Albrecht Durer: peintre, graveur allemand de la Renaissance Automatique traduire

Biographie

Le principal artiste de la Renaissance allemande Albrecht Durer se classe aux côtés de Jan Van Eyck (c.1395-1441) et Roger Van der Weyden (1400-1464), l’un des plus grands Artistes de la Renaissance nordique. Il fut l’un des pionniers de plusieurs médias artistiques, notamment dessin. Aussi, avec Rembrandt et Goya, il est considéré comme un maître suprême de gravure, étant vénéré pour son gravures sur bois, notamment la série Apocalypse (1498), Le cycle de la passion (c.1497-1500) et La vie de la Vierge (1500), ainsi que de nombreuses œuvres de gravure, notamment The Knight, Death and the Detail (1513), St Jérôme dans son étude (1514) et Melancholia (1514). Ses peintures incluent art religieux, la plupart retable d’art, portrait et autoportraits, ainsi que des traités scientifiques et des écrits théologiques. La principale contribution de Durer à l’art fut de créer une synthèse entre le esthétique du Renaissance italienne et ceux du Renaissance nordique. Il était le dernier représentant de Art gothique allemand, et le premier artiste moderne au nord des Alpes.

Jeunesse et Formation

La famille Durer est originaire de Hongrie où le grand-père d’Albrecht, puis son père, s’était exercé orfèvrerie ; Après un séjour aux Pays-Bas, son père s’établit à Nuremberg en 1455. Durer grandit dans une famille d’environ 14 à 17 frères et sœurs. Son parrain, Anton Koberger, était un éditeur reconnu qui possédait 24 presses à imprimer et possédait des bureaux en Allemagne et à l’étranger. Son journal le plus célèbre est la chronique de Nuremberg, publiée en 1493 et ​​contenant des centaines d’illustrations gravées sur bois. On pense que son filleul a peut-être conçu certaines de ces gravures. Le jeune Durer a probablement reçu sa première formation dans l’atelier d’orfèvre de son père. Si tel était le cas, ce serait un excellent apprentissage pour son développement ultérieur en tant que dessinateur et graveur. C’est en fait son travail graphique (surtout son travail dessin de la figure et esquisse des animaux et de la campagne), plutôt que ses peintures, qui lui ont valu une renommée internationale de son vivant. Au cours du XVIe siècle, l’Europe entière a copié ses nombreux dessins et estampes. Son premier dessin survivant est un Self Portrait in silverpoint (1484, Albertina), qui démontre clairement sa précocité technique et qui a sans aucun doute influencé sa décision de devenir, en 1486, un apprenti du peintre de Nuremberg, Michael Wolgemut (1434-1519), disciple. de l’artiste Hans Pleydenwurff, qui a joué un rôle déterminant dans la transformation du style de la Renaissance néerlandaise A l’Allemagne. Wolgemut possédait un grand atelier qui produisait notamment des gravures sur bois pour livres. C’était là le domaine dans lequel Durer avait été formé. Cimetière Saint-Jean, aquarelle et gouache, 1489, musée de Brême).

Art ancien

Au début de 1490, à la fin de son apprentissage, Durer quitta Nuremberg pour prolonger son expérience. Il a été absent pendant quatre ans, mais en l’absence de faits concrets, on ne peut que deviner quelles ont été les étapes de son voyage. Il a été suggéré qu’il aurait visité Colmar, célèbre pour être la patrie de Martin Schongauer (d.1491) et la région de Francfort-sur-le-Main où, semble-t-il, travaillait le mystérieux mais non moins célèbre «Master of the Housebook». Cependant, une étude des documents et du style des œuvres de cette période, dans laquelle sont visibles l’influence de peintres hollandais tels que Geertgen tot Sint Jans (vers 1465-95) et de Dirk Bouts (1415-75), laisse à penser probable que Durer ait dû se rendre dans les Pays-Bas, il étudie des œuvres dans la tradition des Jan Van Eyck (1390-1441) et Roger Van der Weyden (1400-1464).

En mars 1492, Durer revint sur ses pas et se rendit à Colmar. Martin Schongauer était décédé l’année précédente, mais ses trois frères ont rencontré Durer et lui ont présenté leur quatrième frère, Georg, qui vivait à Bâle. Là, grâce aux présentations du célèbre éditeur Anton Koberger, Durer parvint à entrer dans les milieux humanistes où il fut accueilli et se lia d’amitié avec Johannes Amerbach.

Au cours de ces années en mouvement, Durer s’est surtout concentré sur art graphique : dessins et plans de gravures sur bois, combinant les influences de Schongauer et la liberté inventive du Master of the Housebook. le illustration du livre St Jerome Caring for the Lion (1492), qui figurait dans une édition des lettres de St Jérôme, est la seule copie documentée de cette période. Durer est reconnu pour être l’illustrateur de plusieurs autres œuvres, telles que Le navire de Bergmann von Olpe. Les imbéciles, et est connu pour avoir créé des conceptions pour l’édition d’Amerbach des travaux de Terence, bien que peu aient été réellement utilisés. Le premier autoportrait peint de Durer (1492, musée du Louvre, Paris) date également de cette époque et est un chef-d’œuvre de l’introspection.

NOTE: La peinture dans le nord de l’Allemagne à la fin du XVe siècle était illustrée par le travail du École de cologne, qui a atteint un sommet sous Stefan Lochner (c.1410-51) au milieu du siècle.

Visite à Venise

L’année 1493 a vu Durer à Strasbourg. En 1494, il revint à Nuremberg, où il épousa Agnès, fille du noble Hans Frey. C’était peut-être un mariage arrangé, ses portraits de celle-ci manquent de chaleur et ils n’ont jamais eu d’enfants. Peu de temps après son mariage, Durer se rendit à Venise, voyage qui eut un effet tout à fait exceptionnel sur le jeune mari. Pour la plupart des contemporains de Durer, les sources vivantes de l’art étaient encore considérées comme étant Anvers, Bruges et Gand, la Renaissance étant considérée comme un mouvement exclusivement italien, offrant aux artistes allemands simplement une sélection de motifs décoratifs pris dans l’antiquité. Mais Durer vit en Italie un véritable renouveau de l’esthétique et de la pensée créatrice et se lance avec enthousiasme dans une étude de Peinture vénitienne, copier Andrea Mantegna (1430-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonio Pollaiuolo (1432-98), Lorenzo di Credi (1458-1537) et Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6), et assimilant progressivement le nouvel idiome de la Renaissance, en particulier dans les domaines de la perspective linéaire et le traitement de nus féminins.

Alors que sa théorie artistique suscitait son intérêt, il manifesta également une forte curiosité pour la nature, une caractéristique qui influença une bonne partie de son travail. Par exemple, lors de son retour en Allemagne, il produisit plusieurs exemples de peinture de paysage, reproduisant des vues de la campagne traversée, telles que: le Wehlschpirg (1495, Oxford, Ashmolean Museum), l’ étang dans les bois (1495, Musée anglais) et vue d’Arco (1495, Louvre). (Remarque: voir aussi le Ecole de peinture de paysage du Danube que Durer devait savoir, qui venait de commencer (vers 1490) dans la vallée du Danube, en Allemagne du Sud). aquarelle, qui frappe par sa modernité, sa cohérence et son utilisation expressive des couleurs, peut être comparé à son approche traditionnelle plus habituelle de la nature qui a donné lieu à des études telles que The Crab (c.1495, Rotterdam, BVB), A Young Hare (1502, Albertina, Vienne) et Grand morceau de gazon (1503, Albertina, Vienne).

Peintures et estampes matures

En 1495, Durer était de retour à Nuremberg et, grâce au soutien financier de Frédéric le Sage, une période d’activité intense commença maintenant. À l’âge de 30 ans (1501), Durer avait achevé la plupart de ses trois gravures sur bois les plus célèbres ) Apocalypse, Cycle de la passion et Vie de la Vierge) et maîtrisait l’utilisation du burin pour réaliser des gravures, produisant des œuvres remarquables telles que Nemesis (1502).), Le monstre marin (1498) et Saint-Eustache (1501). Sur le plan stylistique, il a réussi à fusionner les leçons qu’il avait apprises en Italie et celles de sa formation à la tradition germano-flamande. En outre, du point de vue iconographique, il a révélé un goût ecclésiastique, produisant des portraits humanistes et des œuvres sur de nombreux thèmes bibliques, ainsi que des allégories philosophiques, des scènes de genre et des œuvres de la nature.

Outre une série de gravures remarquables, dont le cycle de l’ Apocalypse, qui constitue l’une des merveilleuses créations de l’art allemand, il exécute une douzaine de peintures en 1500. Un retable polyptique, commandé par Frédéric le Sage, a été planifié par Durer. mais effectivement effectuée par ses assistants ) The Seven Sorrrows, 1496, Dresde et le Mater Dolorosa, 1496, Alte Pinakothek, Munich); un deuxième, maintenant connu sous le nom de Retable de Wittenberg (1496-1427, Dresde), était entièrement son propre travail. Pour la Vierge adorant l’enfant, Durer a emprunté aux nativités flamandes, tandis que la précision du modelage, la nature morte au premier plan et la perspective architecturale simplifiée du fond indiquent Francesco Squarcione ou Mantegna. La composition dans son ensemble, avec son dessin précis et ses tons sourds, dégage une atmosphère de piété solennelle qui se rapproche des peintures de Giovanni Bellini de la Pieta. Les panneaux latéraux ) Saint Antoine et Saint Sébastien), qui ont été peints plus tard (vers 1504), sont stylistiquement plus ouverts, tandis que leur réalisme et la chair du putti contrastent avec la spiritualité du panneau central.

Avec ces retables, Durer peint son Frédéric le Sage (1496, Berlin-Dahlem). Dans ce travail, chaque élément décoratif est abandonné au profit d’un foyer psychologique, la nudité formelle étant le seul moyen d’exprimer la tension intérieure du modèle. En comparaison avec cette œuvre magistrale, le portrait ultérieur d’Oswalt Krell (1499, Alte Pinakothek, Munich) montre une certaine régression. Entre temps, Durer a peint plusieurs autres portraits (dont ceux de Katharina Furlegerin et de son père), que nous ne connaissons que par copie, ainsi que Hailer Madonna (c.1497, National Gallery of Art, Washington DC) à la manière des Madones de Giovanni Bellini..

Cinq ans après son autoportrait au Louvre, il est revenu au genre avec l’ autoportrait (1498) maintenant suspendu au Prado, et il est possible de voir dans la tenue hautaine et la disposition soignée de la posture et du décor, la distance parcourue par le jeune dessinateur qui, à 27 ans, commençait déjà à être salué comme le plus grand artiste de sa génération. L’ autoportrait au col de fourrure peint deux ans plus tard (1500, Alte Pinakothek, Munich) est beaucoup plus inquiétant. Ici, Durer se présente lui-même comme une sorte de Christ ressuscité des ténèbres, avec de longs cheveux dorés qui provoquèrent un sarcasme à Venise qui tombait symétriquement sur ses épaules. Associait-il son génie d’artiste au génie divin créateur, s’agissait-il d’une proclamation de la foi dans la monumentalité de la Renaissance ou l’affirmation de sa propre gloire? Le problème reste non résolu. La dernière œuvre de sa jeunesse triomphale est une Lamentation (1500, Alte Pinakothek, Munich). Toujours caractérisé par la gravité austère de son ancien professeur Michael Wolgemut, cette œuvre transcende ses éléments archaïques en ouvrant, au-dessus du corps du Christ mort et des autres personnages, la vision idéale d’une Jérusalem cosmique.

Deuxième visite en Italie

Pendant toute cette période, et particulièrement après 1500, Durer s’intéressa de plus en plus à la théorie scientifique de l’art. Sa première visite en Italie lui avait montré que le véritable art était impossible sans connaissances théoriques; la rencontre avec Jacopo de ’Barbari (actif de 1497 à 1516) et la découverte, en 1503, des dessins de Léonard le lui confirmèrent. C’est donc dans cet état d’esprit qu’il peint le célèbre retable de Paumgartner (1502-4, Alte Pin, Munich). Le panneau central porte une Nativité arrangée de façon gothique classique, mais pour la première fois, Durer introduisit un schéma de perspective rigoureux. En conséquence, les graves panneaux latéraux, portraits de Lucas et Stephan Paumgarmer en tant que St George et St Eustace, sont le résultat d’études de proportion minutieuses.

L’Adoration des mages (1504, Galerie des Offices, Florence), dont la perspective et les proportions sont exécutées avec une précision incomparable, est plus remarquable, la direction du point de fuite étant définie en diagonale, de manière à anticiper de près Art baroque. Grâce à son ingénieux arrangement de contrastes et au dialogue naturel entre les personnages et leur environnement, Durer surpasse la chaleur mystique qui a imprégné le 1500 lamentations et le retable de Paumgartner et aboutit à une synthèse d’une clarté irrésistible qui rappelle Léonard de Vinci (1452-1519).

À l’automne 1505, Durer rentre à Venise, en partie pour échapper à la peste qui a éclaté à Nuremberg, mais aussi parce qu’il ressentait le besoin urgent d’améliorer son Couleur technique dans ce qui était, après tout, la plus grande ville de peinture artistique, ou comme l’appelaient les Vénitiens, colorito. En réalité, son statut de maître dessinateur et de graveur l’avait précédé et il a été reçu avec honneur dans les milieux tant culturel que politique. Cependant, les peintres de la ville – à l’exception du grand Giovanni Bellini – étaient visiblement jaloux, voire hostiles.

Les années 1506-1510 ont été une période de concentration intense de Durer sur peinture d’art. Il commença par se lancer dans sa première commission vénitienne: le Rosenkranzfest (fête de la guirlande de roses) (1506, Narodni Galerie, Prague) pour l’église du quartier allemand, œuvre qui constitua sans aucun doute un jalon majeur dans sa carrière. La composition s’inspire largement du type traditionnel de Sacra Conversazione privilégié par Bellini, mais pour ses aspects solennels et méditatifs, Durer a substitué une atmosphère d’effervescence, disposée autour de la pyramide centrale – Vierge, Pape et Empereur – et équilibrée de manière exquise par le paysage délicat qui s’ouvre. en arrière-plan. Ce n’est pas tant la structure que la couleur qui donne à la peinture son sens suprême de l’ordre. Avec ses touches lumineuses subtiles, il réussit à fusionner l’esprit profond et la couleur de la Renaissance vénitienne, avec le lyrisme de Gothique international Peintres allemands du 15ème siècle.

Outre ce chef-d’œuvre, d’autres œuvres méritent notre attention: La Vierge du Siskine (1506, Berlin-Dahlem), qui illustre l’importance que Durer attachait au problème de la couleur; Le Christ parmi les docteurs (1506, Lugano, Thyssen Collection), contraste entre la beauté juvénile du Christ et la vieillesse des docteurs; la jeune femme vénitienne inachevée (1505, KM Vienne), dont la finesse et la chaleur tonale rappellent le carpaccio; et enfin, Portrait d’une femme (c.1507, Berlin-Dahlem), délicatement modelé sur un fond bleu.

Sur le plan technique et esthétique, le deuxième séjour de Durer à Venise a été extrêmement important. Ayant découvert le pouvoir indépendant de la couleur et son propre pouvoir d’expression, Durer essaya de mettre en pratique une théorie de la couleur tout en utilisant, avec l’aide d’Euclide, Vitruve et de nombreuses études sur l’anatomie humaine, cherchant à améliorer sa compréhension scientifique et mathématique de l’italien Art de la Renaissance. Le point culminant de ses études est Adam et Eve (1507, Prado, Madrid), qui, dans sa suprême harmonie, peuvent être considérés comme la synthèse de Durer de la beauté idéale.

Travaux ultérieurs (retables, gravures sur bois, gravures) (1508-26)

À son retour à Nuremberg, Durer exécuta un retable appelé le martyre des dix mille (1508, Kunsthistorisches Museum, Vienne), après quoi il peint une Adoration de la Sainte Trinité (1511, KM Vienne). Ces deux œuvres sont composées en fonction de la multiplication des chiffres et, notamment dans la Sainte Trinité, de la conception sphérique copernicienne de l’espace, ce qui leur confère une sorte de personnage visionnaire qui anticipe Albrecht Altdorfer (1480-1538). Jacopo Tintoretto (1518-1594), Pieter Bruegel l’Ancien (1525-1569), et plus tard maîtres de Peinture baroque. Cependant, ils ne représentent pas une étape notable dans l’évolution de Durer. En fait, dès qu’il a quitté le climat influent de Venise, il a eu tendance à revenir au style graphique de sa carrière antérieure, et sa couleur a perdu de sa luminosité et de sa subtilité. Après 1510, il se concentra sur les gravures sur bois et la gravure sur bois, se plaignant du fait que les peintures ne gagnaient pas assez d’argent pour justifier le temps passé. Il est peu probable que Durer ait fabriqué lui-même un bloc de bois pour ses empreintes, cela aurait probablement été laissé à un bûcheron qualifié. Durer dessina son dessin directement sur le bloc ou colla un dessin sur le bloc pour que l’artisan puisse l’utiliser. Dans sa gravure, il a produit des versions de La Passion, de la Vie de la Vierge, puis de ses chefs-d’œuvre, Le Chevalier, La mort et le détail (1513), St Jérôme dans son étude (1514) et La mélancolie (1514).

Adopté en 1512 par un nouveau patron, l’empereur du Saint-Empire romain, Maximilien Ier, qui le nomma artiste officiel de la cour, Durer se voit confier de fréquentes missions diplomatiques par le conseil de Nuremberg. En 1518, il était présent à la diète d’Augsbourg où il a réalisé une série de portraits tels que Maximilien Ier (1519, KM Vienne). Le tableau religieux Sainte Anne, la Vierge et l’enfant (1519, Metropolitan Museum of Art, New York) est l’œuvre remarquable de cette période, dans laquelle peu de peintures ont été produites. Marqué par une composition délicate dans des tons de blanc doux, il signale un nouveau mouvement vers la Maniérisme déjà visible dans le style décoratif de saint Philippe et de saint Jacques (1516, Uffizi, Florence).

En 1520, après la mort de son protecteur, Durer se rendit à la cour de Charles Quint, successeur de Maximilien en tant qu’empereur, dans le but de se lancer dans des affaires. Il a emporté avec lui un grand stock d’empreintes et a consigné avec précision à qui il a vendu les empreintes et pour combien. Il séjourna près de un an aux Pays-Bas, où il rencontra Erasmus (1469-1536), le plus grand érudit de la Renaissance nordique, ainsi que des peintres. Quentin Massys (1466-1530), Joachim Patenier (d.1524), Lucas van Leyden et Van Orley. Il a également étudié les œuvres de nombreux maîtres flamands tels que – Van Eyck à Gand et Hugo Van der Goes à Bruxelles. Cependant, son activité créatrice ralentissait progressivement. En juillet 1521, il rentra chez lui après avoir contracté une maladie indéterminée qui devait l’affliger ainsi que le rythme de son travail pour le reste de sa vie.

Dans sa Vision d’un rêve (1525, aquarelle, KM Vienna), la race humaine est décrite comme balayée par un second déluge. Sa dernière œuvre monumentale, les quatre apôtres (1526, AP Munich), une commande qu’il a reçue pour la mairie de Nuremberg, est une sorte de testament. Les quatre personnages représentent l’homme, ses âges et ses humeurs: sur le volet de gauche, John, jeune et optimiste, accompagné d’un Peter flegmatique, courbé avec l’âge; sur le volet de droite, le fougueux Mark, avec l’imperturbable Paul.

Écritures

Durer commença un certain nombre de traités théoriques vers 1512-13, qu’il termina au cours des dernières années de sa vie. Ils comprennent: Treatise on Measurement (1525), Treatise on Fortifications (1527) et les quatre ouvrages sur les proportions du corps humain, publiés six mois après sa mort. Comparés en importance à la Bible de Luther, ces livres ont été conçus dans le cadre d’une encyclopédie de l’art, dénommée Nourriture pour apprentis peintres.

Un des peintres allemands les plus acclamés, Durer meurt à Nuremberg en 1528, alors qu’il était relativement âgé de 56 ans. Son principal héritage artistique était dans le domaine de la gravure. Il inspira ensuite d’autres artistes dans ce domaine, tels que son élève. Hans Baldung Grien (1484-1545), ainsi que Titian (1477-1576), Albrecht Altdorfer (1480-1538) et Parmigianino (1503-40).

On peut voir beaucoup de travaux de Durer dans la Musée Alte Pinakothek, Munich et dans le meilleurs musées d’art autour du monde.