Art design:
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Qu’est-ce que le design? Bien qu’il n’existe pas de définition universelle du mot «design», nous le définirons comme « un plan visant à créer quelque chose selon certains principes esthétiques». Les aspects clés de cette définition sont : l’élément du plan ; l’idée de création (art) plutôt que de production (science) ; les critères d’esthétique (style de beauté). D’autres facteurs tels que la fonctionnalité ou le coût peuvent également intervenir dans le processus de conception, mais nous nous intéressons ici principalement à la conception artistique ou - grosso modo - «à la manière de rendre quelque chose beau».

Quels types d’objets peuvent être «conçus de manière artistique»?

Presque tout ce qui est produit peut être conçu d’une manière artistique ou esthétique. Il s’agit aussi bien de produits d’ingénierie hautement spécialisés que d’articles ordinaires produits en série, bien que le présent article n’aborde que cette dernière catégorie. Néanmoins, il s’agit d’un large éventail de produits, allant d’une tasse à thé, d’une lampe ou d’un escalier à une gare ferroviaire ou un toit de salle de concert, une housse de couette, un logo d’entreprise ou une souris d’ordinateur. Il convient toutefois de noter que la conception artistique est limitée à la décoration des objets, et non à l’amélioration de la fonctionnalité, des performances, du coût ou d’autres critères non esthétiques.

Les disciplines du design artistique

La science du design en général s’est développée rapidement depuis les années 1960. Aujourd’hui, il existe un nombre croissant de disciplines de conception dans lesquelles l’esthétique joue un rôle important : l’architecture, l’illustration de livres, la décoration d’intérieur, la conception d’éclairage, la conception de meubles, la conception d’ustensiles de cuisine, la conception de textiles, la conception de mode, la conception de magasins, la conception graphique, la conception d’ordinateurs et la conception de sites web. En outre, dans un certain nombre de domaines liés aux technologies de l’information, tels que la conception de sites web, les interfaces utilisateur et le développement de logiciels, le concept de «look and feel» devient de plus en plus important pour les consommateurs et les concepteurs, et la conception graphique et la mise en page jouent également un rôle important dans le domaine des produits en ligne.

Quelles sont les formes d’art impliquées dans la conception artistique?

Les compétences artistiques qui sont utiles pour créer de beaux designs pour des articles individuels comprennent : la peinture (par exemple, la porcelaine, l’illustration de livres), la sculpture sur bois (meubles), le tissage (tapisserie, broderie), la céramique (sculpture ainsi que poterie ancienne), le travail du métal (lampes, bijoux), l’art du verre (mosaïques, vitraux), le graphisme (gravure, illustration, tissus, vêtements), pour n’en citer que quelques-uns.

Pour les produits fabriqués en série, le design fait partie intégrante du processus de développement du produit. Alors que dans les années 1970 et 1980, le design automobile, le design des appareils électroménagers et le design des tissus représentaient les sommets de l’innovation, aujourd’hui, c’est le design informatique qui est la référence pour l’esthétique des consommateurs du XXIe siècle. En outre, presque tous les articles ménagers sont conçus et fabriqués dans un souci d’esthétique, tout comme les automobiles, les équipements de bureau et les articles de sport.

Le rôle du design commercial

Au début de la production de masse, lorsque vous pouviez acheter «une voiture Ford de n’importe quelle couleur à condition qu’elle soit noire», le design était considéré comme un supplément facultatif. Aujourd’hui, ce n’est plus le cas. Aujourd’hui, les concepteurs sont des personnes importantes. Armés d’une multitude de programmes de conception numérique, ils peuvent faire toute la différence dans le succès commercial d’un produit. (Voir aussi : Art informatique)) En outre, la conception créative joue un rôle important tout au long du processus de fabrication, de commercialisation, de vente et de vente au détail d’un produit. Et pourquoi pas? N’avons-nous pas tous envie de posséder ou de nous entourer de belles choses?

Production

Étant donné que les propriétés et les caractéristiques du design d’un produit jouent un rôle si important dans son succès commercial, les designers sont généralement impliqués dès les premières étapes du processus de production. Pour schématiser, on peut dire qu’il y a au moins trois étapes dans la production.

Au début de la production de masse, le personnel scientifique d’une entreprise fabriquait un produit, qui était ensuite transmis au service marketing pour être vendu. Dans les années 1960, ce sont les spécialistes du marketing qui ont dit aux scientifiques ce qu’ils devaient produire. Mais aujourd’hui, ce sont les spécialistes du marketing et les concepteurs qui discutent des spécifications techniques d’un produit avant d’impliquer le personnel de production.

Conception graphique : marketing, publicité, image de marque

Les compétences des concepteurs graphiques apparaissent presque partout : dans les génériques de début et de fin des films , les animations, les programmes télévisés et les publicités pour les produits, les sites web des entreprises, les mises en page d’écrans d’ordinateurs et de téléphones portables, les journaux, les magazines, les publicités, les affiches, les motifs et les logos d’entreprise, les emballages de produits, les panneaux de signalisation, etc. Elle comprend les combinaisons de couleurs ainsi que la typographie, les arts visuels et les techniques de mise en page/écran, et les matériaux d’emballage. En fait, la conception graphique joue un rôle crucial partout où des images, des symboles ou du texte sont utilisés pour transmettre un message visuel, qu’il s’agisse d’affichages de haute technologie dans le cockpit d’avions militaires ou commerciaux, de publicités télévisées, de brochures de voyage, de catalogues commerciaux ou d’emballages de produits de supermarché.

Commerce de détail

Non seulement les produits eux-mêmes font l’objet de recherches intensives en matière de design, de réflexion, de modélisation, de personnalisation interactive et de reconception, mais l’environnement de vente au détail dans lequel ils sont présentés aux consommateurs fait également l’objet d’un examen minutieux. Le design de la vente au détail (design des magasins) joue un rôle énorme dans la détermination de ce que les consommateurs ressentent lorsqu’ils rencontrent et interagissent avec les produits, et donc dans le succès final de ces produits.

L’architecture d’intérieur

L’un des principaux facteurs de l’aménagement du commerce de détail est la disposition du magasin. Celui-ci dépend fortement de l’aménagement intérieur du bâtiment, qui comprend l’utilisation de couleurs et d’une musique d’ambiance soigneusement sélectionnées, de systèmes d’éclairage et de revêtements de sol spécialement conçus, et d’ajouts tels que des entrées et des allées spécialement conçues, etc.

Conception architecturale

Bien entendu, la décoration d’intérieur va de pair avec l’architecture, y compris l’aménagement paysager. Alors que les détaillants de la grande rue ou leurs propriétaires tirent généralement le meilleur parti des possibilités architecturales de leur propriété, les grands détaillants de banlieue, dont les magasins peuvent couvrir 500 000 m² ou plus, tirent le meilleur parti des possibilités qui leur sont offertes.

L’esthétique des bâtiments, des parkings, des entrées et des sorties crée une expérience d’achat favorable, qui peut jouer un rôle crucial dans le succès d’une unité commerciale. Voir aussi l’ École d’architecture de Chicago (v. 1880-1910), qui a eu une influence majeure sur l’urbanisme aux États-Unis, et la Seconde école d’architecture de Chicago (v. 1940-75), dirigée par Mies van der Rohe . Le principal cabinet d’architectes au monde est Skidmore, Owings & ; Merrill, dont les architectes - tels que Fazlur Khan (1929-1982) - continuent de dominer le marché mondial des gratte-ciel. Historiquement, la plus grande influence sur la conception des bâtiments a été l’architecture grecque, suivie par l’architecture romaine et de nombreuses écoles de néoclassicisme.

Histoire de la conception artistique

À l’époque de l’art moderne (à partir de 1850), la création artistique s’est développée parallèlement à la révolution industrielle, bien que les mouvements de création ayant une influence internationale aient été peu nombreux et peu importants. Nous passons brièvement en revue huit mouvements importants : l’architecture d’intérieur française (1640-1792) ; le mouvement Arts and Crafts (c. 1862-1914) ; l’Art nouveau (c. 1890-1914) ; le Bauhaus (1919-1933) ; De Stijl (1917-1931) ; l’Art déco (c. 1925-1940) ; l’école d’Ulm (HfG Ulm) (1953-1968) ; et le postmodernisme (après 1970).

Louis XIV, XV, XVI Styles de décoration intérieure française (1640-1792)

Sans doute la plus grande époque de décoration intérieure de l’histoire de l’art, les XVIIe et XVIIIe siècles en France ont été le théâtre d’une explosion des arts décoratifs français au château de Versailles et dans d’autres châteaux royaux. Sous la direction de créateurs français tels que Charles Lebrun, André Le Nôtre et d’autres, certains des plus beaux meubles français ont été créés, généralement classés dans les styles Louis (Louis Quatorze, Régence, Louis Quinze et Louis Seize).

Mouvement Arts and Crafts (c. 1862-1914)

Ce mouvement britannique de design et d’arts décoratifs, dirigé par William Morris (1834-1896), prônait le renouveau de l’artisanat et les vertus morales, sociales et esthétiques d’un travail artisanal honnête par rapport à la production industrielle de masse. Il s’intéressait principalement à l’architecture et aux arts décoratifs, y compris les vitraux, les textiles, le mobilier, les tissus imprimés (chintz), les tapisseries, les papiers peints, le mobilier, les bijoux, la sculpture sur bois, le travail du métal, la céramique et les mosaïques . Il s’inspire de l’artisanat médiéval, de l’art populaire rural et de l’art japonais (y compris les gravures sur bois Ukiyo-e), bien que ses partisans ne soient pas tant unis par un style particulier que par l’objectif commun de faire revivre l’art de la mosaïque, mais plutôt l’objectif commun de faire revivre un artisanat honnête, d’éliminer les préjugés de la hiérarchie artistique (qui honorait les beaux-arts mais négligeait les arts appliqués), et de créer un art accessible à tous.

Le mouvement a engendré des groupes similaires en Amérique et a fortement influencé le Quartier général des travailleurs de Vienne - ateliers d’artisanat fondés par la Sécession viennoise en 1903, la Sécession munichoise (1892), la Sécession berlinoise (1898), et le Deutsche Werkbund, en Allemagne. Pour plus d’informations, voir : Mouvement des arts et métiers .

Art nouveau (vers 1890-1914)

L’idiome hautement décoratif connu sous le nom de Art nouveau, a été le premier grand style de design international à proclamer l’idée que l’art devait faire partie de la vie quotidienne. Désormais, aucun objet quotidien, aussi fonctionnel soit-il, ne devrait être ignoré en tant que source de valeur esthétique. Il a également promu l’idée d’unifier tout le design dans un idiome unique.

Caractérisé par des formes curvilignes et des motifs dérivés de structures organiques, d’ ornements celtiques, et de formes géométriques simples, le style a été appliqué à l’architecture, à la décoration intérieure, à la verrerie, à la joaillerie, aux affiches, et aux illustrations, (cf, notamment Aubrey Beardsley), ainsi qu’à la peinture et à la sculpture. Le style Art nouveau a été encouragé par le mouvement «Celtic Art Revival» et l’Exposition universelle de 1900 à Paris, après quoi il s’est répandu dans toute l’Europe et au-delà, en Amérique et en Australie. Style résolument moderne, il est appelé de diverses manières selon les pays : Jugendstil en Allemagne ; Secessionstil en Autriche ; Modernism en Catalogne ; Palingsteel ou de Wingt en Belgique ; Liberty en Italie ; Modern en Russie et Tiffany en Amérique. Son incursion dans l’art abstrait sera poursuivie par des artistes et architectes du XXe siècle tels que Hector Guimard (1867-1942). Dans les années 1920, ce mouvement cède la place à l’Art déco.

Graphismes célèbres de l’Art nouveau

Pour en savoir plus sur les célèbres affiches de ce mouvement, rendues possibles par le «procédé lithographique à trois pierres», inventé par Jules Chéret (1836-1932) et perfectionné par Alphonse Mucha (1860-1939) et Leonetto Capiello (1875-1942), voir : L’histoire de l’art de l’affiche .

Les ballets russes «de Diaghilev»

En 1909 , Sergueï Diaghilev a pris Paris d’assaut lorsqu’il a ouvert la première saison de sa compagnie de ballet itinérante «Ballet russe» . Outre les danses de Nijinski et de Pavlova, le succès de la compagnie est dû à la somptueuse conception des décors et des costumes exotiques, supervisée par Léon Bakst (1866-1924) et Alexandre Benois (1870-1960).

École de design du Bauhaus (1919-1933)

Le Bauhaus (allemand pour «maison de construction») a été fondé à Weimar par Walter Gropius (1883-1969) et a exercé une influence considérable sur l’école allemande d’architecture du 20e siècle et sur d’autres formes de design, y compris l’artisanat. Connu pour son approche moderne de l’enseignement artistique, qui éliminait la division habituelle entre «les beaux-arts» et «les arts appliqués» et redéfinissait la relation entre le design et les méthodes de production industrielle, il espérait créer des produits qui soient à la fois artistiques et commerciaux.

En particulier, l’école cherchait à enseigner aux étudiants à être aussi compétents en matière de design, d’artisanat et de méthodes de production de masse. L’école de design du Bauhaus a existé jusqu’en 1933 sur trois sites - Weimar, Dessau et Berlin - et sous trois directeurs - Gropius 1919-1927, Hannes Meyer 1927-1930 et Ludwig Mies van der Rohe 1930-1933 - jusqu’à ce que le gouvernement nazi l’oblige à fermer ses portes.

Influencé par la simplicité et la fonctionnalité du style Biedermeier du XIXe siècle, le Bauhaus a exercé une large influence sur la conception artistique, en particulier dans les domaines de l’architecture, du graphisme, de la décoration d’intérieur, du design industriel et de l’artisanat.

Après la fermeture du Bauhaus, nombre de ses enseignants ont voyagé dans le monde entier : László Moholy-Nagy (1895-1946), par exemple, a ouvert le New Bauhaus puis son propre Institute of Design à Chicago ; Josef Albers (1888-1976) a donné des cours au Black Mountain College of Advanced Arts en Caroline du Nord ; Max Bill (1908-1994) a enseigné à l’École des arts appliqués de Zurich et est devenu plus tard le premier directeur de l’École supérieure de design d’Ulm (pour l’architecture et le design industriel), considérée comme le successeur du Bauhaus. Mies van der Rohe s’est rendu à Chicago, où il a influencé une génération d’architectes américains avec son architecture moderniste de gratte-ciel. Gropius a également émigré aux États-Unis, où il a dirigé le département d’architecture de l’université de Harvard, avant de fonder The Architects Collaborative en 1952.

De Stijl (1917-31)

De Stijl (mot néerlandais «style») est une alliance libre d’architectes, d’artistes et de designers - dont beaucoup sont issus de milieux calvinistes néerlandais - qui se sont regroupés autour de l’artiste et architecte Theo van Doesburg (1883-1931) entre 1917 et 31.

Les principes esthétiques du groupe sont publiés (novembre 1918) dans la revue De Stijl, qui sert à diffuser leurs idées d’art concret et de design. Estimant que la guerre a sapé toutes les valeurs traditionnelles, De Stijl prône une conception artistique plus pure, plus éthique, réduite aux éléments de base - la forme, la couleur et la ligne - qui peut influencer toute la culture et conduire à un renouveau de la société.

Influencé par le constructivisme soviétique de Vladimir Tatlin (1885-1953), le groupe est associé à la fois au néoplasticisme (Mondrian) et à sa forme retravaillée l’élémentarisme (Van Doesburg). Les principaux membres du groupe sont Van Doesburg, Piet Mondrian (1872-1944), Bart van der Lek (1876-1958), Georges Vantongerloo (1886-1965) et Friedrich Vordemberg-Gildewart (1899-1962), ainsi que les architectes Gerrit Rietveld (1888-1964) et Oud (1890-1963). En outre, les architectes de De Stijl se sont inspirés des projets de construction du designer néerlandais Hendrik Petrus Berlage (1856-1934) et de Frank Lloyd Wright (1867-1959), dont l’idée qu’une maison est un produit de «(1867-1959), qu’une maison est le produit d’une «conception complète» ) gesamtkunstwerk) était proche de leurs propres idées, illustrées par la maison Rietveld Schroder à Utrecht.

En général, De Stijl a surtout influencé la conception architecturale et les arts appliqués, en particulier la typographie et la conception de meubles. Bien qu’en déclin au moment de la mort de Dosburg, De Stijl a exercé une influence importante sur le design du Bauhaus et d’autres mouvements concernés par l’art sans objet , tels que la créativité abstraite et le CIAM, ainsi que sur d’autres modernistes tels que Le Corbusier (1887-1965), un architecte suisse-français influent.

Art déco (c. 1925-40)

Style L’Art déco est la mode dominante en matière de design et de décoration des années 1920 et 1930 : voir notamment L’architecture américaine de l’époque, en particulier les gratte-ciel new-yorkais. Par des formes géométriques fluides, il dépeint des paysages urbains et une nouvelle gamme de loisirs et d’activités sociales «Années folles» ; il donne aux objets ordinaires un véritable caractère en les faisant paraître élégants et cool.

L’Art déco a une dette notable envers plusieurs styles artistiques majeurs des années 1900 et 1910, empruntant des couleurs audacieuses au fauvisme, des motifs géométriques au cubisme, des formes semblables à des machines au constructivisme et au futurisme, et une approche unificatrice à l’Art nouveau.

L’Art déco s’inspire également de l’art des Aztèques, des Égyptiens et de l’Antiquité classique. Toutefois, contrairement à son prédécesseur, l’Art nouveau, l’Art déco n’avait aucune prétention philosophique - il était purement décoratif. Bien qu’il désigne principalement le style des décorateurs et des graphistes, notamment dans les domaines du mobilier, de la métallurgie, de la céramique, de la verrerie et de la reliure, il a également été appliqué à l’architecture, au stylisme, à la sculpture et à la peinture : par exemple, Tamara Lempicka (1898-1980), et les œuvres de style classique (1918-24) de Picasso (1881-1973).

L’idiome a donné naissance à des mouvements tels que Novecento Italiano et Corrente (Italie), et Precisionism (Amérique). Le renouveau de l’Art déco s’est produit dans les années 1960, lorsque le nom est apparu pour la première fois.

École de design d’Ulm (Hochschule fur Gestaltung) (1953-1968)

Fondée en 1953 par Max Bill (1908-1994), Inge Eicher-Scholl et Otl Eicher, l’École de design d’Ulm a rapidement acquis une renommée internationale et a été considérée comme le successeur naturel du Bauhaus. Au cours de ses 15 années d’existence, elle a excellé dans l’étude de la sémiotique (signes et symboles), du design de produits, de la construction industrielle et du cinéma. Ce faisant, elle a ouvert la voie à un enseignement du design fondé sur une approche structurée de la résolution de problèmes et sur la combinaison de la science et de l’art.

À partir de l’Ulm Volkssturm (institut d’éducation des adultes), le corps enseignant se compose d’anciens professeurs du Bauhaus, Josef Albers, Johannes Itten et Walter Peterhans, ainsi que d’Helene Nonne-Schmidt, diplômée du Bauhaus, qui sera rejointe plus tard par Hans Gugelot, Walter Zeischegg, Otl Eicher, Friedrich Vordemberg-Gildewart et Thomas Maldonado. Parmi les conférenciers invités, citons Mies van der Rohe, Walter Gropius, Ray Eames, Josef Müller-Brockmann, Herbert Bayer, Reiner Banham, Hugo Haring, Conrad Wachsmann, Buckminister Fuller, Theodor Heuss, Norbert Weiner et Mia Seeger.

En 1957, Max Bill quitte Ulm lorsqu’il est décidé que les considérations esthétiques ne constituent plus la principale base conceptuelle du design. Sous la direction de Thomas Maldonado, l’école de design abandonne l’accent qu’elle mettait auparavant sur «l’artiste» en faveur d’une nouvelle philosophie du design qui englobe à la fois l’art (esthétique) et la science (matériaux, production et critères d’utilisation des produits). Parallèlement, l’école a mis en place un certain nombre de groupes de conception pour assurer la liaison avec l’industrie. Cela a donné lieu à plusieurs collaborations fructueuses avec des entreprises telles que Braun, Lufthansa et la Compagnie des chemins de fer de Hambourg. Cependant, des désaccords constants entre le personnel enseignant, la hiérarchie administrative et les sponsors gouvernementaux ont finalement conduit à la fermeture de l’école.

Postmodernisme (après 1970)

Comme l’art postmoderne, le design postmoderne se caractérise par : un mélange délibéré de différents styles, souvent avec humour, une superficialité égocentrique, une décoration accrue et des références culturelles ou symboliques contemporaines.

Les conceptions architecturales postmodernes étaient une révolte contre le superfonctionnalisme de l’architecture d’après-guerre, ce qui explique l’émergence de structures bizarres, non fonctionnelles mais lourdement décorées, telles que le Centre Pompidou à Paris. Voir également le musée Guggenheim de Bilbao recouvert de titane, conçu par Frank O. Gehry (né en 1929), et le style des années 1990 des Blobs ou Blobitecture, illustré par la gare routière de l’hôpital Spaarn à Hoofddorp, aux Pays-Bas.

En règle générale, les projets artistiques des artistes postmodernes se caractérisent par un manque d’uniformité (plus de fragmentation, plus de pluralisme) et une utilisation innovante d’images populaires, de matériaux et de couleurs inhabituels. (Pour plus d’informations sur le postmodernisme, voir : Art contemporain .)