Ecole d’art maniériste de Fontainebleau (c.1528-1610) Automatique traduire
Qu’est-ce que l’école de Fontainebleau?
Dans Peinture française, le terme "Ecole de Fontainebleau" ) Ecole de Fontainebleau) décrit la Peinture maniériste et décoratif sculpture, ainsi que l’italien architecture, produit pour la cour de France – sous le patronage de François Ier (1494-1547) et de ses successeurs – au château royal de Fontainebleau (c.1528-1610). Dès le début, l’école s’est inspirée de Art de la Renaissance d’Italie, que Francis tenait particulièrement en haute estime. En conséquence, les principaux participants à cette renaissance de Art décoratif français étaient les artistes italiens Francesco Primaticcio (1504-70) et Rosso Fiorentino (1494-1540): Designers français et les artistes ne démontreraient pas leur plein potentiel avant la château de Versailles a été construit au 17ème siècle.
Dans un sens plus large, le terme «école de Fontainebleau» englobe tout art français de cette période qui dérive du style distinctif créé au château, ou qui en est influencé, qui est devenu l’idiome dominant en France. La seconde et moins importante deuxième école de Fontainebleau a été créée après les guerres de religion (1562-1598), lorsque la décoration des palais royaux a été restaurée sous Henri IV (1589-1610). Les membres de ce groupe comprenaient Antonio Fantuzzi (1510-1550), Ambrose Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) et Martin Freminet (1567-1619).
Origines
On peut dire que l’école de Fontainebleau a été créée à la suite de l’invasion française de l’Italie à la fin des années 1490. L’invasion et la conquête de Milan par les Français en 1499, sous Louis XII (1462-1515), eurent de profondes répercussions sur l’art français. En bref, il a ouvert les yeux des nobles français et des artistes sur la beauté de la Renaissance italienne et en ont fait un produit très convoité. Léonard de Vinci (1452-1519), par exemple, était à Milan à l’époque et tous les efforts furent déployés pour l’attirer en France.
Histoire et Caractéristiques
Cependant, ce n’est que sous le règne du roi François Ier (1515-1547) que le patronage royal s’engage pleinement dans la sérieuse tâche de faire de la France un important centre artistique. Le roi français avait avancé les goûts et espérait glorifier la couronne française en imitant les activités artistiques des grands princes humanistes ) Médicis, Gonzaga, Rovere, Farnese, Borghese) d’Italie. À cette fin, et compte tenu du fait que la France n’avait pas de tradition autochtone peinture murale – il a envoyé des invitations à plusieurs italiens Artistes de la Renaissance venir travailler à la cour royale française. Au début, seuls les artistes de second ordre ont accepté ses invitations. Ce n’est que lorsqu’il a commencé à reconstruire le pavillon de chasse royal de Fontainebleau qu’il a réussi à attirer des artistes italiens renommés pour sa décoration.
Style distinctif du maniérisme français
Deux artistes italiens étaient avant tout responsables du travail: le peintre / sculpteur maniériste Rosso Fiorentino (1494-1540) arrivé en 1530 et le peintre / sculpteur Francesco Primaticcio (1504-70) arrivé à Fontainebleau en 1532 Avec l’aide de nombreux artistes français et flamands, ces deux artistes ont créé un style distinctif de la Maniérisme – sensuelle et sophistiquée – exprimée dans un mélange unique de peinture mythologique combiné avec un ornement complexe en stuc (nus, guirlandes et autres formes plus complexes). Les panneaux muraux d’image occupaient les murs inférieurs, tandis que les murs supérieurs étaient décorés de stuc. Les images sont des sujets allégoriques et mythologiques avec des personnages distingués par de longs membres et des profils élégants bien définis. Le stuc est en partie figuratif sculpture en relief et en partie décoratif, avec des swags, des cartouches et surtout des bracelets – dans lesquels le stuc est coupé en lanières de cuir, enroulé aux extrémités puis entrelacé pour former des formes fantastiques. Cet art du stuc devait être copié dans toute l’Europe. (De nombreux artistes n’ayant pas pu se rendre à Fontainebleau étaient néanmoins au courant de l’œuvre après avoir vu des gravures à l’intérieur du château.) Quoi qu’il en soit, le style Fontainebleau a été largement copié en France – voir, par exemple, le travail des sculpteurs. Jean Goujon (c.1510-68) et Germain Pilon (1529-1590) – et devant plusieurs tribunaux européens, et a fait de la France un centre important des deux bien et art décoratif. (Il est intéressant de noter que le style général de la décoration intérieure de Fontainebleau peut être considéré à certains égards comme un précurseur du style du XVIIIe siècle. Art rococo (associé à Madame de Pompadour, la maîtresse du roi Louis XV.) Malheureusement, une grande partie de l’œuvre de Fontainebleau a été détruite ou radicalement modifiée, mais certaines des sculptures et peintures les plus caractéristiques du château sont encore visibles dans la Galerie du François Ier (vers 1533-39), la chambre de la duchesse d’Etampes et la salle de Ball.
Galerie François Ier
Le style Fontainebleau a atteint son apogée à la galerie François Ier , où Fiorentino et Primaticcio ont utilisé des stucs et de la peinture pour annuler tout sens de la structure architecturale. Leur travail marque la première fois que les encadrements en stuc ont fait l’objet d’une telle projection, qu’ils semblent en réalité se détacher du mur et revêtent une telle importance qu’ils en deviennent l’un des éléments majeurs. Il ne fait aucun doute que les précédents en la matière étaient tous italiens – de la Sala di Constantino au Vatican à la Sala degli Stucchi du Palazzo del Te à Mantoue, deux œuvres de Giulio Romano (1499-1546) (qui enseigna Primaticcio). Le résultat obtenu à Fontainebleau est exceptionnel: l’élégance élégante nus féminins, les formes en spirale des cadres et le bracelet représentent le summum de l’inventivité et de la complexité de l’art maniériste italien, inséré directement dans la culture figurative française.
Artistes célèbres de l’école de Fontainebleau
Comme décrit ci-dessus, le Fiorentino et Primaticcio étaient les artistes clés de l’école, bien que leur contribution précise au cours de la période (1532-1540) reste incertaine. Après la mort de celui-ci en 1540, cependant, Primaticcio devint l’artiste dominant du château. Il a ensuite décoré la salle de la reine ainsi que son chef-d’œuvre la salle d’Hercule. François Ier avait une grande confiance en son jugement et l’envoya en Italie pour des voyages d’achat en 1540 et 1545. Après la mort de François, Primaticcio conserva son poste de peintre en chef de la cour auprès de Henri II (régné de 1547 à 159) et de François II (1559-1560). et a également assumé le contrôle des travaux architecturaux au château, y compris la conception du jardin.
Autre Artistes maniéristes d’Italie qui a travaillé au château de Fontainebleau inclus le sculpteur Benvenuto Cellini (1500-71) – connu pour sa Salière de François Ier (ébène et or, 1540; Kunsthistorisches Museum, Vienne) et la Nymphe de Fontainebleau (bronze, 1544, Louvre, Paris) – et Niccolo dell’Abate (1510-71), célèbre pour ses paysages mythologiques. L’un des meilleurs peintres français de l’époque qui travailla à Fontainebleau fut Antoine Caron (1521-99), futur peintre de la cour de Catherine de Médicis, l’épouse d’Henri II, qui incarna ensuite le style de la cour des Valois pendant les guerres de religion. (1562-1598).
Cependant, une partie importante de la art à Fontainebleau a été créé par des mains inconnues, y compris le célèbre tableau Diane chasseresse (vers 1550, musée du Louvre). Son récit mythologique, ses formes allongées élégantes, son paysage idyllique et son air sophistiqué sont tout à fait typiques de l’école de Fontainebleau.
Voir également: Tapisserie des Gobelins (1601-présent).
Portrait français du XVIème siècle
Portrait d’art reste un genre important à l’époque de l’école de Fontainebleau, bien qu’il soit généralement éclipsé par les développements artistiques du château. Le portrait français du XVIe siècle était dominé par deux peintres, père et fils. Le père, Jean Clouet (d.1541), était probablement d’origine néerlandaise et n’a jamais été un Français nationalisé. En 1509, il était bien connu en France et en 1516, il travaillait pour la cour royale. Les poèmes du jour le comparent aux plus grands artistes italiens dont le génie Michelangelo (1475-1564). Aujourd’hui, on ne peut lui attribuer qu’une poignée de portraits, dont l’un, à l’image de François Ier, montre clairement ses liens avec Peinture flamande. Jean Clouet a été succédé comme peintre de la cour par son fils François (décédé en 1572). Lui aussi est surtout connu pour son peintures de portrait qui, contrairement à ceux de son père, montrent des liens étroits avec le maniérisme italien et allemand. La très grande taille de son portrait de Charles IX, grandeur nature, est la dite Dame à son bain (1550, National Gallery, Washington DC), généralement identifiée comme un portrait de Diane de Poitiers. Ici, la figure nue demi-longue est d’origine Leonardoesque. C’était un travail populaire et fréquemment copié.
Architecture du château de Fontainebleau (c.1528-86)
Résidence favorite de François Ier, cet ancien pavillon de chasse médiéval était utilisé par les rois de France depuis le XIIe siècle. Le roi François Ier a cependant voulu en faire le centre de sa vision d’une nouvelle Renaissance française, inspirée du modèle italien, avec toute la splendeur que ce terme implique. La transformation à l’italienne de Francis du palais combinée Architecture de la renaissance avec les traditions artistiques françaises. Les principaux architectes impliqués comprenaient Gilles Le Breton (1528-1548), Philibert de l’Orme (à partir de 1548 ans), Primaticcio (à partir de 1553).
Tout a commencé en 1528, lorsque François Ier a demandé à l’architecte Gilles Le Breton (d.1553) de commencer à transformer le pavillon de chasse de Fontainebleau en sa résidence cérémonielle. Le Breton était responsable de la construction de la porte Dorée et de la longue galerie qui reliait l’ancienne tour médiévale aux nouveaux bâtiments aménagés au bout de la cour du Cheval Blanc. Bien que le style de Le Breton utilise un mélange prévisible de formes traditionnelles et d’éléments «modernes», son utilisation de ce que l’on pourrait appeler des caractéristiques maniéristes semble être une coïncidence.
Ce n’est qu’à l’arrivée de Fiorentino et de Primaticcio que le processus de conception a radicalement changé. À partir de ce moment, le chantier en cours à Fontainebleau, dans lequel architecture, décoration et mobilier étaient étroitement intégrés, devint l’un des centres les plus créatifs et les plus intéressants du maniérisme international. La première phase de «l’école de Fontainebleau» est vraiment une période de l’histoire italienne transposée sur le sol français: Rosso et Primaticcio enrichissent et renouvellent le répertoire officiel de l’école romaine afin de créer une toute nouvelle harmonie, avec la fusion parfaite d’éléments figuratifs et décoratifs.. (L’architecte maniériste italien Vignola (1507-73) travailla également au château.) Quand, en 1541, Sebastiano Serlio, auteur d’un célèbre traité sur l’art, fut nommé Architecte Ordinaire, il rompit avec la régularité rythmique et la symétrie des plans du palais jusqu’à ensuite. La porte la plus purement classique du château, la porte Dorée, présente des loggias superposées insérées au milieu de larges pilastres, avec un signe évident de maniérisme dans la séquence continue des fenêtres. La maison devenant de plus en plus artistique, le rôle d’architecte après la mort de Le Breton en 1553 fut repris par Primaticcio. Dans les années 1560, l’ Aile de la Belle Cheminée est achevée et utilise une langue qui était alors totalement française.
Autre architecture française du 16ème siècle
Attirés par le mode de vie plus luxueux en Italie, les aristocrates français ont remodelé et agrandi leurs châteaux. Les bâtisseurs étaient toujours des maîtres tailleurs de pierre dotés du statut d’artisan. Lorsque, au 16ème siècle, des architectes italiens, notamment Sebastiano Serlio (1475-1554) arrivèrent en France en 1540, la Renaissance française commença sérieusement. Serlio, qui a en fait construit très peu, a été influencé principalement par son traité d’architecture richement illustré, L’Architettura (1537-151). Au milieu du siècle professionnel architectes, hommes de culture qui ont compris les idées nouvelles, ont commencé à remplacer les maîtres maçons. Les deux dirigeants étaient Pierre Lescot (env. 1500-78), connu pour son travail à la Persienne à Paris et Philibert de l’Orme (vers 1510-70).
En 1546, François Ier chargea Pierre Lescot de reconstruire le palais du Louvre à Paris. La structure de Lescot (une petite partie de l’immense bâtiment actuel, qui constitue maintenant la partie sud-ouest de la Cour Carrée) incorpore une combinaison d’éléments français traditionnels et de motifs classiques qui créent un style distinctif du classicisme français.
Philibert de l’Orme était la principale personnalité artistique de son époque et partageait l’universalité des maîtres anciens italiens. Né à Lyon, il passa trois ans à Rome. Il y rencontra le cardinal du Bellay, qui l’initia plus tard au cercle du dauphin et à Diane de Poitiers, qui devint son patron le plus distingué et le plus influent. Lorsque le dauphin devient roi Henri II, il est nommé surintendant des bâtiments à De l’Orme. Après une brève chute de faveur après la mort d’Henry, au cours de laquelle il écrivit deux ouvrages sur l’architecture, il fut réintégré et continua à travailler pour Catherine de Médicis, la reine mère. Son œuvre la plus connue est le château d’Anet (1548-1555) qu’il a construit pour Diane de Poitiers. La plus grande partie du bâtiment a été détruite, mais l’entrée subsiste. Outre les colonnes doriques situées de part et d’autre de l’entrée, le bâtiment est entièrement français dans sa grande simplicité, agrémenté d’une balustrade percée au sommet. La nymphe en bronze de Cellini, maintenant remplacée par une copie en plâtre, orne le tympan.
Des œuvres de peintres et de sculpteurs de l’école de Fontainebleau sont exposées in situ au Musée national du château de Fontainebleau, dans plusieurs autres meilleurs musées d’art en France et dans le monde.
Voir: Artistes baroques français (1600-1700) et Meubles français (1640-1792).
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