Botticelli: peintre de la première Renaissance, Florence Automatique traduire
Alessandro Botticelli (1445-1510)
Biographie
Un des grands peintres de la Début de la renaissance Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi – plus connu sous son surnom de Botticelli ("petits tonneaux") – était actif à l’âge d’or du Renaissance à Florence et, en 1480, était probablement le peintre le plus influent de la ville. Un élève de Fra Filippo Lippi, il a souffert de maladies pendant une bonne partie de sa vie et – hormis une période à Rome (1481-14) où il avait été chargé par le pape Sixte IV de peindre l’ Histoire de Moïse dans la chapelle Sixtine – il passa pratiquement la vie travaillant pour les grandes familles du Renaissance florentine notamment Famille des Médicis. En plus des œuvres religieuses classiques, Botticelli s’est spécialisé dans les peintures idéalisées de la mythologie classique, pleines d’atmosphère et peuplées de figures extrêmement imaginatives. Ses œuvres poétiques, souvent sensuelles, reflètent non seulement l’esprit de la Renaissance quattrocento mais reflètent également la situation politique contemporaine – elle-même largement contrôlée par ses employeurs, les Médicis. Bien que éclipsé par des artistes comme Léonard de Vinci (1452-1519), Botticelli reste l’un des principaux contributeurs au Peinture début Renaissance, avec une sensibilité qui lui est propre.
Art de Botticelli
La contribution la plus mémorable de Botticelli à Art de la Renaissance sont ses peintures: La Primavera (c.1482-3), Vénus et Mars (c.1483) et la Naissance de Vénus (c.1484-6), toutes dans la Galerie des Offices de Florence. Tous les trois contiennent des significations complexes et allégoriques. Botticelli a également complété une partie des travaux meilleurs dessins de la Renaissance et peint de nombreuses fresques à la détrempe pour plusieurs églises florentines.
Les tableaux de Botticelli ont été peints avec détrempe – une méthode dans laquelle les pigments de couleur sont combinés à une émulsion d’eau et de jaunes d’œufs, ou d’œufs entiers (parfois de la colle ou du lait). La tempera était couramment utilisée à Florence aux XIVe et XVe siècles, tant pour peinture sur panneau et fresque travail, jusqu’à ce qu’il soit remplacé par peinture à l’huile. Les couleurs de la tempéra sont vives et translucides, mais comme la peinture sèche très rapidement, le temps de fusion est insuffisant. Par conséquent, un artiste de la tempéra crée des nuances plus claires ou plus foncées en ajoutant des points ou des lignes de couleur plus ou moins foncés à une zone de peinture séchée. Botticelli a peint la plupart de ses tableaux sur des panneaux de bois – même si certains ont été exécutés sur des toiles – et a réalisé de nombreuses peintures murales.
Premières peintures
Botticelli a d’abord appris le métier de orfèvrerie, avant de devenir élève dans l’atelier de Fra Filippo Lippi, à peu près à la même époque que Andrea del Verrocchio (1435-88) et Antonio del Pollaiuolo (1432-98). Ses premières œuvres, telles que ses versions de la Vierge à l’enfant (exemples dans les Offices, Louvre et National Gallery, Londres) sont inspirées d’œuvres de Lippi, à qui elles sont parfois attribuées. Cependant, même à ce stade précoce, le dessin lourd de Lippi devient léger et subtil entre les mains de son élève. De même, la tension dans les figures de Verrocchio et de Pollaiuolo est atténuée dans celle de Botticelli. Comparez, par exemple, Virtues de Piero del Pollaiuolo (1443-1496) à St Sébastien de Botticelli (Berlin-Dahlem). Le traitement typique de ce dernier est encore plus évident dans les deux scènes de la vie de Judith (Uffizi).
La Primavera de Botticelli (1478, Uffizi), peinte pour la Villa Medici à Castello, est l’une des interprétations les plus mémorables d’un mythe classique. Curieusement, son approche de l’Antiquité est très différente de celle des peintres de la Renaissance du début du XVe siècle, tels que Paolo Uccello (1397-1475), Fra Angelico (c.1400-55), et Tommaso Masaccio (1401-1428). Alors que ces premiers artistes ont généralement salué l’existence d’une nouvelle humanité dans un monde éclairé par de nouvelles perspectives et opportunités, Botticelli a préféré créer un univers classique qui soit avant tout une évocation du passé – une évasion de la réalité. Ainsi, par exemple, les bâtiments qui apparaissent dans le décor de l’Adoration des mages (1475, Uffizi) ne sont pas présentés dans leur état d’origine, mais sous forme de ruines romantiques.
Fresques de la chapelle Sixtine
Commandé avec Domenico Ghirlandaio (1449-94) Perugino (1445-1523) et Cosimo Rosselli (1439-1507), trois des plus célèbres peintres du jour, pour décorer la chapelle Sixtine (1481-2) avec des fresques, il semble avoir été contrarié par la nécessité de créer une, récit lié. En comparaison, les personnages de la Primavera ne sont pas liés par un dialogue narratif, mais par des rythmes linéaires imperceptibles, ce qui facilite la création d’une scène unique. La meilleure partie de ces Fresques de la chapelle Sixtine est dans leurs détails, tels que les enfants avec du bois de chauffage, et les portraits évocateurs de personnes, comme Zephora, une des filles de Jethro ) Trials of Moses, 1482, Chapelle Sixtine).
Retours à Florence: 1482-98
Après son retour à Florence, Botticelli a terminé son plus célèbre peintures religieuses, y compris la Vierge du Magnificat et la Vierge de la Grenade (les deux Offices). Ses rythmes circulaires conviennent particulièrement bien au médium ainsi qu’à la disposition harmonieuse des figures. Il a également peint le retable de saint Barnabus (1490), le couronnement de saint Marc (1490), ainsi que l’Annonciation (1490) pour les moines de Cestello (palais Uffizi et Pitti, Florence). Sur ces images, une ligne plus nette est visible, ainsi que plus de force dans les gestes et un rythme linéaire beaucoup plus grand, notamment dans le drapé de l’Annonciation.
La ligne de Botticelli avait atteint sa limite dans La Naissance de Vénus (1484, Uffizi), en particulier dans la masse de cheveux blonds. Les tableaux suivants, tels que le Pieta (Alte Pinakothek, Munich) et la Nativité mystique (1500, National Gallery, Londres), ainsi que les différentes versions des Trois miracles de Saint-Zénobe (1500-15, National Gallery, Londres; Metropolitan Museum, New York; Gemaldegalerie, Dresde) se différencient par la rupture de la ligne, ainsi que par l’intensité et l’audace des Couleur.
La majeure partie de la production de Botticelli était consacrée à art religieux, y compris la fresque peinture murale, aussi bien que retable d’art et autres travaux décoratifs. En outre, il a également produit quelques exemples remarquables de peinture mythologique (comme Primavera et la naissance de Vénus), ainsi que plusieurs exemples de portrait d’art : quelques autoportraits apparaissent également dans ses peintures. Il était aussi un virtuose de l’art de dessin, comme illustré par ses illustrations pour un manuscrit de la Divine Comédie de Dante (1490), pour Lorenzo di Pierfrancesco de Medici. Les quelque 90 dessins restants sont répartis entre la bibliothèque du Vatican et le Kupferstichkabinett, Berlin.
Savonarole et conséquences: 1498-1510
Le sermon de Savonarole et sa mort en 1498 provoquèrent une crise spirituelle chez Botticelli, comme dans d’autres comme Fra Bartolommeo (1472-1517). Il vivait avec son frère Simone, un partisan actif de Savonarola, dont les sermons soulignant la corruption et la décadence de fin de siècle Florence ont probablement causé à Botticelli quelques doutes sur son comportement passé. Compte tenu de cela, il n’est peut-être pas surprenant qu’il se soit tourné vers une forme de peinture d’histoire plus moraliste ) Calumny, 1495, Uffizi). En même temps, il était également inspiré par des récits vertueux: voir The Story of Virginia (environ 1 646-1504, Accademia Carrara, Bergame) et The Story of Lucretia (environ 1 466-1504, Musée Isabella Stewart Gardner, Boston). Les images sacrées de ses dernières années, comme la dramatique Natic Mystic (1500, National Gallery, London), contiennent des allusions morales à la méchanceté de l’Italie et à son châtiment inévitable. Dans la Crucifixion (Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts), il utilise une séquence allégorique dante-esque mettant en scène un renard, un ange et un loup, adossée à une tempête florentine.
La réputation d’artiste et d’héritage
Malgré sa grande qualité, la peinture de Botticelli n’a eu aucun effet particulier sur ses contemporains. Son élève Philippin lippi (1457-1504) fut l’un des rares à comprendre son art, contrairement à d’autres adeptes tels que Jacopo del Sellaio (1441-93) et Bartolommeo di Giovanni. Quant à la nouvelle génération du 16ème siècle, ils étaient beaucoup plus intéressés par la nouvelle manière créée à Florence par Léonard de Vinci (1452-1519), Raphaël (1483-1520), et Michelangelo (1475-1564). Ce qui explique peut-être pourquoi il est mort dans l’obscurité, à l’âge de 65 ans.
Botticelli était l’interprète visuel idéal pour l’humanisme raffiné de la société florentine et de ses dirigeants médicis. Son idéalisme lyrique était très différent de la peinture bourgeoise de Ghirlandaio et du réalisme fantastique de Piero di Cosimo (1462-1521). En conséquence, Botticelli fut vite oublié et ce ne fut que vers la fin du 19e siècle, quand il fut «réinterprété» par John Ruskin (1819-1900) et Préraphaélites comme Edward Burne-Jones (1833-98), avec d’autres adeptes de Art Nouveau, qu’il a été remis à sa position comme l’un des meilleurs Maîtres Anciens du quattrocento.
Il y a des botticelles dans plusieurs des meilleurs musées d’art en Europe et en Amérique: la plus grande participation peut être vue dans le Uffizi Florence
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