Hiérarchie des genres: histoire, portraits, genre, paysages, nature morte Automatique traduire
NOTE: Pour l’analyse de peintures de tous les genres jusqu’à 1800, voir: Tableaux célèbres analysés (1250-1800). Pour les travaux ultérieurs, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).
introduction
Dans le domaine des beaux-arts, le terme " genre " désigne les "types" ou "catégories" différents dans lesquels un La peinture peut être classé. Le même mot apparaît assez déroutant dans l’expression «peinture de genre», qui est elle-même un type de peinture – en particulier des images de scènes de tous les jours. Le établi genres de peinture sont: Paysage , Portrait , Scènes de genre , Histoire et Nature morte . Au cours des siècles, la valeur relative et l’importance de ces catégories de peinture ont fait l’objet de débats, et il existe une hiérarchie naturelle entre elles.
La hiérarchie académique des genres
Cette méthode de "classement" des peintures en fonction du "type" a été mise en place à la suite de la Renaissance italienne grandes académies européennes, comme la Académie d’Art à Rome, le Académie d’Art de Florence, le Académie Française à Paris et le Académie royale à Londres. Il a été annoncé pour la première fois en 1669 par le théoricien de l’art, André Felibien, secrétaire de l’Académie française.
Felibien a classé les genres comme suit:
❶ peinture d’histoire ;
❷ portrait ;
❸ peinture de genre ;
❹ paysages ;
❺ nature morte .
Ce système de classement – basé sur les traditions de l’art grec et romain établies pendant l’ère de la Renaissance florentine – a été utilisé par les académies comme base pour la remise de prix et de bourses ainsi que pour des espaces dans leurs expositions (salons). Cela a également eu un impact significatif sur la valeur monétaire perçue d’une œuvre d’art, dans les salles de vente des salles des ventes.
Pourquoi les peintures ont-elles été classées?
Selon les préceptes de Art académique cette soi-disant ’hiérarchie des genres’ était justifiée parce qu’elle reflétait la force morale inhérente de chaque genre. Un artiste pourrait communiquer un message moral beaucoup plus clairement par le biais d’une image d’histoire, d’un portrait ou d’une peinture de genre que par un paysage ou une nature morte. En outre, suivant les traditions de l’antiquité classique, la Renaissance italienne croyait que la forme artistique la plus haute était la représentation picturale de la forme humaine – dans la sculpture figurative, dessin de la figure et peinture de la figure. Ainsi, les paysages et les natures mortes – qui ne nécessitent aucune figure humaine – sont considérés comme des genres moins importants. Enfin, le système de classement académique reflétait la valeur d’affichage de chaque catégorie. La peinture d’histoire était le genre le plus vaste et le plus approprié au public, suivi du portrait, des œuvres de genre et des paysages, tandis que les toiles de nature morte étaient généralement les plus petites et n’étaient conçues que pour la visualisation domestique.
Controverse
Le système de classement académique a suscité une controverse et un mécontentement considérables parmi les artistes et les écoles.
Pour commencer, il était accompagné d’une série d’autres règles qui dictaient la manière dont les peintures devaient être peintes. Par exemple, les académies ont soigneusement réglé le thème, la disposition, la composition, les couleurs et la finition des tableaux afin de renforcer le système de esthétique pour lequel ils se sont tenus. Les artistes qui ne se conforment pas à ces conventions ont trouvé extrêmement difficile de se forger une carrière d’artiste. Ils ont par exemple été exclus de la Salon de Paris et de toute liste d ’«artistes recommandés» pour des postes officiels d’enseignement ou pour des commissions officielles.
Deuxièmement, l’insistance des académies sur le classement d’un tableau en fonction de sa capacité à transmettre un «message moral» introduit un élément totalement non artistique dans la pratique de l’art. En conséquence, les peintures d’histoire médiocres ont été privilégiées par rapport aux paysages exceptionnels et aux peintures de genre. Pire encore, l’ensemble du système décourageait l’expérimentation et l’innovation, préférant la conformité et la répétition. Plus tard, au cours du XIXe siècle, l’ensemble du système académique est tombé dans le discrédit: des artistes brillants (mais non conformes), tels que Manet, Monet et Cézanne, ont été exclus du Salon de Paris, tandis que des œuvres de moindre importance ont été exposées. (Remarque: les peintres impressionnistes n’ont pratiquement pas peint de peintures d’histoire.) Telle était la controverse qu’en 1863, l’empereur français Napoléon III organisa un salon «alternatif» – connu sous le nom de Salon des Refusés – exposer des œuvres rejetées par l’Académie française.
NOTE: Pour en savoir plus sur le développement de la peinture, de la sculpture et des autres beaux-arts, veuillez consulter: Histoire des arts (à partir de 800 avant notre ère).
Peintures d’histoire
Peinture d’histoire , la catégorie la plus élevée, parfois appelée le «grand genre» – désigne les peintures décrivant un message édifiant ou édifiant sur le plan éthique placé dans un contexte historique, religieux, allégorique ou mythologique. Pendant des siècles, les exemples les plus courants de ce genre ont été peintures religieuses, ce qui n’était guère surprenant puisque l’Église était le principal payeur.
Exemples de peinture d’histoire: Allégorie du bon et du mauvais gouvernement (1338-9) d’Ambrogio Lorenzetti; le Fresques de la chapelle Scrovegni à Padoue (1304-13) par Giotto; Bataille de San Romano (1438-55) de Paolo Uccello; le Dernière Cène (1495-98) de Léonard de Vinci; le Fresque de la genèse (1508-11) de Michel-Ange; Jupiter et Io (1533) du Corrège; et Souper à Emmaüs (1601) de Caravaggio. Les peintures d’histoire moderne incluent des images du type: Mort de Marat (1793) et Serment des Horaces (1785) de Jacques-Louis David; le Tour de minuit de Paul Revere (1931) de Grant Wood; et Guernica (1937) de Pablo Picasso.
Portrait
Portrait d’art , le deuxième genre le plus élevé, incluait principalement la peinture d’individus héroïques plus grands que nature pour le public, bien qu’elle se prête également à des portraits privés à plus petite échelle, ainsi autoportraits.
Les portraits célèbres de la Renaissance incluent: Arnolfini Portrait (1434) de Jan van Eyck; Portrait d’une jeune fille (1470) de Petrus Christus; Vieil homme avec un jeune garçon (1490) de Domenico Ghirlandaio; Doge Leonardo Loredan (1504) de Giovanni Bellini; Mona Lisa (1503) de Leonardo; et Portrait de Baldassare Castiglione (1515) de Raphaël.
Pour les portraits du 17ème siècle, voir Le Cavalier Riant (1624) de Frans Hals; Portrait de Jan Six (1654) et le Syndique de la guilde des drapiers (1662) de Rembrandt; Portrait du pape Innocent X (1650) de Velazquez; et une fille avec une boucle d’oreille (1666) de Jan Vermeer; pour plus, voir aussi Portraits baroques (1600-1700).
Pour les portraits du 18ème siècle, voir: Portraits rococo et néoclassique (1760-1850). Pour les portraits du 19ème siècle, voir: Portraits: XIXe siècle et aussi Portraits impressionnistes (1870-1930).
Pour les portraits du 20ème siècle, voir: Garçon avec une pipe (1905) et Femme en pleurs (1937) de Pablo Picasso. Pour plus, voir: Portraits de Picasso (1900-1944).
Voir également: Portraits expressionnistes, tel que Portrait de Juan Gris (1915) de Modigliani; et Portrait de Madeleine Castaing (1928) de Chaim Soutine. Pour un travail semi-abstrait, voir: Femme assise (1944) de Willem de Kooning. Pour des exemples de portraits contemporains, voir: M. et Mme Clark (1970) de David Hockney, ainsi que la gamme de portraits de célébrités en sérigraphie Pop-art de Andy Warhol.
Peintures de genre
Peinture de genre scènes de tous les jours, peuplées de gens ordinaires, même si elles peuvent inclure du paysage. Alors que les images d’histoire et de portrait étaient idéalement grandes (et affichées en public), les œuvres d’art de genre étaient des peintures à petite échelle destinées à la visualisation domestique. le École réaliste néerlandaise de genre, dirigé par Jan Vermeer, était l’exposant suprême de ce genre: voir, notamment, La laitière (1658), Petite rue (1658), Jeune femme avec une cruche d’eau (1662) Femme tenant une balance (1662-3), Femme avec un collier de perles (1662) et La dentellière (1670).
En France, Georges de La Tour et les frères Le Nain (Antoine, Louis, Mathieu) figurent parmi les peintres de genre baroques remarquables. Ils ont été suivis par Jean-Antoine Watteau (1684-1721), connu pour son Pèlerinage à Cythère (1717), ainsi que Jean Chardin (1699-1779), François Boucher (1703-70), Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806). En Angleterre, l’artiste de genre le plus connu était William Hogarth (1697-1764), connu pour ses œuvres telles que Rake’s Progress (1735) et Marriage a la mode (1743).
La peinture de genre du XIXe siècle est illustrée par des œuvres telles que: Un enterrement à Ornans (1850) de Gustave Courbet; Derby Day (1856-8) de WP Frith; The Gleaners (1857) de Millet; La grenouillère (1869) de Monet; Les raboteuses (1875) de Caillebotte; La classe de danse (1873-1837) et l’ absinthe Drinker (1876) de Degas; Danse au Moulin de la Galette (1876) et Déjeuner de la fête de la navigation de plaisance (1880-1) de Renoir; Un bar aux Folies-Bergere (1882) de Manet; Baigneurs à Asnières (1884) et Dimanche après-midi sur la Grande Jatte (1886) de Georges Seurat; Au Moulin Rouge (1892) de Toulouse-Lautrec; Les joueurs de cartes (1893) de Paul Cezanne; Le chemisier vert (1919) et La terrasse à Vernon (1939) de Pierre Bonnard.
Paysages
Peinture de paysage , la quatrième catégorie, désignait des peintures dont le thème principal était la représentation d’une vue panoramique (campagne, paysage marin, rivières, montagnes, paysage urbain, etc.) pour elle-même. Un paysage ne nécessite aucun peuple et un paysage peuplé peut être classé dans la peinture de genre si l’artiste s’intéresse principalement à la représentation de l’action humaine. Ce genre n’a pris son essor qu’à la fin du XVIIIe siècle en tant qu’exercice topographique. Ce n’est qu’après l’arrivée de Constable et Turner – et l’impact de la révolution industrielle – que les paysages sont devenus une forme d’art populaire. Écoles importantes incluses: Peinture de paysage anglaise (1700-1900), le École de Barbizon (1830-1875) et Peinture de paysage impressionniste (1860-1920).
Peintures de paysages célèbres comprennent: Entrée du Grand Canal, Venise (1741) de Bernardo Bellotto; The Hay Wain (1821) de John Constable; Tempête de neige: bateau à vapeur au large de l’embouchure d’un port (1842) de Turner; Ville d’Avray (c.1867) de Corot; Impression Sunrise (1873), Champ de Coquelicot Argenteuil (1873), Série Nymphéas (1897-1926), Le Water Lily Pond: Harmonie Verte (1899) de Claude Monet; Matin brumeux (1874) et Neige à Louveciennes (1878) de Alfred Sisley; Toits rouges (1877) de Camille Pissaro; et la célèbre série de Cézanne Peintures Mont Sainte-Victoire (1882-1906).
Des vies encore
Nature morte peinture était considéré comme le moins élevé de tous les genres. Il s’agissait généralement de représenter des objets tels que des fleurs, des fruits, des denrées alimentaires ainsi que des ustensiles de cuisine et de table. Les animaux et les humains peuvent également être inclus. L’école de Réalisme hollandais était l’exposant suprême de l’art de la nature morte. Ses réalisations, y compris l’insertion subtile de la morale chrétienne dans des œuvres de " Vanitas peinture ", sont illustrés par les peintures d’artistes tels que: Frans Snyders, Pieter Claesz, Willem Claesz Heda, Willem Kalf, Samuel Hoogstraten, Jan Davidsz de Heem et Rachel Ruysch. En dehors de la Hollande, les principaux artistes de la nature morte ont été Francisco de Zurbaran, Juan Sanchez Cotan, Jean Chardin, Paul Cézanne, Henri Fantin-Latour, Georges Braque, Juan Gris, Giorgio Morandi et Ivan Kramskoy.
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