Évaluation de l’art:
comment apprécier l’art, juger une peinture Automatique traduire

Qu’est-ce que l’appréciation de l’art?

L’évaluation d’une œuvre d’art, telle que une peinture ou une sculpture, requiert une combinaison d’informations objectives et d’opinions subjectives. Oui, il est vrai que l’appréciation de l’art est très subjective, mais le but de l’évaluation d’une peinture n’est pas simplement de déterminer si l’on aime ou si l’on n’aime pas la peinture, mais POURQUOI on l’aime ou on ne l’aime pas. Et cela nécessite un certain nombre de connaissances. Après tout, votre évaluation d’un dessin réalisé par un enfant de 14 ans dans la cour de récréation de l’école sera probablement très différente d’un dessin similaire réalisé par un Michel-Ange de 40 ans. De même, vous ne pouvez pas utiliser les mêmes critères pour évaluer les qualités réalistes d’un portrait réaliste par rapport à un portrait expressionniste. En effet, l’artiste expressionniste n’essaie pas de capturer le même degré d’objectivité visuelle que son homologue réaliste. En d’autres termes, les personnes qui apprécient l’art doivent générer des faits sur lesquels fonder leur jugement : des faits sur le contexte de l’œuvre d’art et sur l’œuvre d’art elle-même. Une fois que nous disposons des faits, nous pouvons émettre notre jugement. Plus nous pouvons glaner d’informations sur le contexte et l’œuvre d’art, plus notre évaluation sera éclairée.

Définitions et terminologie
Notez que dans cet article, les termes «évaluation de l’art», «évaluation de l’art» et «évaluation de l’art» sont utilisés de manière interchangeable.

L’appréciation de l’art est plus que le simple fait d’aimer ou de ne pas aimer

Avant d’entrer dans les détails de l’appréciation de l’art, rappelons que le but de l’appréciation de l’art est d’expliquer POURQUOI nous aimons ou n’aimons pas quelque chose, et pas seulement si nous l’aimons ou ne l’aimons pas. Par exemple, on peut ne pas aimer un tableau parce qu’il est trop sombre, mais on peut quand même aimer son sujet ou l’apprécier dans son ensemble. En d’autres termes, il ne suffit pas de dire «je n’aime pas cette photo». Nous avons besoin de connaître les raisons de votre opinion et de savoir si vous pensez que l’œuvre a des qualités positives.

Comment évaluer une œuvre d’art

La manière la plus simple de comprendre et donc d’apprécier une œuvre d’art est d’examiner son contexte ou son arrière-plan. En effet, cela nous aide à comprendre ce qui était (ou aurait pu être) dans l’esprit de l’artiste au moment où l’œuvre en question a été créée. Il s’agit d’un travail de détective élémentaire. Commencez par ces questions.

A. Comment comprendre le contexte de l’œuvre?

Quand le tableau a-t-il été créé?

Connaître la date de l’œuvre permet d’évaluer la manière dont elle a été réalisée et son degré de difficulté. Par exemple, les paysages créés avant la popularité de la photographie (1860) ou l’avènement des tubes de peinture en étain pliables (1841) présentent un niveau de difficulté plus élevé. Une peinture à l’huile, réalisée avant ou après la Renaissance par des artistes aux moyens modestes, ne contiendrait pas l’incroyable mais astronomiquement coûteux pigment bleu naturel Ultramarine, fabriqué à partir du minéral broyé Lapis Lazuli .

Une peinture est-elle abstraite ou figurative?

Une peinture peut être totalement abstraite (c’est-à-dire qu’elle ne ressemble à aucune forme naturelle : une forme connue sous le nom d’art non-objectif), ou organiquement abstraite (une certaine ressemblance avec des formes organiques naturelles), ou semi-abstraite (figures et autres objets dans une certaine mesure) ou représentative (si le contenu figuratif et autre est instantanément reconnaissable). Il est évident que les œuvres abstraites ont des objectifs très différents de ceux des œuvres picturales et qu’elles doivent être évaluées selon des critères différents. Par exemple, une peinture totalement abstraite ne cherche pas à distraire le spectateur par un quelconque naturalisme et dépend donc entièrement de son influence sur ses qualités formelles (ligne, forme, couleur, etc.).

De quel genre de peinture s’agit-il?

Il existe différents types ou catégories de peintures (appelés genres de peintures). Les genres établis sont le paysage, le portrait, la peinture de genre (scènes de la vie quotidienne), l’histoire et la nature morte. Au XVIIe siècle, les grandes académies européennes, telles que l’Académie des arts de Rome, l’Académie des arts de Florence, l’Académie des beaux-arts de Paris et la Royal Academy de Londres, ont suivi la règle établie en 1669 par le professeur André Felibien, secrétaire de l’Académie française, qui évaluait les genres comme suit : (1) Peinture historique - Peinture religieuse, peut-être une catégorie indépendante ; (2) Peinture de portrait ; (3) Peinture de genre ; (4) Peinture de paysage ; (5) Nature morte . Cette hiérarchie reflète l’influence morale de chaque genre. Les experts ont estimé que le message moral pouvait être transmis beaucoup plus clairement à travers une peinture d’histoire, un portrait ou une peinture de genre qu’à travers un paysage ou une nature morte.

Parmi les autres types de peinture, outre les cinq précédents, on peut citer : les paysages urbains, les peintures marines, les icônes, les retables, les miniatures, les peintures murales, les illustrations, les dessins humoristiques, les caricatures, les affiches, les graffitis, les représentations d’animaux, etc.

Certains de ces types de peinture ont des règles traditionnelles concernant la composition, le sujet, etc. C’est notamment le cas de l’art religieux . Par exemple, les thèmes chrétiens, qui apparaissent à de nombreuses reprises dans les peintures de la Renaissance et du Baroque, doivent contenir certaines figures saintes et se conformer à certaines règles de composition. En outre, les artistes reprennent souvent des tableaux antérieurs du même genre («Le Pape hurlant» de Francis Bacon a été modelé sur l’un des plus grands portraits - «Portrait d’Innocent X» de Vélasquez). Pour toutes ces raisons, il est préférable de comparer les peintures à d’autres œuvres du même type. Pour plus de conseils, voir. Dans «Comment évaluer les peintures».

A quelle école ou mouvement le tableau est-il associé?

«Une école» peut être un groupe national d’artistes (ex. école égyptienne ancienne, école espagnole, expressionnisme allemand) ou un groupe local (ex. école de Delft du réalisme hollandais, école Ashcan de New York, École de Paris) ou un mouvement esthétique général (par exemple, baroque, néoclassicisme, impressionnisme, fauvisme, cubisme, dada, surréalisme, pop art), un groupe local ou un groupe d’artistes (par exemple, Der Blaue Reiter, École d’expressionnisme abstrait de New York, Cobra Group, Fluxus, École de Saint-Ives), ou un mouvement esthétique général (par exemple, École d’expressionnisme abstrait de New York, École d’expressionnisme abstrait de New York, Cobra Group, Fluxus, École de Saint-Ives). Ives) ou une tendance générale (réalisme, expressionnisme). Une école peut aussi s’intéresser à un genre particulier (par exemple l’école de Barbizon et l’école de Newlyn, toutes deux groupes de paysagistes) ; Fraternité préraphaélite, peintures à thème historique ou littéraire), ou une méthode de peinture (par exemple le néo-impressionnisme basé sur le pointillisme - une variante de la théorie des couleurs du divisionnisme), ou un aspect du monde naturel (par exemple le constructivisme consacré à refléter le monde industriel moderne), ou la politique, ou des symboles mathématiques (par exemple le strict néo-plasticisme).

Connaître l’appartenance d’un tableau à l’un des nombreux mouvements artistiques permet de mieux comprendre sa composition et sa signification. Par exemple, dans l’école de l’art égyptien, les artistes devaient respecter certaines règles de peinture concernant la composition et la couleur. Ainsi, les portraits de personnes étaient jugés en fonction de leur statut social plutôt qu’en fonction du point de vue linéaire . La tête et les pieds sont toujours de profil, les yeux et le haut du corps sont vus de face. Les artistes égyptiens n’utilisaient pas plus de six couleurs : le rouge, le vert, le bleu, le jaune, le blanc et le noir, chacune symbolisant un aspect différent de la vie ou de la mort. D’autres cultures et écoles culturelles avaient leurs propres orientations spécifiques. Les peintres réalistes hollandais appréciaient la reproduction exacte et réaliste des intérieurs et des environnements - à l’exception de la peinture de portraits, où l’objectif était de flatter le sujet : voir Veille de nuit, Rembrandt. Les peintres impressionnistes privilégient généralement un travail au pinceau lâche pour capter les impressions fugitives de la lumière. Les cubistes rejetaient les règles habituelles de la perspective linéaire et déconstruisaient leur sujet en une série de plaques géométriques plates et transparentes qui se chevauchaient et s’entrecroisaient sous différents angles. Les artistes de De Stijl, comme Piet Mondrian, n’utilisent que des formes géométriques dans leurs peintures, et les lignes sont toujours horizontales ou verticales plutôt que diagonales. Et ainsi de suite.

Notez que l’art occidental est très différent de l’art oriental. La peinture chinoise, par exemple, se concentre sur l’essence spirituelle intérieure des choses plutôt que sur leur apparence extérieure.

Où le tableau a-t-il été peint?

Savoir où et dans quelles conditions une peinture a été créée permet souvent de mieux comprendre et apprécier l’œuvre en question. En voici quelques exemples.

En équilibre dangereux sur un échafaudage précaire, Michel-Ange a peint le plafond de la chapelle Sixtine (une surface gigantesque de 12 000 pieds carrés) pratiquement sans aide pendant 4 ans entre 1508 et 1512. Savoir que ce chef-d’œuvre de l’art chrétien a été créé sur place, plutôt que dans un bel atelier bien chauffé, nous aide à apprécier l’énormité de la tâche.

Monet, chef de file de l’impressionnisme français , a consacré sa vie à la peinture en plein air . Plus tard, il possédait un jardin d’eau japonais avec des étangs de nénuphars près de sa maison, et c’est là qu’il a créé sa grande série de peintures de nénuphars. Pissarro peignait lui aussi principalement en plein air et avait donc toujours un grand nombre de tableaux inachevés, car la lumière disparaissait souvent avant que son travail ne soit terminé. Cela explique pourquoi il peignait la même scène ou le même motif (pour capter une lumière différente) et pourquoi son coup de pinceau était si rapide et si lâche. En revanche, Manet et Degas étaient tous deux des citadins et travaillaient exclusivement dans leur atelier, où ils pouvaient peaufiner et perfectionner leur travail. Parmi les autres peintres de plein air, citons les Scandinaves Kroyer et Hammershøj (connus sous le nom de «peintres de la lumière»), qui ont réalisé un certain nombre de paysages exceptionnels à Skagen, au Danemark.

L’environnement peut avoir une influence significative sur l’humeur d’un artiste et donc sur sa peinture. Van Gogh et Gauguin en sont de parfaits exemples. Au cours de ses dix années de peinture, Van Gogh s’est appuyé sur des couleurs sombres lorsqu’il peignait pendant des jours difficiles en Hollande (par exemple Mangeurs de pommes de terre, 1885) ; il est passé à des couleurs plus claires et plus vives à Paris lorsqu’il a subi l’influence de l’impressionnisme ; il passe au jaune vif lorsqu’il peint à Arles, près de la Côte d’Azur ) Café «Terrasse de nuit», 1888) ; avant de revenir à des pigments plus sombres dans sa dernière période (Les cueilleurs d’olives, 1889, et l’inquiétant Champ de blé avec corbeaux, 1890). En 1891, un an après la mort de Van Gogh, le peintre français Paul Gauguin s’embarque pour Tahiti et les îles du Pacifique, où il passe une grande partie des dix dernières années de sa vie dans une pauvreté abjecte. Néanmoins, son retour à la nature a insufflé à ses peintures beaucoup de vie et de couleurs, ainsi qu’un primitivisme qui a trouvé des échos chez Picasso et d’autres.

Un artiste intéressant est Edouard Vilar, un Français qui a vécu avec sa mère, une couturière, dans un appartement à Paris pendant 60 ans. Sa mère dirigeait son atelier depuis la maison, ce qui donnait à Vuillard de nombreuses occasions d’observer les motifs, les matériaux, les couleurs et les formes de ses robes. Tout cela se reflétait soigneusement dans les motifs de ses peintures.

Une fois, dans sa jeunesse, le chanteur pop pionnier Robert Rauschenberg était (prétendument) si pauvre qu’il est resté dans son appartement et a peint une courtepointe sur son propre lit, en la décorant avec du dentifrice et du vernis à ongles. Cette œuvre emblématique s’intitule Bed (1955).

A quelle époque l’artiste était-il actif dans sa carrière? Quel était son environnement? Savoir si une peinture a été créée au début ou à la fin de la vie de l’artiste peut souvent nous aider à évaluer une œuvre.

Les artistes améliorent généralement leur technique de peinture au fil du temps, atteignent un point culminant au milieu de leur carrière, puis s’éteignent dans les dernières années. Certains artistes, cependant, sont morts au sommet de leur art. C’est le cas de Raphaël (1483-1520), Le Caravage (1571-1610), Jan Vermeer (1632-1675), Thomas Guirtin (1775-1802), Richard Parkes Bonington (1802-1828), Van Gogh (1853-1890) Aubrey Beardsley (1872-1998), Isaac Levitan (1860-1900), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Amedeo Modigliani (1884-1920), Nicolas de Stael (1914-1955) et Jackson Pollock (1912- 1956). D’autre part, certains artistes s’épanouissent très tôt et, bien qu’ils continuent à peindre pendant des décennies, ne peuvent pas répéter leur succès initial. Dans cette catégorie, on trouve des artistes contemporains tels que Marcel Duchamp, Georges Braque, Oscar Kokoschka, André Derain, Maurice de Vlaminck, Kees Van Dongen - et peut-être même Picasso. Seule une proportion relativement faible de personnes conserve sa créativité jusqu’à un âge avancé, comme le Tintoret, Monet, Renoir, Juan Miró et Lucien Freud.

Comprendre les circonstances de la vie d’un artiste peut aussi expliquer beaucoup de choses dans sa peinture.

L’expressionniste norvégien Edvard Munch ne se serait jamais remis des décès précoces survenus dans sa famille. Sa nature névrosée et morbide est visible dans nombre de ses œuvres. L’artiste mexicaine Frida Kahlo n’a jamais récupéré complètement sa jambe droite après avoir contracté la polio à l’âge de 6 ans, et à l’âge de 18 ans, elle a été gravement blessée à la suite d’un accident de bus. C’est ce qui explique sa série ininterrompue d’autoportraits qui témoignent de son manque de mobilité.

Paul Cézanne (paysages Mont St Victoire, Baigneuses et natures mortes) et Edgar Degas (Danseuses de ballet) ont peint d’interminables versions minutieuses de certains sujets. Cela s’explique probablement par le fait que ni l’un ni l’autre ne vivait de son art. Il est certain qu’aucun d’entre eux n’a tenté de peindre beaucoup de portraits, ce qui était le genre le plus lucratif. D’autre part, les deux hommes étaient plus classiques que leurs homologues impressionnistes, ce qui explique en partie leurs méthodes de travail précises et méticuleuses.

Quel était l’emplacement prévu pour le tableau?

Il est évident qu’un tableau destiné à être placé dans un grand espace sur le mur de la salle à manger d’un monastère espagnol du XVIe siècle (une peinture religieuse monumentale et inspirante) sera radicalement différent d’un tableau destiné à un marchand de textile prospère d’Amsterdam au XVIIe siècle (un petit portrait, un intérieur ou une nature morte polis). De même, un tableau destiné à la réception d’une entreprise informatique de haute technologie en Californie (une grande peinture abstraite moderne, peut-être géométrique ou expressionniste) sera probablement différent d’un tableau installé dans la salle de conférence d’une banque privée de la City de Londres (un paysage traditionnel du 19e siècle, par exemple). Bien entendu, ces suggestions ne sont que des stéréotypes, mais elles servent à illustrer le rôle et les caractéristiques d’œuvres d’art particulières.

B. Comment apprécier l’œuvre d’art elle-même

Voir : Comment apprécier les peintures .
Voir aussi : Analyser les peintures célèbres .

Après avoir étudié ou exploré le contexte d’un tableau, on peut commencer à apprécier l’œuvre elle-même. Savoir comment évaluer une peinture est en soi un art, et non une science. Et l’aspect le plus difficile de l’évaluation de l’art est peut-être l’évaluation de la méthode de peinture elle-même : c’est-à-dire comment la peinture a-t-elle été réalisée? C’est donc en toute humilité que nous vous proposons ces conseils pour évaluer la technique picturale utilisée .

Quels sont les matériaux utilisés pour réaliser la peinture?

Quel type de peinture a été utilisé? Quel type de sol ou de support l’artiste a-t-il utilisé? Les réponses à ces questions peuvent fournir des informations intéressantes sur les intentions de l’artiste. Les matériaux standard sont la peinture à l’huile sur toile. L’huile pour la richesse de ses couleurs, la toile pour son adaptabilité. Toutefois, les peintures acrylique ou aquarelle sont utilisées à la place de l’huile lorsqu’il s’agit de réaliser des glacis minces, et les acryliques sont également meilleures lorsqu’il s’agit de réaliser de grands aplats de couleur. Les expressionnistes abstraits américains Mark Rothko et Barnett Newman, tous deux connus pour leurs toiles monumentales colorées, ont expérimenté dans les années 1950 un mélange d’huile et d’acrylique. L’aquarelle et l’acrylique sèchent également beaucoup plus rapidement que l’huile et sont donc idéales pour les peintures rapidement travaillées. Les panneaux de bois sont parfois utilisés comme alternative à la toile lorsqu’une finition très précise de la peinture est souhaitée (les miniatures étaient peintes sur des panneaux de bois, de cuivre ou même d’ardoise) ou en combinaison avec la détrempe ou l’acrylique lorsque l’artiste souhaite créer de la peinture en couches très minces.

Parfois, la surface d’une peinture, son support et son cadre deviennent un élément caractéristique d’une œuvre d’art. Au début des années 1960, l’art moderne français était dominé par un groupe d’avant-garde d’extrême gauche Supports-Surfaces, dont les membres peignaient de grandes toiles sans châssis (le support physique derrière la toile), tandis que les matériaux étaient souvent coupés, tissés ou froissés. L’artiste italien Lucio Fontana s’est également fait connaître dans les années 1960 avec ses toiles «divisées», permettant au spectateur de voir à travers le plan de l’image l’espace tridimensionnel situé au-delà, qui devient lui-même une partie de l’œuvre. Récemment, Angela de la Cruz, l’une des artistes contemporaines nommées pour le prix britannique Turner 2010 , s’est fait connaître pour ses toiles qui sont retirées des châssis, froissées et traînées après avoir été peintes.

Quel est le contenu et le sujet d’une peinture?

Qu’est-ce qui est représenté dans le tableau? S’il s’agit d’une peinture historique ou mythologique, posez-vous les questions suivantes : quel événement est représenté? Quels sont les personnages impliqués et quels sont leurs rôles? Quel est le message véhiculé par le tableau? S’il s’agit d’un portrait, posez-vous les questions suivantes : qui est le modèle? Comment l’artiste l’a-t-il représenté? Quels sont les traits ou les aspects qui retiennent l’attention? S’il s’agit d’une scène de genre, posez-vous les questions suivantes : Quelle est la scène représentée? Que se passe-t-il? Quel message (s’il y en a un) l’artiste nous adresse-t-il? Pourquoi a-t-il choisi cette scène en particulier? S’il s’agit d’un paysage, posez-vous les questions suivantes : Quelle est la situation géographique du paysage représenté? (Par exemple, s’agit-il de l’endroit préféré de l’artiste?) Qu’est-ce que l’artiste essaie de nous faire comprendre à propos du paysage? S’il s’agit d’une nature morte, posez-vous les questions suivantes : Quels objets, aussi insignifiants soient-ils, figurent dans le dessin? Pourquoi l’artiste a-t-il choisi ces objets en particulier? Pourquoi les a-t-il disposés comme il l’a fait? Les natures mortes sont connues pour leur symbolisme, il est donc intéressant d’analyser les objets dessinés pour voir ce que chacun d’entre eux peut symboliser.

Comment évaluer la composition d’un tableau?

Par composition, on entend l’ensemble de la conception (dessin), la disposition générale. Et la façon dont un tableau est rempli est essentielle, car elle détermine en grande partie son impact visuel. Pourquoi? Parce qu’une peinture bien composée attire et dirige le regard du spectateur vers l’espace environnant. Les artistes qui ont excellé dans la composition ont invariablement reçu une formation classique dans les grandes académies, où la composition était un élément très important du processus de peinture. Nicola Poussin (1594-1665), Jade Engr (1780-1867) et Edgar Degas (1834-1917) en sont les meilleurs exemples.

La brièveté de l’exposé nous empêche d’entrer dans les détails, mais nous recommandons l’étude des œuvres suivantes : «La Sainte Famille en Egypte» (1655-7, Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) de Poussin ; La Baigneuse du Valpincon (1808, Louvre, Paris), d’Engr ; et Absinthe (1876, Musée d’Orsay) de Degas.

Dans la première œuvre, où Joseph et Marie se reposent près d’un temple de la ville, Poussin démontre sa remarquable capacité à placer chaque élément du tableau exactement comme il se doit, pour une harmonie optique maximale, et à transmettre des messages importants qui s’inscrivent dans le thème général. En d’autres termes, chaque élément du tableau a une fonction bien précise et une position bien définie. Dans la deuxième œuvre - un intérieur de chambre sans fenêtre, plus simple, dans lequel on voit le dos d’une femme nue anonyme assise sur un lit - Engr crée un arrangement très symbolique de couleurs, de formes et d’angles qui remplit le tableau d’un mystère voyeuriste. Le troisième tableau - l’un des plus grands tableaux du genre - montre une prostituée assise dans un café parisien, un verre d’absinthe devant elle ; un autre homme est assis à côté d’elle ; tous deux sont plongés dans leurs pensées et dans leur propre monde. Dans cette œuvre, Degas utilise une série d’angles et de lignes et des couleurs sombres pour capturer l’isolement cellulaire et la solitude déprimante des gens au cœur d’une grande métropole. Les trois œuvres offrent un certain nombre d’idées importantes pour vous aider à apprécier la composition des peintures.

Comment appréciez-vous la ligne et la forme dans une peinture?

L’habileté d’un artiste se manifeste souvent par la force et l’assurance de sa ligne (contour), qui crée et délimite différentes formes dans son tableau. Dans une histoire célèbre, un important mécène envoie un émissaire à Giotto, un grand peintre de la pré-Renaissance. L’envoyé demande à Giotto de l’identifier. L’artiste sort alors un pinceau et un morceau de lin sur lequel il dessine un cercle parfait. Il le remet ensuite au messager en lui disant : "Votre Maître saura exactement qui a peint ceci". La ligne est un élément clé de la structure du tableau et explique pourquoi le dessin était considéré par tous les experts de la Renaissance comme la plus grande qualité de l’artiste. En fait, lorsque les grandes académies européennes des beaux-arts ont ouvert leurs portes, les étudiants n’apprenaient pas du tout à dessiner (voir colorito). Certains des meilleurs dessinateurs étaient des portraitistes dont le trait pouvait être presque parfait : un exemple moderne est le portraitiste de formation classique John Singer Sargent (1856-1925), qui était un maître de la technique «prime coup de grâce» - un coup de pinceau précis, sans altération. Parmi les artistes contemporains qui n’ont pas reçu de formation classique, les peintures de Van Gogh et de Gauguin se caractérisent par des lignes exceptionnellement fortes et sûres.

En peinture figurative : rechercher comment l’artiste utilise le clair-obscur pour optimiser la qualité de ses figures en 3D ; voir s’il utilise le ténébrisme dans son plan d’éclairage pour attirer l’attention sur certaines parties du tableau ; voir si l’artiste utilise la technique du sfumato dans le mélange des couleurs.

La couleur en peinture a une grande influence sur nos émotions et joue donc un rôle important dans la façon dont nous apprécions l’art. Curieusement, bien que nous puissions identifier jusqu’à 10 millions de variations de couleurs, il n’existe que 11 termes de base en anglais - noir, blanc, rouge, orange, jaune, vert, bleu, violet, rose, brun et gris. Il n’est donc pas facile de parler spécifiquement de la couleur. D’ailleurs, en ce qui concerne les termes : «teinte» est un synonyme de couleur ; «nuance» est une version plus claire (par exemple rose) d’une certaine couleur (rouge) ; «nuance» est une version plus foncée (par exemple magenta) ; «ton» est la clarté, l’intensité ou la brillance d’une couleur. Par ailleurs, de nombreuses œuvres de maîtres anciens commencent à s’assombrir en vieillissant, ce qui les rend moins attrayantes. Cela peut également donner un aspect miteux aux meilleurs musées d’art !

La couleur est utilisée par les artistes de plusieurs manières. Prenez, par exemple, les peintures de Mark Rothko . Rothko a été l’un des premiers artistes à créer d’immenses toiles abstraites saturées de couleurs riches - jaunes, oranges, rouges, bleus, indigo et violets. Son objectif était de susciter une réaction émotionnelle chez le spectateur. Et pourquoi pas? Après tout, la psychologie des couleurs a déjà un impact considérable sur la décoration intérieure des hôpitaux, des écoles et d’autres institutions.

Historiquement, l’impressionnisme et l’expressionnisme (en particulier le fauvisme) ont été les premiers mouvements internationaux à exploiter tout le potentiel de la couleur. Mais les artistes contemporains peignaient ce qu’ils voyaient (impressionnistes) ou ce qu’ils ressentaient (expressionnistes) : s’il s’agissait de peindre de l’herbe rouge, qu’il en soit ainsi. L’art figuratif est traité de la même manière que les paysages : ainsi «le Russe Matisse» Alexei von Jawlensky (1864-1941) établit de nouvelles normes pour l’utilisation de la couleur dans le portrait, tandis que Degas utilise la couleur pour donner de l’éclat à ses étoiles de ballet, et le désespoir de son amoureuse de l’absinthe. D’autres artistes utilisent une palette de couleurs monochromes tout au long d’un tableau pour créer une atmosphère particulière. Les paysages romantiques de Corot, les scènes nocturnes d’Atkinson Grimshaw, les sifflets nocturnes de Whistler, les intérieurs de Peter Ilsted, les paysages de Kroyer, les intérieurs de Hammershaw et les œuvres de Picasso (1881-1973) des périodes «Bleu» et «Rose», pour n’en citer que quelques-unes, en sont de bons exemples.

En résumé, les artistes utilisent la couleur pour stimuler l’émotion, pour capturer les effets naturalistes de la lumière, pour donner une figure ou une scène à un personnage et pour donner de la profondeur à des œuvres abstraites ou semi-abstraites. Elle peut également servir à capter l’attention du spectateur. Si vous voulez apprendre à apprécier les peintures, soyez attentif à la manière dont l’artiste utilise la couleur. Demandez-vous pourquoi il a choisi telle ou telle nuance. Comment influe-t-elle sur l’ambiance ou la composition du tableau? Comment les différentes couleurs utilisées s’articulent-elles les unes par rapport aux autres : créent-elles une harmonie ou une friction?

Comment évaluez-vous la texture et les coups de pinceau en peinture?

Pour apprendre à apprécier la texture et les coups de pinceau en peinture, rien ne remplace une visite dans une galerie ou un musée et l’étude attentive de quelques tableaux. Même les meilleurs livres d’art ne peuvent pas reproduire la texture à un haut degré. Une fois encore, ce sont généralement les artistes de formation classique qui excellent dans les différentes textures et dans l’utilisation des empâtements . Engr choisissait même certains sujets (par exemple Baigneuse de Valpincon 1808, Odalisque 1914) pour montrer son habileté à capturer la texture de matériaux tels que la nacre et la soie. Quoi qu’il en soit, la façon dont un artiste gère la texture est un bon critère pour évaluer sa technique picturale.

Le pinceau peut être dense (lent, précis, contrôlé) ou lâche (plus rapide, plus aléatoire, plus expressif). Ceci est largement déterminé par le style et l’humeur du tableau plutôt que par le tempérament de l’artiste. Le Caravage avait un tempérament très chaud, mais ses peintures étaient des exemples de coups de pinceau contrôlés. Cézanne avait un tempérament lent : il peignait si lentement que tous les fruits de ses natures mortes pourrissaient des semaines avant qu’il ne les ait terminées. Néanmoins, dans nombre de ses œuvres, le coup de pinceau est exceptionnellement libre. En généralisant, on peut dire que les coups de pinceau des peintres réalistes ont tendance à être plus délibérés et plus contrôlés que ceux des expressionnistes. Lorsque les impressionnistes ont organisé leur première exposition à Paris en 1874, les critiques et les spectateurs ont été horrifiés par ce qu’ils appelaient «l’insouciance» de leurs coups de pinceau. Ils devaient se tenir beaucoup plus loin des tableaux avant que l’image exacte ne prenne forme. Aujourd’hui, l’impressionnisme nous semble tout à fait libre, mais à l’origine, ses coups de pinceau superlatifs ont provoqué un tollé.

Lorsqu’il s’agit d’apprécier un tableau, la question se pose de savoir ce que le coup de pinceau apporte.

Comment apprécier la beauté en peinture?

L’esthétique est un sujet très personnel. Nous voyons tous les choses différemment, y compris «l’art», et surtout «la beauté». En outre, la peinture est avant tout un art visuel - quelque chose que l’on voit, pas quelque chose à quoi l’on pense. Par conséquent, si l’on nous demande si nous pensons qu’une peinture est belle, nous sommes susceptibles de donner une réponse assez instantanée. Toutefois, si l’on nous demande ensuite d’évaluer la beauté (ou l’absence de beauté) d’un tableau, c’est-à-dire de l’expliquer et de le justifier, c’est une autre histoire. Alors, pour vous aider à analyser la situation, voici quelques questions que vous pouvez vous poser sur le tableau. La plupart concernent l’harmonie, la régularité et l’équilibre observés.

Quelles sont les proportions qui se dégagent du tableau?
L’art grec et l’art de la Renaissance étaient souvent fondés sur certaines règles de proportion conformes aux conceptions classiques de l’harmonie optique. Ainsi, la beauté que vous voyez (ou ne voyez pas) peut peut-être s’expliquer en partie par une référence aux proportions (des objets et des figures) à l’œuvre.

Certaines formes ou certains motifs sont-ils récurrents dans le tableau?
Selon les psychologues, la répétition de formes agréables, en particulier de motifs symétriques, peut détendre l’œil et le cerveau et nous faire ressentir du plaisir.

Les couleurs utilisées dans le tableau se complètent-elles?
Les combinaisons de couleurs avec des teintes complémentaires ou des variations de tons sont connues pour leur effet attractif sur les sens.

Êtes-vous attiré par le tableau? Est-ce qu’elle retient votre attention?
Les plus grands tableaux sont les plus faciles à regarder. Ils attirent notre attention et ensuite «des pointeurs» dirigent notre regard vers l’œuvre.

Comment le tableau se compare-t-il aux autres?

Tout est relatif. Alors, comment le tableau que vous avez sous les yeux se compare-t-il à d’autres tableaux du même artiste? S’il s’agit d’une œuvre mature, vous constaterez peut-être qu’elle améliore des œuvres antérieures, et vice versa. Si vous ne trouvez pas d’autres œuvres du même artiste, essayez de regarder des œuvres similaires d’autres artistes. Idéalement, commencez par des œuvres de la même décennie et avancez progressivement dans le temps. Mais il ne faut pas comparer trop de peintures entre elles.

Conseils pour apprécier l’art abstrait

Les peintures abstraites ne sont pas faciles à apprécier. C’est bien lorsqu’elles suivent un thème général comme le cubisme, ou lorsqu’elles comportent des éléments reconnaissables, mais l’art purement concret, qui n’utilise que des symboles géométriques, a tendance à être trop difficile pour être à l’aise. Néanmoins, de nombreux artistes abstraits ont apporté d’énormes contributions à la culture moderne, et nous devrions essayer de les comprendre. Voici donc quelques conseils.

La peinture absolument abstraite nous libère, nous spectateurs, de toute association optique avec la vie réelle. (C’est pourquoi de nombreux artistes travaillent dans un langage abstrait). Ainsi, rien ne nous distrait de la peinture et nous pouvons nous concentrer uniquement sur les aspects picturaux de l’œuvre : la ligne, la forme, la couleur, la texture, le trait, etc.

En particulier, posez-vous les questions suivantes : (1) Comment l’artiste divise-t-il la toile? (2) Comment l’artiste dirige-t-il notre regard et où s’attarde-t-il? (3) Comment l’artiste utilise-t-il la couleur pour créer de la profondeur, attirer l’attention ou donner une signification particulière à certaines formes? (4) Quelles sont les formes spécifiques contenues dans l’œuvre et quelle est, selon vous, leur signification? (5) Parfois, les artistes abstraits utilisent la couleur avec parcimonie et créent délibérément une image minimaliste. Si vous ne pouvez pas parler beaucoup de ces œuvres, ne vous inquiétez pas : tout le monde a un problème avec elles! Le mieux est de faire des recherches sur une œuvre en particulier et de découvrir ce qu’en pensent d’éminents critiques d’art. Il se peut que tu ne l’aimes toujours pas, mais au moins tu sauras à quoi t’attendre. (6) En général, les peintures abstraites sont beaucoup plus difficiles à comprendre que les autres œuvres. Il faut les déchiffrer! Alors, au lieu de lever les bras au ciel et de dire : " Je ne comprends pas cette horrible peinture ", considérez-la comme un puzzle et essayez de comprendre où l’artiste veut en venir.

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Comment apprécier l’art : quelques questions finales

Après avoir examiné le contexte du tableau et l’œuvre elle-même, nous en arrivons à quelques questions finales.

Histoire de la critique d’art : les critiques célèbres

Il n’est pas nécessaire de connaître les critiques d’art ou leur histoire pour pouvoir apprécier l’art. Nous ne vous ennuierons donc pas avec les détails. Cependant, quelques bribes peuvent vous aider à comprendre que même les experts ne sont pas toujours d’accord sur le fait qu’un tableau est une œuvre de génie ou une vraie saloperie.

Denis Diderot (1713-1784) est considéré comme le père fondateur de la critique d’art en raison de sa révision de l’Encyclopédie (1751-1752). Sentimental dans ses goûts artistiques, il a fait beaucoup de choses importantes, dont la plupart sont trop ennuyeuses pour être mentionnées.

Théophile Thor (1807-1869) est plus intéressant : critique d’art et historien français, il «a redécouvert» Jan Vermeer (1632-1675) et en a fait l’un des plus grands artistes. Mais cela n’a pas beaucoup aidé Vermeer. Le pauvre homme pouvait à peine payer ses factures de pain, ne gagnait pas d’argent avec sa peinture et tomba dans l’obscurité après sa mort prématurée.

Un autre critique d’art célèbre était le poète du dix-neuvième siècle Charles Baudelaire (1821-1867). Il a élevé la carrière de Félicien Rops (jamais entendu parler de lui?), et a distingué le peintre Constantin Guy (peu de gens ont entendu parler de lui non plus). Il est également un collaborateur régulier du Salon annuel de Paris, auquel les autorités démodées interdisent de participer à tous les artistes de qualité, qui finissent par organiser un certain nombre d’expositions concurrentes, dont le Salon de Refus (1863), le Salon de l’Indépendance (1884-1914) et le Salon d’Automne (1903).

En Suisse et dans le monde germanophone, le plus grand historien de l’art après Johann Winkelmann fut peut-être Jacob Burckhardt (1818-1897), professeur d’histoire à l’université de Bâle. Son livre le plus célèbre, «La civilisation de la Renaissance en Italie» ) Die Kultur der Renaissance in Italien), publié en 1860, explore l’ensemble du Rinascimento italien et a exercé une grande influence sur les historiens de l’art du XIXe siècle.

En Angleterre, le plus grand historien de l’art du XIXe siècle fut John Ruskin (1819-1900). Artiste talentueux et bon écrivain, on se souvient de lui pour des classiques tels que ses 5 volumes «Modern Painters» (1843-60), «Seven Luminaries of Architecture» (1849) et 3 volumes «Stones of Venice» (1851-3). Il finit par devenir fou, mais pas avant d’avoir perdu un célèbre procès en diffamation contre Whistler.

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Roger Fry (1866-1934) était un historien de l’art anglais très influent qui avait une belle voix lente. Il acquit une réputation d’expert de la Renaissance italienne et devint conservateur des peintures au Metropolitan Museum of Art de New York (1906-10). En 1907, cependant, Frye «découvre» Cézanne et s’intéresse au post-impressionnisme. À Londres, en 1910 et 1912, il organise deux expositions prolifiques sur le post-impressionnisme. De nombreux visiteurs pensaient que Frye était fou. Son principal apôtre fut l’écrivain, historien de l’art et formaliste Clive Bell (1881-1964).

Herbert Read (1893-1968) était un historien de l’art anglais renommé du 20e siècle et un interprète éminent de l’art moderne . Il a publié de nombreux ouvrages, dont «The Meaning of Art» (1931), «Art Now» (1933), «Education through Art» (1943), «Brève histoire de la peinture moderne» (1959) et «Brève histoire de la sculpture moderne» (1964).

En France, le principal critique d’art du début du 20e siècle est le poète Guillaume Apollinaire (1880-1918). Brillant promoteur de Picasso, du cubisme, de l’orphisme, de Marc Chagall, de Giorgio de Chirico, d’André Deren, d’Henri Matisse, d’Henri Rousseau et de Marcel Duchamp. Son jugement artistique était irréprochable.

Le surréalisme avait ses propres propagandistes, comme André Breton (1896-1966) qui, au moment du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, comme beaucoup d’artistes, quitta Paris pour New York qui devenait le nouveau centre mondial de l’art. Ses principaux historiens de l’art sont Clement Greenberg (1909-1994), Harold Rosenberg (1906-1978), John Canady (1907-1985). Greenberg, ancien trotskiste, préférait les œuvres abstraites comme les peintures de Jackson Pollock . Il a écrit un livre «Art and Culture» (1961) ainsi que des monographies sur Miró (1948) et d’autres. Malheureusement, bien qu’il sache certainement apprécier la peinture, une grande partie de l’art d’avant-garde qu’il aimait tant est décrite comme indéchiffrable. Rosenberg, comme Greenberg, était un adepte de l’abstraction d’avant-garde. Kanedai, le chroniqueur artistique du New York Times, était l’un des rares critiques influents de l’expressionnisme abstrait.

Kenneth Clark (1903-1983), bien que plus traditionaliste que la plupart des critiques du 20e siècle, a peut-être été le plus influent grâce à sa création de la série télévisée primée de la BBC «Civilisation». Cette série a connu un grand succès au Royaume-Uni et aux États-Unis.

Il est impossible d’apprécier tout l’art

L’impressionnisme français est l’un des mouvements artistiques les plus réussis et les plus influents de tous les temps. Pourtant, à ses débuts, il a été ridiculisé non seulement par les critiques, mais aussi par toutes les catégories de spectateurs. Monet, Renoir et Pissarro ont failli mourir de faim. Sisley est mort dans la pauvreté.

Au printemps 1913 , l’Armory Show, la plus grande exposition d’art moderne jamais vue aux États-Unis, se tient à Manhattan avant les expositions de Chicago et de Boston. Quelque 300 000 Américains ont pu voir 1 300 expositions présentant les peintures européennes les plus contemporaines, ainsi qu’une sélection des meilleures œuvres d’art contemporaines américaines. Les avis sont très partagés, surtout en ce qui concerne le cubisme et d’autres œuvres du 20e siècle. En réaction, des émeutes éclatent et l’artiste Marcel Duchamp est physiquement agressé par la foule, déterminée à brûler l’exposition.

La leçon? Les œuvres d’art de grande qualité ne sont pas toutes faciles à apprécier ou à comprendre.