Photographie d’art: définition, histoire, types Automatique traduire

Le terme «art photographique», ou «photographie artistique» n’a pas de signification ou de définition universellement acceptée : il désigne plutôt une catégorie imprécise de photographies produites selon la vision créative du photographe. L’idée de base de ce genre est qu’au lieu de représenter le sujet de manière réaliste, le photographe cherche à créer une impression plus personnelle, généralement évocatrice ou atmosphérique. Nous pouvons simplifier ce schéma en disant que la photographie d’art décrit toute image prise avec un appareil photo dont l’intention est esthétique (c’est-à-dire une photographie dont la valeur réside principalement dans sa beauté - voir Esthétique) plutôt que scientifique (photographies ayant une valeur scientifique), commerciale (photographies de produits) ou journalistique (photographies ayant une valeur d’information ou d’illustration).

Voir aussi : La photographie est-elle un art?

Les photographies d’art sont souvent utilisées dans l’art du collage (plus correctement le photo-collage) par des artistes tels que David Hockney (né en 1937)) ; et dans l’art de la photographie). 1937))) ; et dans le photomontage) utilisé par les dadaïstes Raoul Hausmann (1886-1971), Helmut Herzfelde (1891-1968) et Hannah Hoch (1889-1979), les surréalistes Max Ernst (1891-1976), le groupe d’avant-garde Fluxus dans les années 1960, et l’artiste Pop Richard Hamilton. La photographie peut également être incorporée dans les arts mixtes , les installations et l’assemblage. Aujourd’hui, la photographie est exposée dans de nombreuses galeries d’art contemporain parmi les plus prestigieuses au monde.

Histoire du développement technique

Inventée dans les premières décennies du XIXe siècle et soumise à de nombreuses améliorations au cours de l’ère de l’art victorien, la photographie capturait instantanément plus de détails et d’informations que les méthodes traditionnelles de reproduction telles que la peinture ou la sculpture . Le développement technique de la photographie a été progressif, bien que la découverte en 1839 d’émulsions sensibles à la lumière, qui ont permis de prendre des photographies en noir et blanc, ait constitué une avancée significative. D’autres avancées techniques importantes dans l’histoire de la photographie, sont les suivantes.

La photogravure a été inventée en 1822-5 par le Français Joseph Niépce (1765-1833), qui a également pris la première photographie d’après nature en 1826. Des améliorations (réduction du temps d’exposition, daguerréotype) ont été trouvées par le professeur allemand Heinrich Schulz (1687-1744) et le physicien français Louis Daguerre (1787-1851) en 1837, Daguerre étant à l’origine de la première photographie d’un homme en 1839.

Parallèlement, en 1832, l’artiste et inventeur franco-brésilien Hercule Florence (1804-1879) crée un procédé similaire appelé Photographie, et l’inventeur anglais et premier spécialiste des appareils photographiques William Fox Talbot (1800-1877) se consacre à l’invention du calotype, qui permet de produire des images négatives . Ses recherches sur la reproduction photomécanique dans les années 1840 ont conduit à la découverte du procédé de gravure photoglyphique, prédécesseur de la photogravure .

Le scientifique expérimental anglais John Herschel (1792-1871) a inventé le procédé du cyanotype et a été le premier à introduire les termes « photographie», « négatif» et « positif». En 1851 Frederick Scott Archer (1813-1857) rend publics les résultats de ses recherches sur le procédé du collodion de la plaque humide, ce qui accroît considérablement la disponibilité de la photographie pour le grand public, tout comme l’avènement du film en rouleau en 1884 par l’innovateur américain George Eastman pour remplacer les plaques photographiques . En 1908, le scientifique français Gabriel Lippmann (1845-1921) a reçu le prix Nobel de physique pour les améliorations apportées à la reproduction photographique des couleurs.

Le développement du procédé photographique a été jalonné de découvertes et d’inventions de ce type, et de nombreuses autres avancées dans la fabrication des plaques photographiques et les méthodes d’impression ont été réalisées au cours du dix-neuvième siècle.

Parmi les photographes de l’époque victorienne, on peut citer John Edwin Mayall (1813-1901), qui a pris certaines des premières photographies de la reine Victoria et du prince Albert ; Julia Margaret Cameron (1815-1879), connue pour ses portraits photographiques et ses images mythologiques ; et Oscar Gustav Rejlander (1813-1875), caméraman suédois et expert en photomontage qui a travaillé avec Charles Darwin sur «L’expression des émotions chez l’homme et les animaux».

Au XXe siècle, les progrès de la technologie photographique ont dominé les améliorations du film et de la cinématographie, conduisant à l’émergence de nouvelles formes créatives telles que l’art de l’animation, les dessins animés et l’art vidéo .

L’utilisation de la photographie dans l’art

La photographie tire son origine de la camera obscura, un instrument qui projetait une image à travers un petit trou, permettant à l’artiste de faire une copie exacte d’un objet ou d’une scène. La première mention de son utilisation comme aide au dessin apparaît dans Magia Naturalis, un traité scientifique du savant italien Giambattista della Porta. De nombreux vieux maîtres des XVIIe et XVIIIe siècles, dont Jan Vermeer (1632-1675) et Canaletto (1697-1768), l’auraient utilisé dans leurs esquisses.

Avec la diffusion du matériel photographique à partir de 1840, l’usage de la photographie se banalise tant dans le portrait que dans le paysage. De nombreux peintres figuratifs et portraitistes, afin de réduire le temps de travail sur les modèles, commencent à utiliser un nouveau médium, la photographie, en plus des modèles.

Par exemple, le grand peintre réaliste américain du XIXe siècle Thomas Eakins (1844-1916) était un fervent photographe et utilisait la photographie dans le cadre de sa recherche du réalisme plutôt que comme une réduction ou une aide à la composition et à la perspective. La photographie a également été utilisée par les peintres paysagistes, en particulier les impressionnistes français, comme une aide à la peinture en plein air . Pour plus de détails, voir : Histoire de l’art .

La photographie en tant qu’art

Bien qu’à la fin du XIXe siècle la photographie ait été reconnue en Grande-Bretagne et en Amérique comme un art mineur - en partie grâce à la promotion de magazines tels que «American Amateur Photographer», et d’organisations telles que «Society of Amateur Photographers», Society of Amateur Photographers of New York», «Photographic Society of Philadelphia» et «Boston Camera Club» - certains photographes ont cherché à montrer que le nouveau médium pouvait être aussi artistique que d’autres formes d’art, telles que le dessin et la peinture.

Deux de ces artistes sont Alfred Stieglitz (1864-1946) et Edward Steichen (1879-1973). Tous deux ont contribué à faire de la photographie un art, et de Stieglitz en particulier (et de sa femme Georgia O’Keeffe) des collections de musées. - dans les collections des musées. Un événement marquant se produit en 1902 lorsque Stieglitz crée l’Association of Creative Photographers Photo-Secession en Amérique et commence à publier son magazine Camera Work (1902-17), qui devient rapidement un forum pour l’art contemporain de toutes sortes. En 1905, Stieglitz et Steichen fondent à New York une galerie «291», spécialisée dans l’art d’avant-garde, notamment les photographies, les peintures et les sculptures.

Pictorialisme (c. 1885-1915)

Alors que Stieglitz et Edward Steichen faisaient de leur mieux pour promouvoir la photographie comme une forme d’art à part entière, le pictorialisme - le premier style majeur d’art photographique - est devenu à la mode parmi les artistes objectivistes au tournant du siècle. Le pictorialisme se réfère à des photographies (généralement rêveuses, «soft-focus») qui ont été réellement «créées» dans une chambre noire. Plutôt que de capturer l’image d’un sujet particulier, le photographe manipulait le processus d’impression pour obtenir l’effet désiré.

Pour l’opérateur pictorialiste, la photographie était un objet de manipulation, tout comme un peintre manipule sa toile et sa palette de couleurs. Parmi les photographes pictorialistes les plus célèbres, citons Man Ray, connu pour ses Rayographies, Alfred Stieglitz, Edward Steichen, F. Holland Day, Clarence H. White, William Notman, Sidney Carter, Constant Puyo, Pierre Dubreuil, Heinrich Kuhn, Hugo Henneberg, Ogawa Kazumasa, Harold Kazno et John Kauffman.

Bien que le pictorialisme ait permis à des artistes expérimentaux tels que Man Ray d’élever la photographie à un nouveau niveau de créativité, il s’est avéré décevant en tant que forme d’art, car une grande partie de la créativité consistait à manipuler des produits chimiques et des outils dans une chambre noire plutôt qu’à travailler avec un appareil photo. Voir aussi également les artistes allemands de photomontage Dada Raoul Hausmann (1886-1971) et John Hartfield (Helmut Herzfeld) (1891-1968), ainsi que l’artiste et cinéaste révolutionnaire, mais controversée Leni Riefenstahl (1902-2003), qui a été associée à l’art nazi sous la forme d’un pictorialisme de propagande.

Pour les artistes de la fin du XXe siècle qui ont utilisé des photographies comme sujets de leurs peintures, voir : Gerhard Richter (né en 1932).

Le modernisme avec une attention particulière

En tant que style influent, le pictorialisme disparaît après 1920, cédant la place à un nouvel idiome de modernisme photographique, le public commençant à privilégier des images plus nettes. Malgré la désillusion du pictorialisme, la photographie a acquis un statut artistique grâce à la nouvelle focalisation, grâce aux photographies de paysage expressives d’Edward Weston (1886-1958) et d’Ansel Adams (1902-1984), ainsi qu’au précisionnisme de Charles Sheeler (1883-1965), qu’il a révélé dans sa célèbre série de photographies de la «River Rouge» usine automobile «de la Ford Motor Co. dans le Michigan, et aux œuvres d’inspiration cubiste de Paul Strand (1890-1976).

Les photographes contemporains qui ont poursuivi cette tradition comprennent Bernd et Hilla Becher (1931-2007) et (n. 1934), un couple influent qui a fondé l’école de Düsseldorf, dont les disciples comprennent le photographe postmoderne Andreas Gursky (n. 1955).

Le portrait au XXe siècle

Dans les dernières décennies du XIXe siècle, la photographie a commencé à supplanter la peinture en tant que forme moderne de portrait. Au siècle suivant, avec l’amélioration du matériel photographique, les photographes ont élargi le champ d’application de la photographie pour y inclure différents types de portraits, notamment le portrait de mode et le portrait de rue, ainsi que le portrait formel plus traditionnel. Parmi les pionniers du portrait de mode figurent des artistes talentueux tels que Irving Penn (1917-2009), Helmut Newton (1920-2004), Richard Avedon (1923-2004), Patrick Demarchelier (né en 1943), Helmut Newton (1920-2004), Richard Avedon (1923-2004), Patrick Demarchelier (né en 1943), Helmut Newton (1920-2004), Richard Avedon (1923-2004), Patrick Demarchelier (né en 1943). 1943), Mario Testino (né en 1954), Nick Knight (né en 1958), et David LaChapelle (né en 1963). Les portraits de rue (ou de genre «») étaient le domaine d’artistes tels que Dorothea Lange (1895-1965), Walker Evans (1903-1975), Diane Arbus (1923-1971), et Nan Goldin (née en 1953)).) - tandis que des portraits plus traditionnels ont été réalisés par des modernistes tels que Cecil Beaton (1904-1980), Yusuf Karsh (1908-2002), Norman Parkinson (1913-1990), Andy Warhol (1928-1987), David Bailey (né en 1938), et David Bailey (né en 1938),. 1938), et Annie Leibovitz (née en 1949). (Note : Étant donné l’usage répandu des portraits «conventionnels» dans la presse, de nombreux photographes de mode ont également réalisé des portraits formels). Le photographe germano-américain Hans Namuth (1915-1990) a introduit une nouvelle approche dynamique de la photographie de portrait avec ses photographies de l’artiste scandaleux Jackson Pollock au travail dans son studio.

Le photojournalisme

L’un des piliers de l’illustration contemporaine dans les journaux, les magazines et les médias en ligne aujourd’hui, la photographie d’actualité a toujours attiré des photographes très accomplis, capables de créer une narration picturale. Parmi les photojournalistes notables figurent Robert Capa (1913-1954), Larry Burroughs (1926-1971), Don McCullin (né en 1935), et Steve McCurry (né en 1950).

Stieglitz : 1924-46

En 1924, les expositions de Stieglitz et ses articles en faveur de la photographie en tant que médium artistique commencent à avoir un impact. En 1924, le Boston Museum of Fine Arts acquiert une collection de 27 de ses photographies : c’est la première fois qu’un grand musée d’art américain inclut des photographies dans sa collection permanente.

Stieglitz lui-même se préoccupe de deux choses : promouvoir le travail de Georgia O’Keeffe et ses plus de trois cents œuvres photographiques, dont beaucoup de nus féminins , et promouvoir l’art moderniste américain de haute qualité, y compris la photographie d’art comme les images lenticulaires en noir et blanc d’Ansel Adams, pour lequel il organise l’une de ses premières expositions en 1936. En 1937, le Cleveland Museum of Art accueille la première grande exposition de photographies de Stieglitz.

Edward Steichen : 1946-62

Partenaire de Stieglitz dans «291», Steichen a été photographe pour les magazines Vogue et Vanity Fair entre 1923 et 1938, période pendant laquelle il était le peintre objectiviste le plus célèbre et le mieux payé au monde.

Après la guerre, il est nommé directeur du département de photographie du Museum of Modern Art de New York (MOMA), poste qu’il occupe jusqu’en 1962. Personnage très influent, il a beaucoup contribué à rehausser le statut de la photographie auprès des institutions américaines et du public. En 1955, par exemple, il dirige l’exposition «The Family of Man», qui voyage dans 69 pays et est visitée par 9 millions de personnes.

John Szarkowski : 1962-91

En 1962, Edward Steichen choisit le photographe, conservateur, historien et critique John Szarkowski (1925-2007) pour lui succéder au poste de directeur de la photographie au MoMA, poste que Szarkowski occupe jusqu’en 1991. Il a reçu deux bourses Guggenheim, a participé à de nombreuses expositions personnelles et a publié plusieurs ouvrages de référence, dont «A View of Photography», un guide pratique pour écrire sur la photographie qui est toujours une lecture obligatoire dans les meilleures écoles d’art . Conférencier aux universités de Harvard, Yale, Cornell et New York, il fut l’un des plus grands défenseurs de la photographie d’art.

Galeries

Depuis le milieu des années 1970, un nombre croissant de galeries ont commencé à exposer de l’art photographique. Les tirages photographiques augmentent progressivement en taille, passent du monochrome à la couleur, sont souvent imprimés sur des toiles bloquées sans cadre ni verre, et des artistes-photographes tels que Gregory Crewdson et Cindy Sherman illustrent la nouvelle tendance qui consiste à mettre en scène et à éclairer les œuvres pour obtenir un effet maximal.

Cependant, bien que la photographie soit déjà devenue un support important et innovant pour l’art contemporain, elle reste un marché de niche par rapport à la peinture et à la sculpture traditionnelles, bien qu’il y ait une demande relativement élevée parmi les collectionneurs d’art pour des livres en édition limitée de photographes individuels.

Les institutions les plus favorables à l’art photographique comprennent : L’Art Institute of Chicago, le Metropolitan et le Museum of Modern Art à New York, et l’Aperture Foundation.

Photographes d’art célèbres

Les membres célèbres des beaux-arts photographiques comprennent :

Man Ray (1890-1976)
Peintre moderniste parisien né aux États-Unis, l’un des premiers représentants de Dada et du surréalisme, qui a participé à la première exposition surréaliste à la Galerie Pierre à Paris en 1925 avec Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró et Pablo Picasso. Connu principalement pour ses photographies d’avant-garde, il fut également un photographe de mode et un portraitiste de renom, dont les sujets comprenaient de nombreux grands artistes de l’époque, tels que James Joyce, Gertrude Stein, Jean Cocteau et Antonin Artaud.

Il a développé la méthode photographique de solarisation et inventé une technique d’utilisation des photogrammes, qu’il a appelée reiographes (comme dans sa gravure «Reiograph», 1923, collection privée). Le magazine ARTnews a inclus Man Ray parmi les 25 artistes les plus influents dans son enquête sur les arts visuels du 20e siècle, soulignant son travail de pionnier en matière d’appareils photo et ses expériences dans la chambre noire, ainsi que ses explorations dans les domaines du film, de la peinture, de la sculpture, du collage, de l’assemblage, de la performance et de l’art conceptuel .

Ansel Adams (1902-1984)
Membre de l’Académie américaine des arts et des sciences, lauréat de trois bourses Guggenheim et de la médaille présidentielle de la liberté, dont les photographies en noir et blanc de l’Ouest sont devenues le principal témoignage des paysages des parcs nationaux américains avant l’avènement du tourisme.

Parmi ses chefs-d’œuvre photographiques figurent Storm in Yosemite Valley (1935), Moonrise, Hernandez, New Mexico (1941) et Tetons and Snake River (1942), l’une des images du «Golden Record» de la civilisation humaine à bord du vaisseau spatial «Voyager». Les archives d’Ansel Adams sont conservées au Centre for Creative Photography de l’université d’Arizona à Tucson.

Eugène Atget (1857-1927)
Photographe français connu pour ses photographies documentaires capturant l’architecture et les scènes de rue de Paris. Une biographie en quatre volumes lui a été consacrée par John Szarkowski et Mary Morris Hamburg.

Walker Evans (1903-1975)
Artiste américain connu pour son travail photographique pour la Farm Security Administration. Voir aussi la grande Dorothea Lange (1895-1965).

Henri Cartier-Bresson (1908-2004)
Un autre grand photographe français, considéré par beaucoup comme le plus grand représentant de la photographie de rue au XXe siècle. Au début des années 1930, il a été influencé par le photographe de rue Brassaï (Gyula Halasz) (1899-1984).

John Goto (1916-1994)
Professeur des beaux-arts à l’université de Derby en Angleterre, Goto était un artiste britannique spécialisé dans le montage de photographies en couleur, connu notamment pour ses images «High Summer» de la série de photographies Ukadia. Son art photographique numérique a été largement présenté en Europe et dans le cadre d’expositions individuelles à la Tate Gallery, à la National Portrait Gallery, et à la Photographers’ Gallery de Londres.

Irving Penn (1917-2009)
Surtout connu comme l’un des grands photographes de mode américains, mais aussi pour ses portraits et ses natures mortes. Voir aussi les photographies de mode influentes de son jeune contemporain Richard Avedon (1923-2004), qui devint un caméraman de premier plan pour Vogue et Harper’s Bazaar.

Robert Frank (né en 1924)
Auteur du livre influent «Americans», qui donne un point de vue extérieur sur la société américaine. Approche novatrice de la composition et de la manipulation des photographies.

Garry Winogrand (1928-1984)
Photographe new-yorkais connu pour ses images de la vie américaine au début des années 1960 et sa représentation de questions sociales importantes. Il a été influencé par Walker Evans, Robert Frank et, dans une moindre mesure, Henri Cartier-Bresson.

William Eggleston (né en 1939)
Pionnier important qui a contribué à élever le statut artistique de la photographie couleur.

Robert Mapplethorpe (1946-1989)
L’un des premiers artistes postmodernes connu pour ses portraits monochromes à grande échelle de célébrités (Andy Warhol, Deborah Harry, Richard Gere, Peter Gabriel, Patti Smith), mais il est surtout connu pour sa série scandaleuse de photographies Portfolio X, qui sont devenues instantanément célèbres pour leur contenu explicite.

Jeff Wall (né en 1946)
Probablement le plus célèbre représentant «de la photographie mise en scène», Wall se spécialise dans la manipulation numérique pour la création de ses œuvres. Professeur de beaux-arts à Vancouver, il est un représentant important et influent du postmodernisme canadien.

Nan Goldin (n. 1953)
Nan Goldin, artiste photographe et installatrice américaine qui brise les tabous, dont les œuvres comprennent «Nan a month after the beating» (1984, Tate Museum, Londres), «Siobhan in my bathtub» (1992, Fotomuseum Winterthur, Suisse), «Sisters, saints and sinners» (2004, Chapelle Salpêtrière, Paris).

Cindy Sherman (née en 1954)
Photographe et cinéaste new-yorkaise, lauréate de la bourse MacArthur, connue pour son art postmoderne, en particulier ses portraits conceptuels. En 2010, Sherman’s «Untitled #153» (1985), un tirage couleur de six pieds de haut de Sherman «Untitled #153» (1985) a été vendu aux enchères par Phillips de Pury & ; Company pour 2,7 millions de dollars. En 2011, une estampe Untitled #96 a été vendue aux enchères par Christie’s pour 3,89 millions de dollars

Andreas Gursky (né en 1955)
L’un des créateurs les plus connus de photographies couleur à grande échelle (parfois manipulées numériquement). Il privilégie les thèmes commerciaux et financiers, comme dans «Schipol» (1994, Metropolitan Museum of Art, New York), «Singapore Stock Exchange» (1997, Guggenheim Museum, New York), «Parliament» (1998, Tate Museum, Londres), «99 Cents» (1999).

Collections d’art photographique

Certains des plus beaux musées d’art du monde ont des départements de photographie d’art, dont les suivants :

L’Art Institute of Chicago
Possède la collection Alfred Stieglitz ainsi que la collection Julien Levy, contenant des œuvres d’Edward Weston, Paul Strand, André Kertész et Eugène Atget.

Institut des arts de Détroit
Il abrite la galerie d’art photographique Albert et Peggy de Salle.

Getty Museum, Los Angeles
Le pavillon ouest abrite la collection de photographies d’art du musée, avec des tirages originaux datant de 1841 ainsi que des œuvres d’artistes objectivistes modernes et contemporains, parmi lesquels : Man Ray, Imogene Cunningham, Walker Evans et le photographe allemand August Sander.

Guggenheim, New York
Possède la collection Robert Mapplethorpe (1992), qui comprend quelque 200 des meilleures photographies de Mapplethorpe réalisées entre 1993 et 1998. Elle comprend des exemples des premiers collages, des polaroïds et des constructions mixtes, ainsi que des portraits de célébrités et plus de 20 autoportraits.

Los Angeles County Museum of Art
C’est là que se trouve le Wallis Annenberg Photography Department, dont la collection comprend 6 000 œuvres et se concentre sur les photographies prises après 1940.

Metropolitan Museum of Art, New York
Le département d’art photographique du Metropolitan Museum of Art contient 20 000 photographies, estampes et daguerréotypes provenant des collections d’Alfred Stieglitz, d’Edward Steichen, de Walker Evans et de la Ford Motor Company. Il comprend un large éventail d’œuvres de photographes sécessionnistes ainsi que des photographies contemporaines du monde entier.

MoMA, New York
Un département florissant d’art photographique créé par Edward Steichen (1946-62), John Szarkowski (1962-91) et Peter Galassi.

Musée d’Orsay, Paris
La collection photographique du musée comprend quelque 45 000 photographies, dont des œuvres de Ferdinand Knopf, Jean Laurent, Man Ray, Stieglitz, Le Secq, Aldolphe Humbert de Molar, Maurice Denis et Roger Fenton.

Museum of Fine Arts, Houston
La collection permanente du musée comprend des photographies de Man Ray (1890-76) et d’Ansel Adams (1902-1984), ainsi que quelque 4 000 photographies acquises auprès de Manfred Heiting.

Musée d’art de Philadelphie
La collection de photographies d’art du musée comprend environ 30 000 œuvres d’artistes tels que Paul Strand, Alfred Stieglitz et d’autres.

Victoria and Albert Museum, Londres
La collection photographique du musée comprend environ 500 000 images de 1839 à nos jours. Elle comprend des œuvres de Fox Talbot, Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray, Frederick Hollier, Samuel Bourne, Roger Fenton, Curtis Moffat, Henri Cartier-Bresson, Man Ray, Ilse Bing, Cecil Beaton, Bill Brandt, Don McCullin, David Bailey et Helen Chadwick.

Les photographies les plus chères du monde

Il s’agit d’une liste approximative et probablement dépassée des photographies les plus chères au monde (compilée en 2013).   ;

1. Rhein II (1999)
Photographe : Andreas Gursky
Prix : 4 338 500 $
Date : novembre 2011, Christie’s New York

2. Untitled #96 (1981)
Photographe : Cindy Sherman
Prix : 3 890 500 $
Date : mai 2011, Christie’s New York

3. Dead Soldiers Talking (1992)
Photographe : Jeff Wall,
Prix : 3 666 500 $
Date : mai 2012, Christie’s New York.

4. 99 Cent II Diptychon (2001)
Photographe : Andreas Gursky
Prix : 3 346 456 $
Date : février 2007, Sotheby’s Londres

5. Étang (clair de lune) (1904)
Photographe : Edward Steichen
Prix : 2 928 000 $
Date : février 2006, Sotheby’s New York

6. Untitled #153 (1985)
Photographe : Cindy Sherman
Prix : 2 700 000 $
Date : novembre 2010, Phillips de Pury & ; Co. New York

7. Billy the Kid (1879-80)
Photographe : Inconnu
Prix : 2 300 000 $
Date : juin 2011, Brian Lebel’s Old West Show & ; Auction

8. Nu (1925)
Photographe : Edward Weston
Prix : 1 609 000 $
Date : avril 2008, Sotheby’s New York

9. Georgia O’Keeffe (Hands) (1919)
Photographe : Alfred Stieglitz
Prix : $1,470,000
Date : Février 2006, Sotheby’s New York

10. Nu de Georgia O’Keeffe (1919)
Photographe : Alfred Stieglitz
Prix : 1 360 000 $
Date : février 2006, Sotheby’s New York

11. Sans titre (Cowboy) (1989)
Photographe : Richard Prince
Prix : 1 248 000 $
Date : novembre 2005, Christie’s New York

12. Dovima avec des éléphants (1955)
Photographe : Richard Avedon
Prix : 1 151 976 $
Date : novembre 2010, Christie’s Paris

13. Nautilus (1927)
Photographe : Edward Weston
Prix : 1 082 500 $
Date : avril 2010, Sotheby’s New York

14. One (2010)
Photographe : Peter Leek
Prix : 1 000 000 $
Date : décembre 2010, vente privée

15. Untangling(1994)
Photographe : Geoff Wall
Prix : A$1,000,000
Date : 2006, vente privée.

16. Juir d’Orge, (1898)
Photographe : Eugène Atget
Prix : 686 500 $
Date : avril 2010, Christie’s New York

17. Andy Warhol (1987)
Photographe : Robert Mapplethorpe
Prix : 643 200 $
Date : octobre 2006, Christie’s New York

18. Lever de lune, Hernandez, Nouveau Mexique (1948)
Photographe : Ansel Adams
Prix : 609 600 $
Date : avril 2006, Sotheby’s New York