’une enquête appropriée avant l’ère de Début de la renaissance . Le processus a commencé vers 1413 lorsque Filippo Brunelleschi (1377-1446), l’architecte, ingénieur et sculpteur, a démontré la méthode géométrique de la perspective en comparant sa peinture du baptistère florentin à une vision réelle. Ses idées ont été approfondies au cours de la Renaissance florentine par le peintre Masaccio dans ses fresques comme Le Sainte Trinité (1425) et le Tribute Money (1426), et par Tommaso di Cristofano Masolino (1383-1440) dans son ouvrage La guérison de l’infirme et la levée de Tabitha (1425) – une partie de la Fresques de la chapelle Brancacci . Les détails scientifiques de la perspective linéaire et la méthode correcte pour afficher la distance en peinture ont également été abordés par l’architecte et le théoricien de l’art génois Leon Battista Alberti (1404-72) – dans son traité Della Pittura (1435/1436) – et par le sculpteur florentin Lorenzo Ghiberti (1378-1455) – dans son manuscrit incomplet intitulé Commentaries , une œuvre qui s’appuie fortement sur le livre d’optique du XIe siècle du mathématicien irakien Alhazen. Le peintre ombrien Piero della Francesca, qui a développé plus avant les principes mathématiques contenus dans Della Pittura d’ Alberti (avec des illustrations précises), a également été pionnier de la perspective dans l’art. Francesco Squarcione (1395-1468) – enseignant d’Andrea Mantegna – et du Florentin Paolo Uccello (1397-1475) dont l’obsession de la perspective optique est bien illustrée dans son travail Bataille de San Romano (1455).
Les principes de la perspective linéaire ont été approfondis au cours de la Haute renaissance , par des artistes tels que Raphaël (1483-1520), dans des chefs-d’œuvre comme L’école d’Athènes (1518). Cependant, alors que Art de la Renaissance a fait une avancée majeure dans notre compréhension de la manière de représenter avec précision la profondeur dans un plan d’image bidimensionnel, elle est restée fermement attachée au simple schéma de perspective à un point, qui a été dûment intégré au programme de base des académies des beaux-arts en Europe.. À l’époque baroque, les peintres aiment Pietro da Cortona (1596-1669) et Andrea Pozzo (1642-1709) ont utilisé leur connaissance de la perspective pour développer le travail pionnier d’Andrea Mantegna afin de perfectionner la technique de la peinture illusionniste appelée quadrature . Cette trompe l’oeil méthode de peinture au plafond (fresque) est apparue pour étendre les caractéristiques architecturales d’une pièce dans un espace imaginaire.
Deux autres maîtres de la perspective linéaire à un seul point sont les peintres néerlandais Pieter Saenredam (1597-1665) et Emanuel de Witte (1615-1692), renommés pour leurs peintures architecturales des intérieurs d’église.
18ème siècle en avant
Ce n’est qu’au 18ème siècle que la perspective artistique en deux points a commencé à être appréciée et explorée, notamment par des artistes comme le peintre de paysages urbains à l’architecture vénitienne. Canaletto (1697-1768) et Giovanni Battista Piranesi (1720-78), qui ont tous essayé de nouvelles méthodes audacieuses pour améliorer la perspective à un point avec son ancienne idée d’un point de fuite central. Le prochain développement majeur a été Cubisme , qui est apparu à la fin des années 1900 et a révolutionné toutes les idées de profondeur tridimensionnelle en peinture, en promouvant le plan d’image bidimensionnel. Cependant, les progrès les plus spectaculaires de la perspective linéaire ont eu lieu à la fin du 20ème siècle avec l’avènement des ordinateurs. De nos jours, les logiciels graphiques modernes peuvent démontrer de nombreux schémas de profondeur spatiale et d’alignement sur simple pression d’un bouton.
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