Mouvements d’art contemporain (1970-présent) Automatique traduire

Nous énumérons ci-dessous les principales écoles et les principaux styles d’«art actuel» qui ont vu le jour depuis la fin des années 1960. L’art actuel «» ayant supplanté l’art nouveau «», il est également appelé art postmoderne . Notons toutefois que le passage du modernisme au postmodernisme a été progressif et s’est produit au cours de la décennie des années 1960 . Les deux styles ont donc coexisté pendant cette période.

Par ailleurs, notons que l’une des différences les plus importantes entre l’art moderne et l’art postmoderne concerne la minimisation de l’importance «du produit fini». Le but de presque tous les modernistes, par exemple, était de créer une œuvre d’art durable et unique, telle qu’une peinture, une sculpture, un dessin ou un autre type d’objet. En revanche, les artistes postmodernes s’intéressent moins à ce type de produit qu’aux idées qui le sous-tendent. Cela contribue à expliquer l’essor de nouvelles formes d’art - telles que les installations (y compris les installations sonores et vidéo), le conceptualisme (une vaste catégorie d’art «des idées»), les Happenings (un type d’art de la performance), les installations vidéo, la projection de mapping et les open earthworks (constructions environnementales) - dans lesquelles il n’y a pas de produit fini dont on puisse parler, ou bien il est transitoire et fixé uniquement en tant qu’événement «». Il convient de noter qu’au cours des 20 dernières années , le prix Turner pour l’art actuel a été décerné à 2 peintres, 0 sculpteur et 10 installateurs.

MOUVEMENTS ARTISTIQUES ACTUELS

Pop art (depuis les années 1960)

Le pop art était à la fois moderniste et actuel. Au début, il représentait une réalité plus moderne, en utilisant des images de stars de cinéma et d’autres célébrités, ainsi que des produits de consommation de masse. Mais il a rapidement été éclipsé par l’accent mis par le postmodernisme sur le spectacle et le style. Voir par exemple notre bref guide sur le Pop Art d’Andy Warhol dans les années soixante.

Word art et word painting (à partir des années 1960)

Le Word Art était une forme entièrement nouvelle de peinture ou de sculpture qui utilisait des images textuelles. Il est associé à des artistes tels que Robert Indiana (né en 1928), Jasper Johns (né en 1930), On Kawara (1932-2014), Barbara Kruger (née en 1945) et Christopher Wool (né en 1955).

Conceptualisme (à partir des années 1960)

L’art conceptuel est un mouvement artistique postmoderniste fondé sur le principe que l’art est un «concept», et non un objet matériel. En d’autres termes, l’idée «» qu’une œuvre représente est considérée comme sa composante principale, et le produit «fini», s’il existe, est considéré avant tout comme une forme de documentation plutôt que comme un artefact.

Les origines du conceptualisme remontent à Dada et à l’artiste d’avant-garde du début du 20e siècle Marcel Duchamp, mais ce n’est que dans les années 1960 qu’il est devenu un mouvement reconnaissable et qu’il a acquis un nom. L’art conceptuel a la capacité de communiquer des idées de manière très puissante, il a donc servi de support populaire pour des commentaires sociopolitiques. En outre, en minimisant le besoin de compétences en matière de peinture ou de sculpture, ou même d’artisanat en général, il conserve une orientation subversive, remettant en question toute la tradition de l’œuvre d’art en tant qu’objet unique et précieux.

Certains experts soulignent que l’ère postmoderne exige plus que l’expérience passive «de l’observation» d’une œuvre d’art, et que le conceptualisme offre une expérience plus interactive. La question de savoir si cette valeur ajoutée en termes de divertissement contribue à qualifier «une idée» d’œuvre d’art est plutôt discutable. Pour l’œuvre de l’un des premiers artistes conceptuels européens, voir aussi : L’art postmoderne d’Yves Klein (1956-62).

Une illustration de ce point est la grande collection de chaussures du musée de l’Holocauste à Washington, DC, qui ont appartenu à des victimes des camps de concentration nazis. D’aucuns ont suggéré que cette collection présentait les caractéristiques d’une œuvre d’art conceptuelle, car le fait de passer devant l’énorme pile de chaussures nous aide à comprendre l’horrible réalité des chambres à gaz. C’est vrai, mais franchement, cela ne fait pas des chaussures une œuvre d’art ou une quelconque déclaration artistique. (Comparez L’art de l’Holocauste 1933-45). Il s’agit d’une déclaration politique ou historique. La difficulté pour le conceptualisme est donc de montrer comment il peut être qualifié d’ art, par opposition au divertissement, au théâtre ou au commentaire politique.

Les représentants importants du conceptualisme sont Sol LeWitt, Joseph Beuys, Felix Gonzalez-Torres, Eva Hesse, Jenny Holzer, Joseph Kosuth, Barbara Kruger, Jean Tinguely et Lawrence Weiner. Parmi les autres artistes associés au mouvement, citons Mel Bochner, Hanne Darboven, Agnes Denes, Jan Dibbets, Hans Haacke, On Kawara et Les Levine.

Performance (à partir des années 1960)

Apparue en Amérique et en Europe au début des années 1960, la performance est une forme d’art expérimental inspirée de l’art conceptuel ainsi que de Dada, du futurisme, du Bauhaus et (en Amérique) du Black Mountain College. L’art de la performance doit généralement se caractériser par sa nature «vivante» - le fait que l’artiste communique directement avec le public - et son impact, qu’il soit drôle ou choquant, doit être mémorable. Un bon exemple est la série de machines autodestructrices - probablement les exemples les plus célèbres d’art cinétique - créées par l’artiste suisse Jean Tinguely (1925-1991). Malgré cela, il est difficile d’établir une distinction précise entre le théâtre innovant et l’art de la performance. En outre, son insistance à être étiqueté «art» - un événement traditionnellement bourgeois - est maladroitement juxtaposée à son éthique anti-establishment.

La performance comprend aujourd’hui des événements et des «Happenings» organisés par des artistes visuels, des poètes, des musiciens, des cinéastes, des vidéastes, etc. La fin des années 1960 et les années 1970 ont également vu l’émergence du «body art», un type d’art de la performance dans lequel la chair de l’artiste devient une toile et est ensuite «exécutée» d’une manière plutôt choquante et digne des médias (voir ci-dessous pour plus de détails).

Dans les années 1980, l’art de la performance s’est de plus en plus appuyé sur la technologie (vidéo, ordinateurs) pour communiquer son «message artistique». Les artistes contemporains associés au genre comprennent l’innovateur Allan Kaprow (1927-2006), Yves Klein (1928-1962), Gilbert et George (né en 1943, 1942) et l’extraordinaire

. 1943, 1942) et l’extraordinaire Joseph Beuys (1921-1986), qui a créé une performance révolutionnaire «How to Explain Paintings to a Dead Hare» (1965). Un autre artiste novateur est l’Américain d’origine coréenne Nam June Paik (1932-2006), qui a commencé par des performances, puis a travaillé avec la télévision et la vidéo, et enfin avec des installations.

Mouvement Fluxus (années 1960)

Fluxus est un groupe d’artistes d’avant-garde (son nom signifie en latin «fluide») dirigé par le théoricien de l’art d’origine lituanienne George Maciunas (1931-1978), qui émerge d’abord en Allemagne, puis s’étend à d’autres capitales européennes, et enfin à New York, qui devient le centre de ses activités. Ses objectifs déclarés - un mélange confus de formes d’art «révolutionnaires» et «anti-artistiques» - poursuivent la tradition Dada, en se concentrant sur les Happenings (connus en Allemagne sous le nom d’Aktions) et diverses formes d’art de la rue.

Parmi les principaux membres du groupe figuraient l’artiste conceptuel allemand Joseph Beuys, la conceptuelle d’origine japonaise Yoko Ono et l’artiste allemand de la performance et de la vidéo Wolf Wostell (né en 1932). L’objectif ultime de Maciunas était de se débarrasser de tous les arts visuels au motif qu’ils constituaient un gaspillage de ressources et n’étaient rien d’autre qu’une complaisance bourgeoise. Les artistes Fluxus ont collaboré en mélangeant différents médias (visuels, littéraires, musicaux) dans une série d’événements «», y compris des installations, des Happenings, des photographies et des films. Des festivals d’art contemporain Fluxus ont été organisés dans les années 1960 à Amsterdam, Copenhague, Düsseldorf, Londres, Paris et New York. Voir aussi Actionnisme viennois, sous Art corporel, ci-dessous.

Installation (à partir des années 1960)

L’installation est une nouvelle forme d’art qui s’est imposée aux États-Unis dans les années 1960, bien que l’idée remonte aux expositions surréalistes de Marcel Duchamp et d’autres, où les œuvres d’art étaient disposées de manière à créer un environnement complexe et fascinant. L’artiste et designer russe El Lissitzky a été un autre pionnier, dont la «Proun Room» de 1923 à la gare de Berlin était un premier type d’installation, tout comme les Merzbilder dessins de Kurt Schwitters (1887-1948) remplis de pièces.

Parmi les autres exemples ultérieurs, citons «Spatial Environments» de Lucio Fontana dans les années 1950 et l’exposition «Le Vide» d’Yves Klein en 1958, qui mettait en scène une salle d’exposition vide. Dans les années 1960 également , le Groupe Recherche d’Art Visuel a créé les premières installations sous la forme d’environnements lumineux cinétiques. Une installation occupe généralement un espace entier, comme une salle ou une grande surface, et se compose de plusieurs éléments différents.

Dans les années 1960, le sculpteur américain Ed Kienholz a utilisé des voitures et du mobilier institutionnel pour présenter une installation traitant de la mort et de questions sociales. Son confrère George Segal a utilisé des personnages en plâtre grandeur nature représentés dans des contextes quotidiens (par exemple, l’attente d’une rame de métro) pour commenter la banalité. Parmi les autres artistes ayant récemment réalisé des installations, citons Rebecca Horn, Bruce Nauman, Christian Boltanski, Richard Wilson et Tracey Emin. Voir également les installations LED - une forme d’art cinétique - de Tatsuo Miyajima (né en 1957).

Installations vidéo (à partir des années 1960)

Dans les années 1960, les artistes ont commencé à utiliser la vidéo pour tenter de redéfinir l’art. Un certain nombre d’artistes vidéo, par exemple, ont remis en question les notions préconçues de l’art en tant qu’art savant, coûteux et apprécié uniquement par l’élite de la société. D’autres ont utilisé la vidéo pour renverser la notion d’art en tant que marchandise - un produit fini unique «» - en faisant de leur art vidéo «une expérience» (plutôt que quelque chose qui leur est propre), ou un outil de changement, un vecteur d’idées.

La vidéo permet également à l’artiste de montrer le processus même de la création artistique. Généralement, les installations vidéo combinent la vidéo avec une bande sonore et/ou de la musique, et peuvent également incorporer d’autres dispositifs interactifs, utilisant pleinement l’environnement pour stimuler le public. Parmi les pionniers de l’installation vidéo, citons Nam June Pike (1932-2006), dont les installations des années 1960 incorporaient généralement plusieurs moniteurs de télévision dans des compositions sculpturales, ainsi qu’Andy Warhol (1928-1987), Peter Campus (né en 1937), Wolf Vostell (né en 1932), Bill Viola (né en 1951), Gary Hill et Tony Oursler. Au Royaume-Uni, les artistes vidéo comprennent : Laure Pruvost, Elizabeth Price, Jeremy Deller, Steve McQueen, Gillian Waring, Douglas Gordon, Sam Taylor-Wood, David Hall et Tony Sinden, entre autres.

Apparu en Amérique dans la seconde moitié des années 1960, le minimalisme, est une forme raffinée de l’art abstrait, qui a remplacé l’abstraction post-peinture (une forme d’expressionnisme abstrait tardif ) et est devenu un style influent dans le monde entier en sculpture, en peinture et en architecture. Dans les arts visuels, le minimalisme se caractérise par l’extrême simplicité des formes et l’absence délibérée de contenu expressif. Les objets sont présentés dans leur forme géométrique élémentaire, totalement dépourvue d’émotion. Les œuvres minimalistes (sculpture et peinture) sont souvent constituées d’éléments nus et homogènes formant une sorte de grille ou de motif. La régularité est presque nécessaire pour minimiser toute lueur d’expressionnisme .

Le minimalisme est la dernière étape du développement logique de l’expressionnisme abstrait, dont le style est passé du gestuel (action-painting) au travail planaire ) colour-field painting), aux plans et motifs géométriques clairement définis (hard edge painting) et à l’art minimal. Sur cette voie, il s’est progressivement débarrassé de tout sentiment et de toute émotion jusqu’à atteindre la forme stricte et impersonnelle de ce qu’on appelle la pureté ou la vérité artistique. Tout ce qui reste, c’est l’idée intellectuelle de l’œuvre : pas d’émotion. C’est pourquoi le minimalisme est proche du conceptualisme : tous deux s’intéressent à l’idée ou au concept de base de l’œuvre créée.

Les sculpteurs minimalistes importants sont Carl Andre (né en 1935), Don Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (né en 1931), Richard Serra (né en 1939), et Tony Smith (1912-1980). Les artistes minimalistes comprennent Agnes Martin (1912-2004), Ad Reinhardt (1913-1967), Ellsworth Kelly (né en 1923), Kenneth Noland (né en 1924), Robert Ryman (né en 1930) et Frank Stella (né en 1936).

Art photoréaliste (hyperréalisme) (années 1960, 1970)

Le photoréalisme est un style de peinture apparu à la fin des années 1960 dans lequel les objets (personnes ou scènes urbaines) sont peints d’une manière très détaillée rappelant les photographies. La plupart des artistes qui le pratiquent travaillent directement à partir de photographies ou d’images numériques, et les sujets sont plutôt banals et sans grand intérêt.

L’accent est plutôt mis sur la précision et les détails obtenus par l’artiste et sur l’effet qu’ils produisent sur le spectateur. Le réalisme photographique a été largement inspiré par le Pop Art - les sujets banals sont caractéristiques des deux, et certains artistes (par exemple Malcolm Morley et Mel Ramos) ont utilisé les deux styles. Cependant, le photoréalisme n’a pas l’humour décalé ou ironique du Pop Art, et peut même être légèrement dérangeant.

De plus, paradoxalement, ses détails microscopiques et aveugles peuvent créer un effet d’irréalité». Parmi les principaux représentants du mouvement hyperréaliste, on peut citer Richard Estes, spécialisé dans les scènes de rue aux reflets complexes dans le verre, et Chuck Close, spécialisé dans les représentations monumentales de visages inexpressifs. Parmi les autres artistes hyperréalistes figurent Robert Bechtle, Audrey Flack, Ralph Goings et John Doherty . Les sculpteurs hyperréalistes comprennent Duane Hanson (1925-1996), John de Andrea (né en 1941), Carol Feuerman (née en 1945), Ron Mueck et Robert Gober.

Earthworks (art environnemental) (années 1960, 1970)

Le land art, apparu principalement aux États-Unis dans les années 1960, utilise ou interagit avec le paysage pour créer des formes d’art ou des «événements». Sous différentes appellations, il reprend généralement des formes naturelles ou les enrichit de matériaux artificiels. Les pionniers de cette forme d’art sont Robert Smithson, Richard Long et Andy Goldsworthy, et les interventionnistes Christo et Jeanne-Claude .

Il convient de noter que le land art diffère considérablement des monuments construits par l’homme, tels que Stonehenge. Ce dernier a été érigé pour sa signification cérémonielle ou religieuse et n’est pas considéré comme un élément du paysage. Même les célèbres portraits présidentiels du Mont Rushmore, bien qu’étant des œuvres d’art, ne peuvent être considérés comme du land art car ils ne concernent pas la terre mais les images qui y sont faites. Pour des styles similaires, voir Mouvements artistiques, périodes, écoles (à partir d’environ 100 avant notre ère).

La photographie moderne (depuis les années 1960)

Jusqu’au début des années 1960 , la photographie était conditionnée par le pictorialisme et la photographie de portrait. Depuis lors, la photographie documentaire, la photographie de mode de plus en plus sophistiquée et le genre croissant de la photographie de rue ont été les principales forces motrices. Les portraits de célébrités contemporaines sont également populaires. Parmi les photographes photojournalistes contemporains figurent Don McCullin (né en 1935) et Steve McCurry (né en 1950) ; et parmi les photographes de mode de premier plan figurent Helmut Newton (1920-2004), David Bailey (né en 1938), Nick Knight (né en 1958), et David LaChapelle (né en 1963). La photographie de rue est illustrée par Garry Winogrand (1928-1984) et Nan Goldin (née en 1953), et le portrait postmoderne par Diane Arbus (1923-1971) et Annie Leibovitz (née en 1949).

Arte Povera (1966-71)

Appelé «art pauvre» par le critique italien Germano Celant (qui a également écrit un livre influent intitulé «Arte Povera : Conceptual, Actual or Impossible Art»), Arte Povera était un style d’art anti-commercial qui s’intéressait principalement aux qualités physiques des matériaux utilisés. Ces derniers étaient généralement constitués de choses ordinaires ou sans valeur telles que des chutes de journaux, de vieux vêtements, de la terre, des fragments de métal et ainsi de suite, bien qu’en pratique des matériaux assez sophistiqués et coûteux aient parfois été utilisés.

L’Arte Povera a été initié par un groupe d’artistes d’avant-garde en Italie qui comprenait Piero Manzoni (1933-1963), Mario Merz (1925-2003), Michelangelo Pistoletto (né en 1933), Pino Pascali (1935-1968), Yannis Kounellis (né en 1936), Luciano Fabro (né en 1936), Gilberto Zorio (né en 1944) et Giuseppe Penone (né en 1947). Le marchand d’art et promoteur turinois Enzo Sperone a également joué un rôle important.

Supports-Surfaces (c.1966-72)

Supports-Surfaces est un groupe conceptuel de jeunes artistes français de gauche qui ont exposé ensemble de 1966 à 1972 environ. (Le titre a été choisi tardivement pour leur exposition «Animation, Recherche, Controntation» au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris).

Le groupe comprend André-Pierre Aarnal, Vincent Bioulès, Louis Kahn, Marc Devade, Daniel Deleuze, Noëlle Dolla, Tony Grand, Bernard Pagès, Jean-Pierre Pinsman, Patrick Saytour, André Valenci et Claude Viallat. Le groupe cherche à dépouiller l’art de ses qualités symboliques et romantiques, à le libérer de la tyrannie du goût, de la banalité de l’expressionnisme, de la sentimentalité du surréalisme tardif et de la pureté du concret artistique, comme il le dit, et déconstruit ainsi l’acte de peindre jusqu’à ses propriétés physiques de base - la toile et les châssis (cadres).

Connu pour ses expositions itinérantes en plein air, le groupe a utilisé une variété de matériaux inhabituels tels que des pierres, de la toile cirée, du carton et de la corde dans ses œuvres, et les œuvres elles-mêmes étaient souvent pliées, froissées, brûlées ou peintes et exposées sur le sol ou suspendues sans cadre. Ils ont publié de nombreux traités explicatifs et des affiches pour tenter d’expliquer leurs actions, et ont régulièrement publié une revue «Peinture/Cahiers Theoretiques». D’une manière générale, leur travail peut être interprété comme une variante du conceptualisme.

Réalisme contemporain

Terme utilisé au sens étroit pour désigner un style de peinture américain apparu à la fin des années 1960 et au début des années 1970 dans l’œuvre d’un certain nombre d’artistes tels que Philip Pearlstein, Neil Welliver et William Bailey. Il se caractérise par des œuvres figuratives exécutées dans un style brut et objectif, sans les distorsions de l’interprétation cubiste ou expressionniste. Les réalistes modernes ont délibérément abandonné l’art abstrait, préférant dépeindre des sujets terre-à-terre d’une manière directement naturaliste.

Plus largement, le terme «réalisme moderne» englobe tous les peintres et sculpteurs postérieurs à 1970 qui se concentrent sur les beaux-arts, où l’objectif est de représenter le «réel» plutôt que l’idéal. Sont donc exclues de ce genre les peintures de genre ou les œuvres figuratives dont les sujets sont représentés (par exemple) sous un jour romantique ou nostalgique. Il n’existe pas d’école générale de réalisme moderne en tant que telle, et de nombreux artistes, y compris des abstractionnistes, ont expérimenté cette approche plus traditionnelle. Le représentant le plus intéressant du réalisme moderne est peut-être le maître de la peinture figurative Lucian Freud (1922-2011), dont les études puissantes du corps humain parviennent à transmettre à la fois la rudesse et l’amour. Pour les styles antérieurs de peinture réaliste, voir Mouvement de l’art moderne (1870-1970).

Post-minimalisme (à partir de 1971)

Terme utilisé pour la première fois par le critique d’art américain Robert Pincus-Witten lorsqu’il qualifie les œuvres d’Eva Hesse «de post-minimalisme» dans le magazine Artforum en 1971. Hesse, ainsi que d’autres artistes, a réagi contre le formalisme rigide et impersonnel de l’art minimal en se concentrant sur les processus physiques et créatifs. Ce nouveau style, connu sous le nom de « Process Art», était très éphémère et utilisait des matériaux instables qui se condensaient, s’évaporaient ou s’effondraient sans aucun contrôle de la part de l’artiste. Cette tendance s’est imposée à la suite de deux expositions organisées en 1969 : «When Attitude Becomes Form» à la Kunsthalle de Berne et «Procedures/Materials» au Whitney Museum of American Art de New York. Parmi les artistes post-minimalistes les plus en vue, à l’instar de Hesse, figurent le sculpteur américain Richard Serra et l’artiste conceptuel d’origine allemande Hans Haacke.

Plus largement, cependant, le post-minimalisme (comme le post-impressionnisme) englobe un certain nombre de styles et de types de peinture, de sculpture et d’autres formes d’art contemporain qui ont remplacé le minimalisme à la fin des années 1960 et dans les années 1970, et qui l’utilisent comme point de départ esthétique ou conceptuel à partir duquel ils se développent. En d’autres termes, lorsque les artistes minimalistes ont commencé à adopter une approche plus conceptuelle de leur art et à se concentrer sur la communication d’une vérité unique, ils ont progressivement évolué vers le post-minimalisme.

De nombreux artistes conceptuels sont souvent qualifiés de post-minimalistes. Si cela vous semble trop compliqué, ne vous inquiétez pas : nous nous trouvons à présent dans un territoire théorique sérieux impliquant des questions épistémologiques et ontologiques qui nécessitent un master pour être comprises. Il suffit de dire que le postminimalisme (par opposition au postmodernisme) déplace le centre d’intérêt de l’art de la forme à l’image. La manière dont quelque chose est fait et communiqué devient aussi importante que ce qui est créé.

Art féministe (à partir du milieu et de la fin des années 1960)

L’art féministe - art créé par des femmes pour traiter de questions féminines - est apparu à la fin des années 1960 et a exploré ce que cela signifiait d’être une femme et une artiste dans un monde dominé par les hommes. Il est apparu d’abord en Amérique et au Royaume-Uni, où divers groupes artistiques féministes ont été inspirés par le mouvement de libération des femmes, puis s’est répandu en Europe.

Par rapport aux sujets élitistes, formels et impersonnels traités par les artistes masculins de l’avant-garde, les œuvres des femmes artistes offraient de l’émotion et une expérience de la vie réelle. Les artistes féministes britanniques et américaines ont utilisé des formes symboliques intrinsèquement féminines, élevant le statut des matériaux et des pratiques dites «féminines». Elles ont abordé des questions fondamentales liées au genre, telles que l’accouchement, la maternité et la séduction forcée, ainsi que des questions plus larges telles que le racisme et les conditions de travail.

Un style particulier d’art féminin, le mouvement «Pattern and Decoration», est apparu en Californie dans les années 1970 et était principalement composé de femmes artistes. Elles ont répondu à l’austérité du minimalisme en juxtaposant des motifs identiques ou similaires et en créant d’intenses fusions de couleurs et de textures à l’aide de techniques artisanales traditionnelles telles que le tissage, le découpage de papier et le patchwork. Leur magnifique utilisation de la couleur a été inspirée par le mouvement fauve français des années 1900 à Paris, tandis que les motifs géométriques et floraux ont été tirés de l’art islamique, extrême-oriental, celtique et persan.

Parmi les artistes féministes notables figurent les Américaines Nancy Spero (1926-2009), Eleanor Entine (née en 1935), Joan Jonas (née en 1936), Judy Chicago (née en 1939). Mary Kelly (née en 1941), Barbara Kruger (née en 1945) et Miriam Shapiro (1923-2015), l’artiste suédoise Monica Sue, l’artiste anglaise Margaret Harrison (née en 1940), et bien d’autres. Dans le domaine des arts plastiques, l’une des grandes sculptrices féministes a été Louise Bourgeois (1911-2010).

Nouvelle subjectivité (années 1970)

«Nouvelle subjectivité «est le titre de l’exposition internationale organisée en 1976 au Musée national d’art moderne du Centre Pompidou à Paris par le conservateur et historien d’art français Jean Clair. L’exposition présentait des œuvres d’artistes contemporains américains, britanniques et européens qui rejetaient l’abstraction et le conceptualisme qui dominaient l’art moderne en faveur d’un retour à la représentation de la réalité des choses, mais d’une manière contemporaine. Dans leurs peintures, ils recherchent une observation attentive du monde réel.

Les représentants de la nouvelle subjectivité utilisent tous les formats de toiles, du monumental au petit, et travaillent à l’acrylique, à l’huile, à l’aquarelle ainsi qu’aux crayons de couleur et aux pastels. Revenant à la figuration et à la représentation de la nature, ils ont représenté des vues de jardins, de champs, de bassins, des portraits et des natures mortes. Ils étaient généralement d’habiles dessinateurs et des artistes de formation académique et construisaient leurs peintures selon les règles traditionnelles de la Renaissance de la perspective linéaire et aérienne.

Parmi les artistes notables associés au nouveau subjectivisme, citons l’artiste anglais David Hockney, l’artiste américain (qui a travaillé en Angleterre) R. B. Kitaj, l’artiste suisse Samuel Bury, et les artistes français Olivier Olivier, Christian Zeimert, Michel Parré et Sam Safran.

École de Londres

Terme utilisé par l’artiste américain R. B. Kitai dans le catalogue d’une exposition qu’il a organisée à la Hayward Gallery de Londres en 1976, alors que le minimalisme et le conceptualisme étaient en vogue. L’exposition, intitulée «Human Clay», était exclusivement consacrée à des œuvres figuratives de dessin et de peinture. Dans la brochure, R. B. Kitaj a inventé l’expression « London School» pour désigner les artistes individuels dont les œuvres étaient présentées dans l’exposition. Depuis lors, l’expression «École de Londres» a été utilisée pour désigner un groupe d’artistes associés à la ville à l’époque, qui ont continué à pratiquer des formes d’œuvres figuratives face à l’establishment de l’avant-garde.

Parmi les principaux artistes de cette école de Londres figurent Michael Andrews, Francis Bacon, Lucian Freud, David Hockney (bien qu’il vive actuellement en Amérique), Howard Hodgkin, Frank Auerbach et Leon Kossoff. À la fin des années 1970, alors que l’art minimal et conceptuel commençait à décliner, une nouvelle génération de peintres et de sculpteurs figuratifs est apparue avec un intérêt renouvelé pour le travail de cette école. (Pour un bref guide des artistes britanniques contemporains, voir : Peinture britannique contemporaine .)

Art du graffiti (depuis les années 1970)

Également appelé «street art», «can art», et «spray art», graffiti art est un style de peinture associé au hip hop, un mouvement culturel apparu dans plusieurs villes américaines, notamment dans le métro de New York, dans les années 1970 et 1980. Les B-boys, première génération du hip-hop, ont exprimé les frustrations des minorités urbaines en tentant de créer leur propre forme d’art, non commercial, ne cherchant pas à plaire au grand public.

Ils utilisent des pochoirs, des feutres, des bombes aérosols, et peignent avec des peintures industrielles et des acryliques sur tous types de supports : pierre, plâtre, métal, bois, plastique. Leurs toiles «» sont les rames de métro, les murs des zones urbaines et des friches industrielles, les métros, les toits et les panneaux d’affichage. Dans les années 1970, l’art du graffiti s’est répandu en Europe et au Japon et a fini par passer de la rue à la galerie. (Voir la biographie de Banksy, le plus célèbre artiste britannique du pochoir graffiti). Le cœur du mouvement, cependant, était New York.

À New York, l’un des premiers pionniers, connu sous le nom de TAKI 183, était un jeune homme de Washington Heights. Les premières femmes graffeurs sont Barbara 62 et Eva 62. À partir de 1971, les artistes ont commencé à utiliser des styles calligraphiques caractéristiques pour distinguer leur travail, et ont commencé à infiltrer les dépôts de trains souterrains pour appliquer leurs marques sur les côtés des trains - un processus appelé « bombing» - avec un maximum d’effet. Le train devient alors leur «galerie», exposant leurs œuvres dans toute la ville. La taille et l’échelle des marques ont également augmenté, ce qui a conduit en 1972 à la création de ce que l’on appelle les chefs-d’œuvre «» ou les pièces «» par l’artiste graffeur connu sous le nom de Super Kool 223.

L’inclusion de motifs tels que les pois, les damiers et les croix de tic-tac-toe s’est développée, et l’on a bientôt vu des « œuvres de haut en bas» occupant toute la hauteur d’un wagon de métro, ainsi que des paysages et des personnages de dessins animés. Peu à peu, le monde de l’art commence à s’en préoccuper.

L’United Graffiti Artists (UGA), groupe fondé en 1972 par Hugo Martinez, s’est élargi à de nombreux artistes graffiti de premier plan, dans le but d’exposer leurs œuvres dans des lieux officiels tels que la Razor Gallery. Au milieu des années 1970, la plupart des normes créatives du graffiti avaient déjà été fixées et le genre commençait à stagner. En outre, la New York City Transit Authority a lancé une double campagne visant à protéger les dépôts et à effacer définitivement les graffitis. En conséquence, les tagueurs ont quitté les métros pour se rendre dans les rues, où leur art statique a naturellement reçu beaucoup moins d’attention.

À la fin des années 1980 et dans les années 1990, de plus en plus d’artistes ont commencé à exposer leurs œuvres dans des galeries et à louer des ateliers d’art. Cette pratique avait déjà commencé quelques années auparavant avec des graffeurs tels que Jean-Michel Basquiat - aujourd’hui l’un des artistes contemporains les plus importants au monde - qui a abandonné son style SAMO (Same Old Shit) pour se tourner vers les possibilités du grand public.

Parmi les autres graffeurs célèbres, citons Keith Haring (1958-1990), Banksy (né en 1973-4) et David Wojnarowicz (1954-1992). Le graffiti est une forme d’un mouvement plus large «le street art», un style d’art outsider créé en dehors des lieux d’art traditionnels. Il comprend le graffiti au pochoir, l’art de l’affiche ou de l’autocollant, le pop art et les installations de rue, y compris les dernières projections vidéo, le thread bombing et les sculptures Lock-On. Le street art est parfois appelé «art urbain», «art de guérilla», «post-graffiti», ou «néo-graffiti».

Pour une liste des 30 meilleures expositions, biennales et foires d’art postmoderne, voir : Meilleurs festivals d’art contemporain .

Néo-expressionnisme (à partir de la fin des années 1970)

L’un des nombreux styles du postmodernisme, le néo-expressionnisme est un vaste mouvement de peinture apparu vers 1980 en réponse à la stagnation du minimalisme et de l’art conceptuel, dont l’intellectualisme et la pureté autoproclamée «avaient dominé les années 1970, mais commençaient à énerver de nombreux artistes. Les néo-expressionnistes ont défendu la pratique très démodée des beaux-arts (condamnée par les postmodernistes comme «morte») et ont défendu tout ce que les modernistes avaient tenté de discréditer : figuration, émotion, symbolisme et narration. Ils utilisent des couleurs sensuelles et incorporent des thèmes associés à de nombreux styles et mouvements historiques tels que la Renaissance, le maniérisme, le cubisme, le fauvisme, le surréalisme, l’expressionnisme abstrait et le pop art. Il n’est pas surprenant qu’en Allemagne, le néo-expressionnisme ait été fortement influencé par des groupes expressionnistes allemands antérieurs tels que Der Blaue Reiter et Die Brucke .

Le mouvement englobe la nouvelle peinture en Allemagne d’artistes tels que Georg Baselitz (né en 1938), Jörg Immendorf, Anselm Kiefer, AR Penck, Sigmar Polke et Gerhard Richter, ainsi que le travail des « Réalistes laids», tels que Markus Lüpertz. Il englobe également le groupe Neue Wilden («New Wilden», une référence au style fauviste des années 1900 ou «Wild Beasts»), dont fait partie Rainer Vetting. Après les expositions internationales «New Spirit in Painting» (Royal Academy London, 1981) et «Zeitgeist» (Berlin, 1982), le terme néo-expressionnisme a commencé à être appliqué à d’autres groupes, comme Figuration Libre en France, Transavanguardia en Italie, « New Image Painters» et les soi-disant « Bad Painters».

En Amérique, ce style, malgré sa popularité, n’a pas produit d’œuvres du même calibre, à l’exception d’artistes tels que Philip Guston (1913-1980), Julian Schnabel, David Salle et d’autres. Au Royaume-Uni, les nus rubensiens de Jenny Saville, qui remettent en question les conventions relatives à la taille et à la forme du corps humain, sont des exemples de ce style. L’émergence de ce mouvement a conduit à la réhabilitation de plusieurs artistes travaillant dans une veine similaire.

Il s’agit notamment des Américains Louise Bourgeois, Leon Golub et Cy Twombly, ainsi que de l’artiste britannique Lucian Freud, dont les œuvres ont toutes été qualifiées de néo-expressionnistes. Le terme a également été appliqué à la sculpture. Les œuvres de sculpteurs tels que l’Américain Charles Simonds, les artistes britanniques Anish Kapoor et Rachel Whiteread, la Tchèque Magdalena Zetelova, l’Allemande Iza Genzken et la Polonaise Magdalena Abakanowicz présentent des caractéristiques de l’expressionnisme. En architecture, le terme «expressionniste» s’applique à des bâtiments tels que l’Opéra de Sydney et le Musée Guggenheim de Bilbao. Pour plus d’informations, voir Histoire de la peinture expressionniste (1880-1930) et Mouvement expressionniste (à partir des années 1880).

Transavanguardia (Transavantgarde) (à partir de 1979)

Le critique d’art italien Achille Bonito Oliva a utilisé le terme «Transavanguardia» (au-delà de l’avant-garde) dans la revue Flash Art en octobre 1979, en référence au néo-expressionnisme international. Mais depuis lors, il n’a été utilisé que pour décrire l’œuvre d’artistes italiens travaillant dans ce style dans les années 1980 et 1990. Il s’agit notamment de Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi et Mimmo Paladino.

Les artistes de la Transavantgarde utilisent un style de peinture libre et figuratif, avec des références nostalgiques à la Renaissance et à son iconographie. Ils ont peint des œuvres à l’huile de grande taille, y compris des portraits réalistes et imaginaires, des peintures historiques religieuses et allégoriques, et se sont inspirés du Symbolisme, ainsi que de la palette de couleurs du Fauvisme . Chia a intégré le maniérisme italien, le cubisme, le futurisme et le fauvisme dans ses œuvres religieuses narratives ; Paladino a créé de grandes peintures mythologiques avec des motifs géométriques et figuratifs ; Cucchi a créé des scènes romantiques de géants et de montagnes inspirées du surréalisme, et a intégré l’utilisation d’objets supplémentaires en métal ou en argile dans ses peintures ; Clemente s’est distingué par ses autoportraits et ses œuvres figuratives intimes. Leur inclusion dans des expositions majeures à la Kuntshalle de Bâle et à la Biennale de Venise en 1980, et à la Royal Academy de Londres en 1981, a conduit à des expositions individuelles en Europe et en Amérique, ainsi qu’à une augmentation rapide de l’importance de l’école.

Britart : Jeunes artistes britanniques (années 1980)

Les Young British Artists (YBA) sont apparus sur la scène dans les années 1980 et ont été officiellement reconnus lors de l’exposition de 1997 « Sensation». En grande partie en raison des styles du début du 20e siècle tels que Dada et le surréalisme, leur travail est souvent qualifié de «britart». Le groupe était composé de plusieurs peintres, sculpteurs, artistes conceptuels et installateurs travaillant au Royaume-Uni, dont beaucoup avaient étudié au Goldsmiths College de Londres. Ses membres ont fait l’objet d’une couverture médiatique considérable pour leur travail flagrant et ont dominé l’art britannique dans les années 1990. Parmi les membres notables, on peut citer Damien Hirst (connu pour son œuvre «The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living» , représentant un requin-tigre mort mariné dans du formaldéhyde, et plus récemment pour son crâne serti de diamants For the Love of God), et Tracey Emin (remarquée pour My Bed, un lit double échevelé contenant des objets très personnels).

De nombreux YBA n’auraient peut-être jamais réussi sans le mécénat et la promotion de leur travail par le collectionneur d’art contemporain Charles Saatchi, qui a rencontré Damien Hirst pour la première fois lors de l’exposition étudiante «Freeze» au Goldsmiths College en 1988, où 16 YBA étaient exposés. Saatchi a acheté un grand nombre des œuvres exposées. Deux ans plus tard, Hirst a organisé deux expositions YBA plus influentes, «Modern Medicine» et «Player». Saatchi visite les deux expositions et achète d’autres œuvres.

En 1992, Saatchi n’était pas seulement le principal mécène de Hirst, mais aussi le plus grand sponsor des autres Young British Artists - un deuxième groupe avait émergé, comprenant des expositions telles que «New Contemporaries», «New British Summertime» et «Minky Manky», ainsi que des artistes tels que Tracey Emin. Entre-temps, la récession économique au Royaume-Uni s’est aggravée, entraînant l’effondrement du marché de l’art contemporain à Londres. En réaction, Saatchi organise une série d’expositions dans sa galerie Saatchi Gallery, sous le titre «Young British Art», d’où le mouvement tire rétrospectivement son identité. La première a présenté des œuvres de Sarah Lucas, Mark Wallinger, Rachel Whiteread et, bien sûr, Damien Hirst, dont le requin mort est rapidement devenu un symbole emblématique de la Grande-Bretagne dans le monde entier.

En 1993, la jeune artiste britannique Rachel Whiteread a remporté le prix Turner, suivie par Damien Hirst en 1995. En 1997, «Young British Artists» est devenu un courant dominant lorsque la Royal Academy of London, en association avec Saatchi, a organisé «Sensation», l’exposition définitive de l’art YBA, au milieu d’une controverse non négligeable. L’exposition a ensuite été présentée au Brooklyn Museum of Art de New York. En 1999, «My Bed» de Tracey Emin a été nominée pour le Turner Prize, et en 2000, l’exposition de YBA a été incluse dans la nouvelle Tate Modern, ce qui a confirmé la réputation établie du groupe.

Voir aussi : artistes irlandais contemporains et artistes irlandais du 20e siècle .

Parmi les YBA notables, on peut citer : James Rielly (portraits), Keith Coventry (peintre abstrait), Simon Callery (vues urbaines), Martin Maloney (peintre expressionniste), Gary Hume (minimaliste), Richard Patterson (super-abstrait), Fiona Rae (abstraction, pop art), Marcus Harvey (œuvres figuratives expressionnistes), Ian Davenport (abstraction géométrique), Glenn Brown (sculpteur et peinture expressionniste) et Jenny Saville (corps féminins expressionnistes), dont certains sont lauréats du prix Turner (1984-2014).

Design déconstructiviste (1985-2010)

Le déconstructivisme est une forme «anti-géométrique» d’architecture du XXe siècle apparue à la fin des années 1980 en Californie et en Europe. En grande partie due à un logiciel informatique développé par l’industrie aérospatiale, l’architecture déconstructiviste promeut une approche linéaire indirecte de la conception qui déforme souvent l’apparence d’une structure.

Le déconstructivisme a été initié par le Canadien-Américain Frank O. Gehry (né en 1929), l’un des architectes américains les plus novateurs de l’ère postmoderniste. Parmi les autres praticiens notables, citons Peter Eisenman, le cabinet Coop Himmelb(l)au, Rem Koolhaas et Daniel Libeskind. Les bâtiments déconstructivistes les plus célèbres sont le musée Guggenheim (Bilbao), le bâtiment de l’église nationale hollandaise (Prague) et The Experience Music Project (Seattle), conçus par Frank Gehry ; l’UFA-Palast (Dresde), conçu par le cabinet Coop Himmelblau ; et la bibliothèque de Seattle, conçue par Rem Koolhaas. Voir aussi : L’art du design c. 1850-1970

L’art corporel (années 1990)

À la fin des années 1960 est apparu un type d’art de la performance appelé Body art dans lequel le propre corps de l’artiste devient, pour ainsi dire, «la toile» d’une œuvre d’art passive, ou qui est ensuite «exécutée» d’une manière choquante. Les formes les plus typiques d’art corporel passif sont l’art corporel, les tatouages, l’art de l’ongle, les piercings, l’art du visage, le marquage au fer rouge ou les implants. Des types plus actifs d’art corporel lié à la performance, dans lesquels les artistes se moquent de leur propre corps pour transmettre leur message artistique particulier», peuvent impliquer des mutilations, la prise de drogues, des efforts physiques extrêmes ou une tolérance extrême à la douleur.

L’un des groupes de performance controversés est le Vienna Action Group, fondé en 1965 par Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch et Rudolf Schwarzkogler. Parmi les autres artistes corporels connus, citons Michel Journiac (1935-1995), Ketty La Rocca (1938-1976), Vito Acconci (né en 1940), Ulay (Frank Uwe Laisipen) (né en 1943) et l’extraordinaire artiste serbe Marina Abramovic (née en 1946).

L’un des principaux peintres corporels est la Néo-Zélandaise Joanne Gair (née en 1958). Connue pour ses dessins corporels en trompe-l’œil et son art du maquillage, elle est surtout connue pour l’un de ses nus féminins artistiques intitulé «Demi Moore’s Birthday Suit», qui a fait la couverture du magazine Vanity Fair en août 1992. Elle a été prise par la photographe contemporaine Annie Leibovitz (née en 1949).

Réalisme cynique chinois (années 1990)

Le réalisme cynique - terme inventé par le très influent critique d’art et conservateur Li Xianting (né en 1949) comme un jeu de mots délibéré sur le style officiellement approuvé du réalisme socialiste - décrit le style de peinture adopté par un certain nombre d’artistes de Pékin pendant la période de morosité qui a suivi la répression de la manifestation de la place Tiananmen en 1989. Sa critique ironique, parfois très satirique, de la société chinoise contemporaine a fait forte impression sur les collectionneurs occidentaux, bien que les critiques d’art chinois aient été et soient toujours ambivalents à son égard, se sentant mal à l’aise avec sa proéminence en Occident.

Parmi les artistes associés au réalisme cynique, on peut citer Yue Mingjun (né en 1962), Fang Lijun (né en 1963) et Zhang Xiaogang (né en 1958), qui ont tous vendu des peintures pour plus d’un million de dollars. Ce mouvement est associé au «pop art politique», un type de pop art chinois de la fin des années 1980.

Néo-pop art (à partir de la fin des années 1980)

Les termes «néo-pop» ou «post-pop» désignent un regain d’intérêt des Américains pour les thèmes et les méthodes du mouvement Pop Art des années 1950 et 1960. C’est particulièrement vrai pour les œuvres d’artistes tels que Ashley Bickerton, Jeff Koons, Alan McCollum et Haim Steinbach. Utilisant des objets reconnaissables, des images de célébrités (par exemple Michael Jackson, Madonna, Britney Spears), des icônes et des symboles de la culture populaire des années 1980 et 1990, cette forme actualisée du pop art s’est également inspirée de Dada (dans l’utilisation de readymades et found objects) ainsi que de l’art conceptuel contemporain. Parmi les exemples classiques de néo-pop art, on peut citer l’œuvre de Katharina Fritsch «Rat King» (1993) et la sculpture de Jeff Koons «Michael Jackson and Bubbles» (1988).

Comme son style parent, le néo-pop se moque de la célébrité et remet ouvertement en question certaines des notions les plus appréciées de la société. Koons lui-même a acquis une renommée considérable en élevant le kitsch au rang de grand art. Son «Balloon Dog» (1994-2000) est une sculpture en acier rouge brillant (10 pieds de haut) dont la forme monumentale et détaillée contraste de manière absurde avec la nature triviale de son sujet. Parmi les autres artistes néo-pop connus, citons les Américains Jenny Holzer, Cady Noland et Daniel Edwards ; les jeunes artistes britanniques Damien Hirst, Gary Hume et Gavin Turk, ainsi que Michael Craig-Martin, Julian Opie et Lisa Milroy ; les Russes Vitaly Komar et Alexander Melamid ; et l’artiste belge Leo Koper.

L’un des aspects déroutants du néo-pop est le fait que certains des créateurs du pop art original des années 1960 et 1970 ont continué à produire des œuvres intéressantes dans les années 1990. Le meilleur exemple est le sculpteur Claes Oldenburg (né en 1929), dont les sculptures pop aux proportions gigantesques comprennent Free Brand (1985-91, Willard Park, Cleveland) et Apple Core (1992, Israel Museum, Jerusalem).

Stuckism (à partir de 1999)

Groupe artistique britannique controversé fondé en 1999 par Charles Thomson et Billy Childish avec onze autres artistes. Le nom vient d’une insulte faite à Childish par l’artiste britannique Tracey Emin, qui lui a dit que son art «était coincé».

Rejetant la nature stérile de l’art conceptuel et des performances et installations des YBA comme Emin, qu’ils estiment dépourvus de valeur artistique, les artistes staxistes prônent un retour aux qualités plus picturales illustrées par la peinture figurative et d’autres arts visuels.

Au début des années 2000, le groupe a organisé de nombreuses expositions au Royaume-Uni, notamment «The First Art Show of the New Millennium» (1er janvier 2000) et «The Retirement of Sir Nicholas Serota» (mars 2000), ainsi que plusieurs expositions annuelles intitulées «The Real Turner Prize Show» et un certain nombre d’autres événements. Le groupe s’est également rendu à Paris, Hambourg, Cologne, Leipzig, New Jersey, New Haven USA et Melbourne Australie. Le Stuckism a également été présenté dans deux livres récents : «Styles, Schools and Movements : an encyclopaedic guide to contemporary art», d’Amy Dempsey ; et «Tastemakers : UK Art Today» de Rosie Millard. Une galerie «Stookist» a également été ouverte dans le centre de Londres.

Le groupe «Stuckist» comprenait, entre autres, Charles Thomson, Billy Childish, Bill Lewis, Philip Absolon, Sanchia Lewis, Sheila Clark, Ella Guru et Joe Machin.

Nouvelle école de Leipzig (à partir de 2000)

La nouvelle école de Leipzig (en allemand, «Neue Leipziger Schule «), également appelée « Young German Artists» (YGAs), est un mouvement libre de peintres et de sculpteurs qui ont reçu leur formation à l’école de «

» (YGAs), qui ont reçu leur formation à la Hochschule für Grafik und Buchkunst (Académie des beaux-arts) de Leipzig, en Allemagne de l’Est, où elle était largement isolée des tendances artistiques contemporaines de l’Ouest.

Les méthodes d’enseignement étaient largement traditionnelles et axées sur les principes fondamentaux des beaux-arts traditionnels, avec un fort accent sur le dessin, le dessin de la figure, le dessin d’après nature, l’utilisation de la grille, la théorie de la couleur et les lois de la perspective. Après la réunification de l’Allemagne en 1989, des étudiants de tout le pays ont commencé à fréquenter l’école, et ses diplômés ont cherché à vendre leurs œuvres à l’Ouest.

Le premier artiste à avoir réussi est Neo Rauch, qui s’est vu offrir une exposition personnelle à la galerie David Zwirner de New York en 2000. Son succès a ouvert les portes à d’autres artistes de Leipzig, tout aussi talentueux, dont les œuvres ont été exposées en Europe et aux États-Unis. Leur style tend à être figuratif, avec un fort accent sur la narration, et se caractérise par des couleurs sourdes.

Le réalisme classique et le mouvement des ateliers postmodernes

La nouvelle école de Leipzig est l’un des nombreux centres modernes de l’artisanat traditionnel. Aux États-Unis, la peinture figurative traditionnelle a été ravivée dans les années 1980 «par le Réalisme classique», un mouvement moderne fondé par Richard Lack (1928-2009), ancien élève du peintre bostonien R. H. Ives Gammell (1893-1981) au début des années 1950. En 1967, il a fondé l’ Atelier Lack, un atelier de formation sur le modèle des ateliers du Paris du XIXe siècle.

Art de la projection (21e siècle)

L’art de la projection - également connu sous le nom de Projection mapping, ou vidéo mapping, ou réalité augmentée spatiale - est le summum de l’art postmoderne. Utilisant la technologie de projection par ordinateur, il ne nécessite qu’une surface (comme un bâtiment, une façade d’église, un arbre, etc.) sur laquelle projeter le produit fini.

N’importe quelle image peut être affichée sur la surface réceptrice, et les effets peuvent être spectaculaires : elle peut littéralement transformer un espace extérieur ou intérieur, en racontant une histoire et en créant un festin optique. Parmi les artistes projectionnistes notables, citons Paolo Buroni, Clement Brind, Ross Ashton, Jennifer Steinkamp, Andy McKeown, Felice Varini et d’autres.

Informatique («numérique») art (21e siècle)

Le terme «Art informatique» désigne tout art dans lequel les ordinateurs jouent un rôle important. Cette définition large couvre également des formes d’art plus traditionnelles qui utilisent des ordinateurs, telles que l’animation contrôlée par ordinateur ou l’art cinétique, ou la peinture générée par ordinateur, ainsi que des formes basées sur des logiciels informatiques, telles que l’architecture déconstructiviste.

L’art informatique peut également être appelé «art numérique», «art digital», «art internet», «art logiciel», ou «infographie».

Parmi les pionniers de cette forme d’art figurent Harold Cohen, Ronald Davis, George Gry, Jean-Pierre Hebert, Bela Yulesh, Olga Kiseleva, John Lansdowne, Maugan Mason, Manfred Mohr et Joseph Nechvatal. Parmi les artistes numériques plus récents, citons Charles Xury, Leslie Mezey, Frieder Naquet, Georg Nees, A. Michael Noll, Nam June Paik et John Whitney. Parmi les autres pionniers importants de la recherche, citons le professeur Harold Cohen de l’UCSD et Ken Goldberg de l’UC Berkeley.

Les premières expositions d’art informatique comprenaient : «Generative Computergrafik» (1965) à la Hochschule für Technik de Stuttgart, Allemagne ; «Computer-Generated Pictures» (1965) à la Howard Wise Gallery de New York ; «Computer Imagery» (1965) à la Galerie Wendelin Niedlich, à Stuttgart, Allemagne ; «Cybernetic Serendipity» (1968) à l’Institute of Contemporary Art de Londres.

Au XXIe siècle, l’art informatique est devenu le nouveau domaine de l’art contemporain, une sorte de postmodernisme définitif. En fait, l’art généré par ordinateur est hautement révolutionnaire, notamment parce qu’il est capable (au fur et à mesure que l’intelligence artificielle se développe) d’atteindre une indépendance artistique totale. À suivre.