Art design: histoire, types d’arts appliqués Automatique traduire
Dessin d’art (c.1850-1970)
Histoire, types d’arts appliqués
Plus d’information
Qu’est-ce que le design?
Bien qu’il n’existe pas de définition universelle du mot "design", nous le définirons pour notre propos comme signifiant: "le plan impliqué dans la création de quelque chose selon un ensemble d’esthétique". Les aspects clés de cette définition incluent: l’élément d’un plan; l’idée de création (art) plutôt que de production (science); les critères de esthétique (un style de beauté). D’autres facteurs peuvent être impliqués dans le processus de conception, tels que la fonctionnalité ou le coût, mais nous nous intéressons ici principalement à la conception artistique ou, pour le dire simplement, à "comment faire quelque chose de beau".
Quels types d’objets peuvent être conçus de manière artistique?
Presque tout ce qui est fabriqué peut être conçu de manière artistique ou esthétique. Cela inclut des produits d’ingénierie hautement spécialisés ainsi que des objets fabriqués en série, mais le présent article n’examine que cette dernière catégorie. Même dans ce cas, il comprend toujours une grande variété de produits, tels qu’une tasse de thé, une lampe, un escalier, le toit d’une gare ou d’une salle de concert, une housse de couette, un logo d’entreprise ou une souris d’ordinateur. Notez cependant que la conception artistique se limite à la transformation d’objets, plutôt qu’à l’amélioration de la fonctionnalité, des performances, du coût ou d’autres critères non esthétiques.
Disciplines de conception artistique
La science du design dans son ensemble a connu une expansion rapide depuis les années 1960. Aujourd’hui, il existe un nombre croissant de disciplines de design dans lesquelles l’esthétique joue un rôle important, notamment: architecture, illustration de livre, design d’intérieur, design d’éclairage, design de mobilier, design d’ustensiles de cuisine, design de textile, design de mode, design de détail, design graphique, conception informatique et conception de sites Web. En outre, dans de nombreux domaines liés aux technologies de l’information, tels que la conception Web et la conception de logiciels, le concept de "convivialité" revêt de plus en plus d’importance pour les consommateurs et les concepteurs, tandis que la conception graphique et la mise en page sont également essentielles dans le domaine de la connexion en ligne. médias sociaux, y compris Facebook .
Quels types d’art sont impliqués dans le design artistique?
Les compétences artistiques indispensables à la création de superbes dessins d’articles individuels comprennent: La peinture (par exemple, porcelaine, éclairage de livre), Sculpture sur bois (meubles), tissage (tapisserie, broderie), céramique (sculpture ainsi que poterie ancienne ), ferronnerie (lampes, bijoux), art du verre (art de la mosaïque, vitrail), art graphique (imprimés, illustrations, tissus, vêtements), pour ne citer que quelques-uns.
Pour les articles fabriqués en série, la conception fait partie intégrante du processus de développement du produit. Si la conception des voitures, des produits blancs et des tissus représentait l’un des sommets de l’innovation dans les années 1970 et 1980, il s’agit aujourd’hui de la conception informatique, illustrée par les produits informatiques d’Apple Corporation, qui constituent la pierre angulaire de l’esthétique grand public du XXIe siècle. En outre, presque tous les objets ménagers sont conçus et fabriqués dans un souci d’esthétique, de même que les voitures, le matériel de bureau et les articles de sport.
Le rôle de la conception commerciale
Aux débuts de la production en série, lorsque l’on pouvait acheter une voiture Ford de n’importe quelle couleur, à condition qu’elle soit noire, le design était considéré comme un accessoire en option. Plus maintenant. Aujourd’hui, les concepteurs sont des poids lourds. Armés d’une gamme de logiciels de conception numérique, ils peuvent faire toute la différence pour le succès commercial d’un produit. (Voir également: Art informatique .) En outre, le design créatif joue un rôle important tout au long du processus de fabrication, de commercialisation, de vente et de vente au détail d’un produit. Et pourquoi pas? Ne voulons-nous pas tous posséder ou nous entourer de belles choses?
Fabrication
Étant donné que les propriétés de conception et les caractéristiques d’un produit jouent un rôle important dans le succès commercial de celui-ci, les concepteurs interviennent généralement au tout début du processus de fabrication. En termes très bruts, nous avons connu au moins trois phases de fabrication. Au début de l’ère de la production en série, le personnel scientifique de la société fabriquait un produit qui était ensuite confié au service marketing. Dans les années 1960, ce sont les experts en marketing qui ont dit aux scientifiques ce qu’il fallait produire. Mais aujourd’hui, ce sont les spécialistes du marketing et les concepteurs qui discutent des spécifications d’un produit avant d’impliquer le personnel de production.
Conception graphique: marketing, publicité, marque
Les compétences des graphistes sont en évidence presque partout: les séquences de génériques de début et de fin des films, animation , Programmes télévisés et publicités de produits, sites Web d’entreprise, présentations d’écrans d’ordinateur, journaux, magazines, publicités, affiches, motifs de marques et logos d’entreprise, emballages de produits, panneaux de signalisation, etc. Et elle inclut les couleurs ainsi que la typographie, les arts visuels et les techniques de mise en page / écran, ainsi que les matériaux d’emballage. En fait, la conception graphique joue un rôle crucial chaque fois que des images, des symboles ou du texte sont utilisés pour communiquer un message visuel, des affichages de poste de pilotage hi-tech dans les avions militaires ou commerciaux aux annonces publicitaires télévisées, brochures de voyage, catalogues de magasinage, etc. des emballages de produits.
Commerce de détail
Les produits eux-mêmes font l’objet d’une recherche intensive en matière de conception, de réflexion, de modélisation, d’ajustement interactif et de reconception, mais l’environnement de vente au détail dans lequel ils sont présentés aux consommateurs fait lui-même l’objet d’une étude minutieuse. Le design de vente au détail (design de magasin) joue un rôle important dans la détermination du ressenti du consommateur lorsqu’il rencontre et interagit avec les produits, et donc du succès ultime de ces produits.
Design d’intérieur
La configuration de la boutique est un facteur important dans la conception de la vente au détail. Cela dépend fortement de la conception intérieure du bâtiment en question, qui implique à son tour l’utilisation de schémas de couleurs et de musique de fond soigneusement sélectionnés, de systèmes d’éclairage et de revêtements de sol spécialement conçus à cet effet, ainsi que d’extras tels que des entrées spécialement conçues, passerelles, et ainsi de suite.
Conception architecturale
Bien sûr, le design d’intérieur va de pair avec l’architecture, y compris l’aménagement paysager. Si les principaux détaillants de rue, ou leurs propriétaires, exploitent généralement toutes les possibilités architecturales de leur propriété, il en va de même pour les grands détaillants de banlieue dont les magasins peuvent occuper une superficie de 100 acres ou plus. Les bâtiments, les parkings, les entrées et les sorties conçus de manière esthétique contribuent au sentiment de bien-être de l’expérience d’achat, ce qui peut jouer un rôle crucial dans le succès de l’unité de vente au détail impliquée. Voir aussi le École d’architecture de Chicago (vers 1880-1910), qui a eu un impact considérable sur la conception urbaine aux États-Unis, de même que le Deuxième école d’architecture de Chicago (c.1940-75), dirigé par Mies van der Rohe . La plus grande firme mondiale de conception architecturale est Skidmore, Owings et Merrill , dont les architectes – tels que Fazlur Khan (1929-1982) – continuent de dominer le marché mondial des gratte-ciel. Historiquement, la plus grande influence sur la conception des bâtiments a été Architecture grecque , suivi par Architecture romaine et de nombreuses écoles néo-classiques.
Histoire du design artistique
Le design artistique à l’ère de art moderne (À partir de 1850) a évolué parallèlement à la révolution industrielle, bien que les mouvements de conception ayant eu un impact international aient été rares. Nous allons examiner brièvement huit mouvements importants, comme suit: Design d’intérieur français (1640-1792); Mouvement des artisans d’art (1862-1914); Art nouveau (1890-1914); Bauhaus (1919-1933); De Stijl (1917-1931); Art déco (c.1925-40); École d’Ulm (HfG Ulm) (1953-1968); et postmodernisme (après 1970).
Louis XIV, XV, XVI Styles de design d’intérieur français (1640-1792)
Sans doute la plus grande époque de la décoration d’intérieur dans l’histoire de l’art, les 17ème et 18ème siècles en France ont connu une recrudescence de Art décoratif français au château de Versailles et d’autres châteaux royaux. Dirigé par Designers français comme Charles Le Brun, André Le Notre et d’autres, il a produit certains des meilleurs Meubles français jamais vus, généralement classés dans les styles Louis Quatorze, Régence, Louis Quinze et Louis Seize.
Mouvement des arts et métiers (c.1862-1914)
Ce mouvement britannique du design et des arts décoratifs, dirigé par William Morris (1834-1896) ont favorisé la revitalisation de l’artisanat et les vertus morales, sociales et esthétiques de l’artisanat honnête par rapport à la production industrielle en série. Concernant principalement l’architecture et art décoratif , comprenant vitrail , textiles, articles d’ameublement, tissus imprimés (chintzes), art de la tapisserie , papier peint, meubles, bijoux , Sculpture sur bois, ferronnerie , céramique et art de la mosaïque . Il a été inspiré par l’artisanat médiéval, rural art folklorique , et Art japonais (comprenant Gravures sur bois Ukiyo-e ), même si ses défenseurs étaient unis non pas tant par un style particulier que par un objectif commun – le désir de faire revivre un savoir-faire honnête, d’éliminer les préjugés de la hiérarchie des arts (qui beaux arts mais décrié art appliqué ) et de créer un art abordable pour tous. Le mouvement a engendré des groupes de même opinion en Amérique et a fortement influencé le Wiener Workstatte – les ateliers d’artisanat créés par le Sécession de Vienne en 1903 – le Sécession de Munich (1892), le Sécession de Berlin (1898) et le Deutscher Werkbund , en Allemagne. Pour plus d’informations, veuillez consulter: Mouvement des arts et métiers .
Art nouveau (c.1890-1914)
L’idiome hautement décoratif connu sous le nom Art Nouveau , a été le premier grand style de design international à promulguer la notion selon laquelle l’art devrait faire partie de la vie quotidienne. Désormais, at-il insisté, aucun objet de la vie courante, aussi fonctionnel soit-il, ne devrait être négligé en tant que source de valeur esthétique. Il a également promu l’idée de rassembler tous les dessins dans un même idiome. Caractérisé par des formes et des motifs curvilignes tirés de structures organiques, de Dessins celtiques et aussi à partir de formes géométriques simples, le style s’applique à l’architecture, à la décoration intérieure, à la verrerie, aux bijoux, art de l’affiche et illustration (voir en particulier Aubrey Beardsley ) ainsi que la peinture et la sculpture. L’Art nouveau a été stimulé par le Mouvement néo-celtique et l’ Exposition Universelle de 1900 tenue à Paris, à la suite de quoi elle se répandit dans toute l’Europe et outre-mer jusqu’en Amérique et en Australie. Un style explicitement moderne, il a été appelé par différents noms dans différents pays: Jugendstil en Allemagne; Sezessionstil en Autriche; Le modernisme en Catalogne; Paling Stijl ou Style des Vingt ; en Belgique; Stile Liberty en Italie; Stil Modern en Russie; et le style Tiffany en Amérique. Son incursion dans art abstrait ont été pris plus loin par les artistes et les architectes du 20ème siècle, tels que Hector Guimard (1867-1942). Le mouvement a été remplacé dans les années 1920 par l’Art Déco.
Graphismes célèbres de l’Art Nouveau
Pour en savoir plus sur les célèbres affiches du mouvement, rendues possibles par le "procédé lithographique à trois pierres" inventé par Jules Cheret (1836-1932) et avancé de Alphonse Mucha (1860-1939) et Leonetto Cappiello (1875-1942), voir: Histoire de l’affiche .
Les ballets russes de Diaghilev
En 1909 Sergei Diaghilev a pris d’assaut Paris quand il a lancé la première saison de son Ballets Russes compagnie de ballet en tournée. Outre les danses de Nijinski et de Pavlova, son succès est dû aux somptueux dessins de ses décors et costumes exotiques, supervisés par Leon Bakst (1866-1924) et Alexandre Benois (1870-1960).
Ecole de design Bauhaus (1919-1933)
Une école allemande extrêmement influente de Architecture du 20ème siècle et d’autres formes de design, y compris artisanat , le Bauhaus ("maison de construction" en allemand) a été créé à Weimar par Walter Gropius (1883-1969). Célèbre pour son approche moderne de l’éducation artistique, qui a éliminé le fossé habituel entre les arts "fins" et "appliqués" et redéfini la relation entre le design et les méthodes de production industrielle, elle espérait créer des produits à la fois artistiques et commerciaux. En particulier, il visait à former les étudiants à être tout aussi à l’aise avec le design, l’artisanat et les méthodes de production en série. le École de design Bauhaus dura jusqu’en 1933, à trois endroits – Weimar, Dessau et Berlin – et sous trois administrateurs – Gropius 1919-1927, Hannes Meyer 1927-1930 et Ludwig Mies van der Rohe 1930-1933 – jusqu’à ce que le gouvernement nazi le force à fermer ses portes. Lui-même influencé par la simplicité et la fonctionnalité du 19ème siècle Style Biedermeier Bauhaus a exercé une grande influence sur le design artistique, notamment dans les domaines de l’architecture, du graphisme, de la décoration intérieure, du design industriel et de l’artisanat. À la fermeture, bon nombre de ses instructeurs se sont dispersés dans le monde: par exemple, Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946) a ouvert un New Bauhaus, puis son propre Institute of Design à Chicago; Joseph Albers (1888-1976) a enseigné les arts avancés au Black Mountain College, en Caroline du Nord; Max Bill (1908-94) alla enseigner à la Haute école d’art appliqué de Zurich avant de devenir le premier directeur du High School of Design d’Ulm (chargé de l’architecture et du design industriel), considéré comme le successeur du Bauhaus. Mies van der Rohe est allé à Chicago où il a influencé une génération de Architectes américains avec son moderniste architecture de gratte-ciel . Gropius a également émigré aux États-Unis, où il est devenu chef du département d’architecture de l’Université de Harvard, avant de créer The Architects Collaborative en 1952.
De Stijl (1917-31)
De Stijl (Néerlandais pour "le style") était une alliance lâche d’architectes, d’artistes et de designers – dont beaucoup provenaient d’un calviniste hollandais – qui se sont regroupés autour du peintre et de l’architecte Theo van Doesburg (1883-1931), au cours de la période 1917-1931. Les principes esthétiques du groupe ont été publiés (novembre 1918) dans le périodique De Stijl, qui a été utilisé pour propager leurs idées sur art concret et design. Croyant que la guerre avait sapé toutes les valeurs traditionnelles, De Stijl préconisait un type de dessin artistique plus propre, plus éthique, réduit à ses éléments fondamentaux de forme, de couleur et de ligne, qui pourrait influencer toute culture et conduire à un renouveau de la culture. société. Influencé par le constructivisme soviétique Vladimir Tatlin (1885-1953), le groupe était associé aux deux Néo-plasticisme (Mondrian) et sa forme révisée de Élémentarisme (Van Doesburg). Les membres principaux du groupe comprenaient Van Doesburg, Piet Mondrian (1872-1944), Bart van der Leck (1876-1958), Georges Vantongerloo (1886-1965) et Friedrich Vordemberge-Gildewart (1899-1962), aux côtés des architectes Gerrit Rietveld (1888-1964) et JJP Oud (1890). –1963). En outre, les architectes De Stijl s’inspirent des conceptions architecturales du designer néerlandais Hendrick Petrus Berlage (1856-1934). Frank Lloyd Wright (1867-1959), dont l’idée selon laquelle la maison serait le produit d’un "design total" ( gesamtkunstwerk ) correspondait parfaitement à leurs propres idées, comme l’illustre la maison Schroder de Rietveld à Utrecht. Dans l’ensemble, De Stijl a exercé une influence déterminante dans les domaines de la conception architecturale et des arts appliqués, notamment l’art typographique et la conception de meubles. Bien que déjà en déclin à la mort de Doesburg, De Stijl eut un impact important sur les conceptions du Bauhaus et divers autres mouvements impliqués dans art non objectif , comme Abstract-Creation et CIAM, ainsi que d’autres modernistes comme le Corbusier (1887-1965), un influent architecte franco-suisse.
Art déco (c.1925-40)
le Art Déco style était la principale mode en matière de design et de décoration des années 1920 et 1930: voir notamment Architecture américaine du temps, impliquant notamment les gratte-ciel de New York. Présentant des formes géométriques épurées, il décrit le paysage urbain et la nouvelle gamme d’activités de loisirs et d’activités sociales des «années folles»; il injectait des objets ordinaires avec un caractère réel en leur donnant un aspect lisse et cool. L’Art déco devait beaucoup à plusieurs des principaux styles artistiques des années 1900 et 1910, empruntant des œuvres audacieuses. Couleur de Le fauvisme , motifs géométriques de Cubisme , formes de machine à partir de Constructivisme et Futurisme , et une approche unificatrice de l’Art Nouveau. L’Art Déco s’inspire également de l’art aztèque, de l’art égyptien et de l’antiquité classique. Cependant, contrairement à son prédécesseur Art Nouveau, l’Art Déco n’avait aucune prétention philosophique – il était purement décoratif. Bien qu’elle décrive principalement un style pour les designers d’intérieur et les graphistes, notamment dans les domaines du meuble, de la métallurgie, de la céramique, de la verrerie et de la reliure, elle s’applique également à l’architecture, au stylisme de mode, à la sculpture et à la peinture: voir, par exemple, Tamara Lempicka (1898-1980) et des œuvres de style classique (1918-24) de Picasso (1881-1973). L’idiome a engendré des sous-mouvements tels que Novecento Italiano et Corrente (Italie), et Le précisionisme (Amérique). Une renaissance de l’Art déco a eu lieu dans les années 1960, lorsque le nom a été inventé.
École de design d’Ulm (Hochschule fur Gestaltung) (1953-1968)
Fondée en 1953 par Max Bill (1908-94), Inge Aicher-Scholl et Otl Aicher, la Ulm School of Design obtint rapidement une reconnaissance internationale et fut considérée comme le successeur naturel du Bauhaus. Au cours de ses 15 années d’existence, il a excellé dans l’étude de la sémiotique (signes et symboles), la conception de produits, la construction industrielle et la réalisation de films. Au cours de ce processus, il a mis au point un enseignement du design basé sur une approche structurée de la résolution de problèmes et un mélange de science et d’art. Au début de sa vie à l’Ulm Volkshochschule (institut d’éducation des adultes), son personnel enseignant comprenait les anciens instructeurs du Bauhaus, Josef Albers, Johannes Itten et Walter Peterhans, et la diplômée du Bauhaus Helene Nonne-Schmidt, rejoints plus tard par Hans Gugelot, Walter Zeischegg, Otl Aicher., Friedrich Vordemberge-Gildewart et Tomas Maldonado. Parmi les conférenciers invités figuraient Mies van der Rohe, Walter Gropius, Ray Eames, Josef Muller-Brockmann, Herbert Bayer, Reyner Banham, Hugo Haring, Konrad Wachsmann, Buckminister Fuller, Theodor Heuss, Norbert Weiner et Mia Seeger. En 1957, Max Bill quitta Ulm lorsqu’il fut décidé que les considérations esthétiques n’étaient plus la base conceptuelle principale du design. Sous la nouvelle direction de Tomas Maldonado, l’école de design a abandonné son objectif "artiste" au profit d’une nouvelle philosophie du design qui incarne à la fois l’art (esthétique) et la science (critères de matériau, de fabrication et d’utilisation du produit). Parallèlement, l’école a mis en place un certain nombre de groupes de développement afin de créer des liens avec l’industrie. Cela a abouti à plusieurs collaborations de conception réussies avec des sociétés telles que Braun, Lufthansa et la compagnie de chemin de fer de Hambourg. Cependant, en fin de compte, des désaccords persistants entre le personnel enseignant de l’école, la hiérarchie administrative et ses sponsors gouvernementaux ont conduit à sa fermeture.
Postmodernisme (après 1970)
Comme Art postmoderniste , le design postmoderniste se caractérise par: un mélange délibéré de styles différents, souvent empreints d’humour, une superficialité égocentrique, une ornementation accrue et des références culturelles ou symboliques contemporaines. Les conceptions architecturales postmodernistes étaient une révolte contre le super-fonctionnalisme de l’architecture d’après-guerre. Nous voyons donc apparaître des structures aussi étranges, non fonctionnelles mais très ornées que le Centre Pompidou à Paris. Voir aussi le titanium-plaqué Musée Guggenheim Bilbao , conçu par Frank O. Gehry (B.1929), ainsi que le style des années 1990 de Blobs ou Blobitecture , illustrés par la gare routière de l’hôpital Spaarne de Hoofddorp, aux Pays-Bas. Généralement, les dessins artistiques de artistes postmodernistes se caractérisent par un manque d’uniformité (plus grande fragmentation, plus de pluralisme) et par l’utilisation novatrice d’images populaires, de matériaux et de couleurs inhabituels. (Pour plus d’informations sur le postmodernisme, voir: Art contemporain .)
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