Jean-Baptiste-Camille Corot, peintre paysagiste français Automatique traduire

Jean-Baptiste-Camille Corot est l’un des grands représentants de la peinture de paysage française du XIXe siècle . Bien qu’il ait produit un certain nombre de beaux portraits, de peintures de figures et de gravures - qui sont tous négligés - il est surtout connu pour la clarté lumineuse de ses peintures en plein air . Influence majeure sur ses contemporains ainsi que sur les artistes ultérieurs, y compris le grand peintre suisse Ferdinand Hodler (1853-1918), Corot a comblé le fossé entre la tradition romantique arcadienne de l’art néoclassique et la pureté du plein air de l’impressionnisme français avec son style poétique d’un naturalisme sans affectation . Il reste l’un des artistes les plus populaires et les plus célèbres au monde .

Tableaux de Jean-Baptiste-Camille Corot

Une journée dans la vie de Jean-Baptiste-Camille Corot

Trois heures du matin. Le soleil n’est pas encore levé. L’artiste est assis sous un arbre. Il est petit, mince et alerte, avec un visage fort et plissé, une lueur d’espièglerie dans les yeux, une lèvre inférieure boudeuse, des poignets et des muscles d’acier, un cœur d’enfant. Il regarde la nappe grise de l’aube et chante. Simple, sans affectation, heureux d’être en vie, il chante comme les oiseaux en l’honneur du jour qui vient.

Il chante et attend. Dans la brume grise, on distingue à peine les vagues contours des objets. Un léger parfum flotte dans l’air. De minces brins d’herbe voltigent dans la brise. Et puis, les premiers rayons du soleil! Les fleurs se réveillent, chacune avec sa goutte de rosée tremblante. Les oiseaux, encore invisibles dans leur cathédrale forestière, entament leur hymne matinal. La brume se lève comme un rideau sur une nouvelle pièce de théâtre, révélant la rivière argentée, les arbres, les chalets et le ciel doucement teinté au-dessus de la tête. La scène se déroule maintenant sous les yeux de l’artiste.

Et maintenant le soleil s’est levé. Les cieux sont embrasés. Mais la lumière sur la terre est encore pâle et tendre. Au bout du champ, un paysan avec une charrette et des bœufs. Le tintement d’une cloche à mouton. Un voyageur sur un cheval ferré gravit la colline et disparaît dans un creux. Bouleaux blancs, herbe verte, air bleu - frais, tendre, vivant. Et l’artiste, sans cesser de chanter, peint tout cela.

Il est midi. Le soleil a éclairé le monde. L’air est lourd, endormi, immobile. Les fleurs baissent la tête. Les oiseaux se sont tus. On n’entend qu’un seul bruit : le marteau du forgeron du village. Ding! Ding! Comme il frappe rythmiquement l’enclume! Puis le marteau se tait. Une heure de repos. Le peintre va déjeuner à la ferme. Un gros morceau de pain et du beurre, du fromage, des œufs, du jambon. C’est délicieux! Et après un déjeuner aussi copieux, une petite sieste. Il rêve de ses tableaux. Plus tard, il peindra ses rêves.

Le soleil se dirige vers l’horizon. L’air vibre comme s’il était secoué par des tam-tams lointains. C’est reparti pour un tour! Le même paysage dans une autre ambiance, dans une autre lumière. Comment les traits, les contours, les nuances, les harmonies, les pensées changent. Car sous le pinceau de ce magicien, le paysage parle et pense.

Et maintenant, le soleil descend vers l’ouest. Il descend en éclaboussures de jaune, d’orange, d’écarlate, de cerise, de pourpre. Un spectacle flamboyant et vulgaire. Pas pour cet artiste. Il préfère la nature et ses humeurs calmes. Il s’assoit donc sous un peuplier et attend.

Le dernier rayon du soleil s’enfonce déjà sous l’horizon. Une bande d’or et de pourpre borde le nuage. Ah, c’est ça! Le crépuscule, la douceur, la paix. Le soleil a disparu. Le ciel se drape d’une brume jaune pâle, dernière lueur du soleil. Et maintenant, alors que le crépuscule se fond dans la nuit, le ciel est une texture délicate de verts, de turquoises, de gris et de bruns. Les eaux de la rivière reflètent les tons doux du ciel. Tout est flou, confus - ce courant sous-jacent où le visible se fond dans l’invisible. La nature s’assoupit. Coucher de soleil, silence, nuit. Une étoile plonge du ciel dans l’étang. Et l’eau reflète la lumière en ondulations de sourires argentés. Tout est plongé dans l’obscurité, sauf les étoiles et l’étang, un essaim d’abeilles dorées se reflétant dans l’eau. Nuit, illusion, rêves. Projets pour le lendemain. De nouveaux paysages, de nouvelles nuances de couleurs, de nouveaux mystères de la nature à capturer et à interpréter sur la toile. Mais pour aujourd’hui, le travail est terminé.

Telle est la journée typique de Corot, un peintre-poète qui a réussi à transmettre non seulement la forme mais aussi la psychologie de la nature. Comme Bonsels, Corot a doté chaque arbre, chaque fleur, chaque brin d’herbe d’une individualité et d’une âme vivante.

Les premières années

La vie même de Corot est un tendre poème de générosité et de génie. Mais sa vie commence dans une période tumultueuse de l’histoire du monde. En effet, 1796, l’année de sa naissance, est une période de transition entre la tempête de la Révolution française et celle des guerres napoléoniennes. Il a grandi dans une génération de sang et de tonnerre, d’ambition et d’intolérance, de haine, de mesquinerie et de vengeance. Mais son caractère n’a pas été entaché par la stupidité sauvage de son époque. Il a eu la chance de bénéficier d’une atmosphère saine et amicale au sein de son foyer. Son père était coiffeur et sa mère couturière - des artistes à part entière et des personnes à l’âme bien trempée. Ils adoraient leur enfant, et bien qu’ils désapprouvaient le fait qu’il «jouait avec un pinceau», ils étaient tolérants et le laissaient faire à sa guise.

Peu avant la naissance de Corot, son père quitte son activité de perruquier et devient gérant de l’atelier de couture de sa femme, rue du Bac, dans l’un des quartiers les plus en vogue de Paris. Les affaires sont florissantes et le père espère que son fils deviendra lui aussi un homme d’affaires. Il l’envoie à l’école et au collège, puis lui trouve un emploi de vendeur de draperies. Corot occupe ce poste pendant six ans, puis l’abandonne pour se consacrer à la peinture.

Son père tente à nouveau de faire du jeune artiste un marchand. Il lui propose de se mettre à son compte avec un capital de cent mille francs (environ vingt mille dollars). Corot décline cette offre pratique. Il veut peindre. Sa mère tente de le ramener à la raison. «Mon Dieu, Camille, s’exclame-t-elle, qui aurait cru que mon fils deviendrait si vulgaire! Mais Corot persiste dans son désir de peindre. Ses parents l’envoient alors dans une «folle aventure», avec un haussement d’épaules bon enfant et un généreux revenu de douze cents francs par an.

Dans ces premières années (1820), la peinture de paysage se divise en deux écoles ou styles : l’école néoclassique italienne en Europe du Sud, qui promeut des panoramas imaginaires idéalisés, souvent peuplés de figures mythologiques ou bibliques ; et l’école plus réaliste, dérivée de la tradition réaliste hollandaise - plus populaire en Angleterre et en Europe du Nord - qui reste fidèle à la nature réelle plutôt que d’en donner une version idyllique. Dans les deux cas, les artistes commençaient généralement par quelques croquis et études préliminaires en plein air, qu’ils complétaient ensuite en atelier. L’école anglaise de peinture de paysage, menée par John Constable et William Turner, a été particulièrement influente dans sa préférence pour le réalisme par rapport au néoclassicisme.

Corot étudie brièvement (1821-1822) avec le peintre et pédagogue Achille-Etne Michalion (1796-1822), et avec Jean-Victor Bertin (1767-1842), élèves de Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819), adepte de Nicolas Poussin, Claude Lorrain et de la tradition classique. Travaillant en plein air dans les forêts de Fontainebleau et dans des villages comme Ville d’Avray, à l’ouest de la capitale française, ainsi que dans son atelier, Corot absorbe volontiers ce style classique dans son dessin, son esquisse et sa composition, mais il ajoute à sa peinture sa propre poésie et son naturel sans affectation. Mais cette poésie est empreinte de réalisme : dans ses carnets, on trouve de nombreux croquis d’arbres, de rochers et de formes végétales, qui témoignent de l’attention qu’il porte à la réalité du paysage.

Un étudiant de la nature

Pendant la période de formation de son art, il se rend deux fois en Italie pour étudier les techniques de l’art de la Renaissance (vers 1400-1530), mais, malgré sa vénération pour Léonard de Vinci, il est beaucoup plus absorbé par les jardins Farnèse, la campagne italienne et la beauté du ciel italien. Son premier séjour en Italie (1825-1828) fut très productif, au cours duquel il apprit à utiliser l’ombre et la lumière pour rendre le volume et la massivité nécessaires des bâtiments, produisant 200 dessins et 150 peintures à l’huile .

Mais, comme tout au long de sa vie, il n’a reconnu d’autres maîtres que la nature. Il n’a jamais copié. Il peignait toujours directement d’après nature. «Ne suivez pas les autres», disait-il. «Celui qui suit est toujours à la traîne….. Vous devez interpréter la nature en toute simplicité et selon vos sentiments personnels, en vous détachant complètement de ce que vous savez des anciens maîtres ou de vos contemporains. Ce n’est qu’ainsi que tu pourras faire ton travail avec un vrai sentiment.»

Expositions au Salon de Paris

À la fin des années 1820 et au début des années 1830, Corot se concentre sur la création de grands paysages destinés à être exposés au Salon de Paris, qui privilégie encore la peinture réaliste dans le style académique classique. Il commença par retravailler et étendre ses esquisses à l’huile italiennes pour y inclure des éléments néoclassiques, comme dans sa première œuvre, «Vue de Narni» (1827). Cette œuvre est basée sur une rapide esquisse d’un aqueduc romain en ruine sous un soleil brillant et poussiéreux, qu’il a retravaillée pour en faire un cadre pastoral idyllique.

Bien que le Salon ait accepté cette œuvre et ses autres travaux de 1831 et 1833 (un portrait et plusieurs paysages), ils ont généralement été accueillis froidement par les critiques, de sorte que Corot s’est rendu deux fois de plus en Italie pour continuer à développer son style. Il en résulte sa peinture biblique «Agar dans le désert» (1835), représentant Agar et l’enfant Ismaël sauvés par un ange de la déshydratation dans le désert. Bien que le tableau soit basé sur une autre esquisse italienne, l’audace de la composition et la méthode picturale ont impressionné les critiques.

Apporté un soutien financier à d’autres artistes

Malgré toutes ces vicissitudes, Corot poursuit son chemin, n’écoutant personne et se liant d’amitié avec tout le monde. Son père porte ses revenus à deux mille francs. Mais Corot dépense tout, pour les autres. Il est un frère extravagant pour tous les jeunes artistes nécessiteux de Paris. Il les nourrit, les habille et, plus tard, achète même une maison à l’un d’entre eux. Pour répondre à ces besoins charitables - il ne les appelait jamais des charités, mais seulement des marques d’amitié - il était obligé d’emprunter à son père de grosses sommes d’argent en plus de son salaire. «Un jour, disait-il, je vendrai mes tableaux et je te rembourserai.

Mais le père se contentait d’ouvrir sa bourse et de sourire. Qui a jamais entendu parler d’un artiste capable de verser de l’argent à un homme d’affaires? Et à quoi servaient les artistes d’ailleurs? Il était persuadé que Camille resterait toute sa vie un enfant stupide, peu pratique et improvisé.

Impraticable et improvisé, oui - jusqu’à un certain point. Mais stupide? Pas Coro. Il était sage, avec la sagesse d’un grand cœur. Frugal jusqu’à la tempérance, Corot pouvait être, selon les mots de son biographe Everard Meynell, «une sultane sur une miche de pain». Car son pain était épicé par la joie de penser qu’un autre pauvre «diable d’artiste» prenait en ce moment même un copieux déjeuner à ses dépens. Il aimait surtout prêter sans espoir de remboursement.

Amis et contemporains de l’artiste

Les tableaux de Corot étaient grands parce qu’ils étaient créés par la bonté de son cœur. Et peu à peu, le public s’est rendu compte de la grandeur de ses tableaux, ainsi que de la bonté de son cœur. Ses toiles s’achètent, et le produit de la vente est offert à ses amis. Et quels amis! Parmi eux, Charles-François Daubigny (1817-1878), l’un des premiers adeptes de la peinture en plein air, qui peignit, joua et plaisanta avec lui toute sa vie et qui, sur son lit de mort, lui chuchota : «Adieu. Je vais au ciel voir si l’ami de Koro a trouvé des sujets de paysages».

Il y eut Henri Rousseau, Le Douanier (1844-1910) avec sa tête massive et sa barbe épaisse, un artiste dont le visage joyeux portait encore les traces d’une faim précoce - une faim que la générosité de Corot contribua à faire disparaître. Il y avait Diaz - Narcisse Virgil Diaz de la Pella (1807-1876), dont les riches peintures correspondaient à la richesse colorée de son nom, un homme à la jambe mutilée et au cœur vigoureux, un Espagnol qui ressemblait à un pirate et peignait comme un dieu, un John Silver aux cheveux noirs qui avait mendié dans les rues, qui jouissait maintenant de la coupe du succès jusqu’au bord et qui, un jour tragique, devait mourir d’une morsure de serpent. Il y avait Baudelaire, l’apôtre du romantisme, dont le génie frôlait la folie - ou, comme le diraient certains de ses critiques les plus virulents, dont la folie frôlait le génie. Et puis il y avait Gustave Courbet, dont la vanité était encore plus grande que son génie.

La célébrité et la reconnaissance

Tout au long des années 1840, Corot s’efforce de surmonter les critiques et de cacher sa déception lorsque ses œuvres sont rejetées par le Salon . Mais en 1845, Baudelaire déclare que Corot est le premier représentant «de l’école moderne de peinture de paysage». En 1846, le gouvernement français lui décerne la croix de la Légion d’honneur .

«Incroyable!» - s’exclama son père en l’apprenant. Corot lui-même reste aussi indifférent à cette reconnaissance qu’à ses échecs précédents. Elle lui permet seulement de vendre ses tableaux à volonté et de renflouer sa bourse en faveur de ses amis. Il reçoit une médaille de seconde classe au Salon de 1848, mais de plus en plus de ses contemporains, dont Eugène Delacroix (1798-1863), commencent à reconnaître son statut d’artiste. En 1848, Corot est élu membre du Salon, et la reconnaissance publique suit rapidement, augmentant considérablement sa situation financière.

Il exigeait parfois d’assez bons prix de la part des mécènes et des acheteurs d’art - mille francs, trois mille francs, dix mille francs. Mais en général, il évaluait ses tableaux en fonction de ses besoins du moment, plutôt qu’en fonction de leur valeur intrinsèque. Dans l’ensemble, il sous-estimait plutôt leurs mérites. Il aurait été bien surpris s’il avait pu deviner qu’en vendant son tableau «Lac de Garde» pour huit cents francs, trente ans plus tard ce tableau vaudrait deux cent trente et un mille francs!

Les dernières années

Pendant la tempête de la guerre franco-prussienne, il reste calme et poursuit son activité de créateur de beauté, d’amitié et de convivialité. Jusqu’à la fin, il a continué à soutenir ses collègues artistes, intervenant souvent pour leur passer des commandes. En 1871, il fait don de 10 000 dollars aux pauvres de Paris, alors bloqué par l’armée prussienne. Il donne 10.000 francs à la veuve du grand Jean-François Millet (1814-1875), ancien chef de l’école paysagiste de Barbizon, et achète une maison de campagne pour le caricaturiste, peintre et sculpteur Honoré Daumier, pauvre et presque aveugle. Même l’habituellement acerbe Edgar Degas appelait Corot «l’ange qui fume la pipe».

Corot lui-même refusait de vieillir. Il s’attendait, disait-il, à vivre jusqu’à cent quatre ans. Il avait un appétit insatiable pour le travail. À l’âge de 77 ans, il montait encore les quatre étages qui menaient à son atelier de la rue Paradis Poissonnière. Au cours de l’hiver suivant, un de ses amis les plus chers, d’Aligny, mourut. Lors de l’enterrement, une tempête de neige s’abat sur le cimetière du Montparnasse. Mais le vieil artiste, la neige fouettant ses cheveux blancs, refuse de partir avant la fin de la cérémonie.

Enfin, sa santé commence à décliner. Il se rend encore régulièrement dans son atelier - mais pas pour écrire, mais pour être parmi ses tableaux préférés. «Si seulement j’en avais la force maintenant! - disait-il à son ami Robaut. «Tu n’as pas idée de ce que je pourrais écrire….. Je vois des choses que je n’ai jamais vues auparavant. De nouvelles teintes, de nouveaux ciels, de nouveaux horizons….. Ah, si je pouvais te montrer ces horizons immenses!». Trois semaines plus tard, le 22 février 1875, il passe à ces nouveaux horizons. «Je continue d’espérer, dit-il peu avant sa mort, qu’il y aura de la peinture au ciel». Il est enterré au cimetière du Père-Lachaise à Paris.

Réputation

Créateur de plusieurs tableaux de paysages célèbres, Corot a joui d’une popularité durable en tant que peintre de paysages, ce qui témoigne de sa capacité créative unique à représenter la nature dans toute sa beauté. Contribution importante à la peinture française moderne , fin observateur de la lumière et des nuages, et l’un des plus grands maîtres des études à l’huile en plein air, il a également produit plusieurs charmantes peintures de figures et portraits (par exemple, le chef-d’œuvre «Femme à la perle», 1869). Il a exercé une forte influence sur l’art du paysage du milieu du XIXe siècle, y compris les paysages impressionnistes, et sur des artistes tels que Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Eugène Boudin (1824-1898) et Berthe Morisot (1841-1895). Le dernier mot revient à Claude Monet (1840-1926), qui a dit un jour : «Il n’y a qu’un seul maître ici, Corot. Nous ne sommes rien à côté de lui, rien.»

Les œuvres de Corot sont exposées dans de nombreux musées d’art parmi les plus prestigieux du monde .