Art Décoratif Français (1640-1792) Automatique traduire
Série Arts Décoratifs en France
(1) Arts décoratifs français (1640-1792)
(2) Décorateurs Français
(3) Meubles royaux français
Château de Versailles (1624-1698)
Situé au sud de Paris,
Versailles a commencé en 1624 en tant que
extension de la chasse de Louis XIII
loger, devenant finalement
Plus grand exemple de la France de
Architecture baroque et un
symbole de l’absolutisme et
la décadence de la monarchie.
Le château lui-même n’est qu’une partie
des grands terrains, qui
inclure le Grand Trianon
(1687-1688), le pavillon français
(1749), le Petit Trianon (1762-1738)
et le jardin du petit trianon
(1775-1785). Le complexe aussi
comprend cinq chapelles. Le principal
les architectes de Versailles étaient
Louis Le Vau (1612-1670) et
Jules Hardouin Mansart (1646-
1708), qui ont travaillé ensemble
avec l’architecte paysagiste Andre
le Notre (1613-1700) et le
artiste / designer Charles Le Brun
(1619-1690). Ensemble ils
baroque italien traduit
esthétique dans un style qui
goût français adapté. En 1682
Louis XIV (Quatorze) déménage
la cour et la noblesse loin
de la guerre civile parisienne
vers Versailles et le palais
à un moment eu jusqu’à 3000
les résidents. Tout au long de la
17ème siècle, le palais avait
6 campagnes de construction différentes
qui a coïncidé avec Louis XIV
guerres. Versailles était le
apogée du royal européen
l’architecture du palais ’, et était
un facteur clé de la renaissance
des arts décoratifs en france
aux 17ème et 18ème siècles,
notamment dans le domaine de l’intérieur
design, beaux meubles, céramique,
et tapisserie. (Voir également:
Peinture française 1400-1900.)
Pourquoi l’art décoratif français est-il important?
Cet article est un bref guide sur l’histoire et les caractéristiques de l’intérieur et de l’extérieur français art décoratif aux 17ème / 18ème siècles.
De temps en temps dans le histoire des arts, un moment survient où l’émergence de grands artisans coïncide avec une humeur créative et une abondance d’argent pour produire une série de chefs-d’œuvre de beaux arts et conception. L’ancien royaume de l’Égypte ancienne (2680-2180 avant notre ère) nous a offert l’étonnant architecture des pyramides; l’ère classique grecque (480-323 AEC) nous a donné le Parthénon et une gamme étonnante de marbre et de bronze statues ; la Renaissance italienne (1400-1530) produit exquis La peinture et sculpture ; l’époque baroque de la Contre-Réforme catholique (1540-1700) nous a donné une incroyable quadrature et trompe l’oeil l’architecture, ainsi que l’art intensément spirituel. En outre, il a également donné naissance à la Ecole de Fontainebleau en France, précurseur important des événements à venir à Versailles.
De même, les XVIIe et XVIIIe siècles en France ont été marqués par une floraison unique de nombreux types d’art, impliquant la conception extérieure et intérieure et englobant les meubles, tapisserie (en particulier Tapisserie des Gobelins), sculpture à petite échelle, céramique et une gamme de ferronnerie, ameublement, sculptures, moulures et autres artisanat. Au grand château de Versailles, dans les châteaux royaux, dans les maisons de nobles et dans les grandes églises et édifices publics, les artisans, les ébénistes et une centaine d’autres artistes travaillaient à la production des plus grands chefs-d’œuvre des arts décoratifs. Ils avaient les compétences; le roi avait l’argent; la cour royale avait besoin de décoration et l’aristocratie avait besoin de nouveaux modes. Ce fut un autre moment d’accomplissement suprême dans l’histoire. C’est pourquoi français art appliqué de cette période est si important.
Classification des styles
Les arts décoratifs en France au cours de la période 1640-1792 sont traditionnellement classés en compartiments relativement autonomes, correspondant aux règnes des trois rois de Versailles:
Louis Quatorze (XIV) (arrêté 1643-1715)
Louis Quinze (XV) (1715-74)
Louis Seize (XVI) (1774-1792)
Il existe également un quatrième style appelé Regency . Ce dernier décrit la période de la régence du duc d’Orléans, qui a occupé les années (1715-1723) entre l’avènement de Louis XV et sa majorité. Cette classification en 4 parties est utile, mais seulement dans un sens très large, et si nous l’examinons de près, nous constatons qu’elle ne correspond pas entièrement aux observations.
Le style appelé «Louis Quatorze» peut être divisé en trois parties assez distinctes. La plus ancienne, dans laquelle les styles du règne précédent de Louis Treize ont été largement suivis, commence en 1640 et se termine vers 1655 ou un peu plus tard. La période intermédiaire dure presque jusqu’à la fin du siècle et la dernière, débutant vers 1700, préfigure des développements beaucoup plus marqués pendant la Régence et qui se sont concrétisés au début du règne de Louis Quinze. Strictement, la régence est une période au cours de laquelle le style tardif de Louis Quatorze commence à fusionner avec les premières manifestations de celle associée à Louis Quinze. C’est tard Art baroque se transformer en rococo – un processus qui était une évolution continue sans aucune ligne de démarcation claire. (Voir également: Artistes baroques français.)
La période de régence marque une étape dans la lutte entre deux écoles opposées en Architecture baroque qui se passait depuis le début du XVIe siècle; entre les adeptes de Vitruve (Architecte romain et auteur de De Architectura) et l’architecte vénitien Andrea Palladio (1508-80) d’une part, et ceux qui étaient entraînés par le ruisseau dont Michelangelo était la source de l’autre. L’une des raisons pour lesquelles le rococo n’a jamais pris pied en Angleterre autant qu’en France (où pendant plus de deux décennies les disciplines classiques ont été en grande partie abandonnées, à l’intérieur sinon à l’extérieur), c’est la force de l’opposition qui, après le déclin de Monsieur Christopher Wren, les adhérents de Palladio (dirigé par le comte de Burlington) se sont assurés de la conception architecturale. Mais même l’éminent architecte anglais William Kent (1685-1748), un palladien sans compromis dans ses conceptions architecturales et ses meubles, se tourna vers le rococo lorsqu’il travailla comme paysagiste, aspect de son travail trop souvent négligé. Les Français étaient convaincus des classicistes de tradition, mais nous observons un affaiblissement progressif des disciplines classiques après 1700 et le courant dominant de la tradition classique ne fut rejoint qu’après 1750 avec le début du style néoclassique.
Louis Quatorze (1638-1715) avait une passion pour la symétrie qui équivalait presque à une obsession. Il aimait avant tout les longues lignes symétriques et les panoramas en retrait, et il ne pouvait supporter qu’ils soient interrompus par un brouillon ) paravent). Madame de Maintenon (1635-1719, seconde épouse de Louis XIV) n’avait cependant aucune conviction forte quant à la nécessité de la symétrie, mais elle détestait les brouillons. Quand le roi était présent, elle devait se passer même du confort d’un écran et, tremblant de froid, elle protesta qu’elle «mourrait de symétrie».
L’idée de symétrie est en fait si importante pour notre sujet qu’il convient d’en discuter à ce stade avant de procéder à un examen plus détaillé des styles associés à Louis Quatorze.
Symétrie dans le design et les arts décoratifs
La symétrie d’ornement, l’idée selon laquelle la moitié d’un objet, voire d’un schéma décoratif, devrait être le reflet de l’autre moitié, est un phénomène bien établi. Il est également mondial et le manque de symétrie a toujours été inhabituel dans le passé. Mais sa notion opposée, celle d’asymétrie, a prévalu dans le décor intérieur français pendant environ un quart de siècle, à partir de 1730 environ. Curieusement, à une époque où la symétrie était devenue particulièrement démodée en ornement, on insiste particulièrement sur accord des différentes composantes de la scène intérieure. Les boiseries des chaises et des canapés, par exemple, ont été incurvées et sculptées pour correspondre à la décoration des lambris, et les tissus d’ameublement – rideaux, rideaux de portières, couvre-sièges, couvre-lits, etc. – ont été choisis pour s’harmoniser.. Ainsi, dans une certaine mesure, l’idée de symétrie est apparue, même à une époque d’asymétrie, mais sous une forme différente.
L’asymétrie est la principale caractéristique déterminante du style Louis Quinze, généralement appelé rococo ou rocaille, et est également connu, notamment en France, sous le nom de «Le style Pompadour» ou même de « Le style Boucher»., des deux, le dernier a plus à le recommander. Le rococo était également appelé, à l’époque, le "nouveau goût" ) gout nouveau) et le genre pittoresque (littéralement, le "style pittoresque"), ce dernier concept nécessitant un examen plus approfondi.
Porcelaine chinoise, alors extrêmement populaire, était généralement symétrique dans son ornement, et la fabrication de vases assortis et à garnitures symétriques n’était pas une simple innovation européenne. Des vases d’autel étaient fabriqués par séries presque aussi loin que notre connaissance nous le permet, les plus anciens en bronze. La porcelaine japonaise, en revanche, en particulier les variétés d’Arita (province du Hizen) peintes par le décorateur Sakaida Kakiemon et ses fidèles, se caractérisait par une asymétrie dans la disposition d’une grande partie de son ornement, et il convient de le rappeler. importé en Europe en plus petites quantités que la porcelaine de Chine, il était sans doute plus précieux, peut-être pour cette raison. Il s’agit de la première qualité du japon des inventaires et catalogues de vente français du XVIIIe siècle.
Quelques cahiers de dessins du XVIIe siècle comportaient parfois des exemples plus ou moins isolés d’ornements asymétriques, principalement des cartouches, et de tels dessins provenaient de l’orfèvre néerlandais Adam van Vianen (1569-1627), ainsi que du designer de Nuremberg, Christoph Jamnitzer. (1563-1618). Les cahiers de dessins de la fin du XVIIe siècle, notamment ceux de Paul Decker (1677-1713) et de Jean Berain l’Ancien (1637-1711), utilisaient un dispositif permettant d’économiser de la place, imprimant ainsi deux moitiés d’un dessin. à côté, chaque côté ayant besoin de son image miroir pour le compléter. Cependant, lorsqu’ils apparaissaient sur la page, aucun des deux camps ne correspondait, donnant une impression d’asymétrie si le dessin était considéré comme complet, ce qui aurait pu influencer les designers rococo.
Le terme genre pittoresque ne peut pas être traduit aujourd’hui par le mot anglais «pittoresque», bien que les deux concepts aient été au départ liés. Il est maintenant courant de considérer une scène pittoresque comme un sujet suggérant un sujet de peinture, mais dans l’Angleterre du 18ème siècle (le grand jour du paysagiste), cela signifiait l’imitation d’un tableau, la création d’un paysage à la manière de Claude Lorraine ou Salvator Rosa par exemple, à la fois parmi les plus admirés des peintres à l’époque.
La conception des jardins est particulièrement intéressante, notamment parce qu’elle a eu un impact beaucoup plus important sur le cours de l’art au XVIIIe siècle qu’on ne le suppose généralement. André Le Notre (1613-1700), l’architecte paysagiste français de Louis XIV, avait aménagé les magnifiques jardins à la française de Versailles, les «géométries vertes» qui ont inspiré celles de Hampton Court accompagnant les ajouts de Wren. Le jardin asymétrique et informel – le «désordre étudié» caractéristique du rococo français – a débuté au début du XVIIIe siècle avec des motifs tels que celui de la Serpentine dans les jardins du palais de Kensington de Charles Bridgeman (1690-1738), et par la création d’un jardin informel à Twickenham par Alexander Pope. Ces deux œuvres ont inspiré William Kent, qui, à son tour, a influencé Lancelot Brown (1716-1783), l’architecte paysagiste anglais connu sous le nom de Capability Brown. Il est certain que les jardins anglais de ce type doivent quelque chose au génie particulier des Chinois en tant que jardiniers paysagistes. Les missionnaires jésuites avaient renvoyé une grande partie de ces objets en Europe sur ce sujet, et Walpole écrivait dans son Essai sur le jardinage moderne qu’ils étaient «aussi fantaisistes que les jardins européens sont formels et invariables». L’Angleterre du XVIIIe siècle a même emprunté un mot à l’Extrême-Orient pour cette irrégularité – Sharawadgi – bien qu’elle ne semble être ni chinoise ni japonaise. Le jardin pittoresque anglais, à la mode en France avant le milieu du siècle, y a été appelé le « jardin chinois» et le goût anglais dans la conception de jardins « le gout anglo-chinois».
Dans un tel climat, la croissance du rococo est moins surprenante. Le début de l’asymétrie dans la décoration intérieure française – le genre pittoresque – peut être daté assez précisément d’environ 1725, bien que le mot lui-même n’ait pas été admis par la Académie Française jusqu’en 1732. On le voit, par exemple, dans les montures de commodes en bronze de cette époque.
Style Louis Quatorze
Dans ses aspects les plus larges, le style de Louis Quatorze est remarquable en termes de symétrie et d’espace. Au XVIIIe siècle, on assiste à une réduction de la taille des pièces, qui deviennent plus petites et plus intimes, le salon étant de plus en plus réservé aux occasions réservées à l’État. Cette réduction d’échelle a entraîné la multiplication du nombre de pièces réservées à des fins spécifiques, de sorte que tout l’air du siècle a changé par rapport à celui du précédent. Le style architectural prédominant du 17ème siècle est un classicisme pas aussi intransigeant que celui de Palladio, Inigo Jones (1573-1652), et les disciples de Vitruve, mais néanmoins basés de manière assez rigide sur les Cinq Ordres et sur le système proportionnel établi par les autorités les plus respectées avec les modifications appropriées. (Voir également: Glossaire d’architecture.) À l’extérieur, les lignes des grands bâtiments étaient plutôt simples et les ornements intégralement sculptés étaient réduits au minimum.
La période de décoration de Versailles marque l’introduction du Grand Manner dans la décoration d’intérieur française. L’ornement était extrêmement varié dans les sujets et les traitements et s’inspirait du grand répertoire classique hérité de la Rome impériale. Il avait une richesse de qualité rare à toute époque, somptueuse dans son effet et masculine dans sa force. Les salons de Versailles avec leur profusion de billes et de bronzes dorés, leurs meubles et leurs tapisseries en argent, ont atteint une perfection jamais égalée depuis. Si, aujourd’hui, on le considère parfois comme pompeux, c’est peut-être parce qu’au cours des trois siècles écoulés, nous avons baissé la vue.
Parmi les motifs de cette période, nous reconnaissons aisément le masque entouré de rayons de lumière rayonnants – symbole du roi soleil – et le monogramme entrelacé Ls, le monogramme du roi, qui seront retrouvés au XVIIIe siècle. Les trophées d’armes, souvent sous forme de chutes, étaient également populaires en tant que motif décoratif, souvent en bronze avec un feuillage d’acanthe ajouté et celui du laurier et du chêne, ainsi que des guirlandes de fleurs. La cheminée, qui constitue toujours la principale caractéristique de la pièce, était généralement de conception relativement simple, la richesse étant concentrée dans les matériaux. Il était surmonté d’un tableau ou d’une sculpture en bas-relief d’un sujet classique, ce dernier étant parfois imité en grisaille . Des plafonds peints ornaient les pièces les plus importantes, et des tapisseries et des peintures couvraient de grandes surfaces des murs.
Avant tout, il y avait la couleur, une couleur riche qui, de ce que nous avons peu de guides, doit également être assumé et décoré la scène intérieure de la Rome impériale. La notion selon laquelle les intérieurs grecs et romains étaient principalement blancs ou colorés dans des tons pastel pâles, à l’instar des schémas de couleurs néo-classiques, n’existait pas avant les dernières décennies du XVIIIe siècle. C’est peut-être le produit d’une hypothèse irréfléchie selon laquelle les marbres antiques mis au jour étant toujours de couleur blanche lorsqu’ils ont été découverts, ils ont toujours été dans cet état. À l’époque grecque et romaine, cependant, sculpture en marbre était tachée et peinte, et souvent dorée aussi, pas seulement de la statuaire, mais aussi du marbre structural. Le genre de statuaire que les Grecs appréciaient le plus n’était pas le marbre blanc mais sculpture chryséléphantine, tels que le Zeus Olympien, une des merveilles du monde antique, en or et en ivoire avec des yeux incrustés de semi-précieux bijoux ou émail. A l’époque romaine, le bronze, la plupart des intérieurs dorés, décorés, formant les chapiteaux des colonnes et des pilastres, et le cuivre doré était souvent utilisé pour la toiture. Bernini a pillé le Panthéon pour faire son baldaquin pour Saint Peter’s, le surplus de métal allant aux fondateurs de canons. Homer dans l’Odyssée mentionne Homer dans son habillage de cuivre, souvent doré. L’intérieur d’un théâtre est recouvert d’or, même si ce n’est que pour une journée. Le nom donné à son palais – la Domus Aurea ou Maison Dorée – fait référence à la profusion d’or et d’argent qui l’ornait. La blancheur n’appartient pas au classique mais au art néoclassique.
Parmi les formes classiques reprises par les sculpteurs du XVIIe siècle, on peut citer le terme gaine, tête et torse d’une figure se terminant par un socle effilé. Statues et bustes de portrait les extérieurs décorés comme ils l’avaient fait dans la Rome impériale, et les splendides jardins à la française de Le Notre aménagés à Versailles avaient besoin de personnages et de groupes pour les décorer. Les jardins d’eau, particulièrement élaborés, nécessitaient de vastes fontaines de bronze, de plomb et de marbre. Les fontaines sont une pierre de touche sûre pour la splendeur d’une ville ou d’un palais.
Les changements qui caractérisent la période suivante sont en partie une réponse naturelle à l’évolution sociale et économique du siècle et en partie un produit des difficultés financières de l’époque. Le bois doré et le bronze ont commencé à remplacer l’argent et la dorure d’argent pour les objets plus volumineux, et nous avons tendance à oublier que le style est toujours, dans une certaine mesure, dicté par les matériaux disponibles ainsi que par leur connotation. Une présentation somptueuse des métaux précieux définit inévitablement l’échelle pour le reste du schéma décoratif, car leur valeur intrinsèque est reconnue et acceptée. La popularité de la dorure n’est pas simplement due au fait que les commanditaires aiment cette couleur, ou apprécient le fait que l’or confère une surface inaltérable au matériau sous-jacent, mais aussi parce que le travail de ce genre parait opulent. Mais le bois doré ne peut en particulier simuler le métal coulé et ciselé et son utilisation a entraîné de subtils changements de style en raison de sa texture différente et de la diversité des outils nécessaires pour le façonner.
Particulièrement après 1700, les dernières années du règne du roi, nous commençons à remarquer une grâce et une légèreté nouvelles dans les motifs ornementaux et l’introduction de nouvelles formes de décoration qui se sont développées à un rythme croissant pendant la Régence, pour finalement aboutir au genre pittoresque. de Louis Quinze.
Si les événements politiques du règne de Louis étaient des réalités désagréables, il était difficile, du moins, de laisser un entourage exprimer la gaieté. Il était difficile de ressentir le contraire. Mais dans ce nouveau développement, nous trouvons plusieurs éléments qui sont des nouveautés complètes. L’art extrême-oriental était particulièrement recherché dans le nord de l’Europe depuis le début du XVIIe siècle, lorsque les Hollandais ont pillé les navires espagnols et portugais retournant d’Extrême-Orient. Le cardinal Mazarin avait une collection non négligeable, principalement de soieries, de porcelaines et de laques, et Louis Treize et James Ier d’Angleterre avaient acheté de la porcelaine aux Pays-Bas.
Il est parfois difficile de séparer, de leur description, les objets importés de Chine, du Japon, du Siam et de la Perse, tant dans les archives du XVIIe que du XVIIIe siècle. Ces objets ont été apportés en Europe par les navires des différentes compagnies de l’Inde orientale, souvent transbordés dans des entrepôts indiens, ou à Batavia dans les Indes orientales néerlandaises. Ainsi, on trouve parfois mention de la porcelaine «indienne», bien qu’elle n’ait jamais été fabriquée en Inde et que la soie chinoise s’appelle souvent «indienne». L’écran Coromandel (ainsi appelé) a été fabriqué à partir de panneaux de laque de Chine incisés et colorés, qui ont reçu le nom du fait qu’ils ont été transbordés sur la côte indienne de Coromandel. En revanche, les archives du 18ème siècle sont parfois spécifiques. La meilleure porcelaine japonaise, par exemple, a été clairement décrite comme une première qualité du japon, à partir de laquelle on peut déduire que l’origine était importante dans ce cas.
Louis Quatorze était très friand de ces extravagances exotiques. Vases en porcelaine, laque et autres objets venus d’Extrême-Orient décoraient les salons de Versailles. Dans Poterie chinoise, les vases fabriqués au cours des dernières années de l’ère de la Art de la dynastie Ming (1368-1644) et la première partie du règne de l’empereur Ch’ing K’ang Hsi (1666-1726). Celles-ci, par groupes de trois, cinq ou sept, constituaient la garniture de cheminee, placée sur la cheminée, qui demeura populaire tout au long du premier quart du XVIIIe siècle. Au début, dans le goût chinois, celles-ci ont ensuite été décorées, généralement à Canton, avec des motifs comprenant des armoiries spécialement commandées par des acheteurs européens.
Mais la demande de porcelaine chinoise, avec sa nouvelle décoration, dépasse de loin l’offre, même si une cargaison assez ordinaire représente cent mille pièces de toutes sortes, et les artisans et designers européens imitent la décoration chinoise sans le comprendre, le mélangeant parfois avec des motifs européens. souvent de descente classique ininterrompue. Ces mélanges sont appelés chinoiseries. Ils sont apparus pour la première fois dans la seconde moitié du XVIIe siècle, fruit de nombreux livres de voyage, et ont continué à être appréciés jusqu’au lendemain du milieu du XVIIIe siècle. Un des premiers designers à adopter le chinoiseries En France, Jean Berain l’Ancien (1637-1711) a été remplacé par son fils, Jean Berain le Jeune (1678-1726), en tant que dessinateur du cabinet du roi. (Voir aussi la dernière mode pour Gravures sur bois Ukiyo-e et le style du 19ème siècle de Le japonisme.)
Au début plus ou moins confinée aux tapisseries et à la faïence, la mode des chinoiseries a commencé à balayer l’Europe, formant peut-être le thème décoratif le plus marquant des débuts de la grande usine de porcelaine de Meissen d’Auguste le Fort, inspirant des peintres tels que François Boucher (1703-70), et avec l’invention d’un vernis apte à imiter la laque de Chine par les frères Martin ) vernis Martin), offrant ainsi les moyens de décorer certains des meubles les plus colorés du règne de Louis Quinze.
L’installation d’une usine de fabrication de verre miroir à Saint-Gobain en Picardie a eu une influence importante sur ce style émergent. Jusque-là, les miroirs, hormis des exceptions comme celles de la Galerie des Glaces (importées de Venise à grands frais), avaient souvent été de très petite taille. Le coût était élevé et il devait rester élevé pendant de nombreuses années, mais la grande usine de la nouvelle usine a ramené le prix à un point où au moins la plupart des gens les plus riches pourraient se le permettre. De grands miroirs étaient encore généralement fabriqués en sections, mais ils commençaient à décorer l’espace situé au-dessus de la cheminée et des piliers entre les fenêtres ) trumeaux), et même au-dessus de la porte (le miroir de porte supérieur). Les multiples reflets de plusieurs de ces miroirs, plus ou moins opposés les uns aux autres, ont influencé la décoration de la pièce elle-même et en ont ajouté de la luminosité. Ils ont remplacé les sculptures et les peintures autrefois à la mode. Les cadres minutieusement sculptés apportent un nouvel élément à la décoration de la salle, dont les artisans profitent pleinement.
La distinction souvent faite entre les dernières années de Louis Quatorze et la période de la Régence est en grande partie artificielle et le terme «Régence» ne peut, pour la plupart, être considéré que comme une simple indication de date. Une ou deux caractéristiques qui placent un objet dans cette période plutôt que dans celle de l’ancien roi incluent le masque féminin souriant et l’apparition d’animaux aussi fabuleux que la chimère ou griffon et le dragon. Les meubles ont été utilisés de manière inédite, en particulier ceux de l’ ébéniste Charles Cressent (1685-1768), qui était également un bronzier qualifié. Ils anticipent dans leur variété et positionnent les dispositions pour devenir populaires sous Louis Quinze, mais ils ne possèdent pas l’asymétrie rococo. Les jupes volumineuses de l’époque ) paniers cerculées) exigeaient et recevaient le logement d’un fauteuil ) fauteuil) plus large et, pour la même raison, fixaient les supports avant portant les accotoirs environ un tiers de la profondeur du siège au lieu de continuer la ligne des pattes avant.
Rococo (Louis Quinze)
Art rococo, a-t-on dit, a commencé lorsque les parchemins ont cessé d’être symétriques et, pour des raisons pratiques, cette définition, malgré sa superficialité, pourrait difficilement être améliorée. C’est une phase beaucoup plus importante du développement de l’art en général qu’on ne le suppose souvent. Il a balayé l’Europe d’une manière qui avait peu de précédents.
Parmi les exemples les plus anciens d’utilisation de l’asymétrie, on peut citer les conceptions de artistes rococo comme Juste-Aurele Meissonnier (1695-1750), orfèvre et ornemaniste succédant à Jean II Bérain comme designer du roi. Le premier de ses desseins à révéler les nouvelles tendances, qui devinrent bien marqués peu après, fut une girouette du duc de Mortemart réalisée en 1724, qui avait pour décor un coquillage et un jet d’eau. L’eau et le travail des pierres ) rocaille) ont été l’un des principaux discours du nouveau style, en particulier à ses débuts. De nombreuses suggestions ont été avancées pour expliquer l’accent mis sur le travail du roc, qui aurait été inspiré par celui décorant les grottes et les jardins de Versailles (la Grotte d’Apollon, par exemple), mais rappelant l’étroite association du rococo avec la mode. pour Art chinois on spécule sur la possibilité d’inspiration des roches fantastiques et déformées tant recherchées par les Chinois pour la décoration de leurs propres jardins et si souvent représentées dans la peinture sur porcelaine. Rocaille est un terme français habituel pour le style dans son ensemble.
L’ajout de coquillages est un prolongement naturel du sujet des roches et de l’eau, mais il faut se rappeler que presque tout au long du XVIIIe siècle, les collectionneurs étaient passionnés par les coquillages de toutes sortes, et que de grandes quantités de coquillages exotiques étaient assemblées et exposées. armoires.
Une autre caractéristique du style rococo réside dans les nombreuses courbes gracieuses de l’ornement que l’on retrouve dans les sculptures décoratives telles que celles ornant les boiseries, dans les supports de table et les chaises, ainsi que dans les contours des cheminées et des dessus de table en bois. marbre. Dans le cas des panneaux de porte, les moulures avaient souvent une double courbe en haut qui atteignait un point haut au centre de la porte à deux battants, qui remplaçaient les panneaux rectangulaires antérieurs. Des arches de toutes sortes montaient de leurs sommiers à un point central agrémenté d’ornements sculptés, appelés agrafe (littéralement un fermoir), encadrés de rinceaux asymétriques, et les contours de chenets (andirons) étaient contenus dans un triangle scalène. Le cartouche a également été utilisé comme point de mire pour les moulures et a été encadré dans un style similaire avec des rouleaux asymétriques. La feuille d’acanthe continuait d’être largement utilisée, mais contrairement à la période précédente, son extrémité était souvent tordue.
Néanmoins, nous trouvons ici et là des décors appartenant sans doute à cette période, beaucoup plus restreinte dans l’utilisation des courbes, et tous les designers de cette période n’étaient pas séduits par la nouvelle asymétrie, bien qu’ils n’aient pas rejeté les autres éléments du style.. Mais ces cas étaient exceptionnels et une asymétrie prononcée de l’ornement était la règle.
Néoclassicisme (Louis Quinze)
Au début, la réaction asymétrique qui a commencé sous le règne de Louis Quinze peu après le milieu du siècle, à laquelle le nom de Louis Seize est associé, représentait en quelque sorte un retour au classicisme de Louis Quatorze et une partie de la décoration de cette époque. est presque déroutant dans sa ressemblance avec la période plus ancienne. Mais le nouveau classicisme était fondamentalement différent, avec des caractéristiques qui étaient le produit des événements survenus entre les deux versions.
En 1719, la ville d’Herculanum, ensevelie par la même éruption du Vésuve en 79 après JC que celle qui a submergé Pompéi, a été découverte par hasard par le prince Elbeuf qui cherchait une source de pierres de construction prêtes à l’emploi. Vers le milieu du XVIIIe siècle, les premières fouilles sérieuses commencèrent à Pompéi même, même si le site était connu depuis 1594. En conséquence de ces découvertes, l’intérêt pour Art romain et Art grec et les institutions ont commencé à faire des progrès, en particulier parmi une partie de la société française qui était mécontente du luxe et de la frivolité de la Cour de Louis Quinze et de l’intervention de Madame de Pompadour (née Jeanne Antoinette Poisson, maîtresse de Louis XV de 1745 à sa mort) en 1764). Les principaux représentants de cette première phase du néo-classicisme étaient Johann Joachim Winckelmann, historienne de l’art et bibliothécaire de l’époque comte von Bunau à Dresde, nommée bibliothécaire du cardinal Albani à Rome, et Anne-Claude-Philippe de Tubières, comte de Caylus, collectionneur d’antiquités dont l’important ouvrage sur l’art classique et égyptien art a été publié en cinq volumes entre 1752 et 1755. Il faut ajouter au travail de ces deux hommes le catalogue un peu plus tardif de la collection de l’ambassadeur d’Angleterre à Naples, Sir William Hamilton, qui a été très consulté par les designers français et anglais.
Le nom de Madame de Pompadour est si étroitement associé au rococo qu’il est facile de passer sous silence le fait qu’elle fut l’une des premières à adopter le nouveau style de néoclassicisme dans ses appartements privés, bien que le roi reste fidèle au rococo et à la marquise forcée. dû faire la même chose en public. En 1746, elle assura pour son frère, futur marquis de Marigny, le poste de directeur des bâtiments et, en 1748, une mission comprenant le marquis, l’architecte Jacques-Germain Soufflot (1713-1780) et le graveur et designer Cochin se rendirent en Italie pour étudier l’art romain, surnommé par certains «la vraie beauté». À cela, il faut ajouter l’influence de Piranesi, dont les gravures représentant des antiquités romaines étaient extrêmement populaires.
Le style néoclassique se divise en deux parties assez distinctes. Le premier est mieux qualifié de «transitionnel» car il représente la transition du rococo au renouveau de la symétrie classique. Les œuvres de cette période contiennent parfois des éléments des deux styles, bien que le rococo diminue en force et en influence au fur et à mesure que l’on se rapproche de l’avènement de Louis Seize en 1774. La deuxième phase débutant un peu avant 1780 pourrait fort bien être qualifiée de style Marie-Antoinette, il a été favorisé et largement inspiré par son influence. (Pour plus de détails, voir: Architecture néoclassique et Peinture néoclassique.)
Les courbes ont commencé à disparaître presque aussitôt. Les pieds de la chaise, par exemple, sont devenus droits et effilés au lieu d’être incurvés, et le même type de changement est observé dans les meubles en général. Au début, le nouveau style s’appuyait davantage sur l’art grec que sur la décoration de Louis Quatorze, par exemple en utilisant le motif de vague grec comme ornement de frise, mais la principale source d’ornement était encore largement romaine. Dans son aspect général, l’ornement classique retrouvé était plus léger et avec peut-être une recherche plus consciente de l’élégance qu’au XVIIe siècle; c’est féminin plutôt que masculin.
Vers 1770, nous remarquons également un nouveau type d’ornement, basé sur les joies rustiques et la vie simple. Dans le parc du Petit Trianon à Versailles, Marie-Antoinette possédait un hameau, conçu par Hubert Robert, de maisons rustiques, occupé par de vrais paysans engagés dans des activités agricoles avec les animaux domestiques habituels. Le lait des vaches a été amené à la laiterie de la Reine, où elle s’est amusée à fabriquer du beurre et du fromage pour se détendre du raffinement de la vie à la cour. C’est à cela que nous devons de nouveaux types d’ornements, tels que des ruches, des paniers en osier. et des outils agricoles. Une autre innovation est l’utilisation d’attributs sentimentaux: des cœurs percés de flèches, de tremblements, de torches enflammées et de guirlandes de roses. Le sentiment a dégénéré en sentimentalité, un vice apparu pour la première fois peu après la fin de la guerre de Sept Ans, héritée du XIXe siècle. C’était aussi très répandu. Cela est aussi évident dans les figures en porcelaine biscuitée de Sèvres que dans les groupes de familles bourgeoises de Acier à Meissen. Son attrait pour le goût et l’esthétique de l’époque se déduit de la art académique du peintre Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) et du fantastique succès du roman immature de Goethe, Les douleurs de Werther, connu et lu bien au-delà des frontières de l’Allemagne. L’homme du sentiment a émergé et Diderot a attaqué la sensualité de Boucher et de ses disciples en disant: "Montrer la vertu charmante et le vice haineux devrait être le but de tout homme honnête qui utilise un stylo, un pinceau et le ciseau du sculpteur", liant ainsi art et la moralité pour la première fois. Greuze jouissait d’une grande popularité avec des peintures qui préfiguraient les pires excès des victoriens. On l’a dit, il était «un moraliste passionné par les belles épaules: un prédicateur qui révèle le sein de jeunes filles».
Les affinités telles que le style néoclassique du classicisme de Louis Quatorze se retrouvent principalement dans la conception d’installations intérieures permanentes et semi-permanentes, qui disparaissent rapidement au fur et à mesure que le nouveau style prend forme. Les artistes néoclassiques détestaient la Renaissance et, dans les rares cas où des peintures de la Renaissance étaient vendues aux enchères, les prix étaient généralement bas. C’est en partie parce que le classicisme de la Renaissance, bien qu’il soit beaucoup plus proche de celui de la Grèce et de la Rome que de leur propre version, ne correspond pas aux notions actuelles d’antiquité qui ont été extraites des villas de Pompéi plutôt que des grands palais de l’ancienne métropole.. Ainsi, les arabesques La décoration si populaire de Louis Seize doit beaucoup plus à Pompéi qu’aux grotesques de la Maison Dorée de Néron et à la loggia de Raphaël.
Les meubles fabriqués par le grand André-Charles Boulle (1642-1732) – le plus remarquable de tous les ébénistes français et artiste éminent dans le domaine de la marqueterie – devaient le plus souvent aux créations de Berain. Il fut non seulement collecté avec avidité, mais copié librement tout au long du 18ème siècle et jusqu’au 19ème siècle, atteignant probablement le sommet de sa popularité dans les années 1770. Louis Le Gaigneur, héritier de la tradition Boulle, héritier de la tradition de la rue Edgware, se trouve dans la salle de la présence de la reine au château de Windsor, et un écritoire du milieu du XVIIe siècle portant les armoiries de la famille de Retz se trouve à la reine Salle de dessin. En même temps, il y avait une demande pour la sculpture du 17ème siècle, en particulier le travail de Pierre Puget (1622-1694), François Girardon (1628-1715) et Antoine Coysevox (1640-1720), bien que peu pour les marbres grecs et romains excavés.
La différence entre l’ancien classicisme et le nouveau était plus que le produit d’un simple transfert d’emphase de la Rome impériale à Pompéi. Le néoclassicisme, fagot d’une longue tradition, était aussi une réaction délibérément artificielle de la part du rococo, autant dans son inspiration littéraire et politique que dans son sens artistique. Ce n’était pas simplement un cas de personnes à la mode cherchant quelque chose de nouveau pour être à la mode.
Si les promoteurs du nouveau style n’aimaient pas le rococo, leur parti pris politique les rendait à peu près aussi opposés à Louis Quatorze qu’à Louis Quinze. Le climat intellectuel de la France changeait régulièrement depuis la fin du 17ème siècle. L’administration n’était pas tellement tyrannique, mais intolérablement laxiste. Le Trésor était identifié avec le porte-monnaie privé du roi et, quand il avait besoin d’argent, Louis Quinze le prélevait sur des fonds publics, en faisant un reçu pour le trésorier. Les éleveurs ont récolté une riche récolte, car les mécanismes de perception publique des impôts n’existaient pratiquement pas et, en échange de leurs privilèges, ils ont généreusement récompensé les membres de la Cour, et parfois le roi lui-même.
Dans cette atmosphère, le talent littéraire a commencé à s’épanouir comme jamais auparavant et les écrivains ont particulièrement envahi la sphère politique. Les penseurs les plus influents de cette période étaient peut-être Voltaire, Montesquieu et Rousseau, et Diderot, ce dernier rédacteur en chef de l’ Encyclopedie, qui exposait des conceptions radicales.
Reine Marie-Antoinette (Louis Seize)
Le néoclassicisme était, au moins dans une certaine mesure, un produit de ces mouvements à ses débuts, mais en 1780, l’influence de Marie-Antoinette et de Versailles avait détourné la simplicité antérieure vers des canaux aussi luxueux et aussi extravagants que ceux qui avaient contenu le rococo de Louis Quinze.
Cependant, en enregistrant le rôle joué par la reine, il est facile de négliger l’influence antérieure de Madame du Barry (née Jeanne Becu, maîtresse de Louis XV de 1769 à sa mort en 1774), dont les achats durant la vie de Louis Quinze beaucoup pour influencer le cours futur du style. Avec l’aide du marchand Poirier, elle a mis à la mode la décoration de meubles avec des plaques en porcelaine de Sèvres – petites tables, secrétaires et commodes – à des prix extrêmement élevés. Elle a employé le ciseleur-fondeur, Gouthière, pour exécuter les décorations en bronze doré pour le pavillon de Louveciennes, et ses achats ne se terminent pas avec la mort du roi. Après son retour d’exil, elle continua de dépenser beaucoup et, lorsqu’elle rencontra sa mort ignominieuse aux mains du bourreau pendant la Terreur, elle devait toujours à Gouthière une somme énorme pour un travail de ce genre que ses héritiers tentèrent de retirer de sa succession après sa mort. mort en 1814. Une action en justice traînée jusqu’en 1836, date à laquelle elle fut réglée pour une fraction dérisoire de la somme initiale.
Louis Seize et Marie-Antoinette quittèrent Versailles pour la dernière fois en 1789, chassés par la foule parisienne. Ils revinrent dans la capitale, abandonnée par la famille royale à l’époque de Louis Quatorzé. Peu de temps après, les meubles royaux furent jetés sans cérémonie dans des charrettes et Versailles perdit une grande partie de sa gloire passée. Certaines des possessions royales ont disparu de l’autre côté de la Manche en direction de l’Angleterre; d’autres ont fait partie du stock du brocanteur, nombre d’entre eux devant être vendus à des prix ridiculement bas dans les années qui ont suivi. Quelques-uns ont survécu et ont été achetés dans les années 1830 par des collectionneurs plus perspicaces. Dès les années 1870, des meubles et de la porcelaine français, même si ceux-ci étaient liés à la royauté, avaient atteint un niveau de vente vertigineux encore aujourd’hui peu abordé.
Point culminant de l’art décoratif
Ainsi s’achève une période presque sans précédent dans l’histoire des arts décoratifs, dont le style empire de Napoléon n’est qu’un écho pompeux. C’est une période au cours de laquelle l’accent a été mis en grande partie sur la nouveauté et l’acquisition de la dernière mode, rendue possible par l’ampleur de l’organisation des arts en France depuis l’époque de Jean-Baptiste Colbert (1619-1683).), Ministre des finances de Louis XIV. Si nous regardons seulement le coût pour la France de parvenir à cette prééminence, cela semble élevé, mais nous devons également peser le rendement considérable des exportations et le prestige qui a sans aucun doute été acquis et qui s’est reflété dans d’autres domaines, notamment celui des relations extérieures.. Même aux 19e et 20e siècles, la position de Paris en tant que capitale artistique du monde, une position non négligeable, doit finalement être attribuée aux décisions prises par Louis Quatorze d’utiliser l’art comme symbole extérieur et visible de la grandeur de la France.
Pendant un siècle et demi, les démodés avaient été relégués aux greniers, une situation sans précédent. Le savant Pierre Verlet a fait référence ) Les Ebenistes Du XVIII Siecle, 1963) à des dons de meubles démodés à la petite noblesse appartenant à la Cour et au système de préséance selon lequel les objets non désirés étaient enlevés de Versailles aux plus petits châteaux royaux. La même instance examine les différences de goût et d’achat entre les riches fermiers généraux (collecteurs d’impôts) et les professions intellectuelles représentées par les avocats et les membres des Parlements, en les divisant en innovateurs et en conservateurs.. Gerald Reitlinger a examiné le climat économique de l’époque dans le volume II de la Économie du goût. Il fait remarquer que l’aristocratie, dont la richesse provenait en grande partie de propriétés terriennes, disposait de beaucoup moins de ressources liquides que les fermiers généraux, qui étaient également des financiers. Par conséquent, ce que nous voyons depuis l’inflation par Law, presque jusqu’au début de la Révolution de 1789, est le goût de Versailles soutenu par des financiers plutôt que par des nobles. L’excellence de ces intérieurs somptueux est due à l’exemple de Versailles et au mécénat d’artistes et d’artisans de talent et de goût.
D’une manière non sans parallèle aujourd’hui, les fermiers-généraux, qui connaissaient mieux que quiconque le socle fragile sur lequel repose la valeur de la livre Les œuvres d’art reposées, achetées à une échelle immense, non seulement en tant que symbole de prestige, mais également en tant qu’investissement, entraînèrent une hausse des prix stimulée par les dépenses somptueuses de Louis Quinze et de Madame de Pompadour. Comme le souligne Reitlinger, mis à part les meubles en laque orientale, les objets les plus chers étaient ceux en bronze doré ou ceux qui en étaient fortement montés, ce qui était au moins dans une certaine mesure le produit du coût de la dorure au mercure, même si la valeur réelle en or était négligeable. Les montures laquées et polies pouvaient être achetées beaucoup moins cher. Les billes fines pour le dessus de table et pour des objets décoratifs tels que les urnes et les piédestaux étaient également chères, et les pierres semi-précieuses comme le jaspe et la calcédoine plus chères encore.En évaluant le coût des œuvres d’art à cette époque, nous devons nous rappeler que les matériaux étaient généralement coûteux et que la plupart des types de main-d’œuvre étaient bon marché.
Il ne fait aucun doute que la popularité des enchères publiques, caractéristique commune du marché de l’art de la Rome antique, a eu un effet positif sur les prix, mais beaucoup moins évident par la suite en tant que méthode de dispersion. Les enchères concurrentielles ont poussé les prix à la hausse, mais l’extension de ce type de vente a été rendue difficile par le soin avec lequel tous les éléments intérieurs étaient harmonisés, les privant en grande partie de leur sens quand ils étaient séparés de leur environnement immédiat. alentours. Lors de l’achat d’un hôtel parisien, il était souvent essentiel d’acheter le mobilier. Malgré cette indication contraire, toutefois, les prix aux enchères avaient atteint des sommets presque sans précédent avant la fin du siècle, un marché en hausse mis fin seulement par la Révolution. Le problème de savoir quoi faire avec les possessions de Citoyen Louis Capet, les membres de sa cour, et de ces financiers insuffisamment astucieux pour lire les panneaux d’avertissement pendant qu’il était encore temps, ont été gravement mal traités. Une grande partie a été détruite et beaucoup plus vendue dans des circonstances rendant impossible la réalisation d’un prix équitable. Le duc d’Orléans, Philippe Egalite, tenta de vendre la collection de tableaux du régent à l’étranger en 1790 pour 100 000 guinées, mais sans succès, bien que les peintures hollandaise et flamande fussent arrivées plus tard en Angleterre. La collection du ministre des Finances de Louis Seize, Charles Alexandre, vicomte de Calonne (1734-1802), a été vendue parOrléans, Philippe Egalite tenta de vendre la collection de tableaux du régent à l’étranger en 1790 pour 100 000 guinées, mais sans succès, bien que les peintures hollandaise et flamande fussent arrivées plus tard en Angleterre. La collection du ministre des Finances de Louis Seize, Charles Alexandre, vicomte de Calonne (1734-1802), a été vendue parOrléans, Philippe Egalite tenta de vendre la collection de tableaux du régent à l’étranger en 1790 pour 100 000 guinées, mais sans succès, bien que les peintures hollandaise et flamande fussent arrivées plus tard en Angleterre. La collection du ministre des Finances de Louis Seize, Charles Alexandre, vicomte de Calonne (1734-1802), a été vendue par Christie’s en 1795, mais à des prix bien inférieurs à ceux auxquels il les avait achetés.
Le marché des antiquités, mis à part les peintures de maîtres anciens, existait bel et bien au 18ème siècle, malgré l’accent mis sur ce qui était nouveau; mais la plupart du temps, peu de choses ont été achetées, et seuls quelques collectionneurs perspicaces se sont aventurés aussi loin que les bronzes de la Renaissance et de Rome. La collecte de curiosités de l’histoire naturelle, telles que des coquillages et des spécimens minéralogiques souvent montés en bronze doré, était bien plus à la mode.
Des meubles anciens, des tapisseries fines et d’autres motifs décoratifs de Versailles, ou de l’époque de Louis XIV, Louis XV ou Louis XVI, sont visibles dans meilleurs musées d’art dans le monde.
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