L’art proto-Renaissance: définition, caractéristiques, histoire Automatique traduire
Qu’est-ce que le proto Renaissance? – Les caractéristiques
En beaux-arts, le terme "Proto Renaissance" fait référence à la période antérieure à la Renaissance (environ 1300-1400) en Italie et aux activités de peintres progressistes tels que Giotto (1267-1337), pionnier de la nouvelle forme de "réalisme" figuratif, qui a été pleinement développée par les artistes à l’époque de Art de la Renaissance correct. L’art novateur de Giotto ne représente cependant pas le courant dominant européen ni même italien. Dérivé de traditions hérité de Art chrétien byzantin – qui a lui-même influencé les peintures murales de Peinture romane) – le style dit Art gothique, défendue en Italie par la ville de Sienne, entre autres, était encore le style prédominant de la peinture et de la sculpture. En fait, l’idiome gothique a survécu jusqu’au 15e siècle sous la forme d’un style appelé Gothique international, qui est devenu populaire dans de nombreuses cours royales à travers l’Europe, notamment en France, en Espagne, en Bohême et en Angleterre. La Renaissance proprement dite a commencé vers 1400 dans la ville de Florence, mais ses idéaux et ses méthodes ne sont devenus une force dominante de l’art européen qu’au milieu du XVe siècle. Les principaux types d’art pratiqués à l’époque de la Proto-Renaissance sont les suivants: fresque murale, peinture à la détrempe, enluminures de livres, sculpture en relief, orfèvrerie et autres formes de travail des métaux. La plupart des développements artistiques de la période trecento Proto-Renaissance ont eu un effet direct sur Peinture début Renaissance (c.1400-90) du quattrocento .
Eglise Saint François
La proximité de Rome et l’influence de l’Église sur tous les aspects de la culture italienne ont eu pour conséquence que la plupart des arts (peinture et sculpture) art religieux. Sans surprise donc, deux églises forment la porte d’entrée de la Renaissance proprement dite. La première était l’ église conventuelle Saint François d’Assise . Au cours des dernières décennies du XIIIe siècle, il a été entièrement décoré fresque, par Cimabue (Cenni di Peppi), l’un des peintres les plus célèbres du jour. Son assistant était un jeune homme appelé Giotto di Bondone (1267-1337), qu’il avait employé après avoir vu la jeunesse dessiner les brebis de son père. Les scènes de fresques de la vie de saint François ont été dépeintes avec un réalisme beaucoup plus grand que les styles contemporains de Art byzantin.
La chapelle des Scrovegni
La deuxième église était la chapelle des Scrovegni (également appelée chapelle des arènes) construite dans les années 1300 par Enrico degli Scrovegni, à Padoue. Cela aussi a été décoré avec une fresque peintures murales, mais cette fois, ils ont été entièrement créés par Giotto. Il a peint toute l’histoire biblique de trois générations de la Sainte Famille: les parents de la Vierge, la Vierge elle-même et Jésus.Le récit est représenté avec un grand drame dans une bande dessinée composée de panneaux en bois, sur trois rangées le long des murs. Contrairement aux conventions précédentes, ces peintures religieuses avoir une qualité en trois dimensions, une sensation de profondeur et d’espace, obtenue grâce à l’utilisation sans précédent par Giotto de la modélisation, de l’ombre et perspective linéaire. Non seulement ses personnages paraissent réels, mais ils possèdent également une immobilité héroïque – un attribut qui devient une caractéristique essentielle de Art chrétien pendant le Renaissance italienne correct.
Giotto – Le "père de la peinture"
Giotto de Bondone (c.1266-1337) a ouvert la porte à un tout nouveau monde de la peinture, comme Giorgio Vasari a été le premier à reconnaître, dans son ouvrage Vies des artistes (1550), qu’il reconnaissait à Giotto de faire revivre le véritable art de la peinture, d’introduire le dessin de la nature et de redonner à l’art italien son ancienne grandeur et son prestige. En conséquence, il a désigné l’artiste comme le "père de la peinture". Sous Giotto, la peinture italienne est devenue le principal style d’art européen jusqu’en 17ème siècle.
Élève de l’artiste Cimabue, Giotto a d’abord peint dans l’église supérieure de San Francesco à Assise. Puis, entre 1304 et 1310, il a peint le cycle massif de art biblique dans la Cappella degli Scrovegni à Padoue (chapelle de l’Arena). Voir, par exemple, ses fresques sur La Trahison du Christ (Baiser de Judas) (1305) et le Lamentation du christ (1305)
Après 1311, à part de longs séjours à Milan et à Naples, ses traces sont visibles à Florence. D’autres œuvres majeures ont été partiellement conservées dans les fresques des chapelles Bardi et Peruzzi (créées après 1320) de l’église franciscaine Santa Croce à Florence. Giotto était également actif en tant que peintre de retables et architecte (campanile de la cathédrale de Florence). Pour plus sur le Renaissance florentine et le célèbre duomo de la ville, voir: Cathédrale de Florence, Brunelleschi et la Renaissance (1420-1436).
Parmi les contemporains de Giotto, les poètes Dante et Pétrarque ont déclaré qu’il était le premier à introduire la réalité dans peinture d’art. Il a rempli un espace pictural compréhensible d’individus réalistes aux formes arrondies naturalistes, contrastant avec les images à la conception plate et à la décoration linéaire d’une madone byzantine, voire à l’image d’une madone de son professeur Cimbue. En bref, Giotto jongle avec les images religieuses irréalistes médiévales et permet au spectateur de s’identifier avec la femme sur le trône – une manière de peindre qui a secoué l’art religieux.
De plus, dans son religieux peinture d’histoire Giotto a pu représenter simultanément une succession de moments, renforçant ainsi considérablement la pratique actuelle de la narration imagée. Il a arrangé dans un seul cadre pictural des scènes qui se sont déroulées séquentiellement dans le texte biblique.
Vers la fin de la vie de Giotto (1267-1337), les autorités florentines ont achevé la construction du Piazza della Signoria, qui est devenu le point focal de la ville. Avec son hôtel de ville de style roman – le Palazzo Vecchio – et ses nombreuses statues, il devint le centre artistique et civique de Florence.
Les étudiants les plus importants de Giotto sont Maso di Banco (actif entre 13h30 et 13h50), qui ont développé un sens particulier pour les effets de surface abstraits (chapelle Bar-di-Vernio, Santa Croce, Florence. Vers 1330-1340) et Taddeo Gaddi (c. 1300-1366) qui introduit des effets d’illumination expérimentaux dans la peinture de fresques. Giotto a également eu une influence significative sur le plus conservateur Ecole siennoise de peinture, à Sienne – un rival civique féroce de Florence.
De plus, tous les suivants Maîtres Anciens de la Renaissance, dont les italiens Masaccio, Mantegna, Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange et Titian, ainsi que les peintres néerlandais et allemands Roger Van der Weyden, Van Eyck, Jérôme Bosch et Albrecht Durer connaissaient très bien le travail de Giotto et étaient reconnus sa contribution à la histoire des arts.
Les fresques de Nerezi
La petite église du monastère byzantin de Saint-Panteleimon à Gorno Nerezi, en République de Macédoine, a été construite en 1164 et ses fresques sont des exemples célèbres de l’art byzantin de l’âge comnien, représentant la Passion du Christ et plusieurs autres illustrations hagiographiques. Des exemples similaires de peintures murales médiévales macédoniennes ont été découverts au monastère de Latomou à Thessalonique. Surtout, ces peintures murales démontrent que la peinture byzantine (et son gothique gothique le plus célèbre) n’est pas le type d’art statique que certains érudits de la Renaissance ont supposé être. Dans la mesure où cela soulève la possibilité que le style byzantin / gothique se soit transformé en quelque chose du "style Renaissance" ) j’ai des doutes à ce sujet – Editeur), cela qualifie l’énorme contribution de Giotto au développement de la peinture occidentale.
Ecole de Sienne: Duccio de Buoninsegna
À Sienne, la peinture religieuse a mis plus de temps à s’éloigner de la tradition byzantine (voir Peinture romane en Italie) – un développement que Giotto avait accompli en un bond. En conséquence, pendant de nombreuses années, la peinture siennoise du début du XIIIe siècle demeura injustement à l’ombre de Giotto et de son école. Où Giotto a utilisé des volumes semblables à des blocs pour améliorer sa peinture de la figure, la ligne reste tout pour le dirigeant siennois Duccio de Buoninsegna (1255-1318). Toutefois, tant par la beauté de ses lignes que par son développement graphique, ainsi que par la richesse de ses matériaux et de ses couleurs, Duccio n’a rien de inférieur à Giotto, et en fait, sa narration imaginative, son dessin, ses dégradés de couleurs sensibles et ses espaces picturaux et paysagers étonnamment profonds, surpassent même ceux de l’artiste florentin, comme le montre Scènes de la vie du Christ de Duccio au verso du Retable Maesta (1308, Museo dell’Opera Metropolitana, Sienne), le gigantesque ancien autel de la cathédrale de Sienne. Au premier plan, Marie est assise au milieu d’un cercle de saints, traduisant très tôt la «conversation sacrée», un thème de peinture qui devint plus tard populaire dans le quattrocento florentin.
Comme Giotto, Duccio a exploré différentes manières, mais harmonieuses, de faire en sorte que l’art puisse faire référence à l’expérience du spectateur dans le monde de tous les jours sans perdre le sens du sacré. Giotto – d’abord à Assise dans les années 1290 et plus tard dans la chapelle de l’Arena à Padoue (vers 1305) – remplit des espaces soigneusement conçus avec des figures à trois dimensions dans des poses significatives. En revanche, Duccio a préféré mettre l’accent sur la couleur, les effets décoratifs et les figures délicatement articulées pour présenter un effet plus lyrique mais non moins humain. Voir aussi: le diminutif de Duccio Stroganoff Madonna (1300). (Voir également: Meilleurs dessins de la Renaissance.)
Ecole de Sienne: Simone Martini
L’élève de Duccio Simone Martini (1284-1344) présente un éventail de thèmes et de styles encore plus large. Il a également fait ses débuts à Sienne avec une Maesta (1315), peinte comme une fresque pour le Palazzo Publico, dans une variante de la cour sur la peinture de l’autel de Duccio dans la cathédrale. Son chef-d’œuvre est l’exquis Triptyque de l’Annonciation (1333), peint pour la cathédrale de Sienne. Le travail ultérieur de Martini en Italie révèle de plus en plus l’influence de la peinture de livres du gothique français tardif, comme en témoignent les fresques de la chapelle Martin dans l’église basse de San Francesco à Assise. En fait, l’artiste est devenu peintre de la cour à Naples auprès de Robert Ier d’Anjou. en 1317.
Nous apprenons beaucoup plus de Martini sur la vie courtoise du trecento que de Giotto, qui a poursuivi des images picturales religieuses classiques et intemporelles qui existaient en dehors de la vie quotidienne. Martini se dirigea lentement vers Avignon, bien que ses œuvres n’aient pas survécu.
Ecole de Sienne: Ambrogio & Pietro Lorenzetti
Deux autres peintres siennois remarquables sont les frères Ambrogio Lorenzetti (c.1290-1352) et Pietro Lorenzetti (c.1280-1348) – selon toute probabilité, les étudiants de Duccio. Leurs peintures d’autel et leurs fresques, qui révèlent également une certaine influence de Giotto, sont plus émotives et plus vivantes que celles de leurs contemporains siennois. Le plus grand chef-d’œuvre d’Ambrogio Lorenzetti, le monumental Allégorie du bon et du mauvais gouvernement (1338-9, Palazzo Pubblico, Sienne), n’est pas seulement le premier paysage urbain de l’art européen, il révèle également une compréhension du gouvernement de la ville de Sienne dans ses innombrables détails.
Avignon: peinture de livre française
En 1309, l’anarchie à Rome entraîne le transfert de la cour papale à la vieille ville d’Avignon, dans le sud de la France. La présence de cette riche source de mécénat a attiré de nombreux artistes, dont Simone Martini et, semble-t-il, Giotto. En conséquence, Avignon s’est épanouie en tant que centre artistique et est devenue la rampe de lancement de la diffusion de l’art italien vers le nord en Bourgogne, dans le centre de la France et aux Pays-Bas. A la cour d’Avignon, observation de la nature par le gothique tardif, poésie, théologie mystique de la devotio moderna, unie à la beauté de la ligne italienne. La peinture de livres est devenue le moyen de l’heure: à la fois luxueux et facile à emballer et à transporter, les livres enluminés sont devenus des objets de collection. Ils ont tous deux rehaussé l’honneur des courtisans et des princes tels que le duc de Berry à Bourges (le frère de Philippe II, le Téméraire, de Bourgogne) et ont servi dans le culte privé.
Parmi la multiplicité des miniatures de grande qualité, l’œuvre du maître parisien Jean Pucelle (c.1290-1334) a dominé la première moitié du 14ème siècle, suivi plus tard par la Frères Limbourg (c.1380-1416). Commandés par le duc de Berry, ils produisirent plusieurs manuscrits enluminés ou des «livres d’heures», comprenant des chefs-d’œuvre comme Les Belles Heures (1408, Metropolitan Museum of Art, The Cloisters, New York) et le Tres Riches Heures du Duc de Berry (1413-16, Musée Condé, Chantilly) "La création la plus tendre et la plus raffinée de l’art miniature", selon l’historien Johan Huizinga. Avec leur illustration détaillée du cycle annuel de la nature, ces livres d’heures du début du XVe siècle constituent la première série de tableaux de genre de l’histoire de la peinture. Ils ont anticipé plus tard l’inventivité picturale religieuse et leurs intérieurs profondément encadrés ont ouvert la voie à l’art de Jan Van Eyck "en miniature".
Peintures sur panneau Les peintures murales révèlent également un profil moins indépendant, mis à part le travail de diverses écoles régionales, comme celui de Provence vers 1400. Jean fouquet (c.1420-1481), en tant que miniaturiste et peintre de panneaux, constitue également une exception et fonde essentiellement la peinture française: voir son extraordinaire Melun Diptych (1450-55).
Mouvement international d’art gothique
Entre environ 1370 et 1430, un phénomène similaire apparaît dans la peinture européenne de l’Angleterre à la France, en passant par la Bourgogne, le nord et le centre de l’Allemagne, la Bohême, l’Autriche et l’Italie. Les caractéristiques du style gothique international se rejoignent dans les sculptures des "Belles Madones", dans les peintures sur panneaux, les peintures murales et les peintures de livres de l’époque, ainsi que dans l’orfèvrerie. La sculpture, les manuscrits enluminés et les tableaux de dévotion fonctionnaient à la fois. diplomatie et comme cadeau entre les tribunaux et les gouvernements: une culture de cour raffinée – à l’origine de laquelle la Cour de Bohême de l’empereur Charles IV, puis les cours des ducs de Bourgogne, fixa les normes européennes – se célébra dans la peinture sous la forme de Des fonds d’or chatoyants, des couleurs délicatement changeantes, des vêtements aux mouvements subtils, des gestes précieusement raffinés et des visages souriants et ambigus de saints et d’anges. Issue des premières années de cette période, les chapelles privées de l’empereur Charles sont de véritables œuvres d’art incorporant des pierres précieuses. avec peinture sur panneau, fresques et matériel liturgique.
En Italie, le gotico international tardif se produisit en même temps que le début de la Renaissance et bénéficia de la même faveur de la part de ses contemporains. Influences découlant du travail de Lorenzo Monaco (c. 1370-1425), Gentile da Fabriano (c.1365-1427) et Masolino (1383-1440), sont toujours visibles après 1498 Botticelli travail religieux tardif.
En Bourgogne, le pionnier flamand Melchior Broederlam (c.1350-1411) ont ouvert la voie à l’art de Robert Campin et Jan van Eyck, alors qu’en Allemagne, les peintres de l’école de Cologne, en particulier Stefan Lochner (vers 1405-1451) et dans le nord, les maîtres Bertram (vers 1340-1415) et Francke (vers 1380-1430) allient la linéarité de l’art de cour bohémien à la richesse des détails de la peinture de livre française les premiers maîtres néerlandais.
Remarque: des œuvres reflétant le style de la peinture Proto Renaissance et des enluminures sont visibles dans meilleurs musées d’art dans le monde.
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