Art Gothique: Caractéristiques, Histoire Automatique traduire

Le terme «style gothique» désigne le style d’architecture, de sculpture (et d’arts mineurs) européen qui combine l’art roman médiéval avec le début de la Renaissance . Cette période est divisée en premier gothique (1150-1250), haut gothique (1250-1375) et gothique international (1375-1450). Principalement une forme publique de l’art chrétien, il s’est d’abord épanoui en Ile-de-France et dans la région environnante entre 1150-1250, puis s’est répandu dans toute l’Europe septentrionale.

Sa principale forme d’expression est l’architecture - les grandes cathédrales gothiques du nord de la France en sont un exemple. Pour les deux principaux styles décoratifs, voir «Architecture gothique rayonnante» (vers 1200-1350) et plus tard «Architecture gothique flamboyante» (1375-1500). Les plus beaux exemples de l’architecture gothique comprennent la cathédrale de Chartres (1194-1250) ; la cathédrale Notre-Dame (1163-1345) ; la cathédrale Sainte-Chapelle (1241-48) ; et la cathédrale de Cologne (à partir de 1248) ; ainsi que les cathédrales de Canterbury, de Winchester, de l’abbaye de Westminster et de Saint-Jacques-de-Compostelle.

Dans la conception gothique, les formes planes de l’ancien idiome roman ont été remplacées par un nouvel accent mis sur la ligne. Les arcs et les contreforts permettaient d’ouvrir les murs sur des fenêtres de vitrail d’une taille sans précédent, remplies d’images translucides de l’art biblique, dépassant de loin tout ce que la peinture murale ou l’art de la mosaïque pouvaient offrir. Tout cela créait une atmosphère humaniste évocatrice, bien différente de celle de l’époque romane. (À la fin du XIVe siècle, un style gothique plus séculier est apparu, connu sous le nom de gothique international, qui s’est répandu en Bourgogne, en Bohême et en Italie du Nord).

L’art gothique, étant exclusivement un art religieux, a donné un poids matériel puissant au pouvoir grandissant de l’église à Rome. Cela a non seulement inspiré le public ainsi que ses dirigeants séculiers, mais a également établi fermement le lien entre la religion et l’art, qui est devenu l’un des fondements de la Renaissance italienne (1400-1530). Parmi les célèbres peintres médiévaux de style gothique, citons Giovanni Pisano et Simone Martini de l’école de peinture siennoise .

La sculpture gothique

La sculpture gothique primitive

Comme à l’époque romane, les meilleurs sculpteurs gothiques travaillent à la décoration architecturale. Les exemples les plus importants de sculpture sur pierre subsistent sur les portails, comme dans l’église de Saint-Denis, dont les portails occidentaux (construits en 1137-40) combinent des caractéristiques communes à toute la période gothique : un tympan sculpté, des figures sculptées disposées dans des voussoirs, ou parties cunéiformes de l’arc, et une sculpture plus figurative attachée aux côtés du portail. Tel qu’il subsiste, St Denis est plutôt décevant ; les figures latérales ont été perdues, et le reste très restauré.

La tendance à un plus grand réalisme

L’effet général est aujourd’hui mieux perçu sur la façade occidentale de la cathédrale de Chartres, dont les portails illustrent l’évolution du style gothique. Si l’on compare les portails de Chartres (vers 1140-50) avec ceux de Reims au XIIIe siècle, on constate que l’évolution de la sculpture dans cette première période de l’art gothique va dans le sens d’un plus grand réalisme et d’un éloignement de l’aspect boisé de la sculpture romane. Cette évolution n’est pas le fruit d’une évolution continue, mais d’une série d’impulsions stylistiques.

La première de ces impulsions est visible dans la sculpture de la façade occidentale de Chartres. Les personnages, avec leurs gestes stylisés et les plis fins de leurs vêtements, sont à peine «réels», et leurs formes sont étroitement liées à la composition architecturale. On trouve des exemples similaires dans les cathédrales d’Angers, du Mans, de Bourges et de Senlis. Une deuxième impulsion créatrice est venue (1181-1210) de l’école de l’art de la mosaïque, dans le travail du métal du joaillier Nicolas de Verdun (et de son contemporain plus âgé Godefroy de Clair), marqué par des figures gracieuses et courbes et des draperies douces à crête grecque et en relief (Maldenstyle).

Une version sobre de ce style ornait les portails principaux des transepts de Chartres (vers 1200-10) ; on peut également l’observer dans la cathédrale de Reims. Une troisième impulsion vers le réalisme dans la sculpture gothique, basée sur des prototypes byzantins du Xe siècle, a vu le jour dans la cathédrale Notre-Dame de Paris (vers 1200). Au lieu de draperies en forme de massue et de figures courbes, ce style se caractérise par des personnages à l’apparence carrée et droite, dont les gestes sont très sobres. La façade ouest de la cathédrale d’Amiens (vers 1220-30) est un bon exemple de ce style.

Le quatrième style réaliste naît à Reims avec un maître qui porte le nom de sa figure la plus célèbre, Maître Joseph. Se démarquant de la retenue gestuelle d’Amiens et des draperies de Mouldenstiel, il crée (vers 1240) des figures dont les caractéristiques perdureront pendant 150 ans : poses et visages gracieux, draperies denses suspendues en longs plis en forme de V qui enveloppent la figure. La sculpture gothique des cathédrales a exercé une grande influence sur les peintres et les enlumineurs du gothique tardif, dont le grand peintre provençal Engerrand de Charenton (Cuarton) (vers 1410-1466), créateur de la Pietà d’Avignon (1454-6, Louvre, Paris).

En Allemagne, la situation est similaire, sauf que la sculpture gothique allemande a tendance à être plus émotionnelle - voir les cathédrales de Strasbourg et de Magdebourg. Le chœur occidental (vers 1250) de la cathédrale de Naumburg est un exemple dramatique de cette émotivité. Voir aussi Art gothique allemand (c. 1200-1450).

La sculpture du haut gothique

D’une manière générale, cette période voit le déclin de la sculpture architecturale. L’accent mis sur les motifs géométriques dans l’architecture gothique primitive n’est pas surprenant. Quelques portails ont été réalisés, comme sur la façade ouest de la cathédrale de Bourges, mais ils ne présentent qu’un intérêt limité. En revanche, le type de sculpture qui s’est développé très rapidement était plus privé, comme en témoignent les tombes et autres monuments funéraires. Il s’agit notamment de tombes généralement décorées de petites figures dans des niches, des figures appelées pleureuses car elles représentaient généralement des membres de la famille en deuil. Plus tard, au début du XIVe siècle, des images de pleureuses professionnelles vêtues de lourdes robes sont apparues.

Le début de cette tendance sculpturale a été initié par Louis IX dans ses monuments à ses ancêtres et à sa famille proche, situés principalement à Saint-Denis (1260-70), bien qu’ils aient été gravement endommagés pendant la Révolution française. Des précédents peuvent également être trouvés : les efforts de Louis IX ont contribué à populariser l’idée d’un mausolée dynastique, et de nombreux autres personnages importants ont suivi son exemple.

En Angleterre, comme en France, une grande partie de la sculpture virtuose a été investie dans des tombes et des monuments privés. Le meilleur mausolée gothique qui subsiste est l’abbaye de Westminster, où les monuments sculptés dans divers matériaux (notamment le purbeck, le bronze, l’albâtre et la pierre) sont complétés par des sols et des tombes réalisés par des mosaïstes italiens employés par Henri III. Le tombeau d’Édouard II (vers 1330-35) dans la cathédrale d’Exeter, remarquable pour son dais médiéval élaboré, est un autre bel exemple du gothique anglais.

Les élégantes figures drapées autour du chœur de la cathédrale de Cologne (consacrée en 1322) et les impressionnantes figures de la façade ouest de la cathédrale de Strasbourg (sculptées après 1277), qui semblent avoir été fortement influencées par le maître Joseph de Reims, sont des exemples du haut gothique allemand. Comme d’habitude, la sculpture allemande tend à être beaucoup plus expressive que les œuvres françaises similaires.

En Italie, les sculpteurs les plus importants du XIIIe siècle sont Nicola Pisano (1206-1278) et son fils Giovanni Pisano (1250-1314). Nicola est connu pour les sculptures du baptistère de Pise (1259-60) et de la cathédrale de Sienne (1265-68), tandis que la chaire de Giovanni à San Andrea Pistoia (achevée en 1301), bien que techniquement moins raffinée, est émotionnellement beaucoup plus dramatique.

A Milan, le sanctuaire destiné au corps de saint Pierre martyr a été sculpté par Giovanni di Balduccio (vers 1290-1349) dans un style emprunté à l’atelier de Pisano. Parmi les disciples les plus connus de Pisano figurent Arnolfo di Cambio (1240-1300/10) et Tino di Camaino, qui travailla à la cour napolitaine (c. 1323-37). La sculpture d’Arnolfo di Cambio se caractérise par sa massivité et son impassibilité. Il excelle dans les compositions formelles telles que la chapelle funéraire et le tombeau du pape Boniface VIII. Il fut également le premier architecte de la cathédrale de Florence (fondée en 1296). Tino di Camaino s’est fait connaître comme sculpteur de tombes, et la plus grande collection de ses œuvres se trouve à Naples. Pour plus de détails, voir : La cathédrale de Florence, Brunelleschi et la Renaissance (1420-36).

Un autre célèbre sculpteur gothique italien est Andrea Pisano (1295-1348) (alias Andrea da Pontedera). Ses sculptures les plus célèbres ont été exécutées à Florence, la plus importante étant les trois portes en bronze du baptistère de la cathédrale de Florence (achevées en 1336). Il a été fortement influencé par la sculpture de Giovanni Pisano et la peinture du peintre de la proto-Renaissance Giotto, ce qui a amené Andrea à rendre ses personnages plutôt trapus et massifs.

La peinture gothique

Malgré la création de peintures romanes sur les murs des églises et dans les manuscrits évangéliques, l’Europe n’était pas encore prête pour la peinture en tant que forme majeure de l’art public. Les tapisseries étaient encore populaires (et plus chaudes) comme revêtements muraux décoratifs, tandis que la plupart des cathédrales gothiques, avec leur manque d’espace mural, avaient moins besoin de peintures murales que les églises romanes. Au lieu de cela, les architectes gothiques se sont appuyés sur les vitraux, beaucoup plus grands qu’à l’époque romane, pour créer des effets de couleur.

Dans d’autres genres de peinture, le nouveau style a eu un impact significatif : ainsi, l’art du retable et les manuscrits enluminés ont été animés par l’idiome gothique.

Pour d’autres mouvements stylistiques historiques importants similaires au gothique, voir Mouvements artistiques, périodes, écoles (à partir d’environ 100 av. J.-C.).

La peinture gothique en France

La peinture gothique primitive s’éloigne de l’art byzantin vers un plus grand naturalisme, prenant la forme d’un style plus doux et plus réaliste dont les caractéristiques générales perdurent jusqu’au milieu du XIIIe siècle. En France, ce style est particulièrement visible dans une série de magnifiques Bibles de Moralité, manuscrits bibliques contenant des passages de la Bible accompagnés d’interprétations morales et d’illustrations disposées comme des vitraux, exécutés pour la cour royale française en 1230-40

En Angleterre, ce style se retrouve dans de nombreux manuscrits, comme le Psautier d’Amesbury (vers 1240 ; All Souls College, Oxford). En Allemagne, les artistes gothiques évitent ce style gracieux et privilégient un style tordu et anguleux appelé Sackenstiel . Par exemple, dans le Retable de Soest (1230-40, Gemaldegalerie SMPK, Berlin), les draperies sont représentées dans des formes anguleuses et tranchantes et tombent souvent sur une pointe ressemblant à un glaçon. Les manuscrits gothiques enluminés ont également influencé le développement de la peinture sur panneau et des fresques en Europe du Nord.

L’illustration de livres gothiques

Pour apprécier l’illustration gothique des livres, il faut étudier les manuscrits enluminés qui sortent des scriptoria de divers monastères à partir du début du XIIIe siècle : les livres d’heures, les réquisitions, les apocalypses, les psautiers et les bibles. Voir, par exemple, le Bréviaire de Belleville (1326) et les Heures de Jeanne d’Evreux (1328) de Jean Pucel (1290-1334).

Dans ces chefs-d’œuvre, l’artiste gothique, qui n’est plus un simple participant à l’ensemble architectural, peut donner libre cours à son imagination et à toutes ses fantaisies. Les personnages sont parfois allongés jusqu’à la limite de la caricature, comme les dessins à la mode de nos jours (voir la deuxième partie du Psautier d’Arundel du British Museum). Les créatures grotesques et les touches humoristiques ou macabres sont omniprésentes. Au fur et à mesure que le type se développe, il devient de plus en plus agité. L’œil n’a pas un instant de répit. Des arrière-plans décoratifs complexes, des bordures de feuilles de lierre rendues encore plus piquantes que la nature ne l’avait prévu, des arrière-plans de paysages plus tardifs (vers le milieu du quinzième siècle), avec des tas de fleurs habiles au premier plan, des scènes de la vie moderne, du sport et des divertissements, des fêtes, des voyages, de la cuisine (le Psautier Luttrell de 1340 au British Museum est rempli de miniatures de ce type).

On pourrait penser qu’au XIVe siècle, la vie dans le nord-ouest de l’Europe n’était qu’un vaste enchevêtrement de détails charmants, une chambre d’enfant remplie de jouets vivants. Voir aussi : Histoire des manuscrits enluminés .

La peinture du haut gothique a été fortement influencée par la sculpture moderne. Cela s’est d’abord manifesté à Paris, où Louis IX était l’un des principaux mécènes. Dans l’Evangelarium (manuscrit contenant les quatre évangiles) de la chapelle du palais de Sainte-Chapelle (1241-48) de Louis IX, on peut voir comment le style gothique primitif est brusquement remplacé par un style de draperie incorporant les grands plis anguleux du maître Joseph (Bibliothèque nationale). Dans le même temps, l’attention portée aux détails s’est accrue, presque comme une fin en soi. Par exemple, les visages en particulier sont devenus des exercices de virtuosité de la plume.

Alors que certains détails figuratifs, comme les visages et les mains, étaient encore représentés principalement par la ligne, les draperies et autres formes étaient généralement modelées par l’ombre et la lumière. Cette «découverte de la lumière» commence vers 1270-80, mais elle est surtout associée au célèbre enlumineur parisien connu sous le nom de Maître Honoré, actif vers 1288-1300. Elle a peut-être aussi été stimulée par les développements de la peinture italienne.

Le style français se répand rapidement en Angleterre. Bien qu’Henri III ne soit pas un rat de bibliothèque, un certain nombre de manuscrits produits pour sa famille contiennent des illustrations dans le même style gracieux et délicat des artistes de Louis IX. De même, quelques peintures à grande échelle subsistent dans l’abbaye de Westminster, notamment le «Westminster Retablo». Les développements ultérieurs de la peinture anglaise, illustrés par des œuvres telles que le Psautier de la reine Mary (vers 1330, British Museum), comprenaient des décorations de bordures de plus en plus somptueuses. Voir aussi : La production de manuscrits enluminés .

Pour en savoir plus sur les enluminures gothiques internationales du 14e/15e siècle, voir : Jean Pucelle (1290-1334), les frères de Limbourg (m. 1416 : cf. leur Magnifique livre d’heures du duc de Berry) et Jean Fouquet (1420-81 : voir son extraordinaire diptyque de Melen).

La peinture gothique italienne

Au XIIIe siècle, Rome et la Toscane ont toutes deux des traditions picturales florissantes et sont fortement influencées par l’art médiéval créé dans l’Empire byzantin. Malheureusement, la plupart des œuvres romaines ayant été détruites par la suite, les preuves de ce qui se passait dans la capitale doivent être recherchées en dehors de la ville - notamment à Assise, où l’église supérieure de Saint-François a été décorée par des fresquistes formés à Rome entre 1280 et 1300, notamment Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302).

Comme pour l’ensemble de l’art décoratif gothique, les changements stylistiques en Italie vont dans le sens d’un plus grand réalisme. Vers la fin du XIIIe siècle, les artistes italiens commencent à utiliser la lumière pour modeler les figures. Ils ont également fait des progrès inattendus dans la manipulation de la perspective linéaire afin d’optimiser la conception spatiale de leur peinture. En outre, les meilleurs artistes ont développé la capacité de créer des figures qui semblaient réellement communiquer entre elles, par le geste ou l’expression du visage. L’œuvre du maître Isaac dans l’église supérieure d’Assise en est un bon exemple.

Contrairement à l’Europe du Nord, l’Italie a conservé une forte tradition de fresques à grande échelle, généralement exécutées selon la technique «de la peinture à fresque», une méthode dans laquelle le pigment est appliqué sur un enduit de chaux frais et absorbé par celui-ci. Les thèmes de la peinture à fresque incluaient des récits bibliques ou hagiographiques, et le plus grand représentant de la peinture gothique était le peintre Giotto di Bondone (1267-1337), dont l’œuvre classique était les fresques de la chapelle de Scrovegni à Padoue : La trahison du Christ (baiser de Judas) (1305) et Le deuil du Christ (1305), par exemple, sont célèbres. Cependant, malgré le réalisme considérablement accru de l’œuvre de Giotto, il ne pouvait échapper à l’influence de ses prédécesseurs byzantins, dont l’influence est clairement visible dans l’ensemble de la composition.

En Toscane, le développement du style gothique est le mieux illustré par Duccio di Buoninsegna (vers 1255-1319), le plus célèbre peintre de l’école siennoise de l’art de la proto-Renaissance, l’auteur du Retable de la Maesta (1308-11), ancien maître-autel de la cathédrale de Sienne, et de la Madone de Stroganoff (1300). Cette dernière est l’une des grandes peintures gothiques sur panneau, exécutée à la détrempe sur bois. L’habileté de Duccio à créer des espaces réalistes était cependant beaucoup plus faible que celle de Giotto, et son œuvre n’a pas le même impact dramatique.

Parmi les peintres florentins et siennois postérieurs, Simone Martini (1285-1344), qui travaillait à la cour papale d’Avignon, est probablement le plus connu. Par exemple, son Triptyque de l’Annonciation (1333) pour la cathédrale de Sienne. Parmi les autres artistes importants, citons les frères Pietro et Ambrogio Lorenzetti. Voir l’œuvre de ce dernier «Allégorie du bon et du mauvais gouvernement» (1338-9, Palazzo Pubblico, Sienne.

Vers 1350, les artistes italiens ont acquis une position unique en Europe. Leur marque unique de peinture pré-Renaissance - avec ses avancées dans l’art de la composition narrative - les distinguait des artistes du reste de l’Europe. Leurs améliorations dans la représentation de la réalité n’étaient pas faciles à ignorer, et les artistes du Nord ont travaillé dur pour adapter le naturalisme italien aux besoins du Nord. Avec l’avènement de la peinture à l’huile, les écoles flamande et hollandaise ont rapidement rattrapé, et parfois dépassé, leurs homologues méridionaux. Mais il s’agit là d’une autre histoire.

Liste des peintres gothiques

Les principaux représentants du style gothique sont :

Sculpteurs
- Nicolas de Verdun (v. 1181-1210)
- Nicola Pisano (1206-1278)
- Joseph le Maître de Reims (v. 1240-77) - Giovanni Pisano (1250-1314)
- Giovanni di Balduccio (v. 1290-1349)
- Arnolfo di Balduccio (c. 1290-1349)
- Arnolfo di Cambio (1240-1300/10)
- Andrea Pisano (1295-1348)
- Tino di Camaino (c. 1323-37)
- Filippo Calendario (avant 1315-1355)

Sculpteurs du gothique tardif
- Veit Stoss (c.1447-1533)
- Adam Kraft (c.1455-1509)
- Tilman Riemenschneider (c.1460-1531)
- Gregor Erhart (c.1460-1540)

Artistes
- Maître Honoré (c.1288-1300)
(c.1288-1300)
- Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
- Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)
- Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
- Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319).)
- Giotto di Bondone (1267-1337)
- Simone Martini (1285-1344)
- Pietro Lorenzetti (v. 1320-45)
- Ambrogio Lorenzetti (v. 1319-48)