Art de la bijouterie: histoire, techniques d’orfèvrerie Automatique traduire
Contenu
L’art de l’orfèvre
Un métallurgiste spécialisé
dans l’artisanat d’or et précieux
les métaux sont connus comme un orfèvre.
Traditionnellement, les orfèvres ont
également travaillé avec de l’argent, du platine,
alliages comme le bronze, le cuivre, le plomb,
et le fer ainsi que des pierres précieuses.
Orfèvrerie comprend le classement,
souder, scier, couler,
fondre, polir une gamme de
métaux précieux, compétences qui
utilisé pour être acquis par
stages en ateliers
dirigé par des orfèvres pratiquants.
Aujourd’hui, beaucoup d’étudiants s’entraînent à
bijoux Arts Arts consacrés
à l’orfèvrerie et précieux
fabrication des arts métalliques. Autre
grandes écoles d’art, comme le
L’Ecole des Arts Décoratifs de
Paris, jouent également un rôle important
rôle éducatif. Célèbre
les orfèvres incluent: Lorenzo
Ghiberti, Sandro Botticelli,
Luca Della Robbia, Antonio
Pollaiuolo, Del Verrocchio,
Benvenuto Cellini, Posier,
Nicholas Hilliard, René Lalique,
Gustav et Peter Carl Fabergé.
introduction
Jugée art décoratif, les bijoux sont l’une des catégories les plus anciennes de ferronnerie. Il existe de nombreux types de bijoux, notamment: couronnes, diadèmes, colliers, boucles d’oreilles, amulettes, bracelets, bagues, clous, broches, torchons, chaînes, épingles à cravate, épingles à cheveux, boucles de ceinture et de chaussures, bracelets de cheville et l’orteil sonne. Fabriqué par des orfèvres, ainsi que par d’autres maîtres artisans comme des orfèvres, des gemmologues, des tailleurs de diamants et des lapidaires, les bijoux sont prisés à la fois. esthétique et la valeur de ses composants, qui comprennent généralement de l’or ou de l’argent, et une variété de pierres précieuses et semi-précieuses. Ces ornements décoratifs ont été réalisés à l’époque de la préhistoire – comme le confirment les peintures rupestres montrant des personnages portant des colliers et des bracelets – et sont depuis devenus un trait habituel de la plupart des cultures à travers les âges. Un type important de Art égyptien ainsi que les plus nomades Culture celtique, les bijoux étaient une caractéristique de l’art byzantin dans la Kiev médiévale, Art africain à travers le continent noir, Art océanique dans le Pacifique et dans les cultures aztèque et inca des Amériques. En effet, les bijoux – comme Body painting et peinture de visage – a été un élément fondamental de art tribal depuis des millénaires. Les bijoux ont également été utilisés pour orner des armes, ainsi que des objets cérémoniels et religieux. À l’ère de l’art moderne, des mouvements comme Art Nouveau et le plus tard Art Déco, a inspiré de nouvelles gammes de bijoux décoratifs, tandis que de nombreux artistes célèbres se sont frottés aux bijoux conception parmi lesquels: Picasso, le sculpteur Alexander Calder, les surréalistes Meret Oppenheim et Salvador Dali et l’artiste montiste Louise Nevelson. Parmi les bijoutiers les plus célèbres figurent Fabergé de Russie, Tiffany & Co de New York et René Lalique et Cartier de Paris.
Matériel de bijouterie
L’un des plus chers types d’art, les composants de base des bijoux comprennent la tôle, le métal moulé dans un moule et le fil. Le métal le plus utilisé est l’or, en raison de sa malléabilité, de sa ductilité, de sa couleur et de sa valeur. Les feuilles d’or peuvent être embossées, pressées ou percées de formes décoratives, tandis que le fil d’or est souvent utilisé pour assembler des bijoux ou pour fabriquer des chaînes. Les métaux précieux moins coûteux utilisés dans la fabrication de bijoux comprennent l’argent et le platine, ainsi que des alliages comme le bronze et des métaux non précieux comme le cuivre et l’acier.
Outre les métaux, la fabrication de bijoux comprend également des pierres précieuses et semi-précieuses. Les diamants sont traditionnellement les pierres précieuses les plus prisées et leur couleur varie du jaune au blanc bleuâtre. Les autres pierres précieuses sont les rubis (rouge), les émeraudes (vert) et les saphirs (bleus), ainsi que le chrysobéryl (jaune / vert) moins coûteux, la topaze (yello / bleu) et le zircon (brun / translucide). Les perles, bien que d’origine animale plutôt que minérale, sont également considérées comme des pierres précieuses. Parmi les pierres semi-précieuses populaires utilisées par les bijoutiers figurent: améthyste (violet / violet), grenat (rouge foncé), opale (blanc laiteux), aigue-marine (bleuâtre / vert), jade (vert), lapis lazuli (bleu), malachite (vert clair). Un autre matériau important utilisé pour créer des revêtements est le verre fondu ou l’émail.
Tous ces composants sont façonnés dans la forme souhaitée à l’aide de techniques mises en œuvre à l’aide d’outils.
Techniques de bijouterie
Les techniques de travail des métaux les plus courantes utilisées par les orfèvres, orfèvres et lapidaires pour créer des bijoux sont la coulée, le découpage, le soudage ou le soudage et l’assemblage à froid (utilisation d’agrafes et de rivets pour l’assemblage de pièces). Les techniques décoratives plus avancées comprennent le gaufrage, le repoussé, la gravure, l’émaillage (types: champlevé, cloisonné, basse taille, plique-à-jour), la granulation et la décoration en filigrane. Lorsqu’il s’agit de tailler des pierres, les pierres précieuses peuvent être taillées pour créer des motifs gravés / gravés sur les pierres elles-mêmes, ou elles peuvent être coupées (à partir de pierres panachées telles que l’onyx ou l’agate) pour former des camées.
Gaufrage
C’est un processus utilisé pour créer des motifs en relief ou en creux dans une feuille de métal. Le repoussé est un type courant de gaufrage, une technique dans laquelle une feuille de métal malléable est façonnée par martelage de l’envers afin de créer un motif en bas-relief. Une autre technique de gaufrage apparentée est connue sous le nom de Chasing. C’est la technique opposée à la repousse, dans la mesure où la repousse agit sur le revers de la feuille métallique pour créer un motif en relief sur le devant, tandis que la poursuite sert à créer des motifs sur le devant de la feuille en enfonçant la surface du métal.
Émaillage
La technique traditionnelle de l’orfèvre émaillage, qui remonte à la fin de l’art romain et au début de l’art byzantin, consiste à revêtir le métal d’émail vitreux (émail de porcelaine), un matériau à base de verre en fusion qui durcit pour donner un revêtement lisse et durable. L’émail peut être transparent, opaque ou translucide, tandis qu’un large éventail de couleurs et de nuances peut être ajouté au verre fondu en le mélangeant à divers minéraux, tels que les oxydes métalliques tels que le cobalt, le fer, le néodyme, le praséodyme, etc.
Champlevé
Nommé d’après le mot français pour "raised field", émaillage champlevé est une technique ancienne conçue pour ajouter de la couleur et du lustre aux bijoux en métal – dans laquelle les creux sont enfoncés dans la surface d’un objet en métal, rempli d’émail vitreux et cuit. Une fois refroidi, la surface de l’objet est polie pour créer une brillance supplémentaire. La méthode a d’abord été pleinement exploitée par les orfèvres romans pour l’ornementation de plaques, de cercueils et de vases, comme l’illustre le triptyque de Stavelot.
Cloisonné
Plus difficile que le champlevé, Cloisonné est un autre type de processus d’émaillage. Alors que champlevé crée des compartiments creux d’émail décoratif, les émailleurs cloisonnés soudent des bandes de métal plates (ou des fils d’argent / d’or) sur la surface de l’objet en métal, créant ainsi des compartiments à mini-paroi (en français) qui sont ensuite remplis d’émail et cuits..
Basse-Taille
Encore une autre méthode de travail de l’émail, elle est semblable au cloisonné, à la différence que les sols des «compartiments» sont gravés d’un dessin en bas-relief. Les compartiments sont ensuite remplis d’émail translucide permettant de voir le dessin à travers. Un excellent exemple de cette technique est la Coupe d’or royale française (XIVe siècle), réalisée à l’âge de Art gothique international.
Plique-à-jour
Cette technique d’orfèvrerie s’apparente également au cloisonné, mais les compartiments créés n’ont pas de support. (Un support temporaire est éliminé une fois que l’émail a refroidi après avoir été cuit.) Ceci permet à la lumière de briller à travers les émaux transparents utilisés, à la manière de vitrail. Plique-à-jour est une technique notoirement difficile et longue avec un taux d’échec élevé.
Niello
Inventé par les Égyptiens et utilisé par les Romains, Niello est une technique décorative utilisée par les orfèvres et orfèvres dans laquelle un mélange noir de soufre, de cuivre, d’argent ou de plomb sert de marqueterie aux motifs gravés à la surface d’un objet en métal argent). Les objets décorés de cette manière sont appelés nielli. La technique a atteint son zénith en Art de la première Renaissance, aux mains de l’orfèvre florentin Maso Finiguerra (1426-64).
Histoire de la bijouterie
Voir également Histoire des arts
Histoire ancienne
Bien que les bijoux soient nés pendant Culture paléolithique Les exemples les plus anciens sont ceux de la tombe royale de la reine Pu-abi à Ur, en Sumérie, datant du troisième millénaire avant notre ère. (Voir également: Art mésopotamien et Sculpture Mésopotamienne.)
Parmi les autres pièces anciennes, citons celles prises dans la tombe du roi Toutankhamon (vers 1320 av. J.-C.). Les bijoux étaient un élément important de Culture minoenne et ensuite Art grec, dont l’influence et les styles ont imprégné toute la Méditerranée orientale – notamment à l’époque des Culture hellénistique – Des bijoux inspirants dans Art étrusque (Continent italien) ainsi que la région de la mer Noire. Les artistes hellénistiques, qui maîtrisaient parfaitement les dessins miniatures, furent à leur tour influencés par Art persan ancien, suite à la défaite de l’empereur Darius par Alexandre le Grand.
Avec le déclin du pouvoir politique grec (300-200 AEC), La Tene culture celtique – notamment des bijoux personnels – ont commencé à pénétrer d’Europe centrale en France, en Italie et en Ukraine. Au cours de la Pax Romana, l’utilisation des bijoux s’est généralisée, Rome devenant un centre d’ateliers d’orfèvrerie. Dans les provinces romaines d’Europe occidentale, on assiste à une renaissance de l’artisanat celtique, illustrée par le Petrie Crown – créé selon la méthode repoussé de 200 à 100 ans avant notre ère – et le délicieux Collier doré (torc), créé au 1er siècle avant notre ère.
Art celtique fait généralement référence aux œuvres des anciens Celtes, créées au cours de la culture de Hallstatt (vers 800-450 avant notre ère) ou de la culture de La Tene (vers 450-50 avant notre ère): plus tard Art celtique, y compris la belle Broche Tara (argent doré avec un fil d’argent tricoté, décoré d’un entrelacs celtiques complexes), est classé dans la catégorie "art insulaire" de la Grande-Bretagne et de l’Irlande du haut Moyen Âge. Parmi les autres œuvres de Beibeweled de cette époque hiberno-saxonne, on compte les œuvres ecclésiastiques. manuscrits enluminés et des trésors comme la boucle de ceinture Sutton Hoo, fabriquée au 7ème siècle, connue pour ses affinités avec les bijoux et les motifs de style celtique. (Voir également: Art de bijoux celtique.) Pour d’autres exemples de Enluminure de manuscrit médiéval nécessitant des ornements en pierres précieuses, voir: Manuscrits romans enluminés (1000-1150) et Manuscrits enluminés gothiques (1150-1350).
Très peu de bijoux ont été fabriqués pendant l’âge des ténèbres en Europe, à l’exception de ceux créés à l’époque de Art byzantin (c.500-1450), centré à Constantinople. Contrairement aux Romains et à des tribus comme les Celtes et les Francs, les concepteurs byzantins utilisèrent la feuille d’or plutôt que de l’or massif et mettaient davantage l’accent sur les pierres et les gemmes. À Kiev, au cours de la période comprise entre environ 950 et 1237, la fabrication de bijoux en général et l’art du cloisonné et du niello en particulier ont été portés à de nouveaux sommets par des orfèvres byzantins. Une grande collection de bijoux et d’autres objets précieux peut être admirée au Musée ukrainien des trésors historiques, à Kiev.
Une autre école régionale influente de la métallurgie romane était l’école de Art mosan qui a grandi dans la vallée de la Meuse en Belgique, aux 11ème, 12ème et 13ème siècles. Centré sur l’évêché de Liège, les orfèvres mosan aiment Nicolas de Verdun (c.1156-1232) et Godefroid de Claire (c.1100-73) ont démontré une maîtrise absolue de l’émaillage, à la fois champlevé et cloisonné.
Au moment de la Renaissance italienne, la fabrication de bijoux en Europe avait atteint le statut de beaux arts.
La Renaissance (environ 1400-1600)
Italie
La richesse de l’inspiration qui Art de la Renaissance apporté en Europe à la fin du quattrocento (15ème siècle) et au début du cinquecento (16ème siècle) a eu une profonde influence sur l’art du bijoutier. La nouvelle esthétique est venue d’Italie, véritable foyer de l’amour de l’antiquité. Cela se reflète fidèlement dans les joyaux de l’époque; et quand on se souvient que les ateliers, les botteghe, des orfèvres étaient les écoles où certains des plus grands praticiens de l’art de la Renaissance ont été formés, il est facile d’expliquer la beauté et la qualité des bijoux fabriqués.
Lorenzo Ghiberti (1380-1455) avait commencé sa carrière d’orfèvre avant la fin du XIVe siècle; après lui est venu Sandro Botticelli (1445-1510), Antonio Pollaiuolo (1432-98), Luca Della Robbia (1400-1482) et Andrea del Verrocchio (1435-1488), tous formés comme orfèvres. En Allemagne, Albrecht Durer (1471-1528) était le fils d’un orfèvre. C’est ainsi que dans le portrait d’art de l’époque, les bijoux sont dépeints avec un très grand soin, de l’affection et de la compréhension.
Les modes se sont répandues d’Italie à travers l’Europe très rapidement et, en quelques années, les objets de décoration de base ont complètement changé; des nymphes, des satyres et des déesses olympiennes ont envahi les cours et les grandes demeures princières à la séduction païenne.
Les plaques gravées occupent une place importante dans cette activité exubérante. Un peintre tel que Hans Holbein (1497-1543) et architecte du calibre de Jacques Androuet du Cerceau, n’a pas dédaigné de créer des motifs pour des bijoux; et d’autres artistes en ornement, dont certains également des orfèvres, ont emboîté le pas. Les dessins de Virgil Solis (c.1540) de Nuremberg, de Hans Mielich (c.1570) de Munich, d’Etienne Delaune (c.1560) en France, d’Erasmus Hornick (1562) de Nuremberg témoignent de l’existence de quoi On pourrait appeler cela un style international. En effet, il existe de telles similitudes entre les joyaux de cette période qu’il est parfois presque impossible de préciser leur origine. Le problème devient encore plus difficile lorsqu’il s’agit d’identifier l’orfèvre qui les a fabriqués. Les documents contemporains mentionnent de nombreux orfèvres mais, pour la plupart, ils ne sont que des noms. Dans ce contexte, il convient de noter qu’aucun bijou ne peut être clairement identifié comme le travail de Benvenuto Cellini (1500-71), considéré à présent comme l’artiste le plus célèbre de son époque dans ce domaine particulier. Nous ne possédons que les descriptions que le maître a laissées dans ses écrits et son autobiographie. Celles-ci montrent que Cellini attachait beaucoup plus d’importance à ses lavori di minuteria, aux autels ou aux tables princières en or, qu’aux bijoux au sens strict du terme.
Un point qui ressort clairement des pièces qui nous sont parvenues est que les pierres précieuses ont joué un rôle accessoire dans l’utilisation de l’or émaillé. De plus, les pierres montrent peu de variété dans la taille; les pierres de couleur sont fréquemment taillées en table, à plat, en cabochon, arrondies, sans facettes et polies. Les diamants étaient généralement taillés en pyramides en pointe, en coupe plate ou en dos d’ane arrondis ) dos d’ âne). Coupés de cette manière, ils pourraient difficilement montrer le feu pour lequel ils sont célèbres.
Parmi les bijoux conservés de cette époque, les plus nombreux sont les enseignes, un type de médaillon porté par les hommes sur le chapeau, et les pendentifs qui étaient portés sur la poitrine ou comme ornement central de chaînes et de colliers. Le portrait d’une femme inconnue, du grand peintre vénitien Tintoret (1518-1594) nous donne une idée de la façon dont ils ont été portés.
L’ enseigne traditionnellement poursuivie par Ghiberti pour Cosimo de ’Medici, semble être postérieure (note: "chasser" est un type d’émaillage); L’intérêt pour la pièce réside principalement dans la nature très sculpturale du centre du médaillon représentant St John in the Desert. Cette tendance est à nouveau visible dans l’ enseigne qui montre saint Jean l’évangéliste, dans laquelle la composition est à grande échelle compte tenu des petites dimensions de la pièce. Une autre enseigne n’est rien de moins qu’une minute de bas-relief en or; la scène de combat est gérée avec courage et virtuosité. Dans d’autres œuvres, l’émail occupe une place plus importante, recouvrant en partie des motifs et des personnages, apportant un élément de couleur attrayant, mais minimisant la qualité fine de la chasse. C’est le cas de l’ enseigne qui aurait appartenu à Don Jean d’Autriche, qui décrit la conversion de saint Paul; la profusion de chiffres et les effets de perspective témoignent d’une certaine maladresse de conception.
Par leur forme, les enseignes ont tendance à être monotones, mais les pendentifs témoignent d’une charmante richesse d’invention. Sur le revers de l’un, Apollon et Daphné sont visibles au milieu d’une abondance de feuillages entrelacés, parmi lesquels des sirènes, des garçons et des guerriers tournent. La combinaison richement polychrome de différents émaux confère à la pièce de la gaieté et un effet saisissant. L’antiquité fournissait aux concepteurs d’ornements et aux orfèvres une source d’inspiration dont ils tiraient grandement profit, mais les bijoux datant des époques grecque ou romaine étaient pratiquement inconnus au XVIe siècle et ne pouvaient servir de modèles, à l’exception quelques camées antiques, conservés au moyen âge, non seulement rassemblés avec zèle, mais également imités.
La mode des portraits de camées s’est rapidement répandue. De plus, les orfèvres offraient aux princes et aux têtes couronnées des ressemblances qui n’étaient pas gravées comme les camées; une enseigne montrant Charles-Quint, datée de 1520, travaillée dans l’émail sur or, est une technique virtuose. Plus fréquemment, le profil, comme celui des médailles, est en or reposant sur un sol de pierre dure; celle de Charles Quint, copiée sur une médaille de Leoni, se détache sur une plaque de pierre de sang dans un boîtier en lapis-lazuli.
Pour nos yeux modernes, ces pièces semblent être des objets de collectionneurs – ce qu’elles sont devenues, en fait – plutôt que des bijoux faits pour être portés; néanmoins, ils se sont parfaitement fondus dans la somptueuse tenue à la mode italienne au cours du XVIe siècle.
Le portrait d’Eleanor of Toledo, épouse de Cosimo de ’Medici, par Agnolo Bronzino (1503-72) révèle un goût qui, bien que austère à son époque, semble maintenant élégant. Sur le somptueux brocart de la robe, la parure [remarque: une parure est un ensemble de bijoux destinés à être portés ensemble] est composée presque exclusivement de perles, bordant le voile transparent sur les épaules, tandis que deux rangées de très grandes perles encerclent le cou et tomber sur le corsage. Cette simplicité raffinée mais coûteuse ne semble pas avoir été largement cultivée.
Les formes les plus variées et les plus imaginatives se retrouvent parmi les pendentifs. On voit souvent des pendentifs représentant des navires et, vers la fin du XVe siècle, un goût développé pour les pendentifs en forme de lettres de l’alphabet, généralement les initiales de leur propriétaire. La vogue a atteint son apogée au 16ème siècle. La liste des joyaux de la couronne française, dressée à l’époque de François Ier, fait référence à un bijou en forme de «Latin A», appartenant sans doute à Anne de Bretagne. Henri VIII possédait également des pendentifs de cette nature, sur lesquels ses initiales étaient reliées à celles de l’épouse particulière du moment. Ces pièces, probablement en raison de leur caractère extrêmement personnel, ont presque toutes disparu, mais deux réalisées pour Anne de Saxe ont survécu.
France
En France, François Ier a officiellement créé les joyaux de la Couronne par lettres patentes en 1530, afin de constituer un trésor inaliénable que chaque roi avait le devoir de transmettre à ses successeurs, soit intact, soit augmenté; jusqu’à la révolution, la loi était maintenue à quelques rares exceptions près. La liste dressée sous l’ordre de François Ier présente une collection encore embryonnaire, dont les plus belles pièces proviennent de la première épouse du roi, Claude de France, qui les avait reçues de sa mère, Anne de Bretagne. Plusieurs pierres importantes sont précisées, parmi lesquelles un gros rubis appelé Côte de Bretagne, la seule pièce que l’on puisse retrouver aujourd’hui au Louvre, bien qu’elle ait été recoupée au XVIIIe siècle sous la forme d’un dragon.
Dans l’institution des joyaux de la couronne en tant qu’entité légale, François Ier était peut-être motivé par le désir de conserver un patrimoine fabuleux, mais le facteur économique ne peut être ignoré à la légère. Sous le règne de ses successeurs, et plus particulièrement en ce qui concerne les dépenses liées aux guerres de religion, un certain nombre de pierres servent de garantie à des emprunts extérieurs, notamment italiens. La correspondance de Catherine de Médicis nous permet de suivre les voyages de quelques-uns des plus beaux trésors laissés en garantie, parfois pendant de longues périodes, par des banquiers florentins ou vénitiens. Ces difficultés financières ont été à peine atténuées par le paroxysme du luxe auquel se livraient les derniers Valois. À l’occasion de leur mariage, Elisabeth d’Autriche, épouse de Charles IX, reçut pas moins de cinq parures complètes composées de diamants, d’émeraudes, de perles et de rubis. Le portrait de la reine par Clouet donne une idée très précise de leur composition et de la manière dont ils ont été portés. Elle porte une bordure autour de ses cheveux, un carcanet (collier orné de bijoux) entoure son cou et un collier repose sur ses épaules; devant, le collier est relié au centre du buste par un pendentif. Souvent, la ceinture était enrichie de bijoux et se terminait par une longue chaîne suspendue devant la jupe. La chaîne se terminait généralement par un bijou, appelé dans les anciens inventaires soit le brevet, soit la bague, mot qui, selon nous, signifie bague, mais qui, au XVIe siècle, désignait n’importe quel bijou.
L’un des rares joyaux conservé dans sa monture d’origine, dont on peut dire avec certitude qu’il appartenait à François Ier, est un médaillon représentant Léda et le cygne. Au revers, il porte le chiffre royal FF et le signe d’une salamandre.
François Ier avait également amené d’Italie Matteo del Nassarro, un sculpteur de pierres fines, qui a fait plusieurs camées montrant le profil du roi. Une grande sardonyx ovale de Diane de Poitiers montre le degré de perfection atteint par les artisans français dans ce domaine, même si l’auteur de l’œuvre reste inconnu.
Angleterre
En Angleterre, la cour d’Henri VIII n’était pas moins luxueuse que celle de François Ier, car la confiscation des monastères lui fournissait d’immenses avoirs, des terres et une grande quantité d’or et de pierres précieuses. Du sanctuaire de saint Thomas Becket, seuls deux coffres de trésors, que six ou huit hommes pouvaient à peine supporter de porter.
Dans la majorité de ses portraits, par exemple celui de Hans Holbein, le roi porte un somptueux col en or forgé orné de perles et de rubis – alternativement ovales et carrés – qui étaient célèbres à l’époque. Son chapeau, ses manches et le devant de son doublet coupé sont ornés d’énormes rubis pareillement fixés. Les plus belles pierres des collections royales semblent avoir été conservées pour lui, malgré le fait que ses épouses successives ont reçu de magnifiques parures. Ces splendeurs ont disparu; mais certains joyaux plus simples de son époque, encore préservés, révèlent une variété considérable de dessins. Les pomandres portées à la taille et conçues pour contenir des aromates en sont un exemple. d’après l’inventaire des joyaux de la couronne dressé en 1500, ces boules de musc étaient également à la mode en France; pas moins de quarante-cinq sont énumérés.
De plus, certaines parures sont presque entièrement constituées de boules creuses contenant soit du parfum en pâte, soit de l’ambre gris; Ces ornements parfumés étaient très en vogue en France, mais semblent être nés au Moyen Âge. Ils révèlent une grande partie d’une époque dans laquelle les règles d’hygiène les plus élémentaires étaient généralement négligées.
Les couvertures de livres étaient en or ou en argent depuis la période byzantine – voir Fabrication de manuscrits enluminés – mais à partir de la Renaissance, on les voit pendus à la taille; l’un d’eux, à la finition légèrement usée, montre d’un côté le serpent d’airain, et de l’autre le jugement de Salomon. Les sujets bibliques étaient très appréciés en Angleterre, même s’ils ne se limitaient pas à ce pays.
Un portrait de Lady Frances Sidney, peint dans la seconde moitié du siècle, montre à quel point on peut mener des recherches sur le costume; la figure tient une zibeline dont la tête est travaillée avec des bijoux. Erasmus Hornick de Nuremberg a publié en 1562 des modèles de bijoux de ce type et d’autres de poignées d’éventail, tous richement décorés.
Vers le début du 16ème siècle, les premières montres portables ont été faites; selon les portraits de l’époque, ils étaient généralement portés suspendus à la taille. Au début, ils n’ont pas adopté la forme ronde très logique qui est venue plus tard, mais tendent à prendre la forme de la croix, des médaillons miniatures ou de la forme de reliquaires; d’autres, agissant en quelque sorte comme un Memento Mori, ont une incidence sur la forme d’une tête de mort. Ces têtes de mort, os croisés, nœuds d’amour, larmes et autres raffinements, comme les appelait Brantôme, étaient également prisés pour les joyaux de deuil. Certaines pièces, la plupart d’origine anglaise, ont été fabriquées en forme de cercueil qui s’ouvre pour montrer un squelette travaillé en or émaillé. Celles-ci datent généralement du début du 17ème siècle.
Elizabeth I d’Angleterre apparaît dans ses nombreux portraits un peu comme une idole lointaine et coûteuse, liée par la double aura du célibat et du pouvoir. Ces ressemblances nous donnent une idée assez exacte de ses robes et de ses bijoux, même s’ils sont incapables de restituer ce charme exquis dont ses contemporains ont parlé de manière plus convaincante que lorsqu’ils se référaient à sa beauté tant vantée. On y trouve la cotière, le collier, le pendentif et, dans un premier temps, le carcanet qui a cédé la place aux énormes colliers à collerette des dernières années du 16e siècle et des premières années du siècle suivant. De son père, elle avait hérité de splendides rubis et d’un grand saphir qu’elle avait conservé, comme le montre le portrait de la Galerie nationale, dans le décor de la Rose Tudor. Le tissu de la robe est parsemé de perles, mais comme une ancienne facture de 1569 mentionne une livraison de cinq cent vingt perles à la reine pour un sou, nous savons que toutes les perles royales n’étaient pas authentiques. Il semble être devenu une coutume établie de présenter à la reine chaque cadeau de bijoux du Nouvel An, et les courtisans n’ont pas manqué de se conformer à cette coûteuse obligation, qui constituait probablement un investissement utile.
Nicholas Hilliard (1547-1619), le grand maître de portrait miniature, avait été attaché par Elizabeth à sa cour. Orfèvre accompli et petit-fils d’orfèvres, il était de son devoir d’aider à l’exécution des parures destinées au souverain ou données par elle. Le bijou Heneage est un exemple. Sir Thomas Heneage, trésorier de la guerre, l’a reçu en guise de remerciement pour ses efforts visant à lever des armées pour résister à l’Armada. Sur un fond d’émail bleu translucide, l’avant du bijou affiche le profil royal. Le revers montre une arche assaillie par une tempête accompagnée d’inscriptions pertinentes; Une fois ouvert, le bijou révèle une miniature de la reine de Hilliard datée de 1580. Il est naturel de supposer que tout le bijou est l’œuvre de Hilliard et d’assumer la même chose que le médaillon attribué à Sir Francis Drake, camée d’un La tête de Negro avec une miniature de la reine de Hilliard au verso.
Parmi les acquisitions les plus somptueuses d’Elizabeth I, il y avait les perles de Marie, reine d’Écosse, acquises à moindre coût après la mort de ce dernier, que l’on peut voir sur le portrait d’Elisabeth d’Isaac Oliver, un autre des plus grands peintres miniaturistes.
Empereur Charles Quint
Le soleil ne s’est jamais couché sur les domaines de Charles Quint, empereur d’Allemagne, archiduc d’Autriche, roi d’Espagne et de toutes ses colonies; ces terres ont bénéficié de la richesse du Nouveau Monde, des livraisons d’or et d’argent provenant des Indes que l’Europe a avalées avec avidité. Les grandes villes allemandes comme Augsbourg et Prague, à la fin du siècle, jouissaient d’une belle réputation pour le travail d’orfèvre, comme en témoigne la liste des bijoux appartenant à Claude, épouse de François Ier, où il est fait mention d’un patenotre d’ or ’de fabrication allemande’. Néanmoins, le style de ces pièces appartient aux ateliers de Florence et de Venise.
La couronne impériale fabriquée à Prague par l’orfèvre néerlandais Jan Vermeyen est peut-être l’apogée de l’orfèvrerie d’Europe centrale. Fait pour Rodolphe II en 1602, il appartient à la Renaissance tardive. La splendeur de la pièce est accentuée par l’importance des pierres avec lesquelles elle est ornée, qui donnent une idée des parures qui ont maintenant disparu, mais qui avaient été commandées autrefois par les souverains ostentatoires de l’époque. La couronne est surmontée d’un saphir et au centre du bandeau se trouve une grosse pierre rouge qui semblerait plutôt être un grenat qu’un rubis.
Des caractéristiques clairement distinctes peuvent être attribuées à tout un groupe de bijoux datant de la seconde moitié du XVIe siècle; les monstres marins, dragons et sirènes, exécutés avec de grandes perles baroques montées en or émaillé, font écho à la dessin d’Erasmus Hornick paru en 1562. Le thème connut un succès marqué; ils ne sont pas tous de fabrication allemande mais le plus célèbre d’entre eux, le joyau de Canning, l’est. Le rubis sculpté sur le corps et le rubis sur le pendentif doivent avoir été ajoutés pendant que le bijou était en Inde d’où Lord Canning l’a rapporté.
Les pendentifs en forme d’oiseaux entrent également dans cette catégorie; certaines ont été fabriquées en Allemagne, l’une d’elles ayant un revers émaillé dans le style de Corvinianus Sauer, un orfèvre bavarois rattaché à la cour de Christian IV du Danemark, et certaines en Espagne datant du premier quart du XVIIe siècle.
L’Espagne était un centre important pour les orfèvres au 16ème siècle, car elle fut enrichie plus que d’autres pays par la découverte des Amériques. Un médaillon qui peut être attribué à un atelier espagnol montre St George and the Dragon; il est dit traditionnellement qu’il appartenait à Henri VIII et fait partie d’un groupe de pièces présentant les mêmes caractéristiques. La composition est en gros relief, émaillée de couleurs vives, entourée d’or cannelé. Si l’austérité du costume était un prolongement de l’indépendance du caractère espagnol, cela n’empêchait pas les princesses de la cour de suivre certains modes françaises en ce qui concerne les bijoux; Un portrait d’Elisabeth de Valois, épouse de Philippe II, peint vers 1560 par Alonzo Sanchez Coello, montre la reine ornée d’un carcan, d’une cotière, d’une coiffe et d’une ceinture similaires à celles de sa belle-soeur. Elisabeth, épouse de Charles IX.
Epoque du roi Louis XIV (régné 1643-1715)
Les orfèvres de la Renaissance étaient principalement des chasseurs et des émailleurs; même dans les joyaux les plus somptueux, les pierres sont enchâssées et isolées par des montures d’or qui ont tendance à occuper une place de choix. Vers 1610-1620, l’approche du joyau change: la pierre est de plus en plus appréciée pour sa beauté intrinsèque; des progrès considérables ont été réalisés dans la coupe, en particulier en ce qui concerne les diamants. À partir des dernières années du XVIe siècle, on trouve la première mention dans les inventaires de la coupe en facettes, c’est-à-dire en rose ; puis vers 1640, nous entendons parler de coupe à seize surfaces. L’art de l’orfèvre cédait la place à celui du bijoutier; les décors émaillés étaient réduits au minimum et, dans la plupart des cas, ils étaient démodés pour des pierres de grande valeur, bien que les émaux soient toujours utilisés pour décorer le verso des bijoux.
Pour d’autres formes d’art décoratif en France sous les règnes de Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) et Louis Seize (XVI), voir: Arts décoratifs français (1640-1792), Meubles français (1640-1792) et Designers français.
Berquen dans sa préface aux Merveilles des Indes Orientales et Occidentales (1661) a commenté le changement. L’auteur était lui-même un orfèvre bruxellois qui avait travaillé à Madrid et était devenu célèbre à Paris. Il a écrit:
par-dessus tout, avant d’émailler, il faut veiller à ce que les couleurs de l’émail améliorent les pierres et puissent les faire correspondre. Les diamants ont besoin de noir, les pierres colorées exigent le blanc et la variété des couleurs.
L’art de l’émaillage n’a pas été entièrement dépassé par la nouvelle importance accrue des pierres, il a atteint un degré de perfection jamais égalé auparavant. L’émaillage de Jean Toutin de Châteaudun et de Jean Petitot, un Suisse ayant travaillé en Angleterre et en France, fait preuve d’une finesse remarquable, notamment dans les portraits. La technique du champleve (émaillage avec des poudres de verre dans des canaux découpés dans une base en métal) a également été couronnée de succès. La technique extrêmement difficile de l’ email en resille sur verre ne semble avoir été employé par qu’un ou deux artisans entre 1619 et 1624; elle consiste à prendre un médaillon de verre (généralement bleu foncé ou vert) et à découper le motif en taille basse pour former le décor, floral ou autre; les cavités sont ensuite remplies d’une feuille d’or très fine, puis au-dessus de ces émaux sont insérés, en utilisant différentes couleurs, en veillant à ce qu’ils se vitrifient à une température inférieure à celle de la plaque de verre qui constitue le support.
L’émail a survécu comme ornement pour le dos des bijoux. En outre, il a réalisé un triomphe dans deux domaines qui, apparus au XVIe siècle, ont acquis une vogue au XVIIe siècle: montres et étuis miniatures. Une montre française a un grand cabochon en saphir formant son verso; la couverture est composée d’un autre saphir entouré de petites pierres et révèle, lors de son soulèvement, un intérieur décoré de fleurs, d’un feuillage entrelacé et d’oiseaux; il a une délicatesse parfumée de composition.
La décoration florale devient de plus en plus naturaliste et commence à se substituer aux arabesques et figures stylisées de la Renaissance. La fondation des jardins botaniques en France par Henri IV devint une source d’inspiration nouvelle pour les artistes de l’époque. Parmi les nombreuses collections de gravures, le Livre des Fleurs de François Le Febvre et le Livre des fleurs propres pour orfèvres et graveurs de Jean Vauquer (vers 1680) suggèrent d’innombrables dessins basés sur ce thème. La forme en nacelle a été l’un des premiers motifs à être utilisé. Elle se voit sur le sertissage et le revers d’un camée montrant Louis XIII dans son enfance.
Le portrait de Claudia de ’Medici par Susterman (1625) montre une parure très influencée par la mode du feuillage et témoigne de la tendance au naturalisme qui affectait les bijoux purs. Le portrait a un autre intérêt pour nous, car il montre dans le costume lui-même la persistance de la tradition de haute austérité, initiée par les Habsbourg autrichiens et espagnols, qui affecte encore la cour italienne à cette date tardive.
Cette même tradition a continué à Madrid tout au long du 17ème siècle; Velazquez La reine Marie-Anna, épouse et épouse de Philippe IV, peinte vers 1650, est enveloppée dans les vastes jupes cercelées toujours à la mode, mais dépassées en France et en Angleterre vingt ans plus tôt. Ses bijoux sont peu nombreux mais massifs et très gros; elles sont parfaitement assorties à sa robe noire et à sa coiffure bien serrée, à tel point qu’on a l’impression que la robe, la coiffure et les bijoux ont tous été conçus pour donner une impression de gravité majestueuse et d’élégance sobrement magnifique.
En Angleterre, le roi Charles Ier a abandonné les joyaux somptueux de ses prédécesseurs. Les portraits de Anthony Van Dyck montrez-lui qu’il ne porte à l’oreille qu’une seule grosse perle en forme de poire que, selon la tradition, il portait sur l’échafaud; Mary II le donna ensuite au premier comte de Portland dont les descendants possèdent toujours le joyau.
La bague d’Henrietta Maria est un autre souvenir des Stuarts; il est orné d’un gros diamant sculpté avec ses bras et son chiffre. La reine possédait également le miroir de Grande-Bretagne qui aurait appartenu à Charles le Téméraire, qui avait été acheté par Nicholas de Sancy. Après l’avoir offert sans succès à Henri IV, de Sancy le vendit finalement à Jacques Ier d’Angleterre pour la somme énorme de 600 000 écus.
Henrietta Maria fut bientôt obligée de mettre ses bijoux en gage lorsqu’elle quitta son royaume et le diamant de Sancy fut l’un des premiers à partir. En 1647, il appartint au duc d’Epernon et, dix ans plus tard, fut finalement vendu au cardinal Mazarin. Une lettre adressée à son mari, alors encore en Angleterre, témoigne des difficultés rencontrées par la reine: «C’est avec la plus grande difficulté que nous avons pu collecter de l’argent ici; les croupiers sont toujours nerveux. De Londres, j’ai appris que j’ai emporté les pierres secrètement contre votre volonté et que, si l’on me prêtait de l’argent, il n’y aurait pas de sécurité adéquate. Il ne s’agissait que de montrer l’autorisation que vous avez signée.
Mazarin, le cardinal tout-puissant, était un collectionneur passionné de peinture d’art, à petite échelle sculpture en bronze, à plus grande échelle sculpture en marbre, objets d’art et bijoux. Il avait associé un ensemble remarquable de diamants, dont certains appartenaient autrefois à la reine Christine de Suède; il acquit le jeu en les achetant au cours de transactions successives, en utilisant des fonds recueillis par des moyens souvent à peine honnêtes. Sur son lit de mort, le cardinal demanda à son confesseur de le conseiller sur la manière de faire son testament. On lui dit de rendre au roi tout ce qui lui appartenait, mais de faire la distinction entre ce que le roi lui avait donné et ce qu’il avait pris. pour lui-même; le mourant répondit: "dans ce cas, il faut tout donner au roi." En fait, le roi refusa d’accepter la totalité des richesses de Mazarin, mais il prit notamment une série de dix-huit diamants Mazarin, qui firent partie des joyaux de la couronne.
Pendant la majeure partie de son règne, Louis XIV mena ce que l’on pourrait le mieux qualifier de politique de prestige, et l’effet des pierres précieuses joua un rôle cher pour le cœur de celui qui aimait être comparé au soleil. Les joyaux de la couronne qu’il avait reçus en fiducie de ses ancêtres ont maintenant augmenté; le roi acquit successivement le diamant Guise et le magnifique diamant bleu appelé diamant Hope, qui avait été ramené d’Inde par Tavernier. Plus tard, après avoir été volé pendant la Révolution, il a acquis une réputation malveillante puisque tous ses propriétaires successifs, y compris Hope, sont décédés de morts tragiques. Le roi a également acheté un grand saphir de 132 carats au Musée d’Histoire Naturelle et le diamant Hortensia de plus de 20 carats actuellement au Louvre. Le roi ne possédait pas moins de quatre parures complètes, deux de diamants, une de perles et de diamants, et une de tenue de jour composée de pierres de toutes les couleurs. Le plus important d’entre eux comprenait cent vingt-trois boutons, trois cents boutonnières, dix-neuf ornements de fleurs pour le justaucorps, quarante-huit boutons et quatre-vingt-seize trous pour la veste, auxquels il faut bien sûr ajouter le fermoir de son chapeau, jarretières, boucles de chaussures, ceinture croisée, épée et croix du Saint-Esprit.
La reine Marie-Thérèse, même si elle ne semble pas s’intéresser beaucoup aux bijoux, et les princesses, notamment la princesse héritière de Bavière et les duchesse de Bourgogne et du Berry, portaient toutes les pierres des pierres précieuses spécialement montées pour la occasion. La duchesse de Bourgogne a été décrite par Dangeau à l’occasion du mariage du duc d’Orléans (1698) comme portant: «une robe en tissu d’argent à fleurs dorées mélangées à des couleurs de flamme et de vert. La parure de la tête et des vêtements consistait en diamants, de même que son collier, composé du plus beau bijou de couronne. La même princesse, après avoir joué Athalie devant le roi, fut obligée de se coucher car les vêtements qu’elle portait la veille avaient été trop chargés de pierres précieuses.
Le roi continua à faire des achats personnels de bijoux pour sa famille, en particulier pour les mariages des princesses du sang. Madame de Montespan a reçu de son amoureux royal de magnifiques cadeaux, parmi lesquels une magnifique rangée de vingt et une perles achetées à la maréchale d’Estrées et évaluées, dit Saint-Simon, à 500 000 #. Quand Montespan est tombée en disgrâce, elle a rendu le joyau au roi, qui l’a donné à la duchesse de Bourgogne, mais a aidé en retour l’ex-favori à acquérir un terrain à Oiron.
Cet étalage de splendeur provoqua évidemment l’imitation des courtisans qui changeaient continuellement leurs parures pour les adapter à la mode. Comme l’affirme le Mercure Galant: "tous les deux ou trois ans, les bijoux de qualité changent le réglage de leurs bijoux". Les portraits montrent que les vêtements masculins étaient aussi somptueux que féminins. Pour les hommes, les ornements principaux consistaient en pierres précieuses disposées en longues boutonnières exagérées avec des Brandebourgs ou des grenouilles.
Les grenouilles de diamants se sont rapidement répandues dans les vêtements féminins, et on a vu que le Brandebourg ornait magnifiquement le corsage, en complément des broches sur les manches et la jupe, des boucles d’oreilles et du collier de perles autour du cou. Il semble que les peintres aient pu obligatoirement exagérer leur taille.
Parmi les créations de Legare, on trouve des boucles d’oreilles en girandole, avec parfois trois, voire cinq gouttes, et des broches en forme d’arc, plus tard connues sous le nom de Sevignes, mais ensuite appelées estomacs; l’association de rubans et de nœuds avec des bijoux devait réapparaître continuellement aux 18e et 19e siècles. Ces archets sont parfois regroupés pour former des colliers en lac, une mode qui devait rester populaire en Angleterre et en Espagne, ainsi qu’en France jusqu’au 18ème siècle.
L’effulgence de Versailles se répandit dans toute l’Europe au cours de la seconde moitié du XVIIe siècle, à l’exception de Madrid et de Vienne qui restèrent fidèles à leurs traditions dominantes.
Charles II et Jacques II ont adopté la mode française beaucoup plus que leur père. La révocation de l’édit de Nantes ne rend plus la France sûre pour les protestants et Londres profite de l’afflux d’orfèvres huguenots qui s’y réfugient.
La parure de l’effigie funéraire de Frances Stuart, la Duchesse de Richmond, est en fait de cristal de roche, mais elle donne une idée des magnifiques bijoux que Charles II a offerts à ses favoris. Dans un style très similaire, nous avons le pendentif anglais ou néerlandais monté en cristal de roche, avec une miniature de William d’Orange au verso, travaillé en émail dans un cadre de fleurs et de feuillages entrelacés émaillés sur un fond blanc.
Le cercle royal de Marie de Modène, épouse de Jacques II, fut utilisé pour les sacres successifs de Marie II, de la reine Anne, de la reine Charlotte, épouse de George III, et enfin de la reine Adélaïde (1831). À chaque occasion, il a été remonté avec des pierres spécialement empruntées pour la cérémonie, qui ont finalement été conservées telles quelles en 1831, mais le montage ne semble pas avoir été sensiblement modifié et montre l’élégance du 17ème siècle dans sa pureté de fabrication.
Bijoux du XVIIIe siècle
À partir du début du XVIIIe siècle, l’histoire des bijoux devient principalement l’histoire des pierres précieuses, leur beauté résultant de leur sélection, de leur taille et de la disposition des pierres qui composent le bijou. Elles perdent leur caractère objectif si évident au 16ème siècle, et un peu moins au 17ème, et deviennent des parures au sens moderne, indispensables pour s’habiller, étroitement soumises aux changements de mode; et en outre, une distinction apparaît entre les bijoux pour les vêtements de jour et de soirée. Cette idée a pris racine dans les dernières années du XVIIe siècle lors des rassemblements de Louis XIV, les joyaux du jour étant principalement sertis de pierres de couleur tandis que ceux du soir étaient principalement des diamants et des perles apparaissant sous leur meilleur jour aux boules éclairées de lustres.
L’exploitation des mines de Golconda, en Inde, a été ouverte au 17ème siècle, puis des mines brésiliennes ont mis sur le marché des diamants plus beaux, plus gros, plus nombreux et moins chers. Le Peruzzi vénitien avait inventé la taille brillante vers 1700 et ce développement s’ajoutait aux progrès déjà réalisés avec les pierres taillées en rose. Désormais le bijoutier art consistait à poser des pierres précieuses pour en tirer le maximum d’effet.
Jean Bourget, dans son livre de dessins (1712), donne très peu de dessins de bijoux, car il dit: "Cela ne sert à rien, à mon avis, car les modes changent continuellement et, en outre, les dessins dépendent plutôt de la quantité et de la taille des pierres avec lequel il faut travailler. Dans ce domaine, c’est Paris qui, plus que jamais, a mené la mode. Avec l’accession au trône des Bourbons, même la cour espagnole, fidèle depuis si longtemps aux détails d’un costume fixé par l’étiquette, a commencé à adopter bon gré mal gré la toilette française.
Les joailliers français ont aménagé un certain nombre de capitales étrangères et s’y sont parfois établis. Dans l’Europe des Lumières, la mode française est devenue encore plus influente.
Le cours du siècle devait montrer relativement peu de variation de mode et nécessitait des montages très légers; les motifs les plus populaires, soumis à d’innombrables variations, sont l’arc et les fleurs. Vers le milieu du siècle, ces dessins étaient influencés par le style rococo, bien que les bijoutiers aient adopté une forme assez sobre du style et, sauf en Italie, en Espagne et au Portugal, tendant généralement à conserver des motifs symétriques.
Les joyaux de la couronne de France constituaient la plus merveilleuse collection de tout le monde occidental, à laquelle l’acquisition du régent en 1717 apporta une consécration suprême. La pierre en question, pesant 136 carats, était alors considérée comme la plus belle connue, ayant été découverte à Golconda, près de Hyderabad, en Inde, et passée illégalement par la fraude. Thomas Pitt l’avait acheté en 1701; il avait été coupé à Londres et offert à Louis XIV qui le trouvait trop cher à l’achat. Saint-Simon se vante dans ses Mémoires que c’est lui qui a persuadé le régent Philippe d’Orléans de l’acheter. En tout état de cause, après quelques négociations, la question fut réglée à deux millions de livres, payable en plusieurs versements. Le diamant fut connu sous le nom de diamant Régent et Louis XV le porta pour la première fois le 21 mars 1721.à l’occasion de la réception des ambassadeurs de Turquie. Il était placé dans un nœud de perles et de diamants fixé à l’épaule de son manteau couleur flamme et portait dans son chapeau le diamant de Sancy. Ces deux mêmes joyaux se retrouvent à l’avant et au sommet de la couronne faite par Ronde en 1722 pour le couronnement du jeune roi. La couronne a été préservée et reconstituée avec des bijoux d’imitation de l’époque; elle était alors considérée comme le zénith de l’art du joaillier, l’une des premières avec des montures ouvertes permettant aux pierres une transparence totale et accentuant ainsi leur luminosité. Il témoigne du goût de courte durée pour le mélange de pierres de couleur, même dans la mesure du mélange de pierres fines et de pierres semi-précieuses, caractéristique du XVIIIe siècle.Il était placé dans un nœud de perles et de diamants fixé à l’épaule de son manteau couleur flamme et portait dans son chapeau le diamant de Sancy. Ces deux mêmes joyaux se retrouvent à l’avant et au sommet de la couronne faite par Ronde en 1722 pour le couronnement du jeune roi. La couronne a été préservée et reconstituée avec des bijoux d’imitation de l’époque; elle était alors considérée comme le zénith de l’art du joaillier, l’une des premières avec des montures ouvertes permettant aux pierres une transparence totale et accentuant ainsi leur luminosité. Il témoigne du goût de courte durée pour le mélange de pierres de couleur, même dans la mesure du mélange de pierres fines et de pierres semi-précieuses, caractéristique du XVIIIe siècle.Il était placé dans un nœud de perles et de diamants fixé à l’épaule de son manteau couleur flamme et portait dans son chapeau le diamant de Sancy. Ces deux mêmes joyaux se retrouvent à l’avant et au sommet de la couronne faite par Ronde en 1722 pour le couronnement du jeune roi. La couronne a été préservée et reconstituée avec des bijoux d’imitation de l’époque; elle était alors considérée comme le zénith de l’art du joaillier, l’une des premières avec des montures ouvertes permettant aux pierres une transparence totale et accentuant ainsi leur luminosité. Il témoigne du goût de courte durée pour le mélange de pierres de couleur, même dans la mesure du mélange de pierres fines et de pierres semi-précieuses, caractéristique du XVIIIe siècle.et au sommet de la couronne faite par Ronde en 1722 pour le couronnement du jeune roi. La couronne a été préservée et reconstituée avec des bijoux d’imitation de l’époque; elle était alors considérée comme le zénith de l’art du joaillier, l’une des premières avec des montures ouvertes permettant aux pierres une transparence totale et accentuant ainsi leur luminosité. Il témoigne du goût de courte durée pour le mélange de pierres de couleur, même dans la mesure du mélange de pierres fines et de pierres semi-précieuses, caractéristique du XVIIIe siècle.et au sommet de la couronne faite par Ronde en 1722 pour le couronnement du jeune roi. La couronne a été préservée et reconstituée avec des bijoux d’imitation de l’époque; elle était alors considérée comme le zénith de l’art du joaillier, l’une des premières avec des montures ouvertes permettant aux pierres une transparence totale et accentuant ainsi leur luminosité. Il témoigne du goût de courte durée pour le mélange de pierres de couleur, même dans la mesure du mélange de pierres fines et de pierres semi-précieuses, caractéristique du XVIIIe siècle.Il témoigne du goût de courte durée pour le mélange de pierres de couleur, même dans la mesure du mélange de pierres fines et de pierres semi-précieuses, caractéristique du XVIIIe siècle.Il témoigne du goût de courte durée pour le mélange de pierres de couleur, même dans la mesure du mélange de pierres fines et de pierres semi-précieuses, caractéristique du XVIIIe siècle.
La toison d’or réalisée pour Louis XV en 1749 est un autre exemple luxueux de cet audacieux mélange de couleurs et devait compléter la parure de pierres colorées que le roi a hérité de Louis XIV; aujourd’hui, la pièce est brisée et n’est connue que par la gravure. Il était constitué du rubis de la Côte de Bretagne, découpé pour la circonstance par Guay sous la forme d’un dragon, et du gros diamant bleu, qui a depuis été taillé en plus petit et qui est aujourd’hui connu sous le nom de diamant Hope; les deux très grosses pierres étaient entourées de diamants de couleur et de topazes. Le médaillon du Saint-Esprit fabriqué par Jacquemin en 1757 pour le roi ressemblait beaucoup au même esprit. Guay scia un gros rubis, l’œuf de Naples, en plusieurs petits morceaux et leur donna la forme d’une colombe entourée de flammes; c’était serti de diamants, dont certaines ont été colorées à l’aide de feuilles teintées insérées dans le cadre derrière la pierre. Cette méthode n’était pas rare: l’inventaire de Madame de Pompadour mentionne également les «diamants teintés vert» et les «diamants jaunes à couleurs assistées».
Au moment du mariage de Louis XV, les plus beaux diamants des joyaux de la couronne furent remontés pour Maria Leczinska; Les portraits de la jeune reine nous donnent une idée de la somptuosité de ses parures. En général, elle portait le Sancy et le Régent soit dans ses cheveux, soit dans un collier serré à la gorge par un ruban de velours noir.
La parure de la grande habitude également compris boucles d’ oreilles, stomachers pour couvrir l’avant du corps, en forme de triangles inversés, gaines en quatre parties, les nœuds d’épaule, des fentes de manteau, crochets et oeillets sur les manches, des bracelets en paires, Trousse-côtes et la file d’attente triant les côtés et la traîne de la jupe tendue par ses paniers.
Le nom de Marie-Antoinette est associé à jamais à l’affaire du «collier de la reine», collier qu’elle n’a jamais possédé. Elle consistait en de très grosses pierres formées en grappes avec des festons retombant sur la poitrine. Les bijoutiers Baszanger et Bohmer ont reçu l’ordre initial d’exécuter celui-ci pour Mme du Barry, mais cet ordre n’avait pas été achevé à la mort de Louis XV. Il a donc été offert à Marie-Antoinette, qui l’a refusée car Louis XVI le considérait trop cher.
A ce stade de la procédure, un intriguer entre en scène, la comtesse de La Motte. Elle prétendit au cardinal de Rohan, qui était alors en disgrâce auprès de la reine (1784), que celle-ci souhaitait se réconcilier avec lui et lui confierait la responsabilité d’obtenir le joyau pour elle, à l’insu du roi. Le cardinal a remis le collier à un complice de l’aventurière, croyant qu’il s’agissait d’un envoyé spécial de Marie-Antoinette. Cet homme a disparu avec les pierres. Naturellement, toute l’affaire a été révélée et Rohan, qui n’était coupable que d’une incroyable naïveté, a été arrêté, acquitté par le Parlement mais exilé du tribunal. La comtesse de La Motte a été fouettée, marquée d’un fer rouge et jetée dans la prison de la Salpêtrière, où elle a néanmoins réussi à s’échapper.Bien que tout à fait innocente, la reine s’est très mal sortie du scandale et Goethe a qualifié cet épisode de premier chapitre de la Révolution française.
Il y a beaucoup de bijoux qui auraient appartenu à Marie-Antoinette et celui qui semble appartenir le plus sincèrement à sa propriété est le collier de diamants envoyé par la reine à Bruxelles en 1791 et récupéré par la duchesse d’Angoulême en 1798. appartenait au comte de Chambord et à la princesse Massimo. Il a été vendu à Londres en 1937, emmené en Inde, où il a été brisé.
Sous les premiers rois de la dynastie hanovrienne, la cour anglaise brillait beaucoup moins que Versailles. Tout au long du XVIIIe siècle, il était d’usage de louer les pierres pour les cérémonies du couronnement et, une fois la cérémonie terminée, ils retournèrent dans le magasin où ils venaient de partir, mais pour un moment. Cependant, ils ont été engagés en grand nombre, à en croire la description, donnée par Horace Walpole, du couronnement de George II et de la reine Caroline (1727). Sa robe était tellement constellée de bijoux, si lourde et si raide qu’elle était incapable de s’agenouiller. Tout un système de poulies était nécessaire pour dessiner la partie inférieure de la jupe comme un rideau de théâtre.
La reine Charlotte, épouse de George III, possédait de nombreux joyaux, dont
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