Art Gothique: Caractéristiques, Histoire Automatique traduire

Résumé – Caractéristiques

Le terme " style gothique "fait référence au style de l’architecture européenne, de la sculpture (et des arts mineurs) qui reliait Art roman avec le Début de la renaissance . La période est divisée en gothique ancien (1150-1250), en gothique élevé (1250-1375) et en gothique international (1375-1450). Principalement une forme publique de Art chrétien , il a d’abord prospéré en Île de France et dans les régions voisines entre 1150 et 1250, puis s’est étendu dans le nord de l’Europe.

Sa principale forme d’expression était architecture - illustré par le grand Cathédrales gothiques du nord de la France. Pour les deux principaux styles décoratifs, voir Architecture gothique rayonnante (c.1200-1350) et le dernier Architecture gothique flamboyante (1375-1500). Les plus beaux exemples de design gothique incluent: Cathédrale de chartres (1194-1250); Cathédrale Notre Dame (1163-1345); Sainte Chapelle (1241-128); et cathédrale de Cologne (à partir de 1248); ainsi que les cathédrales de Canterbury, Winchester, l’abbaye de Westminster et Saint-Jacques-de-Compostelle. Dans la conception gothique, les formes planes de l’idiome roman précédent ont été remplacées par un nouvel accent mis sur la ligne. Et ses arches et ses contreforts en flèche permettaient l’ouverture de murs pour des fenêtres sans précédent vitrail rempli d’images translucides magnifiquement inspirantes de Art biblique , dépassant de loin tout ce que la peinture murale ou art de la mosaïque avait à offrir. Tout cela a créé une atmosphère humaniste évocatrice très différente de la période romane. (À la fin du XIVe siècle, un style gothique plus laïque émergea, connu sous le nom de Gothique international , qui se sont répandus en Bourgogne, en Bohême et dans le nord de l’Italie.)

Art gothique, étant exclusivement art religieux , a donné un poids tangible au pouvoir croissant de l’Église à Rome. Cela a non seulement inspiré le public, mais aussi ses dirigeants laïcs, mais a également permis d’établir le lien entre religion et art, l’un des fondements de la société. Renaissance italienne (1400-1530). Parmi les plus célèbres artistes médiévaux dans le style gothique étaient Giovanni Pisano et Simone Martini du Ecole siennoise de peinture .

Sculptures Gothiques

Sculpture gothique ancienne

Comme à l’époque romane, les meilleurs sculpteurs gothiques ont été employés pour la décoration architecturale. Les exemples les plus importants de sculpture en pierre pour survivre se trouvent sur des portails, comme dans l’église Saint-Denis dont les portails occidentaux (construits entre 1137 et 1140) combinent des caractéristiques qui sont restées communes pendant toute la période gothique: un tympan sculpté; des figures sculptées disposées dans les voussoirs ou des pièces en forme de coin de l’arc; et des sculptures plus figuratives attachées aux côtés du portail. En survivant, Saint-Denis est plutôt décevant; les figures latérales ont été perdues et le reste lourdement restauré.

Tendance vers un plus grand réalisme

L’effet général est maintenant mieux apprécié sur le front ouest de la cathédrale de Chartres, dont les portails illustrent l’évolution du style gothique. Si l’on compare les portails de Chartres (environ 1140 à 1550) à ceux de Reims du XIIIe siècle, on s’aperçoit que le développement de la sculpture au cours de cette première période de l’art gothique va dans le sens d’un réalisme accru et s’éloigne de la sensation plutôt en bois de Sculpture romane . En réalité, cela n’a pas été réalisé par une évolution continue, mais par une série d’impulsions stylistiques. La première de ces impulsions est visible dans la sculpture située sur le front ouest de Chartres. Les figures, avec leurs gestes stylisés et leurs vêtements minutieusement plissés, sont à peine "réelles" et leurs formes sont étroitement alignées sur la composition architecturale. Des exemples similaires peuvent être vus aux cathédrales d’Angers, du Mans, de Bourges et de Senlis. La deuxième impulsion créatrice dérivée (1181-1210) de l’école de Art mosan , dans le ferronnerie de l’orfèvre Nicolas de Verdun (et son contemporain plus âgé Godefroid de Claire ), marqués par des figures gracieuses et incurvées et des draperies douillettes aux allures grecques (Muldenstil). Une version sobre de ce style a décoré les principaux portails des transepts de Chartres (environ 1200-10) et peut également être vue dans la cathédrale de Reims. Un troisième élan de réalisme dans la sculpture gothique, basé sur des prototypes byzantins du 10ème siècle, semble être né à la cathédrale Notre-Dame de Paris (c.1200). Au lieu de draperies tourbillonnantes et de figures incurvées, ce style se caractérise par des figures d’apparence carrée et droite, qui sont très sobres dans leurs gestes. Un bon exemple de ce style est la façade ouest de la cathédrale d’Amiens (environ 1220-30). Un quatrième style de réalisme est né à Reims avec un artisan nommé en l’honneur de son personnage le plus célèbre, le maître Joseph. Ignorant à la fois la contrainte gestuelle d’Amiens et la draperie du Muldenstil , il produisit (vers 1240) des personnages aux caractéristiques durables pour les 150 prochaines années: des poses et des visages délicats, ainsi que des draperies épaisses suspendues à la figure. La sculpture de cathédrale gothique a eu une influence considérable sur les peintres et les enlumineurs du gothique tardif, y compris le grand artiste provençal Enguerrand de Charenton (Quarton) (c.1410-1466), créateur de The Avignon Pieta (1454-6, Louvre, Paris).

En Allemagne, l’histoire est assez similaire, sauf que Sculpture gothique allemande tend à être plus émotionnel – voir les cathédrales de Strasbourg et de Magdebourg. Un exemple dramatique de cette émotivité se trouve dans le choeur ouest (environ 1250) de la cathédrale de Naumburg. Voir également Art gothique allemand (c.1200-1450).

Sculpture gothique

En général, cette période a vu un déclin de la sculpture architecturale. En raison de l’importance accordée aux motifs géométriques par l’architecture gothique rayonnante, ce n’est pas surprenant. Quelques portails, comme ceux situés sur le devant ouest de la cathédrale de Bourges, ont été achevés, mais leur intérêt est limité. En revanche, le type de sculpture qui s’agrandissait très rapidement était le plus privé, illustré par les tombeaux et autres monuments funéraires. Ils incluaient le coffre de la tombe, généralement décoré de petites figures dans des niches – des figures connues sous le nom de pleureuses, puisqu’elles représentaient généralement des membres de la famille en deuil. Plus tard, au début du XIVe siècle, sont apparues des représentations de professionnels en deuil fortement dissimulés.

Cette tendance sculpturale a été initiée par Louis IX dans ses monuments à ses ancêtres et à ses proches, situés principalement à Saint-Denis (1260-1270), bien qu’ils aient été gravement endommagés pendant la Révolution française. On pouvait trouver des précédents plus tôt, les efforts de Louis IX firent beaucoup pour populariser l’idée du mausolée dynastique, et de nombreux autres personnages importants firent de même.

En Angleterre, comme en France, la virtuosité de la gravure s’exerçait essentiellement dans des tombeaux et des monuments privés. Le mausolée gothique le mieux conservé est l’abbaye de Westminster, où les monuments sculptés dans divers médiums (notamment le purbeck, le bronze, l’albâtre et la pierre de taille) sont encore mis en valeur par les sols et les tombes exécutés par des mosaïstes italiens employés par Henri III. La tombe d’Edouard II (v. 1330 – 1335), dans la cathédrale d’Exeter, remarquable par son auvent médiéval élaboré, est un autre bel exemple du gothique anglais.

La sculpture allemande du haut gothique est illustrée par les élégants personnages drapés entourant le choeur de la cathédrale de Cologne (consacrée en 1322) et par les impressionnants personnages du devant ouest de la cathédrale de Strasbourg (sculptés après 1277), qui semblent fortement influencés par la statue de Joseph. Maître de Reims. Comme d’habitude, la sculpture allemande a tendance à être beaucoup plus expressive qu’un travail français similaire.

En Italie, les plus importants sculpteurs du 13ème siècle inclus Nicola Pisano (1206-78) et son fils Giovanni Pisano (1250-1314). Tous deux travaillèrent principalement en Toscane et exécutèrent des chaires qui constituaient leur principale œuvre achevée: Nicola était réputé pour ses sculptures dans le baptistère de Pise (1259-1260) et la cathédrale de Sienne (1265-1268), tandis que la chaire de Giovanni dans S. Andrea Pistoia (1301), bien que techniquement moins raffiné, est émotionnellement beaucoup plus dramatique.

À Milan, un sanctuaire pour le corps de saint Pierre Martyr a été sculpté par Giovanni di Balduccio (c.1290-1349) dans un style dérivé du studio Pisano. Parmi les adeptes les plus célèbres de Pisano, citons Arnolfo di Cambio (1240-1300 / 10), et Tino di Camaino, qui travaillait à la cour napolitaine (c.1323-37). La sculpture d’Arnolfo di Cambio est solide et impassible. Il a excellé lors de compositions officielles telles que la chapelle funéraire et la tombe du pape Boniface VIII. Il fut aussi le premier architecte de la cathédrale de Florence (fondée en 1296). Tino di Camaino a acquis une renommée en tant que sculpteur de tombes et la plus grande collection de son travail se trouve à Naples. Pour plus, voir: Cathédrale de Florence, Brunelleschi et la Renaissance (1420-1436).

Un autre sculpteur gothique italien noté était Andrea Pisano (1295-1348) (alias Andrea da Pontedera). Ses sculptures les plus célèbres ont été exécutées à Florence, les plus importantes étant ses trois portes de bronze pour le baptistère de la cathédrale de Florence (achevées en 1336). Il a été fortement influencé par la sculpture de Giovanni Pisano, ainsi que par la peinture de l’artiste proto-renaissance Giotto, ce qui a amené Andrea à rendre ses personnages plutôt trapus et solides.

Peinture gothique

Malgré la mise en place de Peinture romane sur les murs des églises et dans les manuscrits de l’Évangile, l’Europe n’était pas encore prête pour la La peinture comme une forme d’art public majeur. Art de la tapisserie était toujours populaire (et plus chaleureux) en tant que revêtement mural décoratif, alors que la plupart des cathédrales gothiques, avec leur manque d’espace mural, avaient moins besoin de peintures murales que les églises romanes. Au lieu de cela, pour les effets de couleur, les architectes gothiques s’appuyaient sur les vitraux, qui étaient devenus beaucoup plus grands que dans la période romane. Dans d’autres genres de peinture, le nouveau style a eu un impact significatif: retable d’art et manuscrits enluminés ont tous été revitalisés par le langage gothique.

REMARQUE: pour d’autres tendances stylistiques historiques importantes comme le gothique, voir Mouvements d’art, périodes, écoles (à partir de 100 avant notre ère).

Peinture gothique en france

La peinture gothique ancienne s’éloigne de Art byzantin vers un plus grand naturalisme, prenant la forme d’un style plus doux et plus réaliste, dont les caractéristiques générales ont perduré jusqu’au milieu du XIIIe siècle. En France, le langage est particulièrement visible dans une série de magnifiques Bibles Moralisees – des manuscrits bibliques contenant des extraits de la Bible accompagnés d’interprétations morales et d’illustrations disposées comme des vitraux – achevés pour la cour royale française vers 1230-40. En Angleterre, le style peut être vu dans de nombreux manuscrits; par exemple, le psautier d’Amesbury (v. 1240; All Souls College, Oxford). En Allemagne, les artistes gothiques évitaient ce style gracieux, préférant un style tordu et anguleux appelé Zackenstil . Par exemple, dans l’ autel de Soest (1230-1240, Gemaldegalerie SMPK, Berlin ), la draperie est représentée sous des formes angulaires abruptes et tombe souvent en une pointe aiguë ressemblant à un glaçon. Manuscrits enluminés gothiques ont également influencé le développement de la peinture sur panneaux et des peintures murales en Europe du Nord.

Peinture de livre gothique
Apprécier le gothique illustration du livre il faut étudier les manuscrits enluminés issus des scriptoria des divers monastères du début du XIIIe siècle: livres d’heures, missels, apocalypses, psautiers et bibles. Voir, par exemple, le Bréviaire de Belleville (1326) et le Heures de Jeanne d’Evreux (1328) de Jean Pucelle (1290-1334). Dans ces chefs-d’œuvre, l’artiste gothique, qui n’est plus un simple contributeur à l’ensemble architectural, peut laisser libre cours à son imagination et se livrer à tous ses caprices. Les chiffres sont parfois allongés au bord de caricature , comme les dessins de mode d’aujourd’hui (voir la deuxième partie du psautier Arundel dans le Musée anglais ). Les créatures grotesques, ainsi que des touches humoristiques ou macabres abondent. À mesure que le type se développe, il devient plus agité. L’oeil n’est pas donné un instant de paix. Arrière-plans décoratifs complexes, bordures de feuilles de lierre rendues plus épineuses que la nature ne les avait dessinées, plus tard, arrière-plans de paysages (vers le milieu du XVe siècle), avec des bouquets de fleurs élaborées au premier plan, scènes de la vie contemporaine, des sports et des loisirs, se régalant, voyageant, cuisinant (le psautier Luttrell de 1340 au British Museum est encombré de telles miniatures) peut être trouvé partout. On pourrait penser qu’au XIVe siècle, la vie dans le nord-ouest de l’Europe était une vaste confusion de détails ravissants et gais, une pépinière remplie de jouets vivants. Voir également: Histoire des manuscrits enluminés .

La peinture de style gothique était fortement influencée par la sculpture contemporaine. C’est ce qui se passa pour la première fois à Paris, où Louis IX était l’un des principaux mécènes. Dans une évangélique (un manuscrit contenant les quatre évangiles) à la chapelle Sainte Chapelle du palais de Louis IX (1241-1248), on peut voir le style gothique primitif remplacé de manière assez brutale par un style de drapé incorporant les grands plis angulaires du maître Joseph. (Bibliothèque Nationale). Dans le même temps, l’accent était mis de plus en plus sur les détails, presque comme une fin en soi. Ainsi, par exemple, les visages en particulier sont devenus des exercices de calligraphie virtuose.

Si certains détails figuratifs tels que les visages et les mains continuent à être représentés principalement au moyen de lignes, les tentures et autres formes ont tendance à être modelées en termes de lumière et d’ombre. Cette "découverte de la lumière" a débuté vers 1270-1280, mais elle est particulièrement associée au célèbre enlumineur parisien connu sous le nom de Maître Honoré, actif vers 1288-1300. Il est également possible que cela ait été stimulé par les développements de la peinture italienne.

Le style français a été introduit rapidement en Angleterre. Bien qu’Henri III ne soit pas un ver de livre, un certain nombre de manuscrits produits pour sa famille contiennent des illustrations dans le même style délicat et minutieux des artistes de Louis IX. De même, certaines peintures à grande échelle, notamment le "Westminster Retable", subsistent dans l’abbaye de Westminster. Des modifications ultérieures de la peinture anglaise, illustrées dans des œuvres telles que le psautier Queen Mary (vers 1330, British Museum), incluent de plus en plus de décorations de bordures. Voir également: Fabrication de manuscrits enluminés .

Pour des détails du 14ème / 15ème siècle Illuminations gothiques internationales , voir: Jean Pucelle (1290-1334), le Frères Limbourg (d.1416: voir leur Tres Riches Heures du Duc de Berry ) et Jean fouquet (1420-81: voir son extraordinaire Melun Diptych ).

Peinture gothique italienne

Au XIIIe siècle, Rome et la Toscane possédaient des traditions picturales florissantes. Elles étaient toutes deux fortement influencées par la art médiéval produit dans l’empire byzantin. Malheureusement, une grande partie de l’œuvre romaine ayant été détruite, il faut rechercher des preuves de ce qui se passait dans la capitale, notamment à Assise, où l’église haute de Saint François a été décorée par des peintres à la fresque formés entre 1280 et Rome. et 1300, notamment Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302).

Comme dans le cas de tous les arts décoratifs gothiques, les changements stylistiques en Italie allaient dans le sens d’un plus grand réalisme. À la fin du XIIIe siècle, les peintres italiens commencent à utiliser la lumière pour modeler leurs personnages. Ils ont également fait des progrès soudains dans la manipulation de perspective linéaire d’optimiser la conception spatiale dans leur peinture. Plus que cela, les meilleurs artistes ont développé une capacité vive à créer des personnages qui semblaient vraiment communiquer entre eux, par le geste ou l’expression. Un bon exemple de ceci est le travail du maître Isaac dans l’église supérieure à Assise.

À la différence de l’Europe du Nord, l’Italie a conservé une forte tradition de grande échelle. peintures murales , typiquement exécuté en utilisant le " fresque "technique" – méthode utilisant un pigment appliqué sur un enduit à la chaux fraîche et absorbé par celui-ci. Les sujets de la fresque comprenaient des récits bibliques ou hagiographiques, et son plus grand représentant gothique était le peintre. Giotto di Bondone (1267-1337), dont le travail classique était le Fresques de la chapelle Scrovegni à Padoue: voir par exemple le célèbre Trahison du Christ (Baiser de Judas) (1305) et Lamentation du christ (1305). Cependant, malgré le réalisme considérablement accru du travail de Giotto, il ne peut échapper à l’attrait de ses prédécesseurs byzantins dont l’influence est clairement visible dans toute la composition.

En Toscane, l’évolution du style gothique est mieux illustrée par Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), le peintre le plus célèbre de l’école de Sienne art proto-renaissance et créateur du Retable Maesta (1308-11), anciennement le grand retable de la cathédrale de Sienne, et le Stroganoff Madonna (1300). Ce dernier était l’un des grands gothiques peintures sur panneaux exécuté en utilisant détrempe sur du bois. Cependant, l’habileté de Duccio à créer un espace réaliste était beaucoup plus faible que celle de Giotto et son travail n’a pas le même impact dramatique.

Des futurs peintres florentins et siennois, Simone Martini (1285-1344), qui a travaillé à la cour pontificale d’Avignon, est probablement le plus célèbre. Voir, par exemple, son Triptyque de l’Annonciation (1333) pour la cathédrale de Sienne. Parmi les autres artistes importants figurent les frères Pietro et Ambrogio Lorenzetti. Voir celui-ci Allégorie du bon et du mauvais gouvernement (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena.

Vers 13 h 50, les peintres italiens ont acquis une position unique en Europe. Leur marque unique de Peinture pré-Renaissance – avec ses avancées dans l’art de la composition narrative – les distingue des peintres du reste de l’Europe. Leurs améliorations dans la représentation de la réalité ne sont pas facilement ignorées et les peintres du Nord déploient des efforts acharnés pour adapter le naturalisme italien à leurs objectifs. Avec l’avènement de la peinture à l’huile, les écoles flamandes et néerlandaises rattrapent rapidement leur retard et dépassent même parfois celle de leurs homologues du sud. Mais c’est une autre histoire.

Liste d’artistes gothiques

Les principaux représentants de l’art gothique comprennent:

Sculpteurs
Nicolas de Verdun (fl.1181-1210)
Nicola Pisano (1206-78)
Le maître Joseph de Reims (fl.1240-77) – Giovanni Pisano (1250-1314)
Giovanni di Balduccio (1290-1349) – Arnolfo di Cambio (1240-1300 / 10)
Andrea Pisano (1295-1348)
Tino di Camaino (fl.1323-37)
Filippo Calendario (pré-1315-1355)

Sculpteurs gothiques tardifs
Veit Stoss (c.1447-1533)
Adam Kraft (c.1455-1509)
Tilman Riemenschneider (c.1460-1531)
Gregor Erhart (c.1460-1540)

Peintres
Maître honoraire (fl.1288-1300)
Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)
Giotto di Bondone (1267-1337)
Simone Martini (1285-1344)
Pietro Lorenzetti (fl.1320-45)
Ambrogio Lorenzetti (fl.1319-48)