Art de la bijouterie:
histoire, techniques d’orfèvrerie Automatique traduire

Considérés comme un art décoratif, les bijoux constituent l’une des plus anciennes catégories de produits en métaux précieux . Il existe de nombreux types de bijoux : couronnes, diadèmes, colliers, boucles d’oreilles, amulettes, bracelets, bagues, clous, broches, torques, chaînes, épingles à cravate, épingles à chapeau, pinces à cheveux, boucles de ceinture et de chaussure, bracelets de cheville et anneaux d’orteil.

Ces bijoux décoratifs sont apparus pour la première fois à la préhistoire - comme en témoignent les peintures rupestres représentant des personnages portant des colliers et des bracelets - et sont depuis lors devenus un élément familier de la plupart des cultures au fil des siècles. En tant que type important de l’art égyptien, ainsi que de la culture celtique plus nomade, les bijoux étaient caractéristiques de l’art byzantin dans la Kiev médiévale, de l’art africain sur tout le continent noir, de l’art océanique dans le Pacifique, et de la culture aztèque et inca dans les Amériques.

Les bijoux, tout comme la peinture corporelle et la peinture faciale, ont été un élément fondamental de l’art tribal pendant des milliers d’années. Les bijoux étaient également utilisés pour décorer les armes ainsi que les objets cérémoniels et religieux. À l’ère de l’art moderne, des mouvements tels que l’Art nouveau et plus tard l’Art déco ont inspiré de nouvelles séries de bijoux décoratifs, et un certain nombre d’artistes célèbres se sont lancés dans la création de bijoux , notamment : Picasso, le sculpteur Alexander Calder, les surréalistes Meret Oppenheim et Salvador Dalí, et l’artiste de l’assemblage Louise Nevelson. Parmi les joailliers les plus célèbres, citons le russe Fabergé, le new-yorkais Tiffany & ; Co, et les parisiens René Lalique et Cartier.

Matériaux de joaillerie

C’est l’une des formes d’art les plus coûteuses , les principaux composants des bijoux sont la feuille de métal, le métal coulé dans un moule et le fil. Le métal le plus utilisé est l’or, en raison de sa malléabilité, de sa ductilité, de sa couleur et de son coût. Les feuilles d’or peuvent être embossées dans des moules, pressées ou percées pour former des formes décoratives, et les fils d’or sont souvent utilisés pour relier les bijoux entre eux ou pour fabriquer des chaînes. Les métaux précieux moins coûteux utilisés en bijouterie sont l’argent et le platine, ainsi que des alliages tels que le bronze, et des métaux non précieux tels que le cuivre et l’acier.

Outre les métaux, les pierres précieuses et semi-précieuses sont utilisées en joaillerie. Les diamants sont traditionnellement les pierres précieuses les plus prisées, leur couleur allant du jaune au blanc bleuté. Les autres pierres précieuses sont le rubis (rouge), l’émeraude (verte) et le saphir (bleu), ainsi que le chrysobéryl (jaune ou vert), la topaze (jaune ou bleue) et le zircon (brun ou clair), qui sont moins coûteux.

Les perles, bien qu’elles soient d’origine animale et non minérale, sont également considérées comme des pierres précieuses. Les pierres semi-précieuses les plus utilisées par les bijoutiers sont l’améthyste (violette), le grenat (rouge foncé), l’opale (blanc laiteux), l’aigue-marine (vert bleuté), le jade (vert), le lapis-lazuli (bleu), la malachite (vert vif).

Un autre matériau important utilisé pour créer des revêtements est le verre fondu ou l’émail.

Tous ces composants sont mis en forme à l’aide d’une technique réalisée avec des outils.

Les techniques de bijouterie

Les techniques de travail des métaux les plus courantes utilisées par les bijoutiers, les orfèvres et les tailleurs pour créer des bijoux sont le moulage, le découpage, le soudage ou la soudure, et l’assemblage à froid (à l’aide d’agrafes et de rivets pour assembler les pièces). Les techniques décoratives plus sophistiquées comprennent le gaufrage, le repoussage, la gravure, l’émaillage (types tels que le champlevé, le cloisonné, la basse taille, la plique-à-jour), la granulation et la finition en filigrane.

En ce qui concerne la taille de pierre, les pierres précieuses peuvent être taillées pour créer des motifs sculptés et gravés sur les pierres elles-mêmes, ou elles peuvent être taillées (dans des pierres multicolores telles que l’onyx ou l’agate) pour réaliser des camées.

Le gaufrage

Il s’agit d’un procédé utilisé pour créer des motifs en relief ou en creux sur une feuille de métal. Le repoussage est une technique très répandue qui consiste à façonner une feuille de métal souple à l’aide de coups de marteau sur l’envers afin de créer un motif en relief. Une autre technique de gaufrage apparentée est connue sous le nom d’embossage. Cette technique est à l’opposé du repoussage car, alors que le repoussage travaille sur le revers d’une feuille de métal pour créer un motif en relief sur la face, le gaufrage est utilisé pour créer un motif sur la face de la feuille par poinçonnage à travers la surface du métal.

L’émaillage

La technique traditionnelle des bijoutiers de l’émaillage, qui remonte à l’art romain tardif et au début de l’art byzantin, consiste à recouvrir le métal d’émail vitreux (émail porcelaine), un matériau fabriqué à partir de verre fondu qui durcit pour former un revêtement lisse et durable. L’émail peut être transparent, opaque ou translucide, et une large gamme de couleurs et de nuances différentes peut être ajoutée au verre fondu en le mélangeant à divers minéraux tels que des oxydes de métaux - cobalt, fer, néodyme, praséodyme et autres.

Champlevé

Nommé d’après le mot français signifiant «champ surélevé», L’émaillage champlevé est une technique ancienne destinée à ajouter de la couleur et de l’éclat aux bijoux en métal, par laquelle des dépressions sont creusées dans la surface d’un objet en métal, remplies d’émail vitreux et cuites. Une fois refroidie, la surface de l’objet est polie pour lui donner plus d’éclat. Cette méthode a d’abord été pleinement exploitée par les joailliers romans pour l’ornementation de plaques, de coffrets et de récipients, comme en témoigne le triptyque de Stavelot.

Émail cloisonné

Plus complexe que le champlevé, l’émail cloisonné est un autre type d’émaillage. Alors que le champlevé crée des sections d’émail décoratif en creux, l’émaillage cloisonné consiste à souder des bandes de métal plates (par exemple des fils d’argent ou d’or) à la surface d’un objet métallique, créant ainsi de mini sections (cloisons) qui sont ensuite remplies d’émail et cuites.

Basse-Taille

Autre méthode de travail de l’émail, elle est similaire à l’émail cloisonné, sauf qu’un motif en bas-relief est gravé sur le fond «des compartiments». Les compartiments sont ensuite remplis d’un émail translucide à travers lequel on peut voir le motif. Un excellent exemple de cette technique est une coupe royale française en or (XIVe siècle) réalisée à l’époque de l’art gothique international .

Plique-à-jour

Cette technique de joaillerie s’apparente également au cloisonné, mais les compartiments créés n’ont pas de support. (Le support temporaire est enlevé lorsque l’émail refroidit après la cuisson). Cela permet à la lumière de briller à travers l’émail transparent, comme dans un vitrail. La Plique-à-jour est une technique notoirement difficile, qui prend beaucoup de temps et dont le taux d’échec est élevé.

Encre

Inventé par les Egyptiens et utilisé par les Romains, le niellage est une technique décorative utilisée par les bijoutiers et les orfèvres dans laquelle un mélange noir de soufre, de cuivre, d’argent ou de plomb sert d’incrustation à des motifs gravés à la surface d’un objet métallique (généralement de l’argent). Les objets ainsi décorés sont appelés nieli. Cette technique a atteint son apogée dans l’art du début de la Renaissance, entre les mains du joaillier florentin Maso Finiguerra (1426-1464).

Histoire de la joaillerie
Voir aussi Histoire de l’art

Histoire ancienne

Bien que les premiers bijoux remontent au Paléolithique, les plus anciens exemples conservés sont ceux retrouvés dans la tombe royale de la reine Pu-abi à Ur en Sumérie, datant du troisième millénaire avant J.-C. (Voir aussi ). (Voir aussi Art mésopotamien et Sculpture mésopotamienne)

D’autres œuvres anciennes comprennent des pièces provenant de la tombe du roi Toutânkhamon (vers 1320 av. J.-C.). Les bijoux étaient un élément important de la culture minoenne et plus tard de l’art grec , dont les influences et les styles se sont répandus dans toute la Méditerranée orientale - en particulier à l’époque hellénistique - inspirant la création de bijoux dans l’art étrusque (Italie continentale moderne) ainsi que dans la région de la mer Noire. Les artistes hellénistiques qui ont atteint la pleine maîtrise de la peinture miniature ont à leur tour été influencés par l’art perse ancien, après la défaite de l’empereur Darius par Alexandre le Grand.

Alors que le pouvoir politique grec s’affaiblit (300-200 av. J.-C.), la culture celtique lathénienne - en particulier les objets de parure personnelle - commence à pénétrer de l’Europe centrale vers la France, l’Italie et la Russie moderne.

Pendant la Pax Romana, l’usage des bijoux se répand, Rome devenant un centre d’ateliers de joaillerie. Dans les provinces romaines d’Europe occidentale, on assiste à une renaissance de l’artisanat celtique, comme en témoignent la couronne de Petrie, créée par la méthode du repoussé entre 200 et 100 avant J.-C., et l’exquis collier d’or de Broiter (torc) créé au premier siècle avant J.-C.

L’art celtique se réfère généralement à des œuvres celtiques anciennes créées pendant la période de la culture de Hallstatt (vers 800-450 av. J.-C.) ou de la culture laténienne (vers 450-50 av. J.-C.).) L’art métallurgique celtique ultérieur , y compris la magnifique broche de Tara (argent doré avec fil d’argent tricoté décoré d’une trame celtique complexe), appartient à la catégorie «de l’art insulaire» de la Grande-Bretagne et de l’Irlande du début du Moyen Âge. Parmi les autres œuvres d’art ornées de perles datant de cette époque hiberno-saxonne figurent des manuscrits enluminés et des trésors tels qu’une boucle de ceinture de Sutton Hoo, fabriquée au septième siècle, qui se distingue par ses affinités avec les bijoux et les motifs de style celtique. (Voir aussi : Bijoux celtiques)) Pour d’autres exemples de manuscrits enluminés médiévaux nécessitant une ornementation en bijoux, voir : Manuscrits enluminés romans (1000-1150) et Manuscrits enluminés gothiques (1150-1350).

Très peu de bijoux ont été fabriqués en Europe pendant l’âge des ténèbres, à l’exception de ceux produits à l’époque de l’art byzantin (c. 500-1450), dont Constantinople était le centre. Contrairement aux Romains et aux tribus telles que les Celtes et les Francs, les créateurs byzantins utilisaient des feuilles d’or plutôt que de l’or pur, et accordaient plus d’attention aux pierres et aux gemmes.

En Russie, au cours de la période c. 950-1237, la joaillerie en général et l’art du cloisonné et du niellé en particulier ont atteint de nouveaux sommets grâce aux joailliers byzantins. Une grande collection de bijoux et d’autres objets précieux se trouve dans les musées de Moscou, par exemple à Tsaritsyno.

Une autre école régionale de métallurgie romane influente est l’école de l’art mosan, qui s’est développée dans la vallée de la Meuse, en Belgique, aux 11e, 12e et 13e siècles. Au centre de l’évêché de Liège, des joailliers mosans comme Nicolas de Verdun (vers 1156-1232) et Godefroid de Clair (vers 1100-1173) font preuve d’une maîtrise absolue de l’émaillage, y compris du champlevé, et du cloisonné .

A la Renaissance italienne, la joaillerie en Europe avait atteint le statut de grand art .

Italie, Renaissance (c. 1400-1600)

La richesse d’inspiration que l’art de la Renaissance a apportée à l’Europe à la fin du Quatrocento (XVe siècle) et au début du Cinquecento (XVIe siècle) a eu un effet profond sur l’art de la joaillerie. La nouvelle esthétique est venue d’Italie, véritable patrie de l’amour de l’antiquité. Si l’on se souvient que les ateliers ) botteghe) des joailliers étaient des écoles où étaient formés certains des plus grands praticiens de l’art de la Renaissance, il est facile d’expliquer la beauté et la qualité des bijoux produits.

Lorenzo Ghiberti (1380-1455) commence sa carrière de joaillier avant la fin du XIVe siècle ; après lui viennent Sandro Botticelli (1445-1510), Antonio Pollaiuolo (1432-1598), Luca Della Robbia (1400-1482) et Andrea del Verrocchio (1435-1488), tous formés à l’orfèvrerie. En Allemagne, Albrecht Dürer (1471-1528) est le fils d’un orfèvre. Ainsi, dans l’art du portrait de l’époque, les bijoux sont représentés avec beaucoup de soin, d’amour et de compréhension.

La mode se répandit rapidement d’Italie en Europe et, en quelques années, les principaux articles de joaillerie furent complètement modifiés ; les nymphes, les satyres et les déesses de l’Olympe envahirent les cours et les demeures des grands princes avec leur séduction païenne.

Les plaques gravées occupent une place importante dans cette activité tumultueuse. Un peintre comme Hans Holbein (1497-1543) et un architecte d’envergure comme Jacques Androuet du Cerceau n’hésitent pas à créer des motifs pour des bijoux ; leur exemple est suivi par d’autres ornemanistes, dont certains sont également joailliers. Les dessins de Virgil Solis (vers 1540) de Nuremberg, Hans Milich (vers 1570) de Munich, Etienne Delon (vers 1560) de France et Erasmus Hornick (1562) de Nuremberg témoignent de l’existence de ce que l’on peut appeler un style international. En effet, les bijoux de cette période se ressemblent tellement qu’il est parfois presque impossible de déterminer leur origine exacte. Le problème se complique encore lorsqu’il s’agit d’identifier le bijoutier qui les a fabriqués.

De nombreux bijoutiers sont mentionnés dans les documents contemporains, mais dans la plupart des cas, ils ne sont pour nous que des noms. Dans ce contexte, il convient de noter qu’aucun bijou ne peut être identifié avec certitude comme étant l’œuvre de Benvenuto Cellini (1500-1571), qui est aujourd’hui considéré comme l’artiste le plus célèbre de son temps dans ce domaine. Nous ne disposons que des descriptions que le maître a laissées dans ses écrits et son autobiographie. Elles montrent que Cellini attachait beaucoup plus d’importance à ses travaux de miniature, pour des autels ou des tables princières en or, qu’à l’orfèvrerie proprement dite.

Un point qui ressort clairement des documents conservés est que les bijoux ont joué un rôle subsidiaire par rapport à l’utilisation de l’or émaillé. En outre, la taille des pierres précieuses ne varie pas beaucoup ; les pierres de couleur sont souvent plates ou arrondies, sans face et polies. Les diamants sont généralement taillés en forme de pyramide, de plat ou d’arrondi. Sous cette forme, ils n’étaient pas susceptibles de présenter le feu pour lequel ils étaient célèbres.

Parmi les ornements conservés de cette époque, les plus nombreux sont les médaillons ) enseignes, sorte de médaillon porté par les hommes sur leur chapeau) et les pendentifs, qui étaient portés sur la poitrine ou comme ornement central de chaînes et de colliers. «Un portrait d’une femme inconnue» du grand peintre vénitien Tintoret (1518-1594) nous donne une idée de la façon dont ils étaient portés.

Le portrait d’Eléonore de Tolède, épouse de Cosme de Médicis, par Agnolo Bronzino (1503-1572), témoigne d’un goût qui, austère à l’époque, paraît élégant aujourd’hui. Sur la somptueuse robe de brocart , la parure (il s’agit d’un ensemble de bijoux destinés à être portés ensemble) se compose presque exclusivement de perles bordant un voile transparent sur les épaules, tandis que deux rangs de très grosses perles entourent le cou et descendent le long du corsage. Cette simplicité exquise mais coûteuse ne semble pas avoir été largement adoptée.

C’est parmi les pendentifs que l’on trouve les formes les plus variées et les plus frappantes. Les pendentifs représentant des navires sont courants et, vers la fin du quinzième siècle, on note un goût pour les pendentifs en forme de lettres de l’alphabet, généralement les initiales de leur propriétaire. La mode atteint son apogée au XVIe siècle. Dans une liste des joyaux de la couronne de France établie à l’époque de François Ier, il est fait mention d’un pendentif en forme de lettre latine «A», ayant sans doute appartenu à Anne de Bretagne. Henri VIII possédait également plusieurs pendentifs de ce type, sur lesquels ses initiales étaient jointes à celles de son épouse. Ces pièces, probablement en raison de leur caractère strictement personnel, ont largement disparu, mais deux pendentifs réalisés pour Anne de Saxe ont survécu.

France

En France, François Ier, en 1530, établit formellement la liste des joyaux de la couronne comme un trésor inaliénable que chaque roi est tenu de transmettre à ses successeurs tel quel ou augmenté ; jusqu’à la Révolution, la loi a été respectée à quelques rares exceptions près.

La liste établie par ordre de François Ier montre une collection encore balbutiante, dont les plus beaux spécimens proviennent de la première épouse du roi, Claude de France, qui les avait reçus de sa mère, Anne de Bretagne. Plusieurs pierres importantes se distinguent, dont un grand rubis appelé Côtes de Bretagne, seul spécimen qui se trouve aujourd’hui au Louvre, bien qu’il ait été remodelé au XVIIIe siècle en forme de dragon.

En établissant légalement les joyaux de la couronne comme propriété de la cour royale, François Ier a peut-être été motivé par le désir de préserver un fabuleux patrimoine, mais le facteur économique n’est pas à négliger. Sous les règnes de ses successeurs, notamment en raison des dépenses occasionnées par les guerres de religion, certaines pierres servent de garantie pour des emprunts à l’étranger, notamment en provenance d’Italie.

Angleterre

En Angleterre, la cour d’Henri VIII n’est pas moins luxueuse que celle de François Ier, car la confiscation des monastères lui procure de vastes biens, des terres et de grandes quantités d’or et de pierres précieuses. Rien que dans la chapelle de saint Thomas Becket, deux coffres remplis de trésors furent emportés, que six ou huit hommes pouvaient à peine transporter.

Dans la plupart des portraits, comme celui de Hans Holbein, le roi porte un somptueux collier d’or martelé, orné de perles et de rubis, alternativement ovale et carré. Son chapeau, ses manches et le devant de son doublet fendu sont ornés d’énormes rubis dans le même sertissage. Les plus belles pierres des collections royales semblent lui avoir été réservées, même si ses épouses suivantes ont reçu de splendides parures.

Cette splendeur a disparu, mais certains des bijoux les plus simples de son époque qui subsistent encore présentent une grande variété de motifs. Les pomanders portés à la ceinture, destinés à contenir des substances aromatiques, en sont un exemple. Selon un inventaire des joyaux de la couronne dressé en 1500, ces boules à musc étaient également à la mode en France.

Par ailleurs, certaines parures étaient presque entièrement constituées de boules creuses contenant soit du parfum sous forme de pâte, soit de l’ambre gris. Ces parures parfumées étaient en vogue en France, mais semblent trouver leur origine au Moyen-Âge. Ils en disent long sur cette époque où les règles d’hygiène les plus élémentaires étaient négligées. A ce propos, voir : Exploration du mythe de «l’Europe non lavée»

Les couvertures de livres sont en or ou en argent depuis l’époque byzantine - voir La fabrication des manuscrits enluminés - mais depuis la Renaissance, elles sont suspendues à la taille ; l’une d’entre elles, un peu défraîchie, représente le Serpent de bronze d’un côté et le Jugement de Salomon de l’autre. Les sujets bibliques étaient très prisés en Angleterre, mais ils n’étaient pas limités à ce pays.

Un portrait de Lady Frances Sidney, peint dans la seconde moitié du siècle, montre jusqu’où l’on peut aller dans l’étude du costume. Le personnage tient une zibeline dont la tête est ornée de bijoux. Erasmus Hornick de Nuremberg a publié en 1562 plusieurs spécimens de bijoux de ce type et quelques exemples de manches d’éventail richement décorés.

Parmi les acquisitions les plus somptueuses d’Elisabeth I, les perles de Marie, reine d’Ecosse, acquises à bas prix après la mort de cette dernière, figurent sur le portrait d’Elisabeth réalisé par Isaac Oliver, un autre des meilleurs peintres miniaturistes d’Angleterre.

L’empereur Charles Quint

Le soleil ne se couchait jamais sur les territoires de Charles Quint, empereur d’Allemagne, archiduc d’Autriche, roi d’Espagne et de toutes ses colonies, qui jouissaient des richesses du Nouveau Monde, des réserves d’or et d’argent de l’Inde, dont l’Europe se nourrissait avidement. Les grandes villes allemandes, comme Augsbourg et, vers la fin du siècle, Prague, jouissaient d’une agréable réputation d’orfèvres, comme en témoigne la liste des bijoux de Claude, épouse de François Ier, qui mentionne un patenotre en or «de facture allemande». Néanmoins, le style de ces pièces appartient aux ateliers de Florence et de Venise.

La couronne impériale, réalisée à Prague par le joaillier néerlandais Jan Vermeijen, est probablement le summum du travail des joailliers d’Europe centrale. Réalisée pour Rodolphe II en 1602, elle est de style Renaissance tardive. La splendeur de la pièce est soulignée par l’importance des pierres dont elle est sertie, laissant entrevoir la parure aujourd’hui disparue mais autrefois commandée par les opulents souverains de l’époque. La couronne est surmontée d’un saphir, et au centre de la lunette se trouve une grosse pierre rouge qui ressemble plus à un grenat qu’à un rubis.

Des caractéristiques bien distinctes peuvent être attribuées à tout un groupe de bijoux datant de la seconde moitié du XVIe siècle : monstres marins, dragons et sirènes réalisés avec de grosses perles baroques serties dans de l’or émaillé, reprenant un dessin d’Erasmus Hornick apparu en 1562.

Le sujet a connu un succès notable. Tous ne sont pas de fabrication allemande, mais le plus célèbre d’entre eux, le bijou Canning, l’est. Le rubis sculpté sur le boîtier et le rubis sur le pendentif ont dû être ajoutés lorsque le bijou se trouvait en Inde, d’où il a été rapporté par Lord Canning.

L’Espagne était un centre important pour les orfèvres au XVIe siècle, car elle avait été enrichie plus que tout autre pays par la découverte de l’Amérique. Le médaillon, qui peut être attribué à l’atelier espagnol, représente Saint Georges et le Dragon ; il est traditionnellement considéré comme ayant appartenu à Henri VIII, et fait partie d’un groupe de pièces présentant les mêmes caractéristiques. La composition est exécutée en relief profond, recouverte d’émail aux couleurs vives et entourée d’un cercle d’or cannelé.

Si l’austérité du costume prolonge l’indépendance du caractère espagnol, elle n’empêche pas les princesses de la cour de suivre certaines modes françaises en matière de bijoux ; un portrait d’Elisabeth de Valois, épouse de Philippe II, peint vers 1560 par Alonzo Sanchez Coelho, montre la reine parée d’un carcan, de manches, d’une coiffe et d’une ceinture semblables à ceux portés par sa belle-sœur Elisabeth, épouse de Charles IX.

L’époque du roi Louis XIV (règne 1643-1715)

Les joailliers de la Renaissance sont essentiellement des chineurs et des émailleurs ; même dans les bijoux les plus somptueux, les pierres sont serties et isolées par des montures en or, qui occupent généralement une place d’honneur. Vers 1610-1620, l’approche de la joaillerie change, la pierre commence à être appréciée pour sa beauté intrinsèque et des progrès considérables sont réalisés dans la taille, en particulier celle des diamants.

L’art de l’émaillage n’a pas été entièrement supplanté par l’importance nouvelle et accrue des pierres, et il a atteint un degré de perfection qu’il n’a jamais eu.

L’émaillage a survécu en tant qu’ornement du fond des bijoux ; en outre, il a triomphé dans deux domaines qui, apparus au XVIe siècle, sont devenus à la mode au XVIIe siècle : les montres et les boîtes de miniatures. Dans la montre française, le fond est orné d’un grand saphir, un cabochon ; le couvercle est constitué d’un autre saphir entouré de pierres plus petites et, lorsqu’il est soulevé, il révèle un intérieur décoré de fleurs, d’entrelacs de feuillages et d’oiseaux

En Angleterre, le roi Charles Ier abandonne les bijoux somptueux de ses prédécesseurs. Les portraits d’Anthony Van Dyck le montrent avec une seule grosse perle en forme de poire à l’oreille, qu’il portait, selon la tradition, sur l’échafaud ; par la suite, Marie II l’a donnée au premier comte de Portland, dont les descendants possèdent toujours le bijou.

Mazarin, le tout-puissant cardinal, était un collectionneur invétéré de tableaux, de petites sculptures en bronze, de grandes sculptures en marbre, d’objets d’art et de bijoux. Il a collectionné une remarquable série de diamants, dont certains avaient appartenu à la reine Christine de Suède. Il a acquis cette parure en les achetant par transactions successives, à l’aide de fonds récoltés souvent malhonnêtement.

Pendant une grande partie de son règne, Louis XIV mène une politique de prestige, et l’influence des bijoux joue un rôle important pour le cœur d’un homme qui aime être comparé au soleil. Les joyaux de la couronne, qu’il avait reçus en dépôt de ses ancêtres, s’accroissent. Le roi acquiert successivement le diamant «Guise» et le magnifique diamant bleu «Espérance», rapporté des Indes par Tavernier. Plus tard, volé pendant la Révolution, il acquiert une réputation sulfureuse car tous ses propriétaires ultérieurs, y compris Hope, meurent de façon tragique.

Le roi acquiert également un grand saphir de 132 carats au Muséum d’histoire naturelle , et un diamant «Hortensius» de 20 carats au Louvre.

Le roi ne possédait pas moins de quatre parures complètes, dont deux composées de diamants, une de perles et de diamants, et une, pour le jour, composée de pierres de différentes couleurs. La plus importante consistait en cent vingt-trois boutons, trois cents boutonnières, dix-neuf ornements floraux, quarante-huit boutons et quatre-vingt-seize boutonnières pour le gilet, auxquels il faut bien sûr ajouter l’agrafe du chapeau, les jarretières, les boucles des souliers, la ceinture avec la croix, l’épée et la croix du Saint-Esprit.

Cet étalage de splendeur a évidemment provoqué l’imitation des courtisans, qui changeaient constamment de tenue en fonction de la mode. Les portraits montrent que les tenues des hommes n’étaient pas moins splendides que celles des femmes. Pour les hommes, les principaux ornements consistaient en pierres précieuses serties dans de longues boutonnières exagérées avec des brundeburgs ) ce sont des fermoirs en corde torsadée) ou des grenouilles.

Bientôt, les grenouilles de diamant s’étendirent aux vêtements féminins et les brandebourgs commencèrent à orner le corsage, complétant les broches sur les manches et la jupe, les boucles d’oreilles et un seul rang de perles autour du cou, si grand qu’il semble que les artistes aient exagéré sa taille à dessein.

Les bijoux du XVIIIe siècle

Dès le début du XVIIIe siècle, l’histoire de la joaillerie devient principalement l’histoire des pierres précieuses qui la composent. La beauté des bijoux est déterminée par le choix des pierres, leur taille et leur disposition. Ils perdent leur caractère objectif, si évident au XVIe siècle et un peu moins au XVIIe, et deviennent des bijoux au sens moderne du terme, un élément vestimentaire absolument nécessaire, étroitement lié à l’évolution de la mode. De plus, une distinction entre les bijoux de jour et les bijoux de soirée apparaît. Cette idée a pris racine dans les dernières années du XVIIe siècle lors des réceptions de Louis XIV, où les bijoux de jour étaient principalement composés de pierres de couleur et les bijoux de soirée de diamants et de perles, qui étaient du plus bel effet lors des bals éclairés par des lustres.

L’exploitation des mines de Golconda (Inde), découvertes au XVIIe siècle, et plus tard des mines brésiliennes, a mis sur le marché des diamants plus beaux, plus gros, plus nombreux et moins chers. Le Vénitien Peruzzi invente la taille du diamant vers 1700, et ce développement s’ajoute aux progrès déjà réalisés dans la taille des pierres en forme de rose. Désormais, l’art du joaillier consiste à sertir les pierres de manière à en tirer le maximum d’effet.

Jean Bourget dans son livre de dessins (1712) donne très peu de dessins de bijoux car, dit-il, "c’est inutile parce que les modes changent sans cesse, et d’ailleurs les dessins dépendent plutôt du nombre et de la grosseur des pierres à travailler."

La toison d’or réalisée pour Louis XV en 1749 est un somptueux exemple de mélange de couleurs audacieux et devait compléter la parure de pierres de couleur que le roi avait héritée de Louis XIV. Aujourd’hui, la pièce est brisée et n’est connue que par des gravures.

Le nom de Marie-Antoinette est à jamais lié à l’affaire du «Collier de la Reine», un collier qu’elle n’a jamais possédé. Il était composé de très grosses pierres cloutées avec des festons qui descendaient le long de sa poitrine. Les joailliers Bessenger et Bomer l’avaient initialement commandé pour Madame du Barry, mais il n’a pas été achevé après la mort de Louis XV. Il fut donc offert à Marie-Antoinette, qui le refusa car Louis XVI le trouvait trop cher.

De nombreux bijoux auraient appartenu à Marie-Antoinette, le plus authentique étant un collier de diamants envoyé par la reine à Bruxelles en 1791 et rendu par la duchesse d’Angoulême en 1798. Il a ensuite appartenu au comte de Chambord et à la princesse Massimo, puis a été vendu à Londres en 1937, emporté en Inde où il a été brisé.

Fascinées par la splendeur de Versailles, les grandes et petites cours d’Allemagne entrèrent dans une rivalité mutuelle de splendeur et de raffinement. Dans les ravissants palais rococo construits par le roi, le landgrave et l’électeur, les fêtes se succèdent et donnent lieu à des parures à peine moins splendides que les joyaux royaux français. La vanité des princes leur fait attacher une grande importance à la possession d’une pierre distinguée, qui sera la vedette de leur collection, et qui sera sertie dans une monture évidemment dictée par la mode parisienne.

Cependant, même cette splendeur était dépassée par le luxe dévorant de la cour de Saint-Pétersbourg. Cesarevna Elizabeth commanda une agrafe pour le manteau impérial vers 1750, ainsi que trois autres belles pièces de style français. Pour son couronnement (1762), Catherine II a commandé une couronne impériale à l’orfèvre Pozier, d’origine française. Elle ne fut pas prête à temps, mais ses successeurs la portèrent jusqu’à l’époque de Nicolas II. En 1772, l’impératrice acheta au comte Orlov, son amant, un magnifique diamant qui fut serti dans le sceptre impérial et qui est resté l’un des plus grands trésors de la Russie.

Les bijoux du 19e siècle

La Révolution française marque le début d’une période défavorable à l’art du bijou. La nouvelle idéologie produit en France des bijoux adaptés aux événements, mais leur qualité est si médiocre qu’ils semblent n’avoir jamais été conçus pour durer.

Quant aux joyaux de la couronne, le résultat est tragique. En 1791, le roi les place intégralement dans le coffre du mobilier royal (actuel ministère de la Marine), où ils sont enfermés, mais c’est de là qu’ils sont volés entre le 11 et le 17 septembre 1792. Les voleurs sont entrés dans la chambre forte par une fenêtre afin que les scellés des portes ne soient pas brisés. Ils ont donc eu six jours pour s’enfuir et la perte a été découverte trop tard. Sans fondement réel, de nombreuses rumeurs circulèrent à propos de ce vol, dont celle selon laquelle les Girondistes avaient obtenu le soutien du duc de Brunswick, chef des forces ennemies, à l’aide des bijoux, et ainsi gagné la bataille de Valmy.

Après de nombreuses dénonciations, enquêtes et longues recherches, la plupart des bijoux sont retrouvés. La République, qui n’a jamais respecté le cérémonial lorsque ses intérêts étaient en jeu, envoya cinq malfaiteurs à l’échafaud pour ce délit.

Le trésor s’enrichit cependant des pierres confisquées aux émigrés, ainsi que des pierres du roi de Sardaigne confisquées en Hollande comme biens ennemis (elles y avaient été envoyées en garantie d’un prêt).

Hormis les pièces d’apparat, les bijoux d’usage courant sont résolument plus simples. Le goût pour l’antiquité relance la mode des camées ; Marie-Louise possède toute une parure de ce type. L’importance accordée aux camées est soulignée par la parure de la reine Marie-Caroline de Naples, car dans un portrait de Vigée Lebrun on voit qu’ils sont entourés de grosses perles.

Les portraits de Madame Rivière et de Madame de Senonne par Jean Engrand nous donnent une idée assez précise de bijoux plutôt modestes et purement décoratifs, équivalant plus ou moins aux bijoux fantaisie modernes. Les bijoux en fonte de Berlin avec médaillons, ciselures ajourées et prédilection pour les sujets néoclassiques entrent dans la même catégorie.

Les améthystes et les topazes, qui ne jouaient jusqu’alors qu’un rôle auxiliaire, sont soudainement devenues à la mode en 1800, lorsque le Morning Post les a déclarées préférables à toutes les autres pierres pour les colliers et les boucles d’oreilles, et la mode est apparemment née en Angleterre. En France, la mode s’est répandue vers 1820.

L’éclectisme, caractéristique du XIXe siècle, s’est rapidement fait sentir dans la joaillerie qui, durant cette période, a eu tendance à s’inspirer de diverses sources passées. En général, les premières années du siècle restent fidèles au style antique, mais des nouveautés apparaissent rapidement : dès 1820, on observe une forte tendance à l’imitation de la nature, qui ne fait que prolonger la tendance du XVIIIe siècle dans le suivant - les bouquets de fleurs en joaillerie, qui tendent toujours à imiter la réalité d’une manière plus réaliste. Pour rendre l’illusion plus complète, quelques brins étaient attachés à des «volants», de sorte qu’ils frémissaient au moindre mouvement de la personne qui les portait. Le chef-d’œuvre en la matière fut un «bouquet de lilas» présenté à l’exposition internationale de 1867 et acheté par l’impératrice Eugénie. Vers 1840 apparaît la mode des pampilles, fleurs entourées d’une dispersion de minuscules diamants.

La conquête de l’Algérie popularise les bijoux mauresques, souvent ornés de caractères arabes, une mode née en France et bientôt imitée dans d’autres pays, particulièrement en vogue entre 1840 et 1860. Les toiles de Delacroix et celles, moins connues, de Fromentin et de Ziem répondent avec générosité au goût pour l’orient, culminant dans les fumoirs turcs faiblement éclairés que les grands hôtels et même les maisons particulières considèrent comme indispensables.

Le diamant Koh-i-Nor, qui appartenait au Grand Moghol, fut très maladroitement retaillé, et son poids initial de 800 carats fut réduit à 279. Le rubis de Timur, sur lequel sont inscrits en persan les noms de ses propriétaires successifs, Tamerlane, Shah de Perse, l’empereur Jehangir, Nader Shah et le Maharaja Rangit Singh, a été intégré au collier.

Les expositions internationales, tout comme le luxe de la cour impériale, démontrent l’excellence de la joaillerie parisienne. A côté des anciennes maisons établies comme Mellerio et Bapst (qui avait fusionné avec Lucien Falise en 1879), de nouvelles apparaissent comme Cartier et Boucheron, promises à un bel avenir.

Les premières pierres provenant des mines d’Afrique du Sud nouvellement découvertes sont mises sur le marché à Paris en 1869, offrant aux joailliers des pierres plus grandes et plus abondantes. Depuis, les montures sont de plus en plus légères, l’idéal est donc de rendre la monture la plus discrète possible - l’illusion «monture» s’installe et se banalise dans le dernier quart du siècle, lorsque les montures deviennent totalement invisibles.

Pour parvenir à ce résultat, de nouveaux métaux sont utilisés pour sertir les pierres. Dès le XVIIe siècle, l’argent devient la monture traditionnelle, mais à partir du milieu du XIXe siècle, l’or commence à s’imposer, non sans quelques résistances.

Le plus gros diamant connu à ce jour, «le Cullinan», a été offert par le gouvernement du Transvaal à Édouard VII, et c’est de lui que sont nées les première et deuxième étoiles africaines qui ornent la couronne d’État et le sceptre royal d’Angleterre.

Collections

Des collections de bijoux se trouvent dans de nombreux musées d’art parmi les plus prestigieux du monde, notamment le Louvre à Paris, la British Royal Collection à Windsor, le Victoria and Albert Museum à Londres, le musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Metropolitan Museum of Art à New York, le Museum of Fine Arts à Boston, l’Art Institute of Chicago et le Detroit Institute of Arts.