Botticelli: peintre de la première Renaissance, Florence Automatique traduire

L’un des grands peintres du début de la Renaissance, Alessandro di Mariano di Vanni Filippepi - plus connu sous le surnom de Botticelli («petits tonneaux») - a travaillé pendant l’âge d’or de la Renaissance à Florence, et en 1480, il était peut-être l’artiste le plus influent de la ville. - a travaillé pendant l’âge d’or de la Renaissance à Florence, et en 1480, il était peut-être l’artiste le plus influent de la ville. Élève de Fra Filippo Lippi, il souffrit de problèmes de santé pendant la majeure partie de sa vie et - à l’exception d’une période à Rome (1481-2), où il est engagé par le pape Sixte IV pour peindre l’Histoire de Moïse dans la chapelle Sixtine - il passe pratiquement toute sa vie à travailler pour les grandes familles de la Renaissance florentine, en particulier la famille des Médicis .

Outre les œuvres religieuses classiques, Botticelli s’est spécialisé dans les peintures idéalisées de la mythologie classique, pleines d’atmosphère et peuplées de personnages extrêmement fantastiques. Ses œuvres poétiques, souvent sensuelles, reflètent non seulement la mentalité de la Renaissance de l’époque du Quatrocento , mais aussi la situation politique contemporaine, largement contrôlée par ses employeurs, les Médicis. Bien qu’éclipsé par des maîtres tels que Léonard de Vinci (1452-1519), Botticelli reste l’un des auteurs clés de la peinture de la première Renaissance, avec un sens qui lui est propre.

L’art de Botticelli

Les contributions les plus mémorables de Botticelli à l’art de la Renaissance sont ses peintures, Printemps (vers 1482-3), Vénus et Mars (vers 1483) et Naissance de Vénus (vers 1484-6), toutes conservées à la Galerie des Offices à Florence. Ces trois tableaux contiennent des significations allégoriques complexes. Botticelli a également exécuté quelques-uns des plus beaux dessins de la Renaissance, et peint de nombreuses fresques à la détrempe pour plusieurs églises florentines.

Les tableaux de Botticelli ont été peints à la détrempe, une méthode dans laquelle les pigments colorants sont combinés à une émulsion d’eau et de jaunes d’œufs ou d’œufs entiers (parfois de la colle ou du lait). La détrempe a été largement utilisée à Florence aux XIVe et XVe siècles, tant pour la peinture sur panneau que pour la fresque, jusqu’à ce qu’elle soit supplantée par la peinture à l’huile . Les couleurs de la détrempe sont vives et translucides, mais comme la peinture sèche très rapidement, il reste peu de temps pour les mélanger. L’artiste crée donc des tons plus clairs ou plus foncés avec la détrempe en ajoutant des points ou des lignes de couleur plus clairs ou plus foncés à une zone de peinture séchée. Botticelli a peint la plupart de ses tableaux sur des panneaux de bois - bien que certains aient été réalisés sur des toiles - et a réalisé de nombreuses peintures murales.

Les peintures de Sandro Botticelli

Les premières peintures

Botticelli apprend d’abord le métier d’orfèvre, puis devient apprenti dans l’atelier de Fra Filippo Lippi, à la même époque que Andrea del Verrocchio (1435-1488) et Antonio del Pollaiuolo (1432-1498). Ses premières œuvres, comme les versions de la Vierge à l’Enfant (exemples aux Offices, au Louvre et à la National Gallery de Londres), sont calquées sur celles de Lippi, à qui elles sont parfois attribuées. Cependant, même à ce stade précoce, le dessin lourd de Lippi devient léger et délicat entre les mains de son élève. De même, la tension des figures de Verrocchio et de Pollaiuolo s’adoucit dans les œuvres de Botticelli. Comparez, par exemple, «Vertus» de Piero del Pollaiuolo (1443-1496) avec «Saint Sébastien» de Botticelli (Berlin-Dahlem). Le traitement caractéristique de ce dernier est encore plus évident dans les deux Scènes de la vie de Judith (Offices).

«Le» Printemps (1478, Offices) de Botticelli, peint pour la villa des Médicis à Castello, est l’une des interprétations les plus mémorables du mythe classique. Curieusement, son approche de l’Antiquité diffère sensiblement de celle des artistes de la Renaissance du début du XVe siècle tels que Paolo Uccello (1397-1475), Fra Angelico (c. 1400-55) et Tommaso Mazzaccio (1401-1428). Alors que ces premiers artistes saluent généralement l’existence d’une nouvelle humanité dans un monde éclairé par de nouvelles perspectives et possibilités, Botticelli préfère créer un univers classique qui est avant tout un appel au passé, une évasion de la réalité. Ainsi, par exemple, les bâtiments qui apparaissent à l’arrière-plan «L’Adoration des Mages» (1475, Offices) ne sont pas présentés dans leur état d’origine, mais comme des ruines romantiques.

Fresques de la Chapelle Sixtine

Ayant chargé Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Pérugin (1445-1523) et Cosimo Rosselli (1439-1507), trois des artistes les plus célèbres de l’époque, de décorer de fresques la chapelle Sixtine (1481-2), il aurait été irrité par la nécessité de créer une narration fermée et cohérente. En comparaison, les figures du «Printemps» ne sont liées par aucun dialogue narratif, mais par d’imperceptibles rythmes linéaires qui facilitent la création d’une scène unique. Le meilleur de ces fresques de la chapelle Sixtine réside dans les détails, comme les enfants avec du bois, et dans les portraits évocateurs de personnes, comme Sephora, l’une des filles de Jethro («Le jugement de Moïse», 1482, chapelle Sixtine).

Retour à Florence : 1482-98

Après son retour à Florence, Botticelli réalise ses plus célèbres peintures religieuses, dont Madonna Magnificata et Madonna with a Pomegranate (toutes deux aux Offices). Ses rythmes circulaires conviennent particulièrement bien au médium, tout comme la disposition harmonieuse des figures. Il a également peint Retable de saint Barnabé (1490), Couronnement de saint Marc (1490), et Annonciation (1490) pour les moines de Cestello (Offices et Palais Pitti, Florence). Dans ces tableaux, on remarque une ligne plus nette, plus de force dans les gestes et un rythme linéaire beaucoup plus clair, en particulier dans le drapé de Annonciation .

La ligne de Botticelli atteint sa limite dans Naissance de Vénus (1484, Offices), notamment dans la masse des cheveux blonds. Les tableaux suivants comme Pietà (Ancienne Pinacothèque, Munich) et Nativité mystique (1500, National Gallery, Londres), ainsi que les différentes versions de Trois merveilles de saint Zénobe (1500-5, National Gallery, Londres ; Metropolitan Museum of Art, New York ; Old Masters Gallery, Dresde) se distinguent par la fracture du trait et l’intensité et la hardiesse de la couleur .

L’essentiel de l’œuvre de Botticelli est consacré à l’art religieux, dont des fresques murales, ainsi que des retables et d’autres œuvres décoratives. Il a également produit plusieurs exemples remarquables de peinture mythologique (par exemple Primavera et Naissance de Vénus), ainsi que plusieurs exemples de portrait : plusieurs autoportraits figurent également dans ses peintures. Il était également un virtuose dans l’art du dessin, comme en témoigne un ensemble d’illustrations pour le manuscrit «de la Divine Comédie» de Dante (1490) pour Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici. Quelque 90 dessins sont conservés à la Bibliothèque du Vatican et au Kupferstichkabinett de Berlin.

Savonarole et ses conséquences : 1498-1510

Les sermons de Savonarole et sa mort en 1498 provoquent une crise spirituelle chez Botticelli, ainsi que chez d’autres comme Fra Bartolommeo (1472-1517). Il vit avec son frère Simone, partisan actif de Savonarole, dont les sermons sur la débauche et la décadence de la Florence du début du siècle , ont dû faire douter Botticelli de son propre comportement passé. Il n’est donc pas surprenant qu’il se soit tourné vers des formes plus moralisatrices de peinture d’histoire ) Calomnie, 1495, Uffizi).

Parallèlement, il s’inspire également d’histoires vertueuses : voir L’histoire de Virginie (v. 1496-1504, Accademia Carrara, Bergame) et L’histoire de Lucrèce (v. 1496-1504, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston). Les peintures sacrées des dernières années de sa vie, comme le dramatique «Noël mystique» (1500, National Gallery, Londres), contiennent des allusions morales aux atrocités commises par l’Italie et à son inévitable châtiment. Dans le tableau «Crucifixion» (Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts), il utilise une séquence allégorique dans l’esprit de Dante, impliquant un renard, un ange et un loup contre une tempête florentine.

La réputation et l’héritage de l’artiste

Malgré sa grande qualité, la peinture de Botticelli a peu d’effet sur ses contemporains. Son élève Filippino Lippi (1457-1504) est l’un des rares à comprendre son art, contrairement à d’autres disciples comme Jacopo del Sellaio (1441-1493) et Bartolommeo di Giovanni. Quant à la nouvelle génération du XVIe siècle, elle était beaucoup plus intéressée par la nouvelle manière créée à Florence par Léonard de Vinci (1452-1519), Raphaël (1483-1520) et Michel-Ange (1475-1564). Ce qui explique peut-être pourquoi il est mort dans l’obscurité à l’âge de 65 ans.

Botticelli est le parfait interprète visuel de l’humanisme sophistiqué de la société florentine et de ses dirigeants Médicis. Son idéalisme lyrique est très différent de la peinture bourgeoise de Ghirlandaio et du réalisme fantastique de Piero di Cosimo (1462-1521). En conséquence, Botticelli fut rapidement oublié et ce n’est qu’à la fin du XIXe siècle qu’il fut «réinterprété» par John Ruskin (1819-1900) et par les préraphaélites, tels qu’Edward Burne-Jones (1833-1898), ainsi que les adeptes ultérieurs du modernisme, qu’il fut rétabli dans sa position de l’un des meilleurs maîtres anciens du Quatrocento .

Botticelli se trouve dans plusieurs des meilleurs musées d’art d’Europe et d’Amérique : la plus grande collection se trouve aux Offices, à Florence.