Histoire de l’art Questions et réponses Automatique traduire

La page couvre : l’art préhistorique, l’art de l’époque classique, l’art médiéval, la Renaissance, les XVIIe et XVIIIe siècles, et l’époque moderne. Ajoutez cette page à vos signets pour obtenir des réponses à toutes vos questions sur l’évolution et le développement des arts visuels de l’Antiquité à l’ère postmoderne.

Quand l’homme a-t-il commencé à créer des œuvres d’art?

Jusqu’à récemment, la plupart des paléoanthropologues et des historiens de l’art pensaient que l’histoire de l’art commençait au Paléolithique supérieur, entre 35 000 et 10 000 ans avant J.-C., comme en témoignent une série de peintures rupestres et de figurines miniatures trouvées principalement en Europe. Cependant, de récentes découvertes archéologiques semblent confirmer que l’art préhistorique est apparu bien plus tôt &ndash ; presque certainement au milieu du Paléolithique inférieur &ndash ; quelque part entre 290 000 et 700 000 av. Pour plus d’informations, voir Histoire de l’art préhistorique .

Quelle est la première forme d’art créée par l’homme de l’âge de pierre?

Le plus ancien art rupestre connu est «cupul», un pétroglyphe en forme d’hémisphère créé en frappant des surfaces verticales et horizontales. Pour plus d’informations sur cet art rupestre inhabituel, voir : Kupuls . Pour un guide du premier paléo-art, voir : L’art primitif : L’art primitif .

Quelle est la plus ancienne œuvre d’art connue?

Le plus ancien art paléolithique enregistré &ndash ; les cupules du Paléolithique inférieur dans la grotte Auditorium en Inde, datant de 290 000 av. Pour plus de détails, voir : Pétroglyphes de Bhimbetka .

Quelle est la plus ancienne sculpture jamais créée?

Les premières proto-sculptures &ndash ; figures aschéliennes créées par l’Homo erectus, datant de 200 000 av. J.-C. : Vénus Berehat Ram et Vénus Tan-Tan. Plus tard, à partir de 33 000 av. J.-C., des statuettes plus raffinées sont apparues en Europe. Pour plus de détails, voir : Figurines de Vénus .

De quand datent les premières peintures rupestres?

Les plus anciennes fresques rupestres connues, peintes par des Homo sapiens modernes, se trouvent dans des abris sous roche du Paléolithique supérieur à Chauvet, Peche-Merle, Cosqueray et Lascaux (Dordogne, France) et à Altamira (Cantabrie, Espagne). Pour plus de détails, voir : art rupestre préhistorique .

Où puis-je trouver une liste des œuvres d’art les plus anciennes?

Pour une liste chronologique des premières œuvres d’art, voir Art ancien, et pour plus d’informations voir Art du plus ancien âge de pierre &ndash ; 100 œuvres connues .

Où puis-je trouver une chronologie complète de l’art de l’âge de pierre?

Pour une chronologie détaillée des dates importantes des périodes paléolithique, mésolithique et néolithique du Pléistocène et de l’Holocène, y compris les premiers pétroglyphes, sculptures, fresques rupestres, architecture mégalithique, poterie et travail des métaux, voir : Chronologie de l’art préhistorique .

Quand le premier art religieux a-t-il été créé?

Personne ne le sait avec certitude. Si les cupules s’avèrent être des signes religieux, la réponse pourrait être «dès 700 000 ans avant notre ère». Il est plus probable que les premières œuvres d’art religieux soient des peintures rupestres africaines ou australiennes datant d’environ 10 000 à 20 000 ans av : Art religieux .

Pour quel type d’art l’âge du bronze est-il célèbre?

Les exemples les plus célèbres de l’art de l’âge du bronze (vers 3500-1100 av. J.-C.) ont été créés en Méditerranée sous la forme de l’architecture monumentale égyptienne (pyramides) ainsi que des fresques, de la poterie et de la sculpture minoennes. L’art perse était encore plus avancé. Pour plus de détails, voir : L’art de l’âge du bronze .

Quelle est la particularité de l’art égyptien?

La culture égyptienne (3100 avant notre ère &ndash ; 395 après notre ère) a apporté une énorme contribution à l’histoire de l’art. En tant que civilisation méditerranéenne la plus ancienne et la plus durable, les artisans égyptiens (en particulier les maçons) ont exercé une influence importante sur la sculpture grecque ultérieure. En outre, une grande partie de la peinture égyptienne (fresques, panneaux) a survécu, plus que toute autre culture nationale de la préhistoire, ce qui nous donne un formidable aperçu de la culture et de l’art égyptiens. Pour plus d’informations, voir Art égyptien .

Pourquoi les Égyptiens ont-ils construit des pyramides?

Le but des pyramides égyptiennes &ndash ; forme unique de l’architecture égyptienne &ndash ; était de faciliter et d’assurer le passage d’un pharaon ou d’un noble décédé vers l’au-delà. La plupart ont été construites entre 2680 et 1786 avant J.-C. (bien que certains objets trouvés à l’intérieur des pyramides datent de beaucoup plus tôt, jusqu’à 5 000 avant J.-C.) Pour plus d’informations, voir Pyramides égyptiennes .

Qui étaient les Minoens? Pourquoi la civilisation minoenne est-elle connue?

Nommée d’après le roi légendaire Minos, la race connue sous le nom de Minoens &ndash ; les précurseurs de l’art grec &ndash ; vivait sur l’île de Crète dans l’est de la mer Méditerranée. En 2100 avant J.-C., les revenus du commerce maritime leur ont permis de construire une série de palais à Knossos, Phaistos, Akrotiri, Kato Zakros et Mallia, ainsi que de beaux exemples de sculpture, de peinture à fresque, de poterie, de sculpture sur pierre et de travail du métal. Pour plus d’informations, voir : Art minoen .

Qu’est-ce que l’art mycénien?

Mycènes était une cité grecque de la région du Péloponnèse, sur le continent de la Grèce antique. Elle a donné son nom à la première forme de culture grecque (vers 1650-1200 av. J.-C.). Pour plus d’informations, voir : L’art mycénien .

Qu’est-ce qui fait la réputation de l’art persan?

Située de part et d’autre de l’ancienne route commerciale vers l’Orient, la Perse (rebaptisée plus tard Iran) est devenue l’un des centres culturels et politiques les plus riches du monde antique au cours du premier millénaire avant notre ère. Sous des dirigeants puissants tels que Cyrus II le Grand, Xerxès et Darius Ier, le pays est devenu célèbre pour son architecture, ses sculptures publiques, ses céramiques, ses objets en or et ses métaux précieux. L’art perse a été influencé par l’art grec. Pour plus d’informations, voir L’art de la Perse .

Pour quoi l’art étrusque est-il le plus connu? (vers 700-90 av. J.-C.)

La culture étrusque, née dans la province italienne d’Étrurie en Italie avant l’essor de Rome, a atteint son apogée au sixième siècle avant J.-C. (500-600 avant J.-C.). Elle est connue pour ses peintures de tombes et ses sarcophages funéraires, ainsi que pour ses poteries. Elle a exercé une influence considérable sur l’art grec et romain. Pour plus d’informations, voir L’art étrusque .

Pourquoi l’art grec est-il si important?

Entre 600 et 300 avant J.-C., la Grèce antique était le centre culturel le plus important du monde antique, produisant une vaste et étonnante gamme de sculptures, de peintures, de céramiques et d’architectures qui ont eu par la suite une influence majeure sur le développement de l’ensemble de l’art occidental. L’art grec s’étend sur trois grandes périodes : la période archaïque (vers 600-500 av. J.-C.), la période classique (vers 500-323 av. J.-C.) et la période hellénistique (vers 323-27 av. J.-C.). Pour plus d’informations, voir L’art grec .

Pourquoi si peu de sculptures grecques ont-elles survécu?

Parce qu’au Moyen-Âge (vers 400-800), des charognards ont démantelé une grande partie des sculptures en pierre et fondu la quasi-totalité des bronzes pour en faire de la ferraille. De ce fait, notre connaissance de la sculpture grecque se limite aux copies romaines des pièces originales ou aux quelques fragments restants. Néanmoins, il reste de nombreux exemples de sculptures en relief et quelques statues dans les temples qui subsistent, comme le Parthénon sur l’Acropole d’Athènes. Heureusement, quelques chefs-d’œuvre exceptionnels ont survécu, notamment le «Laocoon» (42-20 av. J.-C.) sculpté par Hagesander, Polydorus et Athenodorus. Pour plus de détails, voir : La sculpture grecque .

Quels sont les principaux styles de poterie grecque?

La céramique &ndash ; la principale source d’information sur les beaux-arts grecs. Quatre styles principaux : géométrique, à figures noires, à figures rouges et à fond blanc. Paradoxalement, l’art céramique grec n’a jamais été tenu en aussi haute estime que les beaux-arts. La peinture monumentale avait le statut le plus élevé, suivie par l’architecture, la sculpture et le travail du métal. Pour un aperçu complet, voir : La poterie grecque .

Pour quoi l’art romain est-il le plus connu?

Les peintres et sculpteurs romains souffraient d’un sentiment traditionnel d’infériorité par rapport à l’art grec, qu’ils copiaient sans cesse. Les plus grandes réalisations artistiques de la Rome antique sont associées à l’architecture romaine (par exemple le Colisée) et à la sculpture narrative en relief (par exemple la colonne de Trajan de 113 après J.-C.). Pour plus de détails, voir Art romain .

Qu’est-ce que l’art celtique?

Le terme désigne traditionnellement le travail du métal, la sculpture et la décoration des anciens Celtes qui sont arrivés en Europe de l’Est depuis le Caucase vers 800 av. Pour plus de détails, voir : Art celtique . Sur l’histoire et la contribution culturelle des Celtes, voir : Culture celtique .

Que sont «les ornements celtiques»?

Il s’agit généralement de spirales, d’alternances, de nœuds, de croix et de zoomorphes. Voir Motifs celtiques .

Quelles sont les œuvres d’art chrétiennes créées pendant la période médiévale?

Pendant près de 600 ans (400-1000), la majeure partie de la culture européenne a stagné en raison de l’anarchie inspirée par les barbares et d’une baisse générale du niveau de vie. Seule l’Église chrétienne a survécu, mais elle était divisée entre Rome et Byzance (Constantinople). Néanmoins, dans son réseau de monastères et de scriptoria aux confins de l’Europe (voir, par exemple, L’art monastique irlandais), elle est à l’origine d’un certain nombre de manuscrits d’évangiles enluminés, une activité soutenue plus tard sur le continent par le roi Charlemagne Ier à Aix-la-Chapelle. Pour plus d’informations, voir Art chrétien médiéval et pour des exemples tels que le Livre de Kells, voir : Manuscrits irlandais enluminés .

Quel genre d’art les Vikings ont-ils créé?

Les Vikings &ndash ; des guerriers païens danois, norvégiens et suédois &ndash ; ont mené des raids et se sont largement installés en Europe, en Amérique du Nord, au Groenland, en Islande, en Irlande, en Écosse, en Angleterre et en Europe continentale. La plupart de leurs objets (le plus souvent portatifs) étaient des outils ou des équipements fonctionnels, bien que les artisans vikings aient également excellé dans le travail décoratif du métal. Pour plus d’informations, voir L’art viking .

Quelle est l’époque de l’art byzantin?

Alors que la chrétienté occidentale s’enfonçait dans l’abîme culturel du Moyen Âge barbare (400-1000), ses valeurs artistiques étaient soutenues par sa capitale orientale, Byzance, où des milliers d’artistes et d’artisans romains et grecs émigrèrent et commencèrent à créer un nouvel ensemble de cultures orientales. Images chrétiennes (voir Iconographie) dans le style byzantin. Mélange de styles grec, romain et persan, ce style a perduré jusqu’à ce que Byzance (Constantinople) soit mise à sac par les Turcs en 1453. Pour plus de détails, voir : Art byzantin .

Qu’est-ce que l’art carolingien?

Ce terme désigne les œuvres d’art créées sous le règne de Charlemagne, roi des Francs. Cet art carolingien a été suivi par l’art ottonien, créé sous les empereurs Otton I, II, III, Louis le Pieux et Charles le Chauve.

Qu’est-ce que l’art gothique?

Il s’agit d’un style d’architecture européen qui a vu le jour en Ile-de-France entre 1200 et 1270 et qui s’est ensuite répandu dans toute l’Europe du Nord. À la fin du XIVe siècle et au début du XVe siècle, il s’est transformé en gothique international et s’est répandu en Bourgogne, en Bohême et en Italie du Nord. Pour plus d’informations, voir : Art gothique, et Architecture gothique .

Où puis-je trouver une liste d’artistes médiévaux?

Pour des informations détaillées sur les sculpteurs, peintres, architectes et autres artistes décoratifs du Moyen Âge, voir : Artistes médiévaux .

Pourquoi la Renaissance est-elle si importante pour le développement de l’art occidental?

La Renaissance est un regain d’activité créatrice dans toutes les disciplines des arts visuels, centré sur l’Italie entre 1400 et 1530. Divisée en deux époques successives (Première Renaissance 1400-1490 ; Haute Renaissance 1490-1530), elle revitalise résolument le monde de l’art occidental selon les principes de l’Antiquité classique, en particulier la sculpture grecque et sa théorie de l’esthétique, et la hiérarchie des genres reste dominante jusqu’à Pablo Picasso et le cubisme. Pour une chronologie des événements et des détails sur toutes les périodes, tous les styles et tous les artistes, voir : L’art de la Renaissance .

Que se passe-t-il à Florence pendant la Renaissance?

La Renaissance proprement dite, symbolisée par la nouvelle coupole de la cathédrale de Florence, a été initiée par les artistes florentins Filippo Brunelleschi (1377-1446), Mazaccio (ca. 1401-28) et Leon Battista Alberti (1404-1472). De nouvelles techniques de peinture sont explorées par des artistes tels que Piero della Francesca (1420-92), Antonio Pisanello (1395-1455), Domenico Veneziano (1410-61), Gentile da Fabriano (1370-1427), Fra Angelico (1387-1455) et Paolo Uccello (ca. 1396-1475), Giovanni Angelo di Antonio (vers 1447-1475), Andrea del Castagno (vers 1421-57), Sandro Botticelli (1444-1510) et Domenico Ghirlandaio (1449-1494), tandis que de nouvelles formes sculpturales ont été introduites par l’œuvre de Donatello (1386-1466). Pour plus d’informations, voir : La Renaissance à Florence .

Pourquoi la famille florentine des Médicis a-t-elle joué un rôle important dans l’art de la Renaissance?

La famille de banquiers Médicis était le principal mécène financier de l’art à Florence au début de la Renaissance, sans lequel de nombreuses œuvres d’art n’auraient pu être créées. Ses principaux membres étaient Giovanni di Bicci de’ Medici, Cosimo de’ Medici, Piero de’ Medici et Lorenzo de’ Medici. Pour plus d’informations, voir : la Famille Médicis à Florence pendant la Renaissance .

Que se passe-t-il à Rome à la Renaissance?

Si Rome a joué les seconds rôles par rapport à Florence au début de la Renaissance, elle a dominé la Haute Renaissance. Parmi les papes qui ont contribué à l’essor de la peinture, de la sculpture et de l’architecture dans la ville, on peut citer le pape Sixte IV (1471-84), le pape Jules II (1503-13), le pape Léon X (1513-21) et le pape Paul III. (1534-45). Pour plus de détails, voir : La Renaissance à Rome .

Que se passe-t-il à Venise pendant la Renaissance?

Venise a également joué un rôle mineur par rapport à Florence au 15e siècle. En outre, son climat et son histoire de commerce avec l’Orient ont conduit à une forme de développement artistique quelque peu différente. Parmi les représentants les plus actifs et les plus influents de la Renaissance vénitienne figurent Jacopo (vers 1400-1470), Gentile Bellini (vers 1429-1507) et Giovanni Bellini (vers 1430-1516).), Andrea Mantegna de Padoue (1431-1506), Vittore Carpaccio (1490-1523), Giorgione (1476-1510), Titien (1487-1576), Paolo Veronese (1528-88), et Tintoret (Jacopo Robusti) (1518-1594). Pour plus d’informations, voir : La Renaissance à Venise . Sur la conception des bâtiments, voir : L’architecture de la Renaissance vénitienne., dominée par Jacopo Sansovino et Andrea Palladio.

Quelle est la différence entre la première et la haute Renaissance?

En termes simples, la période de la première Renaissance a été le témoin de la plupart des nouvelles découvertes en peinture (perspective, raccourcissement, nouveaux sujets, nouvelle approche des sujets traditionnels), tandis que les artistes de la haute Renaissance se sont appuyés sur ces découvertes et en ont fait un excellent usage en développant des techniques plus subtiles. Les trois artistes les plus brillants de la Renaissance tardive sont Léonard de Vinci, le prodige Raphaël et Michel-Ange Buonarroti. Pour plus d’informations, voir : Histoire de la première Renaissance et Histoire de la Haute Renaissance .

Qu’est-ce que le maniérisme?

Au cours des 70 années qui ont suivi le sac de Rome en 1527, le style de l’art de la Renaissance a subi un changement marqué, devenant plus émotionnel et dramatique. C’est ce que l’on a appelé plus tard le maniérisme. Il reflète à bien des égards les tensions de l’époque et constitue une réaction à l’idéalisme pur de la Renaissance. Un exemple splendide de peintre maniériste &ndash ; Giambologna . Pour plus d’informations, voir Maniérisme : histoire et artistes .

Qu’est-ce que la Renaissance nordique?

Ce terme décrit le développement de l’art en Europe du Nord (Flandre, Hollande, Allemagne et Grande-Bretagne) au cours de la période 1430-1580. Elle débute avec le chef-d’œuvre monumental de Jan Van Eyck «Le Retable de Gand» et se caractérise par le fait que les habitants du Nord préféraient la peinture à l’huile. Parmi les artistes notables de la Renaissance nordique, on peut citer Jan van Eyck (néerlandais, 1390-1441), Roger van der Weyden (flamand, 1400-1464), Hieronymus Bosch (néerlandais, 1450-1516), Tilman Riemenschneider (allemand, 1460-1531), Albrecht Dürer (allemand, 1471-1528), Lucas Cranach l’Ancien (allemand, 1472-1553), Hans Holbein le Jeune (suisse, 1497-1543), Pieter Bruegel l’Ancien (flamand, vers 1525-1569). 1525-1569). Pour plus de détails, voir : Renaissance du Nord : Histoire .

Quels sont les plus grands tableaux de la Renaissance?

Pour une liste des plus importantes peintures à la détrempe, à la fresque et à l’huile, voir Les plus grands tableaux de la Renaissance .

Quelles sont les caractéristiques du style artistique baroque?

L’art baroque &ndash ; les armes artistiques et architecturales «» de la Contre-Réforme &ndash ; reflétait la majesté divine et la confiance religieuse des rois et reines catholiques, ainsi que les aspirations des marchands en pleine ascension et de la classe moyenne. Sa manifestation extérieure la plus courante était la grandeur et l’extravagance, illustrées par les sculptures du Bernin (1598-1680) et les peintures de Pierre Paul Rubens (1577-1640). Pour plus de détails, voir : L’art baroque : une histoire . Voir aussi : L’architecture baroque .

Où commence le rococo?

Il s’agit en fait d’un mouvement de décoration intérieure (vers 1715-1774) apparu en France en réaction à la grandeur baroque de la cour de Versailles du roi de France Louis XIV. Le rococo était un style d’art et d’architecture fantaisiste et élaboré, illustré par les peintures de Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), François Boucher (1703-70), Thomas Gainsborough (1727-88) et Giambattista Tiepolo (1696-1770), ainsi que par les sculptures de Claude Michel Clodion (1738-1814). Pour plus de détails, voir : L’art rococo : une histoire . Voir aussi : Architecture rococo .

Qui a écrit dans le style néoclassique?

Le style héroïque du néoclassicisme (vers 1750-1815) est illustré par les œuvres du peintre allemand Anton Raphael Mengs (1728-1779), du peintre académique français Jean Auguste Dominique Engrand (1780-1867) et de l’artiste politique français Jacques-Louis David (1748-1825). Parmi les principaux sculpteurs du néoclassicisme &ndash ; Antonio Canova (1757-1822), l’artiste danois Bertel Thorvaldsen (1770-1844) et Jean-Antoine Oudon (1741-1828). Pour plus de détails, voir : L’art néoclassique : une histoire .

Que signifie le terme «art académique»?

L’art académique &ndash ; est un style d’art qui, conformément aux théories classiques de l’art établies pendant la Renaissance italienne, était enseigné par «les académies officielles» telles que l’Académie française des beaux-arts de Paris, l’Académie florentine, l’Académie romaine et l’Académie royale de Londres. Elle adhérait à une hiérarchie de genres établie. Pour plus de détails, voir : Art académique .

Quels sont les artistes qui ont été les plus célèbres représentants du romantisme?

L’art romantique était une sorte de contrepoids à la dureté et à la rigidité du néoclassicisme. Parmi les principaux artistes, citons : les paysagistes John Constable (1776-1837), J. M. W. Turner (1775-1851) et Caspar David Friedrich (1774-1840) ; les œuvres narratives de Francisco Goya (1746-1828) et James Barry (1741-1806), et les portraits de Théodore Géricault (1791-1824). Le peintre parisien Eugène Delacroix (1798-1763) est peut-être le plus célèbre des romantiques. Pour plus d’informations, voir : Le romantisme dans l’art .

Qu’est-ce que l’école anglaise de peinture?

Cette expression décrit généralement le développement du portrait, «de la conversation» et de la peinture de genre produits en Angleterre au cours des 18e et 19e siècles, avec des exemples de William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, George Stubbs, William Blake et d’autres. Pour plus d’informations, voir Peinture figurative anglaise, 18e-19e siècles .

Qu’est-ce que l’école anglaise de peinture de paysage?

Le terme est généralement utilisé pour décrire la mini-renaissance de l’art du paysage qui s’est produite en Angleterre vers 1750-1850. Les principaux artistes étaient Richard Wilson, Thomas Gainsborough, Thomas Girtin, John Constable et J. M. W. Turner. Parmi les autres artistes importants, citons Richard Parkes Bonington, John Crome et John Sell Cotman. Pour plus d’informations, voir Peinture paysagère anglaise, XVIIIe-XIXe siècles .

Qu’est-ce que l’école de la rivière Hudson?

L’école de paysage de l’Hudson River est un groupe peu organisé de peintres paysagistes américains du XIXe siècle (floraison 1820-75) dont les œuvres avaient pour but d’immortaliser la nature sauvage américaine. Le chef de cette école était Thomas Cole .

Qu’est-ce que le luminisme?

Le luminisme &ndash ; est un style de peinture de paysage (apogée 1850-75) qui s’est développé à partir de l’école de Hudson et du travail d’artistes tels que George Caleb Bingham .

Pourquoi l’impressionnisme a-t-il eu une telle influence sur le développement de l’art moderne?

L’impressionnisme français &ndash ; un style de peinture spontané &ndash ; a rejeté les règles de l’art académique en faveur d’une approche naturaliste et pratique de son sujet. Inspirés par les méthodes de peinture en plein air de l’école de Barbizon, les impressionnistes se sont spécialisés dans la peinture de paysage et de genre, bien que le portrait soit resté une source importante de revenus pour nombre d’entre eux. Pour une description détaillée de cette école célèbre et extrêmement influente, ainsi que des biographies de ses artistes, voir : Impressionnisme : histoire et artistes . Voir aussi : Les origines et l’influence de l’impressionnisme .

Qui sont les peintres impressionnistes les plus célèbres?

Les représentants les plus célèbres de l’impressionnisme sont : Paul Cézanne (1839-1906), Edgar Degas (1834-1917), Édouard Manet (1832-1883), Claude Monet (1840-1926), Berthe Morisot (1841-1895), Jacob-Abraham-Camille Pissarro (1830-1903), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) et Alfred Sisley (1839-1899). Pour plus d’informations, ainsi que sur les impressionnistes allemands, hollandais, britanniques, américains, russes et australiens, voir : Artistes impressionnistes .

Qu’est-ce que l’école de Heidelberg?

L’école de Heidelberg, nommée d’après la région rurale située à l’est de Melbourne, en Australie, était un groupe de peintres impressionnistes australiens du dix-neuvième siècle. Pour plus d’informations, voir : École de Heidelberg (1886-1900) ou Impressionnisme australien .

Quels sont les post-impressionnistes les plus célèbres?

Le post-impressionnisme décrit les styles d’un groupe d’artistes français qui ont dépassé l’impressionnisme pur de Claude Monet et de ses disciples à la fin du 19e siècle et au début du 20e siècle. Parmi les artistes post-impressionnistes : Georges Seurat (1859-1891), Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890), Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901), Paul Gauguin (1848-1903), Edouard Vuillard (1868-1940). Pour plus d’informations, voir : Le post-impressionnisme .

Qui étaient les «fauves» et quel était le style de peinture du fauvisme?

Le mouvement fauviste (1898-1908) est un style de peinture coloriste éphémère qui s’est formé autour d’un certain nombre d’artistes français au début du siècle. Issus de l’impressionnisme français, les fauvistes célèbres sont Henri Matisse (1869-1954), André Doeren (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Georges Braque (1882-1963), Raoul Dufy (1877.) -1953), Albert Marquet (1875-1947) et Georges Rouault (1871-1958). Pour plus de détails, voir : Fauvisme .

Quelle est l’origine de l’expressionnisme?

Les débuts du mouvement expressionniste sont généralement associés à l’expressionnisme allemand du XXe siècle, qui comprenait des groupes d’artistes aussi divers que Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), Die Brucke, Die Neue Sachlichkeit, et l’école du Bauhaus (1919-33). Pour une liste d’artistes, voir : Artistes expressionnistes . Parmi les autres pionniers de l’expressionnisme, on peut citer Van Gogh (1853-1890) et Edvard Munch (1863-1944). Pour plus de détails, voir : Expressionnisme .

Quelles sont les écoles de l’expressionnisme allemand les plus connues?

Il existe trois grandes écoles d’expressionnisme en Allemagne :
❶ Die Brucke («Le Pont», 1905-13), fondée par Karl Schmidt-Rothluff (1884-1976) et Ernst Ludwig Kirchner.
❷ Der Blaue Reiter («Blue Rider», 1911-14), dirigé par Wassily Kandinsky (1844-1944) et Franz Marc (1880-1916).
❸ Die Neue Sachlichkeit («New Objectivity», 1920s) menée par Otto Dix (1891-1969) et George Gros (1893-1959). Pour plus de détails, voir : Expressionnisme allemand .

Quel artiste viennois de grande valeur est associé au style Art nouveau?

Gustav Klimt (1862-1918), auteur de deux des tableaux les plus chers de tous les temps - Portrait d’Adèle Bloch-Bauer I (1907) et Portrait d’Adèle Bloch-Bauer II (1912) - était une figure de proue du style Art nouveau des arts décoratifs ) Jugendstil). Pour une biographie de cet artiste distingué, voir : Gustav Klimt .

Quelle est la signification et l’importance du cubisme?

Le cubisme est un style artistique révolutionnaire développé par Georges Braque (1882-1963) et Pablo Picasso (1881-1973) au cours des années 1907-1908. Il modifie radicalement le cadre de la peinture et présente une manière entièrement nouvelle de représenter la réalité. En particulier, il a abandonné l’utilisation de la perspective traditionnelle (profondeur dans une image) pour se concentrer sur la toile plane : fragmenter un objet «tridimensionnel» en segments plats, qui sont ensuite réarrangés dans un style de chevauchement dans l’image. («Les demoiselles d’Avignon» de Picasso était un premier pas dans cette direction). En conséquence, les peintures cubistes étaient souvent très abstraites et ce nouveau style abstrait a déclenché une révolution artistique dans toute l’Europe, marquant la fin de la Renaissance et le début de l’ère de l’art moderne. Pour plus d’informations, voir : Le cubisme : histoire et artistes . Pour en savoir plus sur les autres tendances européennes de l’abstraction, voir Mouvements, périodes et écoles artistiques (à partir d’environ 100 avant notre ère).

Quelle est l’origine du cubisme?

En 1907 et 1908, fortement influencés par les paysages géométriques de Paul Cézanne, Picasso et Braque ont peint une série de paysages en utilisant des formes géométriques simplifiées (cubes tridimensionnels), d’où le nom original «de cubisme». Pour plus d’informations sur cette forme prototype originale du cubisme, voir : Les débuts de la peinture cubiste .

Qu’est-ce que le cubisme analytique?

Dans son tableau «Portrait d’Ambroise Vollard» (1910), Picasso déconstruit la figure humaine en une série de plaques géométriques plates et transparentes qui se chevauchent et se croisent sous différents angles. Cette œuvre marque le début de la deuxième phase du cubisme, connue sous le nom de «cubisme analytique» (1910-12). Pour plus d’informations sur ce nouveau style, voir : Cubisme analytique .

En quoi le cubisme synthétique était-il différent?

Entre 1913 et 1914, Picasso et Braque introduisent leur troisième style, connu sous le nom de cubisme synthétique. Plutôt que de désassembler les objets en plusieurs parties planes, le nouveau style consiste à construire une composition à l’aide de divers matériaux étrangers, tels que le collage. Ce style a influencé un certain nombre d’autres artistes célèbres, notamment ceux de l’école Dada. Pour en savoir plus sur ce nouveau style, voir : Le cubisme synthétique .

Que sont Jack of Diamonds et Donkey’s Tail

Il s’agit de groupes d’exposition d’artistes russes formés en Russie immédiatement avant la guerre (1910-1912). Pour plus d’informations, voir Jack of Diamonds (1910-17) et le plus radical Donkey’s Tail (1911-12).

Quelles sont les caractéristiques du suprématisme?

L’abstractionnisme suprématiste (1913-1920) est un mouvement russe fondé par le nihiliste Kazimir Malevitch (1878-1935). Pour plus de détails, voir : Suprématisme .

Qui a fondé le constructivisme?

Le constructivisme (v. 1917-21) &ndash ; un mouvement d’art architectural abstrait russe &ndash ; a été fondé par Vladimir Tatlin (1885-1953), rejoint plus tard par Alexandre Rodchenko (1891-1956) et les frères Antoine Pevzner (1886-1962) et Naum Gabo (1890-1977). Pour plus de détails, voir : Constructivisme .

Quel était le style de Dada? Qu’est-ce que le néo-dada?

Fondé en Suisse par Jean Arp et d’autres pendant la Première Guerre mondiale, Dada (1915-24) est un mouvement anti-art qui produit une série d’œuvres et de performances «dépourvues de sens» qui remettent en question les valeurs traditionnelles d’une société qui tolère la barbarie de la Première Guerre mondiale. Une trentaine d’années plus tard, une autre variante complexe, connue sous le nom de néodada, est apparue en Amérique, qui exagérait délibérément la signification esthétique d’objets et d’images discrets, provoquant le scandale de nombreux «critiques et commissaires d’exposition sérieux». Pour plus de détails, voir Dadaïsme : histoire, styles .

Pourquoi l’école du Bauhaus est-elle si célèbre?

L’école du Bauhaus, fondée en 1919 par Walter Gropius, était une école d’art révolutionnaire, inspirée de nombreuses autres. Pour en savoir plus sur ses objectifs, ses artistes et son influence, voir L’école de design du Bauhaus .

Qu’est-ce que le surréalisme?

Le surréalisme est l’un des mouvements artistiques les plus influents de l’entre-deux-guerres. Il englobe un large éventail de styles, de l’abstraction au réalisme, mais tend à dépeindre des images étranges ou fondamentalement «irréelles». Parmi les principaux surréalistes figurent Salvador Dalí (1904-1989), Max Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-55), Juan Miró (1893-1983), Giorgio de Chirico (1888-1978), Jean Arp (1886-1966) et Man Ray (1890-1976). Pour plus de détails, voir : Surréalisme : histoire, styles .

Qu’entend-on par «Entartete Kunst»?

Le terme «Entartete Kunst» signifie «art dégénéré» et était utilisé pour décrire tout art qui n’était pas conforme aux idéaux du parti nazi dans l’Allemagne des années 1930. Pour une explication complète, voir : Art dégénéré .

Quelle est la différence entre le réalisme, le réalisme social et le réalisme socialiste?

Le réalisme (Le Realisme) est un mouvement artistique né en France au milieu des années 1850. Il rejette les «poses et les sujets idéaux» de l’art traditionnel inspiré de la Renaissance en faveur de la représentation «de la dure» réalité de la vie. Le réalisme social, l’école de la fin des années 1920 et du début des années 1930, a conservé la tradition réaliste de représentation de la vie quotidienne sans fioritures, mais s’est concentré sur des scènes ayant un message social, telles que les files d’attente pour le pain et les clochards. En comparaison, le réalisme socialiste était un style d’art de propagande soutenu par l’État et introduit par Joseph Staline en URSS à partir de 1929 environ. Lire la suite : Réalisme socialiste .

Qu’est-ce que l’art abstrait?

L’abstractionnisme &ndash ; est une peinture ou une sculpture qui ne représente pas les aspects du monde visible. Il est également connu sous le nom de «Art sans objet», «Art non représentatif», «Art concret» ou «Art non figuratif». Les mouvements abstraits les plus connus sont De Stijl, le Constructivisme, le Suprématisme, l’Expressionnisme abstrait, l’Op Art et le Minimalisme. Pour une explication complète avec des exemples, voir : Art abstrait : histoire et artistes .

Qu’est-ce que l’expressionnisme abstrait?

L’expressionnisme abstrait est une école de peinture américaine influente des années 1940 et 1950. Parfois appelée École de New York, elle comprend plusieurs styles tels que Action Painting (Jackson Pollock, Lee Krasner, Willem de Kooning), Colour Field Painting (Mark Rothko, Clifford Still, Barnett Newman), et Rigid Painting (Frank Stella). Pour plus d’informations, voir Expressionnisme abstrait : histoire, styles, artistes .

Qu’est-ce que l’op art?

Abréviation d’art optique, ce mouvement des années 1950 et du début des années 1960 utilisait des motifs géométriques abstraits en noir et blanc pour créer une série d’effets optiques pour la perception du spectateur. Pour plus de détails, voir : Op-Art .

Quand le pop art a-t-il commencé?

Le terme «Pop Art» désigne un type «d’art populaire» &ndash ; un style qui utilise des images tirées de la publicité grand public et de la culture de masse. Il est apparu simultanément à New York et à Londres au milieu des années 1950 et est resté un mouvement d’avant-garde de premier plan jusqu’à la fin des années 1960. Parmi les artistes notables du Pop Art figurent Andy Warhol (1928-1987), Jasper Johns (né en 1930) et Roy Lichtenstein (1923-1997). Pour plus d’informations, voir : Pop art .

Où puis-je trouver un guide de l’histoire de l’art américain?

Pour un bref aperçu de l’art américain (peinture, sculpture, etc.) de 1750 à nos jours, voir… : Art américain .

Qu’est-ce que le postmodernisme?

Le postmodernisme &ndash ; est un style et une théorie conceptuelle de la fin du 20e siècle dans l’art et l’architecture, caractérisé par une méfiance générale à l’égard des idéologies ainsi que par une vision contradictoire de ce qui constitue l’art. Pour une explication complète, voir : L’art postmoderne : un guide .

Quelle est la signification du minimalisme? En quoi diffère-t-il du postminimalisme?

Le minimalisme (années 1960) &ndash ; est un style d’art (et d’architecture) caractérisé par une extrême simplicité des formes et une absence délibérée de contenu expressif. Les artistes minimalistes ne s’intéressaient qu’à l’idée pure «». Le post-minimalisme (1971) est une réaction à ce style hautement intellectuel. Il a mis l’accent non plus sur la pureté de l’idée, mais sur la manière dont elle était transmise. Pour plus de détails, voir : Minimalisme .

Comment et où est né l’art du graffiti?

L’art du graffiti est né dans plusieurs villes d’Amérique, en particulier dans le métro de New York, dans les années 1970 et 1980. Il est également appelé «Spray can art» et «Spray art». Il exprime la frustration des minorités urbaines face à des formes d’art qui ne cherchent pas à plaire au grand public. Pour plus d’informations, voir L’art du graffiti .

Qui étaient les soi-disant «jeunes artistes britanniques»?

Les Young British Artists (YBA) étaient un groupe d’artistes contemporains &ndash ; pour la plupart diplômés du Goldsmiths College de Londres &ndash ; qui étaient activement sponsorisés par le collectionneur millionnaire Charles Saatchi et dont les activités étaient largement médiatisées. Ils sont devenus célèbres pour leurs œuvres d’art choquantes (Britart), qui ont dominé l’art britannique dans les années 1990. D’importants contributeurs ont été Damien Hirst (né en 1965) et Tracey Emin (né en 1963). Pour un compte rendu plus complet, voir : Jeunes artistes britanniques (Brit-art) .

Qui sont les 200 plus grands artistes contemporains?

Pour une liste des 200 meilleurs artistes contemporains, voir «Les 200 meilleurs artistes contemporains» .

Ressources complémentaires

- Questions sur l’art
- Questions sur les artistes célèbres

Pour une liste de dates et d’événements importants dans le développement de l’art visuel occidental, voir… : Histoire de l’art - Chronologie .