Hiérarchie des genres: histoire, portraits, genre, paysages, nature morte Automatique traduire

Dans les arts visuels, le terme « genre» désigne les différents «types» ou «catégories» dans lesquels une peinture peut être classée. Il est probable que le même mot se retrouve dans l’expression «peinture de genre», qui est elle-même, entre autres, un type de peinture, la peinture d’œuvres narratives représentant des scènes de la vie quotidienne. Les genres de peinture établis : paysage, portrait, peinture de genre, histoire, nature morte . Le débat fait rage depuis des siècles sur la valeur et l’importance relatives de ces catégories de peinture, et sur la question de savoir s’il existe une hiérarchie naturelle entre elles.

La hiérarchie académique des genres

Cette méthode de «classement» des peintures par «type» a été introduite dans le sillage de la Renaissance italienne par les grandes académies européennes telles que l’ Académie des arts de Rome, l’ Académie des arts de Florence, l’ Académie française de Paris et la Royal Academy de Londres . Elle a été annoncée pour la première fois en 1669 par le théoricien de l’art André Felibien, secrétaire de l’Académie française.

Félibien a classé les genres comme suit :

❶ Peinture d’histoire

❷ Peinture de portrait

❸ Peinture de genre

❹ Paysage

❺ Nature morte

Ce système de notation, basé sur les traditions de l’art grec et romain développées pendant la Renaissance florentine, a été utilisé par les académies comme base pour l’attribution de prix et de bourses ainsi que d’espaces dans leurs expositions (salons). Elle a également eu un impact significatif sur la valeur monétaire perçue d’une œuvre d’art dans les salles de vente des maisons de vente aux enchères.

Pourquoi ce classement a-t-il été introduit?

Selon les attitudes de l’art académique, cette soi-disant «hiérarchie des genres» se justifiait parce qu’elle reflétait la force morale inhérente à chaque genre . L’artiste pouvait plus clairement transmettre un message moral par le biais d’une peinture historique, d’un portrait ou d’une peinture de genre que par le biais d’un paysage ou d’une nature morte. En outre, suivant la tradition de l’antiquité classique, la Renaissance italienne pensait que la plus haute forme d’art était la représentation schématique de la forme humaine &ndash ; dans la sculpture, les dessins de figures et dans les figures plus réalistes des peintures . Ainsi, les paysages et les natures mortes, qui ne nécessitent pas de figures humaines, sont considérés comme des genres mineurs. Enfin, le système d’évaluation académique reflétait la valeur publique réelle de chaque catégorie. La peinture d’histoire était le genre le plus important et le plus approprié pour l’exposition publique, suivi par les portraits, les œuvres de genre et les paysages, tandis que les natures mortes avaient tendance à être les plus petites et à être exposées uniquement à la maison.

Polémique

Le système de notation académique a suscité une vive controverse et un mécontentement considérable parmi les artistes et les écoles.

Tout d’abord, le classement était accompagné d’un certain nombre d’autres règles qui dictaient la manière dont les tableaux devaient être peints. Par exemple, le thème, la disposition, la composition, la palette de couleurs et la finition d’un tableau étaient soigneusement réglementés par les académies afin de renforcer le système d’esthétique qu’elles préconisaient. Les artistes qui ne respectent pas ces conventions ont beaucoup de mal à faire carrière. Par exemple, ils sont exclus du Salon de Paris et de toute liste «d’artistes recommandés» pour des postes officiels dans l’enseignement ou pour des commandes officielles (commissions).

Deuxièmement, l’insistance des académies à classer un tableau en fonction de sa capacité à transmettre «un message moral» a introduit un élément entièrement non artistique dans la pratique de l’art. En conséquence, des peintures historiques médiocres ont été favorisées par rapport à des paysages et des œuvres de genre remarquables. Pire encore, l’ensemble du système décourageait l’expérimentation et l’innovation, au profit de la cohérence et de la répétition. Plus tard au XIXe siècle, ce système académique a progressivement gagné en notoriété puisque des artistes brillants (mais non conformes aux canons académiques) tels que Manet, Monet et Cézanne ont été exclus du Salon de Paris, tandis que des œuvres d’auteurs moins puissants ont été exposées. (La controverse était telle qu’en 1863, l’empereur français Napoléon III organisa «un Salon alternatif» &ndash ; connu sous le nom de Salon des Refusés &ndash ; pour exposer les œuvres rejetées par l’Académie française.

Pour en savoir plus sur l’évolution de la peinture, de la sculpture et des autres beaux-arts, voir : Histoire de l’art (à partir de 800 av. J.-C.).

Peintures historiques

Les peintures historiques, la catégorie la plus élevée, parfois appelée «grand genre», &ndash ; sont des peintures qui dépeignent un message édifiant ou moral dans un contexte historique, religieux, allégorique ou mythologique. Au cours des siècles, les exemples les plus courants de ce genre étaient les peintures religieuses, ce qui n’est pas surprenant puisque l’église était le principal client.

Exemples de peintures historiques : Allégorie du bon et du mauvais gouvernement (1338-9) d’Ambrogio Lorenzetti ; fresques de la chapelle des Scrovegni à Padoue (1304-13) par Giotto ; Bataille de San Romano (1438-55) par Paolo Uccello ; La Cène (1495-98) de Léonard de Vinci ; Fresque de la Genèse (1508-11) de Michel-Ange ; Jupiter et Io (1533) du Corrège ; et Cène à Emmaüs (1601.) du Caravage. Parmi les exemples tirés de l’histoire moderne, citons La mort de Marat (1793) et Le serment d’Horace (1785) de Jacques-Louis David ; La chevauchée de minuit de Paul Revere (1931) de Grant Wood ; et Guernica (1937) de Pablo Picasso.

Peinture de portrait

Le portrait, le deuxième genre le plus important, impliquait principalement la représentation de personnalités héroïques plus grandes que nature pour le public, bien qu’il se prêtât également à de petits portraits privés, ainsi qu’à des autoportraits .

Parmi les portraits célèbres de la Renaissance, citons le Portrait d’Arnolfini (1434) de Jan van Eyck ; le Portrait d’une jeune fille (1470.) Petrus Christus ; Vieil homme avec un petit garçon (1490) &ndash ; Domenico Ghirlandaio ; Doge Leonardo Loredan (1504) Giovanni Bellini ; Mona Lisa (1503) Leonardo;&ndash Portrait de Baldassare Castiglione (1515) Raphael.

Sur le portrait du XVIIe siècle : Le Chevalier rieur (1624) de Frans Hals ; Portrait de Jean VI (1654) et Sindiki de la guilde des drapiers (1662.) de Rembrandt ; Portrait du pape Innocent X (1650) de Velázquez ; Jeune fille à la perle (1666) de Jan Vermeer ; voir aussi Portraits baroques (1600-1700).

Pimères de l’art du portrait au XVIIIe siècle : Portraits rococo et néoclassiques (1760-1850). Sur le portrait du XIXe siècle : Portraits du XIXe siècle, et Portraits impressionnistes (1870-1930).

Sur les portraits du XXe siècle, voir : Garçon à la pipe (1905) et Femme en pleurs (1937) de Pablo Picasso. Pour en savoir plus : Portraits de Picasso (1900-1944).

Voir aussi : Portraits expressionnistes, tels que Portrait de Juan Gris (1915) de Modigliani ; et Portrait de Madeleine Kasten (1928) de Chaim Sutin. Une œuvre semi-abstraite Femme assise (1944) de Willem de Kooning. Parmi les exemples de portraits contemporains, citons «Mr and Mrs Clark» (1970) de David Hockney, et un certain nombre de portraits de célébrités sérigraphiés par Andy Warhol dans le style Pop Art.

Peintures de genre

Les peintures de genre traitent de scènes quotidiennes peuplées de gens ordinaires, bien que le sujet puisse également inclure un paysage. Alors que les peintures historiques et les portraits étaient idéalement de grande taille (et exposés au public), les œuvres de genre étaient de petites peintures à usage domestique. L’école hollandaise de peinture réaliste de genre, dirigée par Jan Vermeer, est le plus grand représentant du genre. Étudiez, par exemple, Laitière (1658), Petite rue (1658), Jeune femme avec une cruche d’eau (1662), Femme tenant une balance (1662-1616), Jeune fille avec un collier de perles (1662), et Dentellière (1670).

En France, Georges de Latour et les frères Lénine (Antoine, Louis, Mathieu) comptent parmi les artistes les plus remarquables du genre baroque. Ils sont suivis par Jean-Antoine Watteau (1684-1721), célèbre pour son Pèlerinage à Cythère (1717), ainsi que Jean Chardin (1699-1779), François Boucher (1703-70), Jean-Baptiste Grèze (1725- 1805) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806). En Angleterre, le principal artiste du genre est William Hogarth (1697-1764), célèbre pour des œuvres telles que Rake’s Progress (1735) et Marriage in Fashion (1743).

Les exemples de peinture de genre du XIXe siècle comprennent des œuvres telles que Funérailles à Ornans (1850) de Gustave Courbet ; Derby Day (1856-8) de W. P. Frith ; Les collectionneurs (1857) par Millais ; Grenouiller (1869) par Monet ; Parqueteurs (1875) par Kaibott ; Classe de danse (1873-5) et L’amant de l’absinthe (1876) par Degas ; Danse au Moulin de la Galette (1876.) et Déjeuner sur un bateau (1880-1881) de Renoir ; Bar aux Folies-Bergères (1882) de Manet ; Baigneuses à Agnières (1884.) et Dimanche après-midi à la Grande Jatte (1886) de Georges Seurat ; Moulin Rouge (1892) de Toulouse-Lautrec ; Joueurs de cartes (1893) de Paul Cézanne ; Blouse verte (1919) et Terrasse à Vernon (1939) de Pierre Bonnard.

Paysages

La peinture de paysage, la quatrième catégorie, désigne les peintures dont le sujet principal est la représentation d’une vue pittoresque (campagne, paysage marin, rivières, montagnes, paysage urbain, etc.) comme tel . Le paysage ne nécessite pas d’être habité, et un paysage peuplé peut être classé dans la catégorie des peintures de genre si l’artiste s’est surtout attaché à représenter l’action humaine. Le genre commence à peine à se développer à la fin du XVIIIe siècle en tant qu’exercice topographique. Ce n’est qu’avec l’avènement de Constable et de Turner &ndash ; et sous l’influence de la révolution industrielle &ndash ; que le paysage lui-même est devenu une forme d’art populaire. Parmi les écoles importantes, on peut citer la peinture de paysage anglaise (1700-1900), l’école de Barbizon (1830-75), et la peinture de paysage impressionniste (1860-1920).

Parmi les célèbres peintures de paysage : Entrée du Grand Canal à Venise (1741) de Bernardo Bellotto ; Charrette à foin (1821) de John Constable ; Tempête de neige : un bateau à vapeur à l’embouchure du port» (1842) de Turner ; Tempête de neige : un bateau à vapeur à l’embouchure du port» de Turner ; Tempête de neige : un bateau à vapeur à l’embouchure du port» de Turner ; Tempête de neige : un bateau à vapeur à l’embouchure du port par Turner ; Ville d’Avré (ca. 1867) par Corot ; Impression, lever de soleil (1873), Champ de mac à Argenteuil (1873), série Nymphéas (1897-1926), Étang de nénuphars : Harmonie verte (1899) de Claude Monet ; Matin brumeux (1874) et Neige à Louveciennes (1878) d’Alfred Sisley ; Toits rouges (1877) de Camille Pissarro et la célèbre série de Cézanne. Etudiez aussi le tableau Mont Sainte Victoire (1882-1906) de Cézanne.

Natures mortes

La nature morte était considérée comme le moins sublime des genres. Elle représente généralement des objets tels que des fleurs, des fruits, des aliments, des ustensiles de cuisine et de table. Les animaux et les personnes pouvaient également être inclus comme sujets secondaires. L’école du réalisme hollandais était le plus haut représentant de la peinture de natures mortes. Leurs réalisations, y compris l’infusion subtile de la morale chrétienne dans des œuvres du style «Vanitas», sont illustrées dans des peintures d’artistes tels que Frans Snijders, Pieter Claes, Willem Claes Heda, Willem Kalf, Samuel Hoogstraten, Jan Davids de Heem et Rachel Ruysch. En dehors des Pays-Bas, les principaux maîtres de la nature morte sont Francisco de Zurbarán, Juan Sánchez Cotán, Jean Chardin, Paul Cézanne, Henri Fantin-Latour, Georges Braque, Juan Gry, Giorgio Morandi et Ivan Kramskoi.

LE GRAND ART DANS LE MONDE
Les plus grands artistes de tous les temps
Les plus grands tableaux de tous les temps .

NOTE. Pour les analyses de peintures de tous genres, avant 1800, voir Analyse des peintures célèbres (1250-1800). Pour les œuvres postérieures, voir : Analyses de peintures modernes (1800-2000).