Junk Art:
définition, histoire Automatique traduire

Tout au long du XXe siècle, dans le cadre de la révolte moderniste contre l’utilisation de matériaux traditionnels dans les arts visuels et du désir subséquent de démontrer que «l’art» pouvait être fait de n’importe quoi, les artistes ont créé des sculptures, des assemblages, des combinaisons de peintures, de sculptures et des installations à partir d’un éventail de plus en plus large d’objets et de matériaux inhabituels. Parmi les exemples, on peut citer les œuvres des années 1950 de l’artiste expérimental Richard Rauschenberg, né au Texas, Le nom «junk art» a été inventé pour la première fois par le critique d’art et conservateur britannique Lawrence Alloway (1926-1990) en 1961 pour décrire les œuvres d’art réalisées à partir de ferraille, de machines cassées, de chiffons, de bois, de vieux papiers et d’autres «matériaux trouvés».

Lié à l’art de Picasso, Duchamp et Schwitters du début du 20e siècle, le junk art a des analogues dans le Dada, le travail d’Alberto Burri (1915-1995) et plus tard Arte Povera des artistes italiens, des artistes espagnols tels que Antoni Tapies (né en 1923) et le mouvement californien funk art . Il est également considéré comme une sous-espèce du « found art» et est parfois appelé « thrash art». Cependant, sa caractéristique reste l’utilisation de matériaux banals, ordinaires et quotidiens.

Début de l’histoire du junk art

Si l’on exclut l’affirmation controversée selon laquelle le galet de Makapansgat (Université de Witwatersrand, Johannesburg), vieux de 3 millions d’années, représente la plus ancienne œuvre d’art de pacotille au monde (en l’occurrence un objet trouvé «choisi pour sa ressemblance avec un crâne humain), le premier artiste de pacotille est Marcel Duchamp (1887-1968). Il a commencé à créer des œuvres d’art (principalement des sculptures) à partir d’ordures et d’autres déchets urbains. Sa spécialité était le ready-made «» - un objet produit en masse, choisi au hasard, isolé de son contexte habituel et présenté comme une œuvre d’art. Parmi les readymades (séries de objets trouvés) de Duchamp, on peut citer les exemples suivants : Roue de bicyclette (1913, fini, métal, bois peint, Centre Pompidou, Paris), Attente d’un bras cassé (1915, Yale University Art Gallery), et Fontaine (1917, cuvette de toilette, réplique dans Tate Gallery, Londres).

Un autre artiste pionnier du bric-à-brac fut le dadaïste hanovrien Kurt Schwitters (1887-1948), dont la contribution unique à l’art moderne fut son «Merzbau» - une sculpture complexe de papier, de carton et d’autres déchets qui se promenait dans sa maison, finissant par la remplir entièrement.

Les collages cubistes , créés par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) pendant la phase du cubisme synthétique, étaient un autre précurseur du junk art. Les sculptures Guitare (1913, tôle et fil de fer, MoMA) ; Verre avec absinthe (1914, bronze peint avec cuillère à absinthe, NY Museum of Modern Art) sont des exemples d’œuvres de composition de Picasso.

À cette époque, se trouvent également à Paris l’artiste d’origine ukrainienne Vladimir Tatlin (1885-1953), qui deviendra plus tard le fondateur du constructivisme, et l’artiste russe Vladimir Baranov-Rossine (1888-1944), dont la sculpture Symphonie n° 1 (1913, bois peint, carton et coquilles d’œuf écrasées, MoMA) ressemble à la sculpture de pacotille d’Alexandre Archipenko (1887-1964). Parmi les autres pionniers de cette forme d’art, on peut citer Henri Laurens (1885-1954), voir son œuvre «Construction, Petite tête» (1915, bois, tôles polychromes, Centre Georges Pompidou) ; l’artiste suisse Sophie Taeweber-Arp (1889-1943), voir son œuvre «Construction, Petite tête» (1915, bois, tôles polychromes, Centre Georges Pompidou) ; l’artiste suisse Sophie Taeweber-Arp (1889-1943). son œuvre Masque (1919, papier, carton, ficelle, pastel, Centre Georges Pompidou, Paris) ; le peintre et sculpteur allemand Jean Arp (1886-1966) - voir Ensemble de victimes de naufrages (1920-1, collection particulière).

Le Trash Art devient un mouvement

Entre-temps, d’autres sculpteurs ont commencé à essayer d’utiliser des déchets urbains et d’autres matériaux inhabituels, notamment l’influent sculpteur américain David Smith (1906-1965) - voir (1906-1965). son Hudson River Landscape (1951, pièces en acier soudées, Whitney Museum of American Art) ; l’artiste vénézuélien Jesús Rafael Soto (né en 1923) - voir son Untitled (1960, bois, pièces en métal, clous, Museum of Modern Art New York) ; le sculpteur textile français Etienne Martin (1913-1995) - voir son Palmetto (1913-1995) - voir son The Hudson River Landscape (1951, pièces en acier soudées, Whitney Museum of American Art). son Manteau (Habitation 5) (1962, tissu, corde, cuir, métal, bâche, Centre Georges Pompidou) ; l’artiste cinétique suisse Jean Tinguely (1928-1991) - connu pour son œuvre autodestructrice «Memory for New York» (1960, MoMA, NY) - un exemple de sa marque d’art cinétique ; et l’artiste bulgare Hristo Yavacheff (1935-2009) - cf. son œuvre «Package on a Table» (1961, table emplie d’objets emballés, Centre Georges Pompidou).

Représentants célèbres

L’artiste franco-américain Armand (Armand Fernandez) (1928-2005), qui s’est fait connaître par ses assemblages insolites de déchets et d’objets mis au rebut, est un représentant célèbre du junk art pendant ses années de formation, dans les années 1960, Voir, par exemple, Home Sweet Home (1960, collection de masques à gaz, Centre Georges Pompidou), Nail Fetish (1963, pile de revolvers collés, collection privée) et Accumulation of Sliced Teapots (1964, Walker Art Gallery, Minneapolis).

Un autre représentant connu est l’artiste marseillais César (1921-1998), qui a acquis sa réputation artistique grâce à des sculptures réalisées à partir de pièces automobiles, telles que Compression Ricard (1962, Pièces automobiles compressées, Centre Georges Pompidou).

Parmi les autres artistes de pacotille notables, on peut citer le sculpteur John Chamberlain (né en 1927 dans l’Indiana), dont les œuvres comprennent ,, et. 1927), dont les œuvres comprennent Untitled (1964, acier peint avec chrome, Musée d’Art Moderne de Nice), Untitled (1968, tôle, National Gallery of Modern Art, Rome), et Coco-nor II (1967, Tate Collection, Londres) ; le photographe et sculpteur anglais Joseph Goto (1916-1994) ; L’Américain Richard Stankiewicz (1923-1983), connu pour son œuvre pleine d’esprit «Middle-aged Couple» (1954, Museum of Contemporary Art, Chicago) ; le sculpteur et réalisateur Bruce Conner (1933-2008), connu pour ses constructions macabres faites de poupées cassées et de vieux bas.

La gamme des objets et autres matériaux contemporains inutiles utilisés dans ce genre est bien illustrée dans les œuvres de Joseph Beuys (1921-1986), telles que Symphonie sibérienne de l’Eurasie (1963, panneau, dessin à la craie, feutre, graisse, lièvre, poteau peint, Musée d’art moderne de New York) ; Ed Kienholz (1927-1994), par exemple Dodge ’38 Rear Seat (1964, voiture Dodge tronquée, résine, peinture, fibre de verre, vêtements, grillage, bouteilles de bière, plâtre, Los Angeles County Museum of Art) ; Niki de Saint Phalle (1930-2002), par exemple son Monstre de Soisy (1963, peinture, objets divers, cadre métallique, Centre Georges Pompidou) ; Marisol (b. 1930), par exemple son Woman and Dog (1964, bois, plâtre, polymère synthétique, tête de chien taxidermisée et autres objets, Whitney Museum of American Art).

Le junk art britannique

Dans les années 1990, un groupe artistique connu sous le nom de Young British Artists (YBA) a fait un usage intensif mais controversé d’objets trouvés «» et d’autres déchets. Damien Hirst (né en 1965) a exposé un certain nombre d’œuvres de ce type, dont «A Thousand Years» (1990, Saatchi Collection), réalisée à partir d’une tête de vache en décomposition, d’asticots et de mouches. Tracey Emin (née en 1963) a exposé My Bed (1998, Saatchi Collection), composé de son propre lit défait avec des draps souillés et d’autres objets personnels tels que des sous-vêtements souillés.

La popularité de ce qui est désormais considéré comme un type d’art contemporain avec un sens plus moderne de l’esthétique est si grande que les objets de pacotille commencent à apparaître dans de nombreuses formes d’art, y compris la peinture, la sculpture, l’assemblage, l’installation et l’art conceptuel.