Ecole d’art maniériste de Fontainebleau (c.1528-1610) Automatique traduire

En peinture française terme «l’école de Fontainebleau» décrit la peinture et la sculpture décorative maniéristes, ainsi que l’architecture italienne, créées pour la cour de France - sous le patronage de François Ier (1494-1547) et de ses successeurs - au château royal de Fontainebleau (v. 1528-1610). Dès le début, l’école s’inspire de l’art de la Renaissance en Italie, que François apprécie particulièrement. En conséquence, les principaux contributeurs à cette renaissance des arts décoratifs français sont les artistes italiens Francesco Primaticcio (1504-1570) et Rosso Fiorentino (1494-1540). Les designers et les artistes français ne montreront leur plein potentiel qu’après la construction du château de Versailles au XVIIe siècle.

Dans un sens plus large, le terme «école de Fontainebleau» englobe tout l’art français de cette période qui a émergé ou a été influencé par le style distinctif développé au château, qui est en fait devenu l’idiome dominant en France. La seconde école de Fontainebleau, plus tardive et moins importante , est apparue après les guerres de religion (1562-1598), lorsque la décoration des palais royaux a été relancée sous Henri IV (règne 1589-1610). Ce groupe comprend Antonio Fantuzzi (1510-1550), Ambroise Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) et Martin Freminet (1567-1619).

Origines

On peut dire que l’école de Fontainebleau est née de l’invasion française de l’Italie à la fin des années 1490. L’invasion et la conquête de Milan par les Français en 1499 sous Louis XII (1462-1515) ont eu des conséquences considérables pour l’art français. En un mot, elle a ouvert les yeux des nobles et des artistes français à la beauté de la Renaissance italienne, et en a fait un produit hautement désirable. Léonard de Vinci (1452-1519), par exemple, se trouve à cette époque à Milan et tout est mis en œuvre pour l’attirer en France.

Il faut cependant attendre le règne du roi François Ier (1515-1547) pour que le mécénat royal s’engage pleinement dans la tâche sérieuse de faire de la France un centre artistique important. Le roi de France a des goûts avancés et souhaite glorifier la couronne française en imitant l’activité artistique des grands princes humanistes ) Médicis, Gonzague, Rovère, Farnèse, Borghèse) d’Italie. À cette fin, et compte tenu du fait que la France n’avait pas de tradition de peinture murale, il invita un certain nombre d’artistes italiens de la Haute Renaissance à venir travailler à la cour royale de France. Dans un premier temps, seuls des artistes de second ordre acceptent ses invitations. Ce n’est que lorsqu’il entreprend de remodeler le pavillon de chasse royal de Fontainebleau qu’il réussit à attirer des artistes italiens de premier plan pour le décorer.

Le style distinctif du maniérisme français

Deux artistes italiens sont à l’origine des travaux : le maniériste Rosso Fiorentino (1494-1540), arrivé en 1530, et le peintre et sculpteur Francesco Primaticcio (1504-1570), arrivé à Fontainebleau en 1532. Avec l’aide d’un certain nombre d’artistes français et flamands, ils ont créé le style caractéristique du maniérisme français - sensuel et raffiné, exprimé dans une combinaison unique de peinture mythologique avec une ornementation moulée complexe (nus, guirlandes et autres formes plus élaborées).

Des panneaux muraux occupaient les murs inférieurs et des décorations en stuc couvraient les murs supérieurs. Les images représentent des sujets allégoriques et mythologiques, les figures sont caractérisées par de longs membres et des profils gracieux et bien dessinés. Les moulures sont en partie figuratives , en partie en relief et en partie décoratives, avec des guirlandes, des cartouches et surtout des sangles - les moulures sont découpées en bandes semblables à du cuir, torsadées aux extrémités et entrelacées pour former des formes fantaisistes

Cet art de la moulure sera imité dans toute l’Europe. (De nombreux artistes n’ayant pu se rendre à Fontainebleau connaissaient néanmoins l’œuvre pour avoir vu des gravures représentant l’intérieur du château). Quoi qu’il en soit, le style de Fontainebleau fut largement copié en France - voir, par exemple, les œuvres des sculpteurs Jean Goujon (c. 1510-68) et Germain Pilon (1529-1590) - et dans plusieurs cours européennes, et fit de la France un centre important des beaux-arts et des arts décoratifs. (Il est intéressant de noter que le style général de la décoration intérieure de Fontainebleau peut, d’une certaine manière, être considéré comme un précurseur du style rococo du XVIIIe siècle associé à Madame de Pompadour, la maîtresse du roi Louis XV).

Les précédents sont sans doute italiens, de la Sala Constantino du Vatican à la Sala degli Stucchi du Palazzo del Te à Mantoue, toutes deux réalisées par Giulio Romano (1499-1546) (qui a enseigné le Primaticcio). Le résultat obtenu à Fontainebleau est exceptionnel : les nus féminins élégamment élancés, les cadres et les sangles en forme de spirale représentent l’apogée de l’ingéniosité et de la complexité de l’art maniériste italien, directement ancré dans la culture figurative de la France.

Artistes célèbres de l’école de Fontainebleau

Comme mentionné ci-dessus, Fiorentino et Primaticcio sont des artistes clés de l’école, bien que leur contribution exacte à la période (1532-40) reste incertaine. Cependant, après la mort du premier en 1540, Primaticcio devint l’artiste dominant au château. Il décora la chambre de la reine ainsi que son chef-d’œuvre , la salle d’Hercule. François Ier a une grande confiance en son jugement et l’envoie en Italie pour des achats en 1540 et 1545.

Après la mort de François, Primaticcio conserva son poste de peintre en chef de la cour d’Henri II (1547-59) et de François II (1559-60), et prit en charge les travaux d’architecture du château, y compris la conception du jardin.

Parmi les autres artistes maniéristes italiens ayant travaillé au château de Fontainebleau, citons le sculpteur Benvenuto Cellini (1500-1571) - célèbre pour sa Salière de François Ier (ébène et or, 1540 ; Kunsthistorisches Museum, Vienne) et Nymphe de Fontainebleau (bronze, 1544, Louvre, Paris) - et Niccolò dell’Abate (1510-1571), connu pour ses paysages mythologiques. L’un des meilleurs peintres français de l’époque travaillant à Fontainebleau est Antoine Caron (1521-1599) - plus tard peintre de la cour de Catherine de Médicis, épouse d’Henri II - qui devient l’exemple du style de la cour des Valois pendant les guerres de religion (1562-1598).

Cependant, une grande partie de l’art de Fontainebleau a été créée par des mains inconnues, y compris le célèbre tableau «Diane chasseresse» (vers 1550, Louvre). Son sujet mythologique, ses formes élégantes et allongées, son paysage idyllique et son raffinement sont tout à fait caractéristiques de l’école de Fontainebleau.

Voir aussi : Tapisserie (1601-aujourd’hui).

Le portrait français du XVIe siècle

L’art du portrait reste un genre important à l’époque de l’école de Fontainebleau, bien qu’il soit généralement éclipsé par les développements artistiques du château. L’art du portrait français du XVIe siècle est dominé par deux artistes, le père et le fils. Le père, Jean Clouet (mort en 1541), était probablement d’origine néerlandaise et n’a jamais été un Français de souche.

En 1509, il est bien connu en France et, en 1516, il travaille pour la cour royale. Les poèmes de l’époque le comparent aux plus grands artistes italiens, dont le génial Michel-Ange (1475-1564). Aujourd’hui, seuls quelques portraits peuvent lui être attribués, dont l’un, une magnifique représentation de François Ier, montre clairement ses liens avec la peinture flamande .

Jean Clouet fut remplacé comme peintre de la cour par son fils François (d. 1572). Ce dernier est surtout connu pour ses portraits qui, contrairement à ceux de son père, présentent des liens étroits avec le maniérisme italien et allemand. Très différent de son portrait grandeur nature de Charles IX est le soi-disant «Dame au bain» (1550, National Gallery, Washington), qui est généralement identifié comme un portrait de Diane de Poitiers. Ici, la figure semi-nue est d’origine léonardienne. Cette œuvre était populaire et souvent copiée.

L’architecture du château de Fontainebleau (v. 1528-86)

Résidence favorite de François Ier, cet ancien pavillon de chasse médiéval était utilisé par les rois de France depuis le XIIe siècle. Mais le roi François Ier veut en faire le centre de sa vision d’une nouvelle Renaissance française sur le modèle italien, avec toute la grandeur que ce terme implique.

La transformation du palais par François dans le style italien combinait l’architecture de la Renaissance avec les traditions artistiques françaises. Parmi les principaux architectes, citons Gilles le Breton (1528-48), Philibert de l’Orme (à partir de 1548) et Primaticcio (à partir de 1553).

Tout commence en 1528, lorsque François Ier demande à l’architecte Gilles Le Breton (m. 1553) d’entreprendre la transformation d’un pavillon de chasse à Fontainebleau en résidence d’apparat. Le Breton est responsable de la construction de la Porte Dorée et de la longue galerie reliant l’ancienne tour médiévale aux nouveaux bâtiments situés à l’extrémité de la Cour du Cheval Blanc . Bien que le style de Le Breton utilise un mélange prévisible de formes traditionnelles et d’éléments «modernes», son utilisation de ce que l’on pourrait appeler des éléments maniéristes semble accessoire.

Ce n’est qu’avec l’apparition sur scène de Fiorentino et Primaticcio que le processus de conception a connu un changement radical. Dès lors, l’œuvre permanente de Fontainebleau, où architecture, décoration et mobilier sont étroitement intégrés, devient l’un des centres les plus créatifs et les plus intéressants du maniérisme international.

La première phase «de l’école de Fontainebleau» est en réalité une période de l’histoire italienne transposée sur le sol français : Rosso et Primaticcio enrichissent et renouvellent le répertoire formel de l’école romaine, créant une harmonie entièrement nouvelle, avec une fusion parfaite des éléments figuratifs et décoratifs. (L’architecte maniériste italien Vignola (1507-73) a également travaillé sur le château).

Lorsqu’en 1541 Sebastiano Serlio, auteur du célèbre traité sur l’art, est nommé architecte résident, cela marque une rupture avec la régularité rythmique et la symétrie des plans du palais qui existaient jusqu’alors. L’angle le plus purement classique du château, la Porte Dorée, est la superposition de loggias insérées parmi les larges pilastres, avec un signe évident de maniérisme dans l’enchaînement continu des fenêtres.

La maison devenant de plus en plus consciemment artistique, Primaticcio reprit le rôle d’architecte après la mort de Le Breton en 1553. L’ Aile de la Belle Cheminee fut achevée dans les années 1560, dans une langue qui était devenue entièrement française.

Autres monuments de l’architecture française du XVIe siècle

Attirés par le mode de vie plus luxueux de l’Italie, les aristocrates français remodèlent et agrandissent leurs châteaux. Les bâtisseurs sont encore des maîtres tailleurs de pierre ayant le statut d’artisans. L’arrivée en France d’architectes italiens au XVIe siècle, notamment Sebastiano Serlio (1475-1554) en 1540, marque le début de la Renaissance française. Serlio, qui a en fait très peu construit, a été influent principalement grâce à son traité d’architecture richement illustré, L’Architettura (1537-51).

Au milieu du siècle, les architectes professionnels , des hommes cultivés qui comprenaient les idées nouvelles, ont commencé à supplanter les maîtres tailleurs de pierre. Deux chefs de file sont Pierre Lescot (c. 1500-78), surtout connu pour son travail au Louvre à Paris, et Philibert de l’Orme (c. 1510-70).

Pierre Lescot est chargé par François Ier en 1546 de reconstruire le palais du Louvre à Paris. La construction de Lescot (une petite partie de l’immense bâtiment actuel, qui est aujourd’hui la Cour Carrée sud-ouest ) comprenait une combinaison d’éléments français traditionnels et de motifs classiques, qui ont créé le style caractéristique du classicisme français.

Philibert de l’Orme était une figure artistique majeure de son temps et partageait la polyvalence des vieux maîtres italiens. Il est né à Lyon et a passé trois ans à Rome. C’est là qu’il fit la connaissance du cardinal du Beulle, qui l’introduisit ensuite dans le cercle du Dauphin et de Diane de Poitiers, qui devinrent ses mécènes les plus importants et les plus influents. Lorsque le Dauphin devint le roi Henri II, il nomma de l’Orme surintendant des bâtiments.

Après la mort d’Henri, alors qu’il a écrit deux ouvrages sur l’architecture, il est réintégré et continue à travailler pour Catherine de l’Orme, la reine mère. Son œuvre la plus célèbre est le château d’Anet (1548-55), qu’il a construit pour Diane de Poitiers. Une grande partie du bâtiment a été détruite, mais l’entrée subsiste. À l’exception des colonnes doriques situées de part et d’autre de l’entrée, le bâtiment est entièrement français dans sa simplicité massive, animée par la balustrade percée au sommet. La nymphe en bronze de Cellini, aujourd’hui remplacée par une copie en plâtre, orne le tympan.

Les œuvres des peintres et sculpteurs de l’école de Fontainebleau sont visibles en nature au musée national du château de Fontainebleau, dans plusieurs autres des plus beaux musées d’art en France et dans le monde.

Voir Artistes baroques français (1600-1700) et Mobilier français (1640-1792).