Art de la contre-réforme catholique Automatique traduire
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Qu’est-ce que l’art de la contre-réforme catholique?
Le terme "art de la contre-réforme catholique" décrit le style plus strict et doctrinal de Art chrétien qui a été développé entre 1560 et 1700 environ, en réponse à la révolte de Martin Luther contre Rome (1517) et au Art de la réforme protestante qui a suivi. Ce style plus strict de catholique Art biblique – lancé par le Concile de Trente (1545-1563) – était destiné à souligner les différences théologiques entre catholicisme et protestantisme, en mettant l’accent sur les mystères de la foi, ainsi que sur les rôles de la Vierge Marie et des Saints. Il était censé revitaliser les congrégations catholiques à travers l’Europe, minimisant ainsi les effets de la révolte des protestants. Pour donner un nouvel élan à sa campagne, l’Église romaine – aidée par l’ordre jésuite nouvellement formé, ainsi que par de riches et pieux citoyens – a commencé à commander de nouvelles architecture , travaux de retable d’art (principalement à grande échelle peintures à l’huile ), église inspirante fresques et des pièces majeures d’ecclésiastique sculpture et Sculpture sur bois . Partisans résolus de la Contre-Réforme catholique et de ses art religieux l’Italie, l’Espagne et ses colonies de Flandre et de Naples, ainsi que le sud de l’Allemagne. Ses principaux représentants ont donc été Artistes baroques italiens comme Caravaggio, Pietro da Cortona, Bernini et Andrea Pozzo; l’école de Peinture espagnole comme El Greco, Ribera et Francisco de Zurbaran; et le maître flamand Peter Paul Rubens.
Histoire: la réforme; Le déclin de la spiritualité de l’art
Deux facteurs importants ont façonné l’art de la contre-réforme catholique aux 16e et 17e siècles. Premièrement, une augmentation du niveau de corruption au sein de l’Église catholique romaine, à partir du pape. C’est cette corruption (notamment la vente d’indulgences pour financer la rénovation de Saint-Pierre à Rome), sous la surveillance du pape Léon X (1513-1521), qui poussa Luther à lancer sa rébellion protestante.
Le deuxième facteur était artistique bien qu’il reflète également un déclin spirituel similaire. Au 15ème siècle, Peinture début Renaissance à la demande de l’Église ou de ses disciples chrétiens, est de moins en moins religieux. Les fresques de la chapelle Tornabuoni (1485–1490), par exemple, de Domenico Ghirlandaio, semblent être plus centrées sur les détails de la vie de la cité bourgeoise que sur leurs sujets actuels, la Vie de la Vierge et celle de Jean-Baptiste . En outre, les priorités laïques ont commencé à s’immiscer: l’influence influente Andrea Mantegna (1431-1506), par exemple, s’est de plus en plus impliquée dans la riche famille Gonzaga à Mantoue, tandis que même le dévot Botticelli (1445-1510) a peint de nombreuses œuvres païennes. pour la puissante famille des Médicis à Florence: voir, par exemple, Primavera 1482 et La Naissance de Vénus 1485, tous deux marqués par une nudité substantielle. L’activité du prédicateur dominateur ardent Girolamo Savonarola (1452-98) – culminant dans son Bonfire of the Vanities en 1497 – était une indication claire du manque de dévotion chrétienne ainsi que de la décadence croissante de l’époque. La situation s’est encore aggravée à l’ère de la Peinture haute renaissance , comme l’humanisme (exprimé de manière caractéristique dans le nu masculin et féminin) est devenu une caractéristique importante de la Renaissance esthétique : comme en témoigne la statue en marbre de David par Michelangelo (1501-4), et l’ ignudi dans le Fresque de la genèse (1508-12) au plafond de la chapelle Sixtine, du même artiste. Le pire allait suivre, la Haute Renaissance cédant la place aux prétentions optiques de Peinture maniériste , au cours des années 1520 et 30: comme en témoignent des œuvres telles que le Retable de retouche (1526-158) de la chapelle Capponi à Florence, de Pontormo (1494-1557). Cette approche non traditionnelle de l’art n’a pas plu aux protestants ni aux factions plus conservatrices de Rome. Un autre travail litigieux était Fête de mariage à Cana (1563) de Véronèse.
Le concile de Trente
Pour rétablir la confiance dans l’autorité de l’Église catholique romaine, après le double choc de la Réforme protestante (1517) et du Sac de Rome (1527), une campagne de réforme était nécessaire. La Compagnie de Jésus (les jésuites), fondée par saint Ignace de Loyola (1491-1556), et le dix-neuvième Concile œcuménique (Concile de Trente), créé par le pape Paul III (1534-1549), ont donné l’impulsion nécessaire à cette réforme.), qui a tenu 25 sessions entre 1545 et 1563. Les réformateurs croyaient fermement au pouvoir éducatif et inspirant du l’art visuel , et a promu un certain nombre de directives à suivre dans la production de peintures religieuses et sculpture. Celles-ci ont formé la base de ce que l’on a appelé l’art de la contre-réforme catholique.
Caractéristiques de l’art de la contre-réforme catholique
Les réformateurs ont d’abord insisté sur la nécessité de distinguer la seule véritable église du groupe dissident d’églises protestantes. Les artistes doivent donc se concentrer sur les aspects distinctifs du dogme catholique , notamment: la conception immaculée, l’annonciation de la Vierge, la transfiguration du Christ, etc. En outre, toute représentation explicite de la souffrance et de l’agonie du Christ sur la Croix était considérée comme particulièrement édifiante et servait également à illustrer la version catholique singulière de la transsubstantiation dans l’Eucharistie. Les rôles de la Vierge Marie, des Saints et des Sacrements constituaient également un trait distinctif du catholicisme et devaient être illustrés en conséquence. Deuxièmement, les réformateurs ont stipulé que la peinture biblique devait être directe et convaincante dans sa présentation narrative et devrait être rendue de manière claire et précise, sans embellissements inutiles ou imaginaires. Troisièmement, des réformateurs – en particulier des personnes pieuses telles qu’Ignace de Loyola, Thérèse d’Avila, Jean de la Croix, Francis de Sales et Philip Neri – ont insisté pour que l’art catholique encourage la piété : les artistes doivent ainsi peindre et sculpter des scènes d’une intensité spirituelle appropriée.. Quatrièmement, en ce qui concerne la manière dont les peintures et les statues doivent être exécutées, les réformateurs insistent sur l’importance de les rendre aussi compréhensibles et pertinentes que possible pour les citoyens . En utilisant ces techniques, l’art catholique devait lutter contre la propagation du protestantisme dans toute l’Europe, notamment dans des régions telles que la France, le sud de l’Allemagne, les Pays-Bas, la Pologne, la Bohême et la Hongrie. Pour un exemple d’un peintre maniériste du XVIe siècle qui a changé son style de peinture pour se conformer au Concile de Trente, voir: Federico Barocci (1526-1612).
Remarque: plus tard, les œuvres religieuses majeures comme La fresque du Jugement dernier (1536-61) de Michel-Ange et La Cène (renommée) Fête à la maison de Levi (1573) de Paolo Veronese, ont été censurés par les autorités catholiques: les premières pour sa nudité, pour avoir dépeint le Christ sans barbe et pour avoir inclus la figure païenne de Charon; ce dernier pour son inclusion d’Allemands ivres, de nains et d’autres personnages inappropriés, ainsi que de costumes trop extravagants.
Le mouvement de l’art baroque
À la suite du Concile de Trente, l’Église catholique – ainsi que ses nouveaux ordres religieux, tels que les Barnabites, les Capucins, les Carmes déchaussés, les Jésuites, les Théatines et les Ursulines – ont accru leur clientèle des arts dans une grande partie de l’Europe. De cette campagne d’art de la Contre-Réforme émergea l’anti-maniériste École bolognaise (1590-1630) – dirigé par Annibale Carracci avec son frère Agostino Carracci (1557-1602) et cousin Ludovico Carracci (1555-1619) – et puis le mouvement international que nous connaissons comme Art baroque , un style qui a duré jusqu’à 1700 ou plus tard. Un style typiquement puissant et dramatique, il a influencé tous les arts, donnant lieu à Architecture baroque , aussi bien que Peinture baroque et sculpure: en effet, les projets associaient souvent toutes ces disciplines.
Art catholique en Italie
Architectes baroques en Italie a produit de nombreux exemples classiques d’architecture catholique, notamment la basilique et ses environs. Basilique Saint-Pierre (c.1506-1667), et l’église du Gesu (1568-84), à Rome; tandis que les peintres de Contre-Réforme se distinguèrent par leur approche classique, comme en témoignent les travaux de Annibale Carracci (1560-1609) et à la fin du 16ème siècle Retables vénitiens , notamment ceux de Titien (c.1485 / 8-1576) et Tintoret (1518-154). L’exemple classique de la contre-réforme Sculpture baroque était le Extase de Sainte Thérèse (1647-52) de Bernini (1598-1680), dans la chapelle Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Rome. Après Bernini, le plus grand artiste catholique de Rome était Carlo Maratta (1625-1713).
L’art catholique le plus "réel", cependant, a été créé par le génie capricieux Caravage (1571-1610), dont les religieux peinture de la figure était si naturel et réaliste – et donc immédiatement compréhensible pour les fidèles – qu’il servait d’exemple par excellence de la peinture catholique de la Contre-Réforme. (Voir, par exemple, Souper à Emmaüs 1601-2, National Gallery, Londres.) En fait, l’utilisation par Caravaggio de gens de la rue comme modèles pour ses personnages sacrés a conduit à un tel réalisme qu’il a été critiqué par les conservateurs pour son manque de respect pour la Vierge Marie.
Voir également: Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle .
Les maîtres de l’inspiration spirituelle étaient les artistes qui ont produit l’impressionnant illusionniste peintures murales – connu comme quadrature – sur les murs et les plafonds des églises baroques. Le plus beau de ces peintures en trompe l’oeil comprendre: Assomption de la Vierge (Cathédrale de Parme) (1526-30) de Le corrège – voir le Ecole de peinture de Parme ; Le triomphe du nom de Jésus (1584, église du Gésu) de Giovanni Battista Gaulli; Allégorie de la Divine Providence (1633-9, Palazzo Barberini) de Pietro da Cortona ; et le Apothéose de saint Ignace (1691-4, San Ignazio, Rome) de Andrea Pozzo . Comparez ces œuvres inspirantes aux intérieurs d’église sourds, voire austères, créés par des artistes protestants comme Pieter Saenredam (1597-1665) et Emanuel de Witte (1615-1692).
Art catholique en Espagne et à Naples
Si l’Italie était le cerveau de la contre-réforme catholique, son cœur était l’Espagne, le pays le plus pieux d’Europe. Sous le roi ultra-dévot Philippe II (1527-1598), peintres et sculpteurs du Baroque espagnol produit certaines des illustrations les plus spirituelles de la doctrine catholique. Le plus grand d’entre eux était El Greco (1541-1614), dont les chefs-d’œuvre comprennent Le déshabillage du Christ (1577, cathédrale de Tolède); L’enterrement du comte d’Orgaz (1586, église de San Tomé, Tolède); Christ chassant les marchands du temple (1600, National Gallery, Londres); L’Ascension de la Vierge Marie (1607-13, Musée S Cruz, Toledo); et L’adoration des bergers (1613, Prado, Madrid). Autre Artistes baroques espagnols inclus: Velazquez (1599-1660) – ne serait-ce que pour son chef-d’œuvre Christ sur la croix (c.1632, Prado) – Zurbaran (1598-1664); Bartolome Esteban Murillo (1618-1682) et Juan de Valdes Leal (1622-1690).
Dans la colonie espagnole de Naples, l’école de peinture catholique napolitaine (1600-1956) était dirigée par une série d’artistes dévoués tels que: Battistello Caracciolo (1578-1635), Jusepe Ribera (1591-1652), Guido Reni (1575-1642) et Lanfranco (1582-1647). Après la peste de 1654-1555, le baroque napolitain était représenté par des maîtres comme Mattia Preti (1613-1699) et Luca Giordano (1634-1705); les deux avaient étudié Caravage à Naples et les deux avaient absorbé l’héritage de Peinture vénitienne du cinquecento , notamment l’œuvre de Paolo Veronese (1528-1588).
Les sculpteurs espagnols qui ont contribué à la Contre-Réforme catholique comprenaient: Juan de Juni (1506-1777); Jeronimo Hernandez (1540-1586); Pablo de Rojas (1549-1611); Andres de Ocampo (1555-1623); Juan Martinez Montanes (1568-1649); Gregorio Fernandez (1576-1636); Alonso Cano (1601-167); et Pedro Roldan (1624-1699).
Art catholique en Flandre
Contrairement à leurs rivaux néerlandais au nord, les catholiques Peintres flamands des Pays-Bas espagnols (la Flandre était une colonie espagnole) a continué à peindre des toiles religieuses à grande échelle, pour des clients ecclésiastiques. Peinture flamande de la fin du 16ème et 17ème siècles a été dominé par Rubens (1577-1640) et son élève principal Anthony Van Dyck (1599-1641). Parmi les nombreux chefs-d’œuvre de l’art catholique de Rubens figurent: Samson et Dalila (1610, National Gallery, London); Massacre of Innocents (1611, Collection privée); Descente de croix (Rubens) (1612-14, cathédrale Notre-Dame, Anvers); Christ ressuscité (1616, Palazzo Pitti, Galleria Palatina, Florence); Christ en croix (1620, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anvers); et l’Assomption de la Vierge (1626, National Gallery of Art, Washington DC).
L’art de la contre-réforme se répandit dans toute l’Europe catholique, puis dans les colonies catholiques espagnoles d’outre-mer d’Asie et des Amériques. Commandée par les jésuites et les franciscains, elle a inspiré des groupes étrangers tels que l’école de Cuzco, l’école de Quito et l’école d’imagerie catholique de Chilote.
Les peintures et sculptures catholiques de la Contre-Réforme sont visibles dans certains des meilleurs musées d’art dans le monde.
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