L’impressionnisme: objectifs, plus grands impressionnistes, impact sur l’art occidental Automatique traduire

L’impressionnisme est peut-être le mouvement le plus connu de la peinture française . Le nom même «d’impressionnisme» a été inventé par le critique d’art français Louis Leroy, après avoir assisté à la première exposition de peinture impressionniste en 1874, où il a vu «Impression : le soleil levant» (1872) de Claude Monet. Ironiquement, Monet n’a décidé du titre qu’au moment de compléter le catalogue de l’exposition, et a failli nommer cette œuvre «Vue du port du Havre». Les impressionnistes ont organisé sept expositions entre 1874 et 1882, toutes à Paris.

Apparu à Paris à la fin des années 1860 et au début des années 1870, l’impressionnisme n’a d’abord pas été reconnu comme quelque chose de spécial. De nombreux membres du groupe se sont querellés avec le Salon officiel, l’organe organisateur de l’Académie française des beaux-arts, dont le jury de sélection a agi avec une sévérité imprévisible. Par conséquent, bien que d’autres artistes aient été impressionnés par certaines de ses premières œuvres, l’impressionnisme n’a pas été reconnu comme un style de peinture important par les critiques d’art, les collectionneurs ou le public. En conséquence, la plupart des peintres impressionnistes ont connu de graves difficultés financières, et tous ont dû rivaliser pour attirer l’attention et obtenir des commandes de la part des mécènes et des critiques. Malgré leurs amitiés avec des personnalités d’autres domaines artistiques (comme l’écrivain Émile Zola et le poète Baudelaire), le soutien et la confiance mutuels au sein du groupe étaient essentiels à sa survie.

Les principales caractéristiques de l’impressionnisme

L’impressionnisme pur prôné par Monet est la peinture en plein air, caractérisée par des touches rapides, spontanées et libres : les exemples suprêmes sont ses séries de peintures de la cathédrale de Rouen, du pont de Waterloo, de la gare Saint-Lazare, des meules de foin et des lys. Son principe directeur était la représentation réaliste de la lumière ; les peintres impressionnistes s’efforçaient de capturer des moments fugaces, et si à ces moments un objet apparaissait orange - à cause de la lumière tombante ou de son reflet - l’artiste le peignait en orange. Ou encore, si le soleil peint la surface d’un étang en rose, celui-ci devient rose. Les schémas de couleurs naturalistes développés en théorie, ou du moins en atelier, ne le permettaient pas. Le travail libre du pinceau combiné à une utilisation non naturaliste de la couleur a donné au mouvement un caractère révolutionnaire et a ouvert la voie à des mouvements tels que l’expressionnisme et le fauvisme.

Les principales priorités des impressionnistes étaient
❶ la représentation immédiate et optiquement exacte de la scène momentanée ;
❷ l’exécution de tous les travaux en plein air (plus de croquis préparatoires et d’achèvement minutieux en studio) ;
❸ l’utilisation de couleurs pures sur la toile plutôt que mélangées sur la palette ;
❹ l’utilisation de petites touches et de touches de peinture aux couleurs vives ; et
❺ l’utilisation de la lumière et de la couleur pour unifier le tableau, au lieu de la méthode traditionnelle consistant à construire progressivement le tableau par les contours et à le modeler par l’ombre et la lumière. Pour plus de détails, voir : Caractéristiques de la peinture impressionniste (1870-1910).

L’impressionnisme trouve ses racines dans le naturalisme de Camille Corot (1796-1875) et dans les méthodes de peinture en plein air de l’école de Barbizon du début du XIXe siècle, dirigée par Théodore Rousseau (1812-1867). Les impressionnistes se sont spécialisés dans les paysages et les scènes de genre (par exemple, les ballerines de Degas et les nus de Renoir). L’art du portrait était également très prisé par les peintres impressionnistes - c’était en effet l’une des rares sources régulières de revenus - et des natures mortes ont également été peintes.

Notez également l’influence du japonisme (en particulier des estampes ukiyo-e) sur le développement de l’impressionnisme et de ses représentants, tels que Monet, Degas, Mary Cassatt et d’autres.

Les objectifs de l’impressionnisme

En 1863, Sentry, qui permet aux messages visuels transmis par l’œil de pénétrer dans le cerveau uniquement après une censure stricte, avait reconnu la plupart des aspects de la vérité visuelle, mais il y en avait deux qui n’avaient pas encore été officiellement censurés. Il s’agit
❶ de la couleur et de la vibration de la lumière et
❷ de la densité de l’air. Personne n’avait jamais dessiné la vraie couleur de la lumière du soleil et de l’ombre, et il ne venait à l’esprit de personne de suggérer que la densité de l’air n’était pas toujours constante, qu’il était possible de dessiner, par exemple, un paysage vu au travers d’une brume épaisse ou d’un brouillard.

Mais ces deux découvertes visuelles étaient en fait des sous-titres d’une découverte plus vaste. Ce que les impressionnistes ont fait, presque sans le savoir, c’est de réaliser le phénomène de l’éphémère . L’artiste qui sort sa toile en plein air et cherche à saisir toutes les nuances de ce que son œil voit est dans un état d’esprit tout à fait différent de l’artiste qui construit son tableau dans l’atelier à partir d’une série d’esquisses ou d’études préparatoires. Son œil ne peut pas être plus chercheur, mais il est conscient d’un ensemble différent de données visuelles. Il est de moins en moins préoccupé par la nature de l’objet - figure ou paysage - qu’il peint, et de plus en plus conscient de l’apparence de l’objet à un moment donné.

Pour Monet, travaillant à son tableau de la cathédrale de Rouen, ce n’est pas la structure gothique qui apparaît à ses yeux, mais une enveloppe aérienne d’une certaine densité à travers laquelle la cathédrale est visible et dont l’aspect change à chaque changement de lumière. Ainsi, pour lui, le sujet lui-même changeait de nature à chaque heure du jour. Par conséquent, puisque chaque tableau impressionniste met l’accent sur un moment dans le temps, il est naturel que les impressionnistes recherchent délibérément des effets momentanés. Dans le tableau de Monet représentant l’entrée de la gare Saint-Lazare, ce n’est pas le pont de fer et le bâtiment derrière lui qui sont les plus séduisants, mais la vapeur qui passe sous le pont et la locomotive, volontairement placée à l’extrême gauche pour donner l’impression qu’elle se dirige vers la sortie du tableau.

Ces moments choisis sont essentiels dans les paysages de Monet, Pissarro et Sisley, dans lesquels nous connaissons toujours l’heure du jour, la saison de l’année, la force exacte de la lumière du soleil ou la densité de l’atmosphère, ainsi que dans les compositions de figures de Degas et les œuvres tardives de Monet, dans lesquelles le véritable sujet «du tableau est le brusque tour de tête d’une serveuse dans un café, le geste instantané d’une danseuse ou d’une femme repassant ou essayant un chapeau dans la boutique d’un millionnaire. Claude Monet et Camille Pissarro ont résolu ces problèmes en éliminant de nombreuses qualités que les artistes précédents avaient jugées importantes.

Le mouvement impressionniste représente l’exemple le plus clair dans l’histoire de l’art d’une nouvelle découverte visuelle, faite dans un esprit de pure exploration, qui a finalement produit un nouveau type de beauté. Dans sa forme la plus pure, il a peint exclusivement ce que l’œil voyait. «Monet n’est qu’un œil. Mais quel œil!» - Cézanne a reflété par inadvertance les vertus et les défauts de toute l’école.

Les sept plus grands peintres impressionnistes

Claude Monet (1840-1926) devient le centre d’attention de ce mouvement. Assisté par l’impressionniste Eugène Boudin (1824-1898), qui travaillait sur des scènes de côtes et de plages, il poursuivit fidèlement le programme impressionniste. C’est sa tentative suprême d’objectivité totale. Si la nature a manqué de couleur «pendant quelques quarts d’heure» (et la nature est souvent coupable d’échecs surprenants), Monet l’a suivie aveuglément dans le marécage du mauvais goût chromatique. Son propre sens de l’harmonie des couleurs était parfois déplorable. Mais il avait la plus grande connaissance de la peinture en plein air et a apporté des idées très avancées sur la peinture de paysage dans le cercle impressionniste.

Camille Pissarro (1830-1903), le grand maître, est le peintre le plus prolifique du groupe et le seul à avoir participé à toutes les expositions impressionnistes. Anarchiste depuis toujours, il ne gagnait presque pas d’argent et son attachement émotionnel à certaines couleurs et scènes ne lui permettait pas d’avoir la même attitude objective et impitoyable que Monet face à la peinture. En comparaison, le solitaire Alfred Sisley (1839-1899), le peintre paysagiste le plus engagé après Monet, menait une vie bourgeoise et n’est devenu dépendant de son art qu’à l’âge mûr. Il était aussi bon observateur que Monet, mais son champ d’action était plus restreint : il se contentait de capturer des conditions d’éclairage plus «normales» et, par conséquent, ses paysages n’ont pas «l’aspect gadget» que Monet a souvent produit.

Ces trois artistes - Monet, Pissarro et Sisley - formaient la troupe de choc de la peinture de paysage impressionniste .

Manet et Degas ont été associés à ce mouvement, mais ils étaient moins farouchement engagés à dire la vérité impressionniste et rien de plus. Ils étaient de meilleurs peintres, ne serait-ce que parce que leur intérêt allait au-delà de la simple «apparence» des choses.

Manet (1832-1883) était vénéré par les autres peintres impressionnistes. Il était apparenté à l’empereur français et, à l’âge de vingt-neuf ans, il était déjà considéré comme une figure de proue de la nouvelle peinture réaliste qui a précédé l’impressionnisme. Connu pour son approche moderne de la peinture à l’huile et sa réinterprétation révolutionnaire des thèmes néoclassiques, il souhaitait avant tout être accepté par le Salon.

Manet était aussi objectif que n’importe quel artiste. Avant lui, Vélasquez est peut-être l’artiste qui a le moins imposé son propre tempérament, et c’est en l’honneur de Vélasquez, et non de Titien, qu’il a peint sa tristement célèbre «Olympie». Il était plus conscient que Vélasquez des effets de la lumière, mais à l’exception de ses croquis tardifs et ouverts, réalisés sous l’influence des paysagistes impressionnistes, il n’a pas adopté la technique divisionniste «» par laquelle Monet a cherché à rendre l’éclat de la lumière.

Degas (1834-1917) ne s’intéresse pas particulièrement aux effets de la lumière, mais il est fasciné par quelque chose de tout aussi éphémère : les gestes involontaires de la vie quotidienne. Son œil se posait sur ces gestes avec la rapidité d’un faucon, et il leur donnait un surcroît de naturel en captant au moins un indice de l’appareil photographique.

La caméra ne peut pas faire une image. Elle prend simplement une partie de ce qui se trouve devant elle et la coupe comme un morceau de gâteau. Elle n’a aucun scrupule à couper, par exemple, en travers de la figure ; elle n’a aucun sens de l’équilibre, de la symétrie. À partir de cette approche désordonnée, Degas a développé un nouveau système de composition. Il donne l’impression d’un instantané, d’un hasard et d’un accident, mais pour autant, il n’y a rien d’accidentel dans sa conception. L’équilibre est aussi soigné que dans toutes les compositions de Poussin, et beaucoup plus audacieux. Il s’est fait un art de paraître aléatoire. Ses personnages ont l’air d’avoir été surpris, mais ils n’ont jamais l’air que produit invariablement une caméra figée en plein geste.

Le plus grand disciple de Degas fut l’Anglais Walter Sickert, qui, sans avoir la perspicacité de Degas, voyait la vie de la même manière, en prenant par surprise les charmants petits accidents dont elle est composée. Degas les a enregistrés avec une certaine frustration. Sickert le fait avec une sorte de ricanement pittoresque. Plus jeune de deux ans que Manet, Degas est issu du même milieu social.

Ces deux artistes, de purs citadins, se lient d’amitié et fréquentent les mêmes cercles de la société parisienne. Degas est peut-être le plus complexe des fondateurs de l’art impressionniste : il déteste d’abord la peinture en plein air et préfère travailler dans son atelier, où il fait preuve d’une remarquable polyvalence dans le dessin, l’aquarelle, le pastel et la sculpture.

Un autre artiste issu d’une famille aisée est Paul Cézanne (1839-1906), fils d’un banquier aixois. En raison de sa timidité et de ses manières méridionales et rustiques, il a du mal à s’intégrer dans les meilleurs cercles parisiens. Lors de sa grande exposition à Paris en 1895, il n’avait pas exposé de tableau dans la capitale depuis 20 ans.

Auguste Renoir (1841-1919), issu d’une famille très pauvre, a dû littéralement mourir de faim pour réussir en tant qu’artiste. Il est aidé par Narcisse Dias, l’un des fondateurs de l’école de Barbizon, et travaille en étroite collaboration avec Monet sur des paysages avant de passer à un travail d’atelier sur les portraits et la peinture figurative.

Malgré des similitudes précoces, l’art de Renoir diffère de celui de Monet. Il ne s’intéresse pas aux moments fugaces ou aux images éphémères de la lumière. La lumière du soleil de Renoir est éternelle, même ses femmes nues sont éternelles. Ces femmes sont regardées comme un enfant regarde sa mère : tendres, radieuses et éternelles. En ce sens, on peut dire que Renoir fait partie du courant artistique dominant plutôt que de l’impressionnisme révolutionnaire.

Les femmes impressionnistes les plus importantes sont Berthe Morisot (1841-1895) et l’Américaine Mary Cassatt (1845-1926).

Cercle impressionniste : quelques détails personnels

Manet et Degas - socialement et financièrement à l’aise

Édouard Manet est l’artiste que les autres impressionnistes considèrent comme leur chef de file, avec une étrange unanimité qui nous semble aujourd’hui inhabituelle. Nous ne connaissons que ses œuvres, et seuls les rapports des contemporains nous sont parvenus sur la personnalité de l’artiste. Édouard Manet, né à Paris en 1832, est l’aîné du groupe avec Pissarro. Sa mère étant une parente de l’empereur, Manet n’a jamais perdu le contact avec les cercles dirigeants. En raison de son statut social et de son grand talent, il aurait sans doute été admis à l’École des Beaux-Arts , mais il choisit plutôt de fréquenter l’atelier de Thomas Couture

Couture est un excellent professeur et, grâce à sa réputation, ses élèves peuvent très tôt exposer au Salon. Les premières œuvres de Manet sont très appréciées et, à l’âge de vingt-neuf ans, il est déjà reconnu comme une figure de proue du nouveau réalisme . L’image de l’artiste pauvre ne s’applique certainement pas à lui. Edgar Degas, qui a deux ans de moins que Manet, est issu de la même couche sociale. Manet le remarque alors qu’il copie des tableaux au Louvre. Les deux artistes se lient d’amitié et fréquentent les mêmes cercles de la société parisienne. Manet fréquente déjà d’autres artistes à l’esprit ouvert qui formeront plus tard le groupe impressionniste. Il introduit Degas dans ce cercle.

Cézanne est «un provincial peu sophistiqué»

Un autre artiste issu d’une famille aisée est Paul Cézanne, fils d’un banquier d’Aix-en-Provence. Il est vrai qu’il a eu de graves problèmes financiers pendant de nombreuses années parce qu’il n’osait pas avouer à son père plutôt tyrannique son amour de l’art et ses conditions de vie quelque peu illégales. C’est pourquoi il n’a apprécié la fortune de son père que dans la seconde moitié de sa vie, alors qu’il était déjà si connu en tant qu’artiste qu’il pouvait probablement vivre des revenus de ses peintures si nécessaire. En raison de son mode de vie méridional, presque rustique, il avait du mal à s’intégrer dans les meilleurs cercles parisiens. En outre, ses peintures modestes et difficiles à comprendre n’ont pas suscité de sympathie pour son travail. C’est la raison pour laquelle il est resté inconnu plus longtemps que les autres impressionnistes.

Cézanne s’éloigne de plus en plus de son cercle d’amis. À partir de 1885, il vit à Aix, loin de sa femme et de ses enfants, dans un isolement qu’il s’impose, d’abord dans une propriété de campagne dont il a hérité en indivision, puis, lorsque la propriété est vendue, dans une petite maison à la périphérie de la ville. Lorsqu’il eut du mal à monter les escaliers qui menaient à son atelier situé dans le grenier, il construisit un atelier simple mais grand. Sa notoriété grandissante n’est guère reconnue par l’artiste lui-même, qui la rejette.

Lorsque Cézanne reçoit une grande exposition à Paris en 1895, il n’a pas exposé de tableau dans cette ville depuis près de vingt ans. Le jeune marchand d’art Ambroise Vollard (1867-1938) prend le risque d’exposer Cézanne dans sa galerie. Jusqu’alors, Cézanne était considéré par ses amis artistes et par le cercle étroit des personnes qui s’intéressaient généralement à son œuvre comme un talent médiocre.

Mais son exposition ouvre les yeux : on y devine la grandeur d’une personnalité artistique. Vollard présente l’œuvre d’un maître de l’art moderne. Non seulement ses amis s’en rendent compte, mais le public reconnaît désormais l’immortalité de Cézanne. Aucun autre artiste de ce groupe n’a laissé une empreinte aussi profonde sur la génération suivante d’artistes. De son vivant, il était seul, soutenu dans ses efforts artistiques par quelques amis seulement, comme Renoir et Pissarro.

Pissarro - coupé du monde et appauvri

Camille Pissarro, l’aîné des impressionnistes, est né aux Antilles. Afin de recevoir une éducation complète, le jeune Camille est envoyé dans un pensionnat français. À la fin de sa scolarité, il rentre chez lui avec la volonté inébranlable de devenir artiste. En 1855, il est autorisé à étudier la peinture. Après des essais infructueux dans différents ateliers, il tombe finalement sur Charles Suisse, qui limite l’école de peinture gratuite à la fourniture d’un local et de modèles et ne fait aucune correction.

Par la suite, Pissarro reste libre de toute contrainte académique et se tourne vers la peinture de paysage. Il est d’abord fasciné par Richard Parkes Bonington (1802-28) et John Constable (1776-1837), mais s’oriente ensuite vers Charles-François Daubigny (1817-1878), Camille Corot (1796-1875), Gustave Courbet (1819-1877) et Jean-François Millet (1814-1875), qui ont eux aussi lutté pour la reconnaissance. En 1859, il peut déjà exposer un tableau au Salon. La même année, ses parents s’installent à Paris. Ses conditions de vie s’en trouvent améliorées pour un temps. Cependant, lorsqu’il choisit la femme de chambre de ses parents comme épouse, son père, furieux que ce mariage ne corresponde pas à la classe sociale de son fils, met le jeune couple à la porte et lui retire tout soutien financier.

Parmi ses amis, Pissarro est le seul à ne connaître pratiquement aucun souci financier jusqu’à la fin de sa vie. Il avait une famille à nourrir et était le seul des impressionnistes à ne pas avoir trouvé un riche mécène et soutien. Bien qu’il peignît incroyablement vite, ses prix étaient toujours bas et sa façon de travailler faisait qu’il avait toujours plusieurs tableaux inachevés. La lumière a toujours été l’élément artistique le plus important pour lui. Mais pour cette raison, il était très dépendant du paysage et devait tenir compte de l’heure du jour et terminer son travail dès que la lumière commençait à s’estomper.

Il est également tributaire de la météo. Il prend l’habitude de travailler sur plusieurs toiles en même temps, souvent sur le même motif à des moments différents de la journée, par exemple sur un tableau dans la brume du matin et sur un autre dans l’éclat du soleil d’été. Certes, il a dû abandonner plusieurs motifs, faute de pouvoir les achever en une seule période de travail, lors d’un changement de saison après une longue période de mauvais temps.

Sisley - a bénéficié de l’entreprise familiale

Alfred Sisley est un autre jeune artiste issu d’une famille prospère qui a pu mener une carrière artistique sans se soucier de sa situation financière. Sa mère était musicienne, et lorsque son fils montra de fortes dispositions pour le dessin, son père ne tenta que mollement de le persuader d’embrasser une carrière commerciale. Il consentit à ce que son fils commence une formation artistique, et sa fortune permit souvent au jeune artiste d’aider des amis plus pauvres dans des situations critiques.

Pendant de nombreuses années, Sisley peint sans se rendre financièrement dépendant de son travail. Il se marie, a des enfants et mène une vie bourgeoise. C’est à cette époque que Renoir réalise son célèbre portrait des Sisley vêtus de vêtements coûteux correspondant à leur classe sociale. En fait, la seule chose impressionniste dans ce tableau est le traitement de la lumière.

A la fin des années 1860, le père de Sisley tombe gravement malade, l’entreprise familiale connaît des difficultés et doit fermer. Sisley se retrouve soudain dans l’obligation de subvenir à ses besoins et à ceux de sa famille en vendant ses peintures. Il s’installe chez Monet, puis au Sablon voisin, un paysage dans lequel il excelle.

Monet est un chef de file et un maître du paysage

La personnalité de Claude Monet occupe une place particulière dans le développement de l’impressionnisme. Sur le plan artistique, il est devenu le centre d’attention de ce mouvement. C’est également lui qui a introduit dans le cercle des jeunes artistes des idées avancées sur la peinture de paysage.

Claude Monet est né à Paris, mais sa jeunesse s’est déroulée au Havre où son père, négociant, approvisionnait les navires. La vie dans le port et les grandes plages ont fortement impressionné l’enfant. Il s’initie à l’art, au dessin - en particulier à la caricature. À l’époque, la presse florissante avait besoin d’illustrations de toutes sortes. Même les personnes dont les capacités de lecture n’étaient pas très élevées pouvaient comprendre les caricatures et les croquis illustratifs, de sorte que les éditeurs s’efforçaient d’introduire le plus grand nombre d’images possible. Monet a appris dans ces magazines et, grâce à son immense talent, a rapidement trouvé son propre style.

Lorsque l’occasion se présente d’exposer dans la vitrine d’un menuisier, le jeune homme peut vendre ses dessins aux touristes. Mais le plus important, c’est qu’Eugène Boudin (1824-1898), brillant peintre de scènes côtières, remarque le jeune Monet et reconnaît son talent. Il travaillait depuis longtemps à Paris et pouvait aider à promouvoir le jeune artiste dans la métropole. Monet se rend à Paris avec le produit de la vente de ses caricatures et un peu d’argent reçu de son père et commence à travailler à l’Académie suisse . Il entre bientôt en contact avec d’autres jeunes artistes que l’on appellera un jour les impressionnistes. Monet est le membre du groupe qui connaît le mieux la peinture en plein air.

Au Havre, il avait reçu une formation approfondie et étudié avec Boudin. Il était donc en mesure de partager ses connaissances pratiques avec les autres. Au début de l’année 1861, Monet doit s’engager dans l’armée et quitte ses amis. Il part comme volontaire en Afrique, où il tombe rapidement malade et doit rentrer chez lui. Finalement, sa famille l’a racheté de l’armée, une possibilité offerte par l’État aux citoyens fortunés.

En 1862, Monet peint à nouveau au Havre avec Boudin et le Hollandais Johan-Barthold Jongkind (1819-1891). Jongkind est un paysagiste très habile, et les capacités des deux artistes plus âgés se transmettent, par l’intermédiaire de leur élève intelligent, au cercle des jeunes impressionnistes à Paris, où Monet retourne au début de 1863. Monet ne fréquente plus l’Académie Suisse . Comme la plupart de ses amis, il s’installe chez Charles Glair pour y poursuivre ses études. L’atelier de Glair deviendra bientôt le noyau de l’impressionnisme français.

Morisot était une femme artiste issue d’un milieu urbain aisé

Berthe Morisot est la seule femme à appartenir au premier noyau de peintres impressionnistes. Sa voie vers l’art est conforme aux attitudes conventionnelles qui s’offrent à une fille de bonne famille. Son père était préfet du Cher et elle est née à Bourges en 1841. Elle passe sa jeunesse à Limoges, avec ses sœurs aînées. Lorsque son père fut appelé aux plus hautes fonctions à Paris, la famille déménagea dans une élégante maison à Passy, et les filles allèrent dans une école publique exclusive où la musique et l’art faisaient partie du programme d’études.

Lorsque Bertha et sa sœur font preuve d’un certain talent, il est naturel que leur mère encourage ce talent. Bien que les artistes qui leur ont enseigné aient averti leurs parents que si elles devenaient de bonnes artistes, cela aurait un effet très négatif sur la promotion sociale des jolies filles, les parents n’ont pas été découragés. Les jeunes filles disposaient d’un vaste atelier construit dans le jardin et leurs études étaient encouragées par des artistes célèbres tels que Corot, Henri Fantin-Latour (1836-1904) et Puvis de Chavannes (1824-1898), qui étaient fréquemment invités à la maison. Bertha, qui se distingue rapidement par son travail plus intensif, bénéficie d’un encouragement important et d’un accès très précoce au Salon.

Basile était un artiste, un partisan et un collectionneur

L’un des artistes qui contribua activement à l’unification des impressionnistes fut le très talentueux Frédéric Bazille (1841-70), un homme particulièrement cordial, ouvert et serviable. Sa mort prématurée a fait que son œuvre n’est apparue que dans la première phase de l’impressionnisme.

Basile était originaire de Montpellier, où ses parents appartenaient à la classe sociale la plus élevée. Ses parents aimaient l’art et n’avaient donc rien contre le fait que leur fils devienne artiste, d’autant plus qu’il avait déjà fait preuve d’un certain talent. Cependant, son père insiste pour qu’il étudie la médecine et prenne des cours de dessin comme deuxième matière. Basil entre dans l’atelier de Charles Glair et prend de plus en plus de retard dans ses études de médecine. Mais il a toujours entretenu de bonnes relations avec ses parents.

Son père, fortuné, le soutient de son mieux et il n’est pas rare que Basile se retrouve en bon samaritain auprès d’amis dont la situation financière est moins stable. Il leur donnait de l’argent pour la nourriture et leur permettait d’utiliser son bel atelier. Parce qu’il avait une nature sympathique et compatissante, et qu’il était toujours en train d’arbitrer et de réconcilier les conflits difficiles entre amis, il devint un bon esprit parmi les artistes.

Il devint un ami particulièrement proche d’Auguste Renoir, qui était l’un de ces artistes issus d’une famille pauvre et qui avait littéralement dû mourir de faim pour pouvoir suivre sa voie dans l’art.

Renoir est un peintre ensoleillé

Auguste Renoir est né à Limoges en 1841, fils d’un commerçant. Il est venu à l’art par des voies détournées. Il travaille d’abord comme peintre sur porcelaine, puis passe par les différentes étapes du métier de commerçant avant de pouvoir enfin entrer dans l’atelier de Gleyre, où il est rejoint par Claude Monet et Frédéric Bazille avant la fin de l’année.

Chaque année, au printemps, Gleyre ferme son atelier pendant quelques semaines et les amis se rendent alors à Fontainebleau pour peindre dans les bois ; cette variété se poursuit pendant plusieurs années. Ils privilégient Chailly ou Marlotte, Barbizon étant trop occupé pour eux. A Marlotte, un village composé de plusieurs fermes, ils habitent à l’Auberge de la Mere Anthony, où Sisley est surtout fasciné par la fille du propriétaire, Nana, qui apparaît comme modèle dans de nombreux tableaux de Renoir.

La rencontre avec l’un des artistes à succès de l’école de Barbizon a été une expérience tellement marquante pour le développement créatif de Renoir qu’à l’âge adulte, il en parlait encore à son fils. Plusieurs voyous parisiens se moquaient de lui alors qu’il peignait dans une clairière. Renoir se bat et reçoit l’aide inattendue d’un grand boiteux qui se sert de sa jambe de bois et de sa béquille comme d’une arme, ce qui permet à Renoir de se tirer d’affaire.

Il s’agit de Narcisse Dias (1807-1876), l’un des fondateurs de l’école de Barbizon. Il se familiarise avec l’œuvre de Renoir et s’y intéresse activement dans les jours qui suivent. En peu de temps, il amena son jeune collègue à abandonner la peinture sombre et lourde et lui montra combien les zones d’ombre étaient riches en lumière chatoyante.

Après 1868, les amis ne se rendent plus régulièrement à Fontainebleau. Pour Renoir, surtout, le crépuscule sous les arbres ne suffit plus, il veut la lumière du soleil dans toute son intensité. Les bords de la Seine deviennent le lieu de prédilection des jeunes artistes pour les années suivantes. Seul Monet séjourne quelque temps à Chailli.

Routine et voyages des impressionnistes

L’alternance constante de séjours à la campagne et de mois à Paris est restée la principale routine des impressionnistes pendant de nombreuses années. La nature leur offre de grandes possibilités d’accumulation, mais ils ont besoin de la ville pour développer leur carrière. Seuls Manet et Degas sont de purs citadins et ne se rendent que très rarement à la campagne. Il se trouve qu’après Fontainebleau, leur lieu de villégiature préféré est la côte normande. C’est sans doute Monet qui l’a fait connaître à ses amis. Monet lui-même passait ses étés principalement au Havre ou à Saint-Adresse, petite station balnéaire où une tante possédait un domaine où la famille séjournait régulièrement pendant les vacances.

En 1864, Monet invite son confrère Georges Bazille à le rejoindre. Ils naviguent sur la Seine et s’arrêtent d’abord à Honfleur, qui se trouve en face du Havre. Honfleur, avec ses vieilles rues et la fraîcheur de la brise atlantique, a dû avoir une grande influence sur Basile, qui venait du sud de la France. Cette ville avait déjà été découverte par de nombreux artistes - Bonnington, Corot, Courbet, Jongkind et bien sûr Boudin (qui y a vécu) - qui séjournaient généralement à La Ferme Saint-Siméan, une auberge perchée sur une colline avec une vue spectaculaire.

Un an plus tard, Renoir et Sisley répètent le voyage de Monet et Basile au Havre, leur destination étant la célèbre régate de voile du Havre. Pour Renoir, ce voyage était un luxe ; s’il marchait beaucoup, il se promenait surtout dans les environs. Les cinquante francs que coûtait le voyage représentaient pour lui un énorme investissement.

Ce n’est qu’à partir de 1876 que sa situation financière change progressivement. Il est issu d’une famille modeste et, naturellement, parmi ses amis de jeunesse, qui appartiennent tous à la classe ouvrière, il n’y a guère de clients peintres. Deux des rares clients qui comptent personnellement pour lui sont Charles Dedon et, à partir de 1876, Madame Charpentier, l’épouse d’un des plus importants éditeurs de l’époque, qui lui donne accès aux classes supérieures. C’est par son intermédiaire qu’il rencontre le banquier Paul Berard. Une commande pour un portrait de la fille aînée de Berard le met en contact avec la famille, qui est immédiatement impressionnée par le talent et le charme austère du jeune artiste. Leur train de vie fastueux dans un hôtel particulier parisien et surtout dans leur vaste propriété près de Dieppe en Normandie, leur gentillesse et leur hospitalité évidente galvanisent Renoir. A 38 ans, pour la première fois de sa vie, il peut profiter de la vie et se consacrer à sa peinture sans les soucis financiers habituels.

Un autre endroit en Normandie qui a attiré l’attention des impressionnistes est Etretat, qui apparaît comme sujet dans de nombreux tableaux de Monet. Edgar Degas y a également séjourné, car le mélange des populations qui y vivaient l’intéressait particulièrement. Cependant, son travail se limitait à des croquis répétés du paysage, ayant besoin de l’espace confiné de l’atelier pour peindre.

Son art était une symbiose distincte de l’imagination et de la conception, dans laquelle les choses qu’il voyait n’entraient dans son œuvre qu’après un filtrage minutieux. Degas détestait les artistes qui travaillaient dans le paysage et dénigrait souvent ceux qui préféraient s’engager dans l’activité très intime de la peinture en plein air. Il pensait que peindre de mémoire libérait l’artiste de la tyrannie de la nature. Cette position lui était facile à maintenir car il se désintéressait complètement de la lumière et de l’air, les éléments évanescents les plus importants de la peinture impressionniste.

La guerre de 1870 oblige Monet et Pissarro à se rendre en Angleterre, pour éviter la conscription. Leur séjour a été d’une importance exceptionnelle pour les deux artistes. Ils y étudient notamment avec précision les œuvres de Turner. Londres leur ouvre également plusieurs portes de contact avec des marchands d’art.

En 1871, Monet retourne au Havre. C’est là qu’il peint en 1873 le tableau «Lever de soleil sur la mer», dont le titre «Impression : lever de soleil «donnera plus tard son nom à un groupe d’artistes. Le tableau représente les silhouettes de navires dans le port du Havre, à peine perceptibles dans le brouillard - une audace pour le goût moderne, bien que le sujet ait été peint près de cinquante ans plus tôt par William Turner. Ce tableau fut admiré par Monet et Pissarro à Londres.

Les premiers collectionneurs

Pendant la guerre franco-prussienne, le jeune Paul Durand-Ruel (1831-1922) s’installe à Londres où il rencontre Monet et Pissarro et leur achète ses premiers tableaux. Après la guerre, installé à Paris, il poursuit ses contacts et devient l’un des premiers collectionneurs de tableaux impressionnistes et joue souvent le rôle d’ami et de mécène.

La Seine était un lieu de prédilection pour les peintres impressionnistes, et les paysages variés autour du fleuve ont servi de motif à de nombreux tableaux. La Grenouillère était un lieu populaire en raison du paysage et des filles et des bateliers qui s’y rendaient. Au restaurant Fournaise» voisin, Renoir peignit son «Déjeuner de rameurs», sur lequel on voit Aline, qui deviendra plus tard sa femme, jouant avec un petit chien, et - en chemise de sport - le jeune ingénieur et peintre Gustave Caillebotte (1848-1894). Caillebotte a beaucoup appris de Monet (ils ont peint ensemble à plusieurs reprises lors de longues excursions, et plusieurs tableaux présentent une ressemblance remarquable), mais c’est en tant que collectionneur à l’aise financièrement qu’il a acquis sa plus grande notoriété.

Monet et Renoir ont été sauvés du pire par l’aide de Caillebotte lorsqu’ils se sont trouvés en grande difficulté financière. Caillebotte était l’ami de longue date de Renoir et l’avait désigné comme exécuteur testamentaire après sa mort. Renoir, qui était lui-même en phase terminale, se vit léguer une collection unique de chefs-d’œuvre impressionnistes à la condition qu’il persuade le Louvre d’accepter la collection. Ce n’est que grâce aux efforts incessants de Renoir qu’il a pu persuader le musée d’accepter le legs.

Victor Choquet est une autre personnalité importante de l’impressionnisme. Il n’était pas peintre mais douanier. Cependant, il adorait les peintures impressionnistes et utilisait tout l’argent qu’il pouvait économiser sur son petit salaire pour acheter des peintures de ses amis impressionnistes. En 1875, les impressionnistes organisent leur première vente aux enchères de tableaux à l’hôtel Drouot . Mais le succès n’est pas au rendez-vous. Les achats sont extrêmement modestes et une partie du public est scandalisée par les tableaux mis en vente.

Une bagarre s’ensuivit et la police dut intervenir pour laisser se dérouler la vente aux enchères et éviter les comportements injurieux. De tous les artistes représentés, seule Berthe Morisot peut être à peu près satisfaite, tandis que Renoir, particulièrement dépendant des ventes, ne vend que quelques tableaux et à des prix dérisoires. Victor Choquet achète son premier tableau du cercle impressionniste lors de cette vente aux enchères et commande à Renoir un portrait de sa femme. Choquet devient ainsi l’un des plus fidèles amis de Renoir, Pissarro et Cézanne. Ses moyens financiers étaient limités, mais il collectionnait les tableaux avec passion et uniquement par amour de l’art, sans penser à la spéculation financière.

Une amitié particulière a existé entre Choquet et Cézanne, car cet artiste réservé, difficile à approcher, a trouvé une relation de confiance avec cet ami qui lui ressemblait beaucoup.

Les Impressionnistes se séparent

Dans les années 1880, après plusieurs expositions réussies à Paris, le mouvement impressionniste commence à se fracturer.

Certains membres du mouvement, des puristes comme Monet, choisissent de se concentrer presque exclusivement sur l’étude de la lumière. D’autres, comme Pissarro et Sisley, continuent à peindre des paysages en plein air, mais sans la ferveur idéologique de Monet. Renoir voyage et se concentre sur des œuvres figuratives - dans la nature et dans l’atelier. Degas se consacre aux études de genre et à d’autres travaux d’atelier, après une période d’enthousiasme pour la peinture de chevaux de course. Cézanne quitte Paris, s’installe à Aix-en-Provence et se concentre sur la recherche de formes naturelles, une tâche dans laquelle il réussit brillamment, inspirant Picasso et Braque à développer leur premier style de peinture cubiste.

Impressionnistes tardifs : néo-impressionnisme, post-impressionnisme

Le post-impressionnisme, nom donné au style général qui a suivi l’impressionnisme dans les années 1880 et 1890, comprenait la génération suivante d’artistes qui étaient moins satisfaits de ce que la nature (ou Monet) leur dictait et préféraient plutôt expérimenter avec la couleur (par exemple…). Henri Matisse 1869-1954, Paul Gauguin 1848-1903 et les Fauves), avec la théorie des couleurs (par exemple, l’apôtre du néo-impressionnisme, le tragiquement éphémère Georges Seurat 1859-91), avec des scènes de ménage (par exemple, Toulouse-Lautrec 1859-91), avec la peinture, avec la peinture , avec la peinture, avec la peinture , avec la peinture, etc. Toulouse-Lautrec 1864-1901, Mary Cassatt, 1844-1926 et Edouard Vuillard 1868-1940), ou avec des formes d’expressionnisme (par exemple Van Gogh 1853-90). La peinture post-impressionniste comprend un certain nombre de styles très différents dont le seul dénominateur commun est l’insatisfaction de la simple imitation de la nature.

L’influence de l’impressionnisme sur l’art occidental

L’impressionnisme est probablement le style le plus aimé et le plus identifiable de l’histoire de l’art occidental . Bien que l’impressionnisme n’ait pas été aussi révolutionnaire que certains arts modernes, tels que le cubisme, l’anti-art Dada ou le surréalisme, son influence sur l’art moderne a été énorme. Elle a établi des normes entièrement nouvelles pour la façon dont les artistes «voyaient» et représentaient la nature, influençant des générations d’artistes, y compris de nombreuses communes artistiques telles que Grèze-Sur-Loine, Pont-Aven et Concarneau en France, ainsi que la lointaine école de Heidelberg (ca. 1886-1900). Impressionnisme australien, mené par les Anglais Tom Roberts (1856-1931) et Arthur Streeton (1867-1943).

Aux États-Unis, où la tradition du naturalisme de Barbizon et du réalisme académique du XIXe siècle était particulièrement forte, l’impressionnisme américain ne s’est répandu qu’après 1893. Avant cette date, les pionniers du style étaient des artistes progressistes tels que le portraitiste séculaire John Singer Sargent (1856-1925) - voir John Singer Sargent (1856-1925). son chef-d’œuvre «Edward Darley Boyte’s Daughters» et «El Jaleo» (1882, Isabella Stewart Gardner Museum, Alden Weir (1852-1919), John H. Twachtman (1853-1902), et Childe Hassam (1859-1935).

En définitive, en brisant toutes les règles du naturalisme et du réalisme en peinture, l’impressionnisme a ouvert la voie aux styles modernistes de l’expressionnisme et même du cubisme . Il continue d’avoir une influence significative sur la peinture d’aujourd’hui.

Peintures célèbres des impressionnistes français

Voir aussi : Les meilleurs tableaux impressionnistes .

Camille Pissarro (1830-1903)
Foxhill : Upper Norwood (1870) National Gallery, Londres.
Toits rouges (1877) Musée d’Orsay.
Tableaux du boulevard Montmartre (1897) Divers musées.

Édouard Manet (1832-1883)
Portrait de Berthe Morisot avec un bouquet de violettes (1872) Musée d’Orsay.
Ouvriers sur la route, rue de Berne (1878) Collection particulière.
Bar des Folies Bergères (1882) Courtauld Gallery, Londres.

Edgar Degas (1834-1917)
Classe de ballet (1871-4) Musée d’Orsay.
Absinthe (1876) Musée d’Orsay.
Prima ballerina (1876-77) Musée d’Orsay.
Femmes repassant le linge (Blanchisseuses) (1884) Musée d’Orsay.
Femme se brossant les cheveux (1887-90) Musée d’Orsay.

Paul Cézanne (1839-1906)
Olympia moderne (1872-3) Musée d’Orsay.
Maison du pendu (1873) Musée d’Orsay.
Garçon en gilet rouge (1889-90) Collection de E.G. Bürle, Zurich.
Homme fumant la pipe (1890-2) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Femme avec une cafetière (1890-5) Musée d’Orsay, Paris.
Joueurs de cartes (1892-6) Musée d’Orsay et al.
Jeune femme italienne appuyée sur son coude (1900) Musée J. Paul Getty.
Peintures du Mont Saint-Victoire (1882-1906) Divers musées.

Claude Monet (1840-1926)
La Grenouillère (1869) Metropolitan Museum of Art, New York.
Impression : lever de soleil (1873) Musée Marmottan-Monet, Paris.
Peintures «Botte de foin / pile de céréales» (1890-91).
Peintures de la cathédrale de Rouen (1892-1895) Divers musées.
Nymphéas (Nymphaea) (1897-1926) Divers musées.
L’étang aux nénuphars : Harmonie verte (1899) Musée d’Orsay.

Jean-Frédéric Bazille (1841-70)
Atelier Bazille (Atelier d’artiste) (1870) Musée d’Orsay.

Berthe Morisot (1841-1895)
Berceau (1874) Musée d’Orsay.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Loge à l’Opéra (La Loge) (1874) Courtauld Institute, Londres.
Danse au Moulin de la Galette (1876) Musée d’Orsay.
Balançoire (1876) Musée d’Orsay.
Nu au soleil (1876) Musée d’Orsay.
Un sentier dans les hautes herbes (1877) Musée d’Orsay.
Déjeuner dans une barque (1880-1) Phillips Collection, Washington.

Gustave Caibotte (1848-1894)
Racleurs de parquet (Racleurs de parquet) (1875) Musée d’Orsay.
Rue de Paris, jour de pluie (1877) Art Institute of Chicago.

Paul Gauguin (1848-1903)
Neige, rue Carcel (1883) Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague.

Georges Seurat (1859-1891)
Homme peignant son bateau (1883) Courtauld Institute of Art, Londres.

Édouard Vuillard (1868-1940)
Modèle portant un grand chapeau (1890) Collection particulière.
Dans le jardin (1894-5) Musée des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

COLLECTIONS
Bien que les œuvres de l’impressionnisme et du postimpressionnisme français soient visibles dans tous les meilleurs musées d’art, les collections les plus importantes se trouvent à Paris, au musée d’Orsay, à l’Orangerie et au Marmottan . En dehors de Paris, les meilleures collections d’art impressionniste se trouvent à la National Gallery of Art et à la Phillips Collection (toutes deux à Washington), à la Barnes Foundation en Pennsylvanie, au Museum of Fine Arts de Boston, au Metropolitan Museum of Art de New York, au Pushkin Museum of Fine Arts de Moscou et à la National Gallery de Londres.

Impressionnisme britannique

La théorie française de l’art impressionniste a été introduite en Grande-Bretagne vers 1863 par James McNeill Whistler (1834-1903) à partir de 1863, lorsqu’il s’est installé à Londres. Son élève Walter Sickert (1860-1942) fonde le mouvement impressionniste britannique connu sous le nom de Camden Town Group, qui comprend : B. Manson (1879-1945) (secrétaire), Lucien Pissarro (1863-1944), William Ratcliffe (1870-1955), Walter Sickert, John Dolman Turner (1873-1938) et Maxwell Gordon Lightfoot (1886-1911), remplacé par Duncan Grant (1885-1978) après sa démission et son suicide. Parmi les exemples d’œuvres impressionnistes peintes en Grande-Bretagne, citons Running Girls, Walberswick Pier (1888-94) par Philip Wilson Steer, et Piazzetta et The Old Campanile, Venice (c. 1901) par Walter Richard Sickert .

Mécènes, marchands et collectionneurs

La plupart des artistes du XIXe siècle dépendent entièrement des collectionneurs privés et des marchands pour joindre les deux bouts. À partir de la fin des années 1890, suite à l’émergence des collectionneurs américains, le marché de la peinture impressionniste est relativement florissant. Cependant, au cours des décennies précédentes, alors qu’ils étaient relativement peu connus, les impressionnistes avaient été soutenus par l’artiste et collectionneur Frédéric Bazille (1841-1870) et Gustave Caillebotte (1848-1894), ainsi que par les mécènes suivants :

Victor Choquet (1821-1891)
Fonctionnaire des douanes à plein temps et collectionneur d’art, il fait connaissance avec les impressionnistes lors d’une vente aux enchères à l’hôtel Drouot en 1875. Il finit par acheter plus de 60 tableaux, dont 12 Monets, 14 Renoirs et 35 Cézanne.
Dr Paul Gachet (1828-1909)
Mécène des peintres et graveurs français, il fréquente les cafés de Manet et fournit souvent une assistance médicale en échange de tableaux. Comme Vollard, il a été immortalisé par la peinture à l’huile - Van Gogh, qu’il a soigné dans les derniers mois de sa maladie mentale, a peint deux portraits, dont l’un a été vendu 82,5 millions de dollars en 1990.
Paul Durand-Ruel (1831-1922)
Célèbre marchand d’art français qui collectionnait les paysages de Gustave Courbet et d’autres peintres de Barbizon, puis a constitué une vaste collection de chefs-d’œuvre impressionnistes qui ne se sont pas vendus. Il ne fut sauvé de la faillite que par l’arrivée opportune d’acheteurs américains. Il mourut en homme riche.
Sergueï Chtchoukine (1854-1936)
L’un des grands mécènes impressionnistes russes, il collectionne les œuvres de Paul Cézanne (1839-1906), Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) et d’autres.
Ambroise Vollard (1867-1938)
Marchand d’art entreprenant qui, en 1895, acheta et exposa un nombre important de tableaux de l’inconnu Cézanne. Il conclut ensuite une affaire lucrative avec Gauguin (alors à Tahiti) et, en 1901, organisa la première exposition personnelle à Paris pour l’artiste espagnol inconnu Picasso. Ce dernier l’immortalise dans son chef-d’œuvre cubiste «Portrait d’Ambroise Vollard».
Ivan Morozov (1871-1921)
Mécène russe de l’art impressionniste et post-impressionniste. Collectionne des œuvres de Cézanne, Bonnard, Monet, Sisley, Pissarro et Renoir.
Dr Albert Barnes (1872-1951)
Inventeur et fabricant de médicaments, Barnes était peut-être le plus grand collectionneur américain d’art moderne, spécialisé dans les peintures impressionnistes et post-impressionnistes. Il était un collectionneur avide de Renoir, Cézanne et Degas.
Samuel Courtauld (1876-1947)
Industriel et collectionneur d’art anglais, surtout connu comme fondateur du Courtauld Art Institute en 1932, auquel il a fait don de son impressionnante collection d’art contenant certains des plus grands chefs-d’œuvre de l’ère impressionniste.