Fresque du Jugement dernier, Chapelle Sixtine, Michel-Ange: interprétation, analyse Automatique traduire

Fresque du Jugement dernier
Par Michelangelo.
Considéré comme l’un des
Les plus belles peintures de tous les temps.

Éducation artistique
Apprécier cinquecento
œuvres d’art de la fin
Renaissance à Rome,
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Évaluation de l’art
et aussi:
Comment apprécier les peintures.

La description

Peinture : Fresque du jugement dernier
Date : 1536-151
Artiste : Michelangelo (1475-1564)
Moyen : Peinture fresque
Genre : religieux peinture d’histoire
Mouvement : Maniérisme
Lieu : mur d’autel de la chapelle Sixtine, Vatican, Rome.

Pour la signification des autres images, voir: Tableaux célèbres analysés .

La Commission

Peint sur le mur d’autel de la chapelle Sixtine, Le Jugement dernier a été commandé par le pape Clément VII (1523-1534) peu de temps avant sa mort et confirmé en 1535 par son successeur, le pape Paul III Alessandro Farnese (1468-1549). Une œuvre monumentale de Art chrétien, c’était la plus grande fresque peinture murale du 16ème siècle, et a pris Michelangelo quatre ans pour terminer. Il l’a accompli plus de trois décennies après avoir achevé son premier cycle de Art biblique – le Fresque de la genèse – sur le plafond Sixtine. Comme son nom l’indique, Le Jugement dernier décrit le Jour du jugement lors de la seconde venue du Christ, comme indiqué dans la Bible. Il est considéré comme le plus grand chef-d’œuvre de art religieux du 16ème siècle, et représente soit la dernière floraison tardive de Peinture haute renaissance, ou le premier exemple majeur de Peinture maniériste – le nouveau style qui a supplanté le classicisme de la Haute Renaissance. (Remarque: le théoricien de l’art du XVIe siècle, Giorgio Vasari, considérait Michelangelo comme une source importante d’inspiration pour Artistes maniéristes pour le reste du siècle.)

Modification de la chapelle Sixtine et problèmes de conception

Nous ne savons pas ce qui a motivé la décision du pape Médicis Clément VII (1523-1534), en 1533, de repeindre le mur d’autel de la chapelle Sixtine. Peut-être était-il simplement en train de prolonger l’histoire biblique du Fresques de la chapelle Sixtine que Michelangelo avait peint pour la dernière fois en 1512, sous les ordres de Pape julius ii. En tout état de cause, le projet nécessitait de démolir les deux fenêtres et de détruire les décorations du quattrocento – les fresques de La Fille du pharaon par Pietro Perugino, et les portraits des Papes – qui avaient tout ce qui avait entouré la chapelle et continué. à travers le mur de l’autel. Il était également nécessaire de détruire le retable créé par Perugino, et son cadre, ainsi que les propres ancêtres du Christ de Michel-Ange dans les deux lunettes. La solution finale atteinte par le peintre pour tailler tout le mur, sans même un cadre, changea radicalement l’aspect de la chapelle, l’accent étant mis de côté sur l’accent horizontal que lui donnaient les bandes continues de fenêtres et de fresques le long de ce mur et d’autres, élément vertical fort.

Le dessin de Michelangelo pour la fresque du jugement dernier

Michel-Ange a remodelé l’image traditionnelle du Jugement dernier en harmonie avec celle de la fin des temps. Art de la Renaissance du mouvement maniériste. Jusque-là, il avait été organisé de manière rigide pour exprimer la place centrale de Dieu dans le cosmos ordonné et son contrôle du destin final de l’homme. Michelangelo a divisé la composition en deux niveaux. Dans la zone céleste, Christ le juge était entouré des chœurs des apôtres, des anges, des saints, des martyrs et des patriarches. Dans la zone terrestre ci-dessous, la Résurrection des Morts était disposée à gauche, tandis que la descente de Damned en Enfer apparaissait à droite. Chaque population obéissante, assemblée à son endroit désigné, remplissait son rôle avec une émotion prévisible: les élus joyeux, les Dames tourmentés. Les rangs étaient fixés et fermés.

Michelangelo a conçu son jugement dernier comme un tourbillon de corps – nus masculins et nus féminins, en accord avec sa philosophie humaniste – autour du centre dynamique du Christ, chaque personnage étant en mouvement ou en émotion. La prévisibilité a été balayée, remplacée par une incertitude anxieuse alors que l’iconographie traditionnelle était statique et hiérarchisée, la vision de Michel-Ange est celle d’un événement explosif dynamique. Des robes flottantes ont été mises de côté, car, aux yeux de Michel-Ange, nous rencontrerons tous le Seigneur privé de tout rang et emblème de notre statut terrestre.

Bien que Michel-Ange ait évité les sections nettement divisées des versions précédentes des artistes, il a introduit des zones correspondant aux divisions des fresques du mur latéral. La partie supérieure des lunettes est remplie des anges et des instruments de la Passion (la Croix et le Pilier). En dessous, nous voyons les rangs densément massés des élus. Plus bas, une zone marque la transition entre ceux qui sont déjà parmi les élus entourant le Christ et ceux qui montent ou descendent. La ligne continue à travers la fresque, où il y a soudainement un aperçu sans entrave du ciel bleu. À l’extrême droite de cette zone, Simon de Cyrène semble placer sa croix sur le rebord de l’Entablature. La zone inférieure du mur présente (à gauche) des tombes ouvertes pour libérer leurs occupants vers le haut, en direction du Christ, et (à droite), l’enfer, où Charon le batelier amène le Damed de l’autre côté de la rivière Styx.

Globalement, le jugement dernier illustre le triomphe de disegno (design) sur colorito (couleur / peinture).

Petite perspective – sans cadre

Certains peintres antérieurs, comme Giotto, ont donné l’illusion de profondeur à leurs Jugements derniers en décrivant des chorales de personnages posés de la même façon, en recul. À la place d’utiliser perspective linéaire, Michel-Ange a eu recours à la superposition de ses personnages en groupes très serrés, formant des chaînes pour indiquer le courant du mouvement. Lorsque les personnages reviennent dans l’espace, ils perdent en acuité, parfois très finement. L’une des innovations les plus remarquables de Michelangelo est l’élimination d’un cadre. Les figures sont découpées sur les bords, comme pour impliquer que nous n’en voyons qu’une partie, et la scène continue dans toutes les directions, latéralement et également en dessous. Au lieu de donner l’impression que tous ont leur place ici et qu’aucune ne sont ce qu’ils sont, Michelangelo décrit l’incertitude des hommes et des femmes qui sont déplacés par une force indépendante de leur volonté vers un destin qui leur est encore inconnu. Quand ils découvrent leurs destinations, il leur montre leurs démonstrations de surprise, de joie ou d’horreur.

Caractéristiques de la peinture

Les lunettes

Les deux lunettes au sommet du Jugement dernier contiennent les symboles de la passion du Christ, de la croix, du pilier contre lequel il a été flagellé, de l’échelle, de l’éponge et de la couronne d’épines, le tout porté par des anges sans ailes. On leur donne une importance inhabituelle parce que leur inclusion montre clairement que la résurrection finale montrée plus bas n’a été rendue possible que par la mort sacrificielle de Christ et sa résurrection.

Les anges trompettistes

Au milieu du mur, dans la moitié inférieure, sous Christ, un autre groupe d’anges réagit à la venue de Christ et à son ordre: "ils verront le Fils de l’homme venir sur les nuées du ciel avec puissance et une grande gloire. Il enverra ses anges sonnent de la trompette et ils ramasseront son élu des quatre vents. " (Mt 24: 30-31)

Christ et la Vierge

La figure dominante du Christ domine la fresque du Jugement dernier. Il est adossé à une auréole dorée, qui comprend également sa mère qui s’attache à son côté. Dans des croquis antérieurs, Michel-Ange avait dessiné le Christ assis de manière traditionnelle, mais dans le tableau, il semble avancer d’un pas, peut-être se lever.

Sa position nous rappelle des images du Christ à sa résurrection, sortant du tombeau. Les écrivains d’art du 16ème siècle Giorgio Vasari et Ascanio Condivi a décrit le geste du Christ avec son bras droit comme étant en colère, mais son visage impassible contredit cette interprétation. Son bras levé doit plutôt être compris comme un geste de commandement, mettant en mouvement les événements que nous voyons se dérouler devant nous – les anges sonnent des trompettes, les morts ressuscités, après quoi ils se dirigent vers leurs places désignées, soit se levant pour rejoindre Christ Ciel ou tomber dans l’abîme de l’enfer. Il affiche les plaies sur ses mains, ses pieds et son côté, nous rappelant qu’il est le Christ ressuscité et aussi ses souffrances et à quel prix cette vie éternelle a été gagnée pour nous.

La Vierge tourne la tête et croise les bras, comme pour dire que le temps de son intercession miséricordieuse est passé. La lumière dorée derrière le Christ, que Michel-Ange a eu la peine de peindre un secco avec des pigments jaunes brillants qu’il n’a utilisés nulle part ailleurs dans la fresque, devient le soleil autour duquel tout l’événement se déplace dans une rotation inévitable. Cette caractéristique visuelle a donné lieu à des déclarations sur la ressemblance de Christ avec Apollo, le dieu du soleil, autour duquel toutes les planètes tournent.

Les élus

Le Christ et la Vierge entourent une foule de saints, de martyrs et d’autres qui se sont élevés au paradis. Quelques-uns ont des attributs que nous pouvons identifier mais la plupart n’en ont pas. Nous reconnaissons St Lawrence avec sa grille et St Bartholomew avec son couteau et sa peau écorchée, St Peter tenant les clefs du royaume, St André avec sa croix, St Sébastien tenant les flèches avec lesquelles il avait été tiré, St Blaise avec ses peignes en laine. et sainte Catherine avec sa roue. Deux figures de la crucifixion – le bon voleur, Dismas et Simon de Cyrène, qui portait la croix du Christ pour lui – nous rappellent à nouveau la signification de la mort sacrificielle et de la résurrection du Christ en tant que précurseur nécessaire de l’événement représenté.

L’ascendant

En bas à gauche, où les tombes rendent les morts, les corps remontent vers les élus. Certains prennent leur envol, d’autres sont portés par des anges, un couple saisissant un chapelet est en train d’être hissé par un ange musclé, apparemment pour démontrer le pouvoir de la Foi. D’autres vertus cardinales peuvent être reconnues dans d’autres figures.

Les damnés

Ceux de gauche qui se lèvent vers les élus sont ceux de droite qui descendent en enfer. Certains sont abattus par des anges contrecarrant leurs tentatives frénétiques de monter; certains sont rejetés tête baissée tandis que d’autres sont traînés par des démons. Selon Condivi, les pécheurs sont tirés par la partie du corps avec laquelle ils ont péché; les fiers par leurs cheveux, les lascifs par leur pudenda. En fait, de nombreuses figures semblent être des allégories des vices, certaines même dotées d’attributs, comme le porte-monnaie signifiant une victoire.

Charon

Dans la mythologie classique, Charon est le batelier qui conduit les damnés à travers le Styx (ou Acheron) jusqu’aux enfers. Comme Minos, également présenté ici, Charon figurait dans la Divine Comedy de Dante, où il est décrit comme un démon qui tourmente les maudits avec leur situation désespérée et intimide les réticents à coups de rame. Comme il y a très peu de choses dans les Écritures décrivant la vie après la mort, les images éclatantes de Dante ont comblé le vide laissé par Michel-Ange, qui connaissait si bien son Dante, nous disent ses contemporains, qu’il pourrait en réciter une grande partie de mémoire. Cependant, pendant l’ère de Art de la contre-réforme catholique (c.1560-1700), l’inclusion d’une figure païenne comme Charon a été très critiquée.

La cave

Au pied du Jugement dernier, au centre du tableau se trouve la grotte, une caverne noire remplie de démons. Une autre silhouette se découpe sur une lueur ardente. On ne sait pas exactement ce que cette caverne représente, même si les experts pensent maintenant que cela signifie le purgatoire. C’est seulement à partir du Purgatoire que l’on peut s’échapper, et le prêtre à l’autel saurait que sa célébration de la messe aidait les âmes souffrant du Purgatoire. Le Conseil post-réforme de Trente n’a pas tardé à confirmer l’existence du Purgatoire face à l’affirmation protestante qu’il s’agissait d’une fraude cynique destinée à enrichir l’Église par la vente d’indulgences.

Enfer

Dans le coin inférieur droit, la tonalité change brusquement. Dans Dante’s Inferno, la lumière est si faible qu’il est difficile de distinguer les formes. Ainsi, le peintre, à la suite de Dante, lorsqu’il est venu pour lutter contre les démons et Damned à l’entrée de l’enfer, avait besoin d’une palette plus profonde que celle fournie par la fresque, avec sa technique consistant à appliquer des tons semi-transparents sur un fond blanc. Le ciel étranger ne pénètre pas ici; au lieu de cela, nous voyons les eaux troubles du Styx et des personnages sombres qui se distinguent à peine dans la noirceur interdite. Pour obtenir l’effet sombre qu’il recherchait, Michel-Ange recouvrit l’ intonaco blanc d’une ombelle brun rougeâtre, puis peignit les tons moyens et les lumières. Dans quelques passages de cette zone où il souhaitait utiliser certains pigments métalliques verts et bleus incompatibles avec la fresque, il utilisa l’huile comme médium, à la suite des peintures murales réussies de Sebastanio del Piombo dans la chapelle de San Pietro. Dans un aspect léger du portrait de l’Enfer par Michelangelo, rapporté par le biographe Giorgio Vasari, l’artiste a peint Minos (le Juge des âmes) avec les oreilles d’un âne et le visage du maître des cérémonies papales, Biagio da Cesena., qui s’était souvent opposé à Sa Sainteté au sujet de la nudité des personnages de Michelangelo. Lorsque Césène s’est plaint hystériquement au pape de cette effronterie, le pape aurait répondu qu’il avait les mains liées, sa juridiction n’étant pas étendue à l’enfer! (Voir également: Palette de couleurs Renaissance.)

Pourquoi le jugement dernier a-t-il été peint?

Dans le passé, le jugement dernier de Michel-Ange était considéré comme une "expiation", créée à la suite du sac de Rome en 1527 par les troupes de l’empereur Charles Quint, qui pillèrent la ville et obligèrent le pape à abandonner le Vatican et à s’enfuir à Orvieto.. Beaucoup considéraient ces événements comme une indication de la colère divine. Selon ce point de vue, à l’instar de Sodome et de Gomorra, Rome avait été envahie par le temps parce qu’elle était devenue un lieu de décadence et de péché, et le Jugement dernier reflétait le climat de pénitence qui avait suivi ces événements traumatisants. La commande du pape Clément à Michel-Ange a en fait été décrite comme une "illustration de la catastrophe de son règne". C’est peut-être ce que pensaient les protestants du sac, et peut-être même la réaction initiale de certains catholiques romains immédiatement après l’événement. Les historiens modernes s’accordent toutefois pour dire que l’Église catholique a retrouvé son estime de soi beaucoup plus rapidement. Le pape Clément signa un traité de paix avec Charles Quint. En 1533, Michel-Ange reçut la commission du Jugement dernier et mourut en 1534. C’est donc le pape Farnèse, Paul III, qui a supervisé le travail, et il n’existe aucune preuve d’une pénitence excessive dans sa personnalité.

Réponse à la fresque du jugement dernier de Michel-Ange

Dès que la fresque fut dévoilée en 1541, elle fut immédiatement reconnue comme l’un des plus grandes peintures religieuses du Renaissance italienne et est devenu un nouveau modèle pour les artistes. En 1586, le peintre et écrivain Armenini se souvint comment, lorsqu’il était jeune homme, lorsqu’il dessinait dans la chapelle, il serait parmi beaucoup d’autres et entendrait des discussions sur des détails minutieux de l’œuvre de Michelangelo. C’est devenu une sorte d’école d’anatomie, le meilleur endroit à Rome – ou n’importe où – pour étudier la figure nue.

On dit souvent que la modélisation des figures de Michelangelo est exagérée. Fin du 16ème siècle le grand maniériste Annibale Carracci a décrit les nus dans Le Jugement dernier – contrairement aux chiffres sur le plafond Sixtine – comme "trop ​​anatomiques". Même le critique Raffaello Borghini, écrivant en 1584 dans la ville natale de Michel-Ange, Florence, où Il Divino était toujours considéré comme plus grand que le meilleurs artistes de tous les temps, a mis en garde les artistes contre les excès résultant de la copie de l’anatomie de Michelangelo. Ne donnez pas à une femme délicate les membres et les muscles d’un homme, raconte le peintre. La modélisation des muscles ne doit pas être exagérée.

Explication des peintures maniéristes

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