L’art proto-Renaissance: définition, caractéristiques, histoire Automatique traduire

Dans les arts visuels, le terme «Proto-Renaissance» fait référence à la période précédant la Renaissance (vers 1300-1400) en Italie et aux activités d’artistes progressistes tels que Giotto (1267-1337), pionnier d’une nouvelle forme de réalisme «figuratif», qui a été pleinement développée par les artistes pendant la Renaissance proprement dite . Cependant, l’art novateur de Giotto n’était pas représentatif du courant dominant européen ou même italien. Issu des traditions héritées de l’art byzantin chrétien - qui a lui-même influencé les fresques de la peinture romane -, le style dit de l’art byzantin a été développé par les artistes au cours de la Renaissance proprement dite . - le style dit art gothique, apparu en Italie, entre autres, dans la ville de Sienne, reste le style de peinture et de sculpture prédominant.

En fait, le style gothique survit jusqu’au XVe siècle sous la forme d’un mouvement appelé gothique international qui devient populaire dans de nombreuses cours royales d’Europe, en particulier en France, en Espagne, en Bohême et en Angleterre. La Renaissance proprement dite débute vers 1400 à Florence, mais ses idéaux et ses méthodes ne deviennent une force dominante dans l’art européen qu’au milieu du XVe siècle. Les principaux arts pratiqués pendant la période de la Proto-Renaissance sont la peinture murale à fresque, la peinture à la détrempe, l’enluminure, la sculpture en relief, l’orfèvrerie et le travail des métaux. La plupart des réalisations artistiques du Trecento Proto-Renaissance ont eu une influence directe sur la Première Renaissance peinture (c. 1400-90) Quattrocento .

L’église Saint-François

La proximité de Rome et l’influence de l’Eglise sur tous les aspects de la culture italienne signifient qu’une grande partie de l’art (peinture et sculpture) est un art religieux . Il n’est donc pas surprenant que deux églises constituent la porte d’entrée de la Renaissance. La première est l’église monastique de Saint François à Assise . Dans les dernières décennies du XIIIe siècle, elle fut entièrement décorée de fresques, exécutées par Cimabue (Cenni di Peppi), l’un des peintres les plus célèbres de l’époque. Son assistant était un jeune homme nommé Giotto di Bondone (1267-1337), qu’il engagea après avoir vu un jeune homme peindre les moutons de son père. Les scènes peintes à fresque de la vie de saint François sont représentées avec beaucoup plus de réalisme que les styles contemporains de l’art byzantin .

La chapelle de Scrovegni

La deuxième église est la Capella Scrovegni (également appelée chapelle de l’Arène), construite dans les années 1300 par Enrico degli Scrovegni à Padoue. Elle aussi a été décorée de fresques, mais cette fois-ci entièrement par Giotto. Il a représenté toute l’histoire biblique des trois générations de la Sainte Famille : les parents de la Vierge, la Vierge elle-même et Jésus. Le récit est représenté de manière très dramatique sous forme de bandes dessinées sur des panneaux de bois disposés en trois rangées le long des murs. Contrairement aux traditions antérieures, ces peintures religieuses ont une qualité tridimensionnelle, un sens de la profondeur et de l’espace obtenu grâce à l’utilisation sans précédent par Giotto du modelé, de l’ombre et de la perspective linéaire . Ses personnages n’ont pas seulement l’air réels, ils possèdent une immobilité héroïque, un attribut qui devient un trait distinctif clé de l’art chrétien au cours de la Renaissance italienne .

Giotto - «Père de la peinture»

Giotto di Bondone (v. 1266-1337) a ouvert la porte à un tout nouveau monde de la peinture, comme Giorgio Vasari a été le premier à le reconnaître dans son livre «Vies des artistes» (1550) lorsqu’il attribue à Giotto la renaissance du véritable art de la peinture, l’introduction du dessin de la nature et le retour de l’art italien à sa grandeur et à son prestige antiques. En conséquence, il appelle l’artiste «le père de la peinture». Sous Giotto, la peinture italienne est devenue le premier style d’art européen jusqu’au XVIIe siècle.

Élève du peintre Cimabue, Giotto peint d’abord dans l’église supérieure de San Francesco à Assise. Puis, entre 1304 et 1310, il peint un immense cycle d’œuvres bibliques dans la Capella degli Scrovegni de Padoue (Chapelle de l’Arène). Voir, par exemple, ses fresques sur «La trahison du Christ (Le baiser de Judas)» (1305) et «Le deuil du Christ» (1305).

Après 1311, outre un séjour plus long à Milan et à Naples, on trouve des traces de lui à Florence. D’autres œuvres majeures sont partiellement conservées dans les fresques des chapelles Bardi et Peruzzi (réalisées après 1320) de l’église franciscaine de Santa Croce à Florence. Giotto a également été actif en tant que peintre de retables et architecte (le Campanile de la cathédrale de Florence). Pour en savoir plus sur la Renaissance florentine et le célèbre Duomo, voir : La cathédrale de Florence, Brunelleschi et la Renaissance (1420-36).

Parmi les contemporains de Giotto, les poètes Dante et Pétrarque notent qu’il est le premier à introduire la réalité dans les arts visuels . Il remplit l’espace pictural intelligible de visages réalistes aux formes arrondies et naturalistes, contrairement aux images plates et linéaires des madones byzantines ou même des madones de son maître Cimbue. En bref, Giotto subvertit l’imagerie religieuse médiévale irréaliste et permet aux spectateurs de s’identifier à la femme sur le trône, un mode de peinture qui ébranle l’art religieux dans ses fondements.

De plus, dans sa peinture d’histoire religieuse , Giotto a été capable de représenter simultanément une séquence de moments dans le temps, élargissant ainsi considérablement la pratique contemporaine de la narration picturale. Il a disposé dans un cadre pictural des scènes qui se sont réellement déroulées de manière séquentielle dans le texte biblique.

Vers la fin de la vie de Giotto (1267-1337), les autorités florentines achevèrent la construction de la Piazza della Signoria, qui devint le centre de la ville. Avec son hôtel de ville roman, le Palazzo Vecchio, et ses nombreuses statues, elle devient le centre artistique et civique de Florence.

Les élèves les plus importants de Giotto sont Maso di Banco (actif vers 1330-1350), qui a développé un sens particulier des effets de surface abstraits (chapelle Bar di Vernio, Santa Croce, Florence. vers 1330-1340) et Taddeo Gaddi (vers 1300-1366), qui a introduit des effets d’éclairage expérimentaux dans la peinture à fresque. Giotto a également exercé une influence importante sur l’école de peinture siennoise, plus conservatrice , à Sienne, la grande rivale civile de Florence.

En outre, tous les Vieux Maîtres ultérieurs de la Renaissance, y compris les Italiens Mazaccio, Mantegna, Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange et Titien, ainsi que les peintres hollandais et allemands Roger van der Weyden, Van Eyck, Hieronymus Bosch et Albrecht Dürer, connaissaient bien l’œuvre de Giotto et reconnaissaient sa contribution à l’histoire de l’art .

Les fresques de Neresi

La petite église monastique byzantine de Saint Panteleimon à Gorno Nerezi, en République de Macédoine, a été construite en 1164, et ses fresques sont des exemples célèbres de l’art byzantin de l’époque comnène, représentant la Passion du Christ et plusieurs autres illustrations hagiographiques. Des exemples similaires de peintures murales médiévales macédoniennes ont été découverts au monastère de Latomou à Thessalonique.

Ces fresques démontrent surtout que la peinture byzantine (et son plus célèbre rejeton, le gothique) n’était pas la forme d’art statique que certains érudits de la Renaissance croyaient qu’elle était. Dans la mesure où cela soulève la possibilité que le style byzantin ou gothique ait pu évoluer indépendamment vers quelque chose comme «le style de la Renaissance» ) il y a des doutes à ce sujet), cela qualifie l’énorme contribution de Giotto au développement de la peinture occidentale.

L’école siennoise : Duccio de Buoninsegna

A Sienne, il a fallu plus de temps pour que la peinture religieuse s’éloigne de la tradition byzantine (voir La peinture romane en Italie). - Une évolution que Giotto a accomplie d’un seul coup. En conséquence, pendant de nombreuses années, la peinture siennoise du début du XIIIe siècle a été injustement éclipsée par Giotto et son école. Là où Giotto utilisait des volumes en forme de blocs pour mettre en valeur sa peinture de figures, la ligne restait tout pour le chef de file siennois Duccio de Buoninsegna (1255-1318).

Cependant, tant par la beauté du trait et du développement graphique que par la richesse des matières et des couleurs, Duccio n’a rien à envier à Giotto, et dans l’imagerie narrative, dans le dessin, dans les gradations sensibles de la couleur et dans les espaces picturaux et paysagers d’une profondeur surprenante, surpassent même le peintre florentin, comme en témoignent les «Scènes de la vie du Christ» de Duccio au dos du Retable de la Maestina (1308, Museo dell’Opera Metropolitana, Siena), ancien retable gigantesque de la cathédrale de Sienne. Au recto, Marie est assise parmi un cercle de saints, dans une interprétation précoce «de la sainte conversation», un thème pictural qui deviendra populaire dans le Quatrocento florentin.

Comme Giotto, Duccio a exploré des voies différentes mais harmonieuses par lesquelles l’art pouvait se référer à l’expérience du spectateur dans le monde quotidien sans perdre son sens du sacré. Giotto - d’abord à Assise dans les années 1290, puis dans la chapelle de l’Arena à Padoue (vers 1305) - a peuplé des espaces élaborés de figures tridimensionnelles dans des poses significatives. En revanche, Duccio préférait mettre l’accent sur la couleur, les effets décoratifs et les figures finement articulées pour créer un effet plus lyrique mais non moins humain. Voir aussi : réduit La Madone Stroganoff de Duccio (1300). (Voir aussi : Les meilleurs dessins de la Renaissance .)

École de Sienne : Simone Martini

Élève de Duccio , Simone Martini (1284-1344) représente un éventail encore plus large de thèmes et de styles. Il débute également à Sienne en peignant «Maesta» (1315) une fresque pour le Palazzo Público, variation courtoise sur le thème du retable de Duccio dans la cathédrale. Son chef-d’œuvre, cependant, est l’exquis Triptyque de l’Annonciation (1333), peint pour la cathédrale de Sienne. Les travaux ultérieurs de Martini en Italie révèlent de plus en plus l’influence de la peinture de livres du gothique français tardif, comme en témoignent les fresques de la chapelle Martin dans l’église inférieure de San Francesco à Assise, et l’artiste devient en fait peintre de la cour de Naples sous Robert Ier d’Anjou en 1317.

Martini nous en apprend beaucoup plus sur la vie de cour du Trecento que Giotto, qui recherchait des images religieuses éternellement classiques, à l’écart de la vie quotidienne. Martini s’est progressivement rendu à Avignon, bien que son œuvre n’y ait pas été conservée.

L’école siennoise : Ambrogio et Pietro Lorenzetti

Les frères Ambrogio Lorenzetti (vers 1290-1352) et Pietro Lorenzetti (vers 1280-1348), vraisemblablement élèves de Duccio, sont deux autres artistes siennois remarquables. Leurs retables et leurs fresques, qui montrent également une certaine influence de Giotto, sont plus émotionnels et plus vivants que ceux de leurs contemporains siennois. Le plus grand chef-d’œuvre d’Ambrogio Lorenzetti, le monumental «Allégorie du bon et du mauvais gouvernement» (1338-9, Palazzo Pubblico, Sienne), n’est pas seulement le premier paysage et paysage urbain de l’art européen, mais il révèle également une compréhension du gouvernement urbain de Sienne dans sa myriade de détails.

Avignon : la peinture de livre française

En 1309, l’anarchie qui règne à Rome entraîne le transfert de la cour papale dans la vieille ville d’Avignon, dans le sud de la France. La présence d’une source de mécénat aussi riche attire de nombreux artistes, dont Simone Martini et, selon la rumeur, Giotto. En conséquence, Avignon a prospéré en tant que centre artistique et est devenu le point de départ de la diffusion de l’art italien vers le nord, en Bourgogne, dans le centre de la France et aux Pays-Bas.

À la cour d’Avignon, l’observation de la nature, la poésie, la théologie mystique devotio moderna du gothique tardif s’unissent à la beauté des lignes italiennes. La peinture sur livre devient le médium artistique de l’époque : à la fois luxueux et faciles à emballer et à transporter, les livres enluminés deviennent des objets de collection. Ils rehaussent l’honneur des courtisans et des princes, comme le duc de Berry à Bourges (frère de Philippe II le Hardi, de Bourgogne), et servent au culte privé.

Parmi les nombreuses miniatures de qualité, la première moitié du XIVe siècle est dominée par l’œuvre du maître parisien Jean Pucel (vers 1290-1334) et plus tard par les frères de Limbourg (vers 1380-1416). Le duc de Berry leur commanda plusieurs manuscrits enluminés ou «livres d’heures», dont les chefs-d’œuvre que sont «Les Belles Heures» (1408, Metropolitan Museum of Art, The Cloisters, New York) et le magnifique livre d’heures du duc de Berry (1413-16, Musée de Condé, Chantilly) «la création la plus délicate et la plus belle de l’art de la miniature», selon l’historien Johan Huizinga. Ces livres d’heures du début du XVe siècle, avec leurs illustrations détaillées du cycle annuel de la nature, représentent la première série de peintures de genre dans l’histoire de la peinture. Ils anticipent l’ingéniosité picturale religieuse ultérieure et leurs intérieurs profondément encadrés ouvrent la voie à l’art de Jan Van Eyck «en miniature».

Les peintures sur panneau et les fresques présentent un profil moins indépendant, à l’exception des œuvres de diverses écoles régionales, comme l’école provençale vers 1400. Jean Fouquet (c. 1420-1481), en tant que miniaturiste et pannost, est également une exception, et a essentiellement fondé la peinture française : voir son remarquable diptyque de Melun (1450-55).

Le mouvement international de l’art gothique

Entre 1370 et 1430 environ, un phénomène similaire apparaît dans la peinture européenne, de l’Angleterre à l’Italie en passant par la France, la Bourgogne, l’Allemagne du Nord et du Centre, la Bohême et l’Autriche. Les caractéristiques du style gothique international sont évidentes dans les sculptures «des Belles Madones», dans les panneaux, les fresques et les peintures de livres de l’époque, ainsi que dans les bijoux.

La sculpture, les manuscrits enluminés et les images pieuses servaient de moyen de diplomatie et de cadeaux entre les cours et les gouvernements. La culture de cour raffinée - dont le style, d’abord à la cour de Bohême de l’empereur Habsbourg Charles IV, puis à la cour des ducs de Bourgogne, a fixé les normes européennes - s’est fait connaître dans la peinture sous la forme de fonds d’or chatoyants, de couleurs délicatement changeantes, de robes subtilement mouvantes, de gestes exquis et de visages de saints et d’anges aux sourires ambigus. Les chapelles privées de l’empereur Charles, datant de la première période, sont des œuvres d’art complètes qui associent des pierres précieuses à des panneaux peints, des fresques et du mobilier liturgique.

En Italie, le gotico international tardif naît en même temps que la première Renaissance et jouit d’une faveur égale à celle de ses contemporains. L’influence des œuvres de Lorenzo Monaco (vers 1370-1425), Gentile da Fabriano (vers 1365-1427) et Masolino (1383-1440) se fait encore sentir après 1498 dans les œuvres religieuses tardives de Botticelli.