Art Décoratif, Artisanat: Définition, Histoire Automatique traduire

Le terme «arts décoratifs» &ndash ; le terme traditionnel pour l’éventail assez difficile de disciplines artistiques concernées par le design, l’ornementation et la décoration d’objets, généralement fonctionnels, qui ne possèdent pas nécessairement de qualités esthétiques intrinsèques. D’une manière générale, de nombreux arts décoratifs (par exemple la vannerie, la menuiserie, la céramique, les tapisseries et autres) sont également classés comme «artisanat». En outre, les arts décoratifs font partie de la catégorie plus large des arts appliqués .

Que comprend le terme «arts décoratifs»?

La définition et la catégorisation des arts décoratifs incluent la création de meubles et d’accessoires, de tapis et de tapisseries, de broderies (voir, par exemple la tapisserie de Bayeux &ndash ; la broderie proprement dite), l’illustration de livres, les décorations florales, la céramique (faïence, poterie), la porcelaine et le raku, le tissage, les bijoux, l’émail, l’orfèvrerie et les bijoux, y compris le cloisonné (émail divisé par des cloisons) et le champlevé (émail appliqué dans des creux préparés) et l’art de la mosaïque, ainsi que le vitrail et l’architecture d’intérieur. Cela comprend également les décors et les costumes de théâtre, comme en témoignent les magnifiques décors de Leon Bakst pour Sergei Diaghilev et sa compagnie de ballet russe. (La laque chinoise et la sculpture de jade sont des exemples majeurs en Asie, tout comme la porcelaine chinoise &ndash, en particulier celle de la dynastie Ming &ndash, et le pliage de papier japonais , l’origami. Les arts décoratifs comprennent également pratiquement toutes les catégories «d’objets précieux ou faits à la main». Cela inclut des objets tels que les œufs de Pâques Fabergé , les armures et les armes incrustées, les cheminées (par exemple en marbre et en mosaïque) et les décors et costumes de théâtre, tels que ceux créés par Alexandre Benois (1870-1960) et Léon Bakst (1866-1924) pour les ballets russes .

Qu’est-ce que l’art?
Pour une explication des problèmes esthétiques liés aux beaux-arts et à l’artisanat, voir : Définition de l’art, signification .

Histoire des arts visuels
Pour les dates importantes dans le développement des arts visuels et des autres arts, voir : Histoire de l’art .

Types d’art
Pour les œuvres d’art réalisées à partir de matériaux recyclables, voir : Junk art .
Pour les peintures et sculptures réalisées par des artistes en marge du courant dominant, voir Art brut .
Pour les œuvres réalisées par des malades mentaux, voir : Art brut .

Quelle est la différence entre les arts décoratifs et les beaux-arts?

Les beaux-arts, c’est-à-dire la peinture, le dessin, la sculpture et la photographie, n’ont généralement pas d’autre fonction que visuelle. En revanche, les arts décoratifs sont souvent (mais pas toujours) utilitaires. Une autre différence est que les arts visuels ont tendance à être basés davantage sur le dessin et les arts décoratifs &ndash ; davantage sur la technique. Mais il existe des exceptions à ces deux règles générales.

Problèmes de définition

La signification précise «des arts décoratifs» est moins importante aujourd’hui, maintenant que la conception étroite et élitiste des beaux-arts a été supplantée par la classification plus large des arts visuels . En outre, plusieurs formes contemporaines de travail décoratif - y compris la décoration d’intérieur, l’industrie de la mode, le graphisme ou l’informatique - sont connues comme des disciplines «du design», plutôt que comme des arts décoratifs. Ce dernier terme est donc appelé à disparaître progressivement, d’autant plus qu’il est étroitement lié à des catégories telles que les «arts appliqués» et les «métiers d’art». (Voir aussi : Types d’art .)

Origine et histoire des arts décoratifs

La forme la plus ancienne d’art décoratif est la poterie ancienne, en particulier la poterie japonaise de style Jomon, qui apparaît pour la première fois vers 14 500 avant J.-C. Elle a également été largement produite à partir de 5 000 avant J.-C.. Le style géométrique, le style oriental, les figures noires et les figures rouges, ainsi que le style de la poterie grecque antique , sont des exemples de ce type de poterie.

Les Celtes, dont la métallurgie (vers 500-50 av. J.-C.) a produit des armes personnelles et des bijoux en or et en bronze «Munching Oak» (vers 350-50 av. J.-C.), bronze «Battersea Shield» (vers 350-50 av. J.-C.), bronze «» (vers 350-50 av. J.-C.). BC), bronze «Whitham Shield» (4e siècle BC), argent «Gundestrup Cauldron» (c. 100 BC), bronze «Petrie Crown» (100. BC &ndash ; 200 BC), «Collier en or de Broiter» (1er siècle BC) et la barque en or «de Broiter» (1er siècle BC). Plus tard, les artisans celtes d’Irlande ont produit un certain nombre d’objets ecclésiastiques exquis et d’autres œuvres, comme la broche de Tara (vers 700 après J.-C.), la coupe d’Arda (8e / 9e siècles après J.-C.), la coupe de Derrynaflan (8e / 9e siècles après J.-C.), le temple de Moylough Belt (8e siècle après J.-C.), la croix de Tully Loch (8e / 9e siècles après J.-C.) et la croix de Conga (12e siècle après J.-C.).

Ces traditions décoratives ont été maintenues dans les cours royales européennes du roi Charlemagne Ier et des souverains ottoniens ultérieurs, tandis que de nouvelles formes d’art se sont développées dans la tapisserie et la décoration d’autres tissus. Le grand programme de construction dans le style gothique chrétien a ensuite financé le développement de l’art européen du vitrail, utilisé dans les cathédrales de France, d’Angleterre, d’Allemagne et d’ailleurs.

Pendant la Renaissance italienne et nordique, la peinture et la sculpture tendent à être plus sérieuses que décoratives &ndash ; mais voir École de Fontainebleau en France &ndash ; et il faut attendre la Contre-Réforme baroque pour que les arts décoratifs s’épanouissent à nouveau, dans des disciplines variées. Un événement important de cette époque est la fondation de la célèbre manufacture de tapisseries des Gobelins à Paris (1667), dirigée par Charles Lebrun (1619-1690) et de la manufacture de tapisseries de Bovet (1664), également à Paris.

Vient ensuite l’école du rococo, qui donne un élan considérable à l’artisanat décoratif comme la fabrication de meubles, d’articles ménagers, de verre et de textiles. Si le baroque trouve ses racines dans l’architecture, le rococo trouve les siennes dans la décoration intérieure. Né à la cour de Louis XV au château de Versailles , ce style s’est avéré exceptionnellement populaire dans certaines régions d’Allemagne et d’Europe centrale. Pour plus d’informations, voir : Arts décoratifs français (c.1640-1792) ; Designers français (c.1640-1792) et Mobilier français (c.1640-1792). L’époque rococo est également connue pour la popularité des motifs décoratifs chinois tels que la Chinoiserie, un style de décoration pseudo-chinois qui s’est répandu dans toute l’Europe.

Ni le socialisme de la Révolution française ni les méthodes de production de masse de la révolution industrielle n’ont favorisé l’esthétique de l’artisanat décoratif. Par conséquent, les arts décoratifs n’ont été remis à l’honneur qu’à la fin du 19e siècle, en réponse aux produits de la production mécanique. Cette évolution est due à William Morris et l’Arts and Crafts Movement, un mouvement social et esthétique né de la Society for the Exhibition of Arts and Crafts, fondée en 1888, bien que ses racines remontent aux années 1850 et à l’esthétique de l’historien de l’art John Ruskin (1819-1900). Le mouvement défendait le bon design et l’artisanat, par opposition au design standardisé des produits fabriqués en usine par des machines.

Le tournant du siècle a vu l’émergence d’un autre mouvement de design connu sous le nom de mouvement de renouveau de l’art celtique . Initialement créé par des intellectuels irlandais tels que W. B. Yates et Lady Gregory, et des activistes tels que A. E. Russell, Percy French, Oliver St John Gogarty, Padraic Colum et Edward Plunkett, il a conduit à un mini-réveil du design celtique et de l’art celtique en général. Les joailliers et les métallurgistes du style celtique ont commencé à copier des pièces anciennes, notamment : la broche de Tara, la «broche des Templiers», la broche de l’Université de Dublin et la broche de Clarendon.

Parallèlement, les succès du lithographe français Jules Chéré (1836-1932) en chromolithographie à Paris entraînent un engouement pour l’affiche dans toute l’Europe. Dans les années 1890, il se confond avec le premier style de design moderne international, à savoir l’Art nouveau (popularisé par des groupes tels que la Sécession viennoise), qui atteint son apogée lors de l’Exposition internationale de 1900 à Paris. Alphonse Mucha (1860-1939) incarne les affiches de l’Art nouveau. Puis, alors que l’Art nouveau commence à perdre de sa force, il est supplanté dans la lithographie d’affiches par le fonctionnalisme, illustré par les œuvres de Leonetto Cappiello (1875-1942).

Pour plus d’informations sur ce médium, voir : Histoire de l’affiche .

Après la Première Guerre mondiale, la très influente école du Bauhaus a vu le jour, suivie par le dernier grand mouvement décoratif connu sous le nom d’ Art déco . Ce style tire son nom de l’Exposition internationale des arts décoratifs et appliqués de 1925 à Paris. Depuis lors, très peu de nouveaux styles significatifs d’art décoratif sont apparus, bien que le Pop Art et le minimalisme aient eu une certaine influence, tout comme le néo-pop. Dans l’Amérique des années 1970 , le mouvement artistique féministe a fortement favorisé l’artisanat décoratif traditionnel des femmes, notamment les travaux d’aiguille, la broderie, l’art du verre et la céramique. Voir, par exemple, «Dinner Party» (1979, Brooklyn Museum, New York) Judy Chicago (née en 1939), qui a défendu ces techniques.

Collections de musées d’art et d’artisanat

L’une des plus grandes collections américaines de ce type d’art se trouve au Metropolitan Museum of Art de New York . En Europe, le Louvre et le Victoria and Albert Museum possèdent les plus grandes collections d’art décoratif.

Les œuvres américaines du Metropolitan Museum of Art, datant de la fin du XVIIe &ndash ; début du XXe siècle, comprennent quelque 12 000 exemples de meubles, d’argent, de verre, d’étain, de céramiques et de textiles. Parmi eux se trouve une collection exceptionnelle de vitraux américains, avec le travail de pionnier de Louis Comfort Tiffany. Il y a également des exemples exceptionnels d’art plastique , tels que des récipients en verre soufflé et pressé créés par la New England Glass Company, Dorflinger Works et Tiffany Studios ; des meubles anciens datant de 1820 ; et un certain nombre d’objets en céramique et en argent de la fin du 19e siècle, y compris des œuvres de Paul Revere . La collection de céramiques présente un large éventail de matériaux, de méthodes et de fabricants, allant des céramiques rouges de Pennsylvanie et d’Allemagne aux céramiques de Rookwood . La collection textile du musée est représentée par une centaine de quilts, des travaux d’aiguille du 18e et du début du 19e siècle et des tissus créés par Candace Wheeler, la meilleure créatrice américaine de textiles féminins et d’intérieurs de l’époque.