Donne Triptych, Hans Memling:
interprétation, analyse Automatique traduire

Le triptyque de Donne (détail)
Par Hans Memling.
Considéré comme l’un des
Les plus belles peintures de tous les temps.

La description

Artiste : Hans Memling (1433-94)
Moyen : Peinture à l’huile
Genre : Art religieux
Mouvement : école de Peinture flamande
Lieu : National Gallery, Londres.

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Appréciation d’art
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Peintres flamands comme
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Évaluation de l’art et
Comment apprécier les peintures.

Ce petit retable par Hans Memling (c.1433-94), également connue sous le nom de La Vierge à l’enfant avec des saints et des donateurs, ou encore le triptyque de saint Jean-Baptiste et de saint Jean l’évangéliste, fait partie des plus beaux tableaux religieux du 15ème siècle Renaissance néerlandaise. Commandé lors d’une visite à Bruges du noble et courtisan gallois Sir John Donne of Kidwelly (1428-1503 environ) pour célébrer le mariage royal de Marguerite d’York à Charles le Téméraire, duc de Bourgogne, il s’agit de l’un des rares peintures sur panneaux qui Memling exécuté pour un client britannique. La plupart de ses clients habituels étaient des personnalités ecclésiastiques ou des hommes d’affaires fortunés de Bruges, Gand, Anvers ou ailleurs en Flandre, ou des représentants étrangers de la Ligue hanséatique allemande ou du Florentin. Famille Médicis. Le sien Triptyque du Jugement Dernier (c.1471), par exemple, a été peint pour le banquier florentin Jacopo Tani. Entrepris par Memling à l’apogée de ses pouvoirs, le Donne triptyque a été peint à Bruges où l’artiste avait créé un atelier florissant et figurait parmi les plus riches de la ville. Un trésor majeur de la Renaissance nordique, l’œuvre est maintenant exposée à la National Gallery, à Londres.

Composition

Dans le panneau central du triptyque de Donne, on voit, à droite de Madonna, John John Donne agenouillé, tandis que sa femme Elizabeth Hastings et leur fille aînée, Anne, sont agenouillées à sa gauche. Ste Catherine est présentée présentant Donne à la Vierge et l’Enfant pendant que sa femme est présentée par Ste Barbara. Bien que le comportement des donateurs implique une humilité pieuse, leur costume exprime richesse et style et les deux époux portent des colliers yorkistes de roses dorées ornés du motif du Lion de mars du roi anglais Edward IV. La Vierge Marie est également accompagnée par des anges jouant de la musique pour le petit Jésus, qui fait un geste ambigu de la main droite: il bénit le donateur ou cherche un fruit! À l’arrière-plan, un paysage pittoresque s’étend au loin: un homme à cheval, un meunier déchargeant un sac de son âne, ainsi que la roue à aubes d’un moulin (représentation spirituelle de l’attribut de Sainte Catherine).

Les panneaux latéraux représentent les saints de Donne: Jean-Baptiste (agneau à la main) et Jean l’évangéliste. L’observateur qui se tient à l’arrière-plan derrière Jean-Baptiste peut être un autoportrait de Memling lui-même.

L’architecture de ce tableau est à la fois intérieure à l’intérieur de Bruges et à l’italienne, et offre à Memling l’occasion de démontrer sa maîtrise du perspective linéaire. Dans le même temps, il utilise clair-obscur – de faibles contrastes de lumière et d’ombre – pour augmenter le volume de ses figures. Entre temps l’ambiance est formelle mais détendue: les torturés Art gothique triptyque de son dernier jugement dernier (1471, Uffizi, Florence) a cédé la place à l’élégance plus courtoise du Début de la renaissance.

Lorsque les panneaux extérieurs sont fermés, on voit grisaille des peintures de saint Christophe et de saint Antoine abbé rendues exclusivement dans des tons de gris pour ressembler à des sculptures en pierre. Ce fut une convention pas rare entre la fin du 15ème siècle Artistes de la Renaissance nordique des Pays-Bas, mais encore relativement nouveau pour les peintres italiens contemporains. En effet, de nombreuses œuvres de l’atelier de Memling ont été exportées en Italie, où ses méthodes de peinture (virtuosité avec la peinture à l’huile, palette de couleurs de la Renaissance, utilisation du clair – obscur) ont été bien reçues par les clients vénitiens tels que les cardinaux Bembo et Grimani, et souvent imités par ses contemporains, en particulier par des membres de l’école de peinture ombrienne.

Harmonie et équilibre

Caractérisé par un sens tangible d’harmonie issu d’une composition symétriquement équilibrée, un déploiement magistral de Couleur – des teintes et des tons allant des rouges et bleus riches aux demi-tons subtils – et des personnages qui dégagent une dévotion discrète au lieu du sentiment intense observé dans les œuvres de ses contemporains, le Donne Triptych est l’un des plus grandes peintures de la Renaissance de son âge.

Autres retables flamands du XVe siècle

le Retable de Dijon (1393-99, Musée des Beaux-Arts, Dijon) de Melchior Broederlam (c.1350-1411) est une œuvre fondamentale qui marque l’avènement du grand peintre sur panneaux (Robert Campin, Hubert / Jan van Eyck, Roger Van der Weyden, Dieric Bouts l’ancien, Hugo Van Der Goes), et le déclin correspondant de peinture miniature et illustration manuscrite de miniaturistes comme les frères Limbourg et Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414). Les miniatures, par définition, ne pouvaient contenir que peu de détails, alors que la nouvelle génération de peintres sur panneaux flamands pouvait (et faisait) créer des détails minutieux et révolutionner l’art. Parmi leurs meilleures œuvres sont les suivantes:

Retable de Dijon (1393-99, Musée des Beaux-Arts) de Melchior Broederlam
Retable merode (1427, Metropolitan Museum, NY) de Robert Campin.
Retable de Gand (1432, cathédrale St Bavo, Gand) de Jan van Eyck.
Retable de Beaune (1450) de Roger Van der Weyden.
La Cène (1464-14, St Pieterskerk, Louvain) de Dieric Bouts l’aîné.
Jugement dernier (c.1471, Muzeum Narodowe, Gdansk) de Hans Memling
Retable de portinari (1476-79, Uffizi, Florence) de Hugo Van Der Goes.