Léonard de Vinci Automatique traduire
Léonard de Vinci (1452-1519)
introduction
Un des meilleurs Maîtres Anciens du Renaissance italienne, Leonardo da Vinci a excellé en tant que peintre, sculpteur, ingénieur, architecte et scientifique. De même que Michelangelo (1475-1564) et Raphaël (Raffaello Santi) (1483-1520), il est considéré comme l’un des trois grands créateurs de Art de la haute renaissance en Italie (1490-1530). Reconnu comme un maître de peinture à l’huile, y compris les techniques picturales de clair-obscur (utilisation de l’ombre pour créer un effet 3D) et sfumato (utilisation de glaçures dans des tons de couleur légèrement différents créant une transition presque imperceptible du clair au foncé), les deux techniques sont visibles dans son chef-d’œuvre, Mona Lisa. Malheureusement, les dons créatifs de Leonardo étaient si variés qu’il ne réalisa qu’une poignée de projets artistiques. Malgré tout, il était responsable de plusieurs chefs-d’œuvre de Art de la Renaissance, y compris la Mona Lisa (1503-6, huile sur panneau, musée du Louvre), l’un des plus grands portraits ; L’homme de Vitruve (1492), sans doute le dessin le plus connu au monde; et The Last Supper (1495-1438, fresque à l’huile et à la tempera, Santa Maria delle Grazie, Milan), l’un des tableaux bibliques les plus connus de tous les temps. Malheureusement, seule une fraction de son art survit (environ 15 images au total), notamment à cause de sa soif d’expérimentation (souvent désastreuse) avec de nouvelles techniques de peinture. Malgré tout, ces quelques peintures, ainsi que plusieurs cahiers de croquis regorgeant d’exemples de dessin de la figure (y compris certains des meilleurs dessins de la Renaissance), ainsi que des études anatomiques, des diagrammes scientifiques et son point de vue sur les techniques et l’esthétique de la peinture, constituent un héritage égal à celui de Michel-Ange. Avec une réputation établie comme l’un des Meilleurs artistes de portrait et aussi l’un des Meilleurs peintres d’histoire, Leonardo est considéré par la plupart des experts en art comme l’un des Meilleurs artistes de tous les temps.
Petite vie et carrière à Florence
Né Léonard de Piero da Vinci à Vinci, près de Florence, il a suivi une formation dans le prestigieux atelier du célèbre sculpteur florentin, peintre et orfèvre. Andrea del Verrochio (1435-88), où il a reçu la meilleure éducation disponible pour un jeune artiste grandissant au cours de la Renaissance à Florence. Le studio était au cœur des courants intellectuels croisés du quattrocento et a servi de point de départ à de nombreux artistes de grand talent, dont Domenico Ghirlandaio (1449-94) Perugino (1450-1523), Botticelli (1445-1510) et Lorenzo di Credi (1458-1537).
À Florence, Leonardo a absorbé une vaste gamme de compétences techniques en dessin (y compris les finesses de la perspective linéaire dans lequel Verrochio a excellé) peinture, sculpture et modelage – ainsi que orfèvrerie, travail des métaux et coulée de plâtre. En outre, Florence était au centre de Début de la renaissance activité, abritant d’éminents artistes comme Donatello (1386-1466), Paolo Uccello (1397-1475), Piero della Francesca (1415-92), Filippo Lippi (1406-69) et Leon Battista Alberti (1404-72), dont les œuvres ont décoré la ville. Les études de la lumière et de la perspective réalisées par Piero della Francesca, ainsi que par le Traité Della Pittura d’ Alberti ont eu un impact significatif sur Leonardo, de même que le traitement de la lumière et de l’ombre par Masaccio (1401-28) dans le Fresques de la chapelle Brancacci. Une autre influence fut l’arrivée à Florence du peintre novateur de Gand. Hugo van der Goes (d.1482), qui a apporté avec lui un certain nombre de nouvelles techniques de peinture à l’huile du nord de l’Europe.
En tant que jeune apprenti, Leonardo a montré un talent immense et il était clair qu’il jouerait un rôle important dans Peinture début Renaissance. En effet, après avoir vu l’ange de son élève à gauche dans Le baptême du Christ (1470, Galerie des Offices), Verrocchio aurait résolu de cesser complètement de peindre et de se concentrer sur la sculpture. Léonard est resté avec Verrocchio jusqu’à ce qu’il installe son propre atelier en 1477/8, bien que son attachement à son professeur fût tel qu’il continua de collaborer avec lui pendant quelques années.
En 1478, Leonardo était un artiste indépendant, bien que sa commande initiale d’un retable pour la chapelle du Palazzo Vecchio n’ait jamais été exécutée. Parmi les autres œuvres datant de cette époque, on compte la Madone Benois (vers 1878, Galerie de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), le portrait Ginerva de Benci (vers 1944, Galerie nationale des arts, Washington DC) et l’inachevé Saint Jérôme, Pinacothèque, Vatican).
À Milan avec Ludovico Sforza
En 1482, inquiet et ambitieux, Leonardo abandonna sa première grande commission, l’Adoration des mages (commencée en 1481, Uffizi), et entra au service du duc de Milan, Ludovico Sforza, avec qui il resta jusqu’à la chute de ce dernier. 1499. C’est durant cette période que Leonardo atteint le sommet de sa carrière artistique. En plus de peindre et de sculpter, il a servi l’ingénieur en chef de Ludovico Sforza dans de nombreuses aventures militaires et a également été actif en tant qu’architecte et concepteur de festivals. Il a également aidé le mathématicien italien Luca Pacioli dans son célèbre ouvrage Divina Proportione (1509).
Quelques années après son déménagement à Milan, son atelier était en effervescence. De 1485 à 1495, il achève de nombreuses études sur la peinture, l’architecture, la mécanique et l’anatomie humaine. Il enregistre dans une série de cahiers des détails abondamment illustrés.
En effet, l’ampleur des talents et des intérêts de Da Vinci a conduit à un grand nombre de projets artistiques inachevés. Par exemple, au cours de ses 17 années à Milan, il n’a achevé que six œuvres, s’attardant parfois sur une peinture pendant des années avant de la terminer.
Les principaux tableaux de la période milanaise de Léonard incluent deux versions de Vierge des Rochers (1483-85, musée du Louvre; années 1490 à 1506-08, galerie nationale, Londres), commandé pour la Confraternité de l’Immaculée Conception; Le portrait Dame avec une hermine (Cecilia Gallerani) (1490, Musée Czartoryski, Cracovie); et The Last Supper (1495-8), une peinture murale pour le réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie. Hélas, à peine ce dernier achevé, il commença à se détériorer du fait de l’utilisation expérimentale par Leonardo de l’huile sur du plâtre sec. Son plus grand travail commandé était un colossal sculpture en bronze – un monument à Francesco Sforza, père de Ludovico, dans la cour du Castello Sforzesco. Cela aussi n’a jamais été fini et a ensuite été détruit.
Années suivantes 1500-19
Après la chute de son mécène Ludovico Sforza en 1499, Léonard de Vinci passa la première décennie et demie du cinquecento (XVIe siècle) voyageant à travers l’Italie, travaillant pour différents maîtres. De retour à Florence en 1500, il séjourna au monastère de Santissima Annunziata où, selon Giorgio Vasari (1511-1574), dans son livre Vies des artistes, Leonardo crée le dessin de La Vierge et l’Enfant avec Sainte Anne et Saint Jean-Baptiste, une œuvre tellement admirée que de très nombreuses foules la parcourent.
En 1502, il entra au service de Cesare Borgia, fils et général en chef du pape Alexandre VI. En 1503, il fut nommé à la commission des artistes chargés de la relocalisation de la statue en marbre de David par Michelangelo (1501-4). La même année, il commence à concevoir une murale décorative pour la grande salle du Palazzo Vecchio à Florence. Cela aussi n’a jamais été achevé, bien que son dessin en taille réelle de la murale soit conservé dans des copies, notamment de Peter Paul Rubens (vers 1615, musée du Louvre). Au même moment, il commence à travailler sur sa peinture la plus célèbre – la Mona Lisa (1503-6, huile sur panneau, musée du Louvre).
En 1506, Leonardo est invité à retourner à Milan par son gouverneur français, Charles d’Amboise. Puis, en 1507, il fut nommé peintre de la cour du roi de France Louis XII, alors domicilié à Milan. Ironiquement, sa principale commission milanaise était pour un statue équestre de Gian Giacomo Trivulzio, le général français qui a renversé le mécène de Leonardo, Ludovico Sforza. Encore une fois, le projet n’a pas été réalisé, même si les dessins ont été préservés. Au cours des six années suivantes, Leonardo voyagea entre Milan et Florence. De 1514 à 1516, Leonardo était basé à Rome où il maintenait un atelier et réalisait divers projets pour le pontife, le pape Léon X (Giovanni de Medici). Cependant, en raison de son incapacité notoire à achever ses travaux, ces commissions papales n’avaient qu’une importance mineure. En conséquence, contrairement à Raphaël et Michel-Ange, qui jouissaient tous deux de la confiance de plusieurs papes et étaient donc profondément impliqués dans la Renaissance à Rome, Leonardo a peu joué dans le développement artistique de la capitale italienne. Il n’a pas non plus joué un rôle actif dans Renaissance à Venise, ne faisant que des visites occasionnelles dans la ville. C’est Florence qui a continué d’être sa base principale pendant son séjour en Italie, bien que, quelque peu surprenant, son implication dans la Famille Médicis à Florence était très limité.
En 1516, il fut créé premier peintre et ingénieur et architecte du roi par François Ier de France, qui devint ainsi le dernier mécène de Léonard. Il a reçu une généreuse allocation et a été logé au château de Cloux, où il est décédé le 2 mai 1519. Selon la légende, le roi François Ier aurait bercé la tête de Léonard dans sa mort.
Leonardo Da Vinci: en tant qu’artiste
Depuis près de cinq cents ans, la réputation d’artiste de Léonard de Vinci s’appuie sur une poignée de tableaux considérés comme faisant partie des chefs-d’œuvre suprêmes jamais créés. La qualité virtuose de ces œuvres réside dans une combinaison de esthétique et technique picturale, notamment grâce à son talent exceptionnel dans le médium relativement nouveau de la peinture à l’huile.
Son dessin unique, illustré dans son autoportrait (vers 1510-13, Biblioteca Reale, Turin), est également visible dans son corpus de dessins plus vaste, que l’on peut voir dans de nombreuses grandes collections d’art européen, notamment Collection d’art royal britannique au château de Windsor en Angleterre. Malheureusement, aucun des projets sculpturaux de Leonardo n’ayant été achevé, son art en trois dimensions ne peut être évalué que par son dessin. On peut en dire autant de son architecture, où sa maîtrise du sujet ressort clairement de ses conceptions et dessins architecturaux.
Leonardo a passé une grande partie de sa vie à essayer de créer des peintures réalistes et réalistes, contrairement aux œuvres très stylisées de art religieux. En décrivant ses Madones et ses personnages comme des personnages réels, Leonardo a démontré sa parfaite maîtrise des techniques de peinture, y compris la perspective, le clair – obscur et le sfumato, ce qui lui a permis de créer des effets tridimensionnels extrêmement réalistes. Cette nouvelle approche réaliste, accompagnée de sa maîtrise des deux disegno (conception et colorito (pigments de couleur) a eu un impact considérable sur les générations futures d’artistes, y compris les Caravage (1571-1610).
Le réalisme de Léonard devait beaucoup à son étude du corps humain au cours de sa vie. Cela a commencé avec son apprentissage chez Andrea del Verrocchio, puis sa dissection de cadavres humains dans des hôpitaux de Florence, Milan et Rome. Plus tard, en 1510, il collabore avec le Dr Marcantonio della Torre à un travail théorique sur l’anatomie (finalement publié en 1680) pour lequel Leonardo a réalisé plus de 200 dessins. Dans l’ensemble, Da Vinci a été le premier peintre à étudier les proportions anatomiques d’hommes, de femmes et d’enfants, et à observer de près les effets de l’âge et des émotions sur la physiologie humaine. Il a également esquissé de nombreuses figures souffrant de malformations faciales ou de signes de maladie, créant parfois un type de caricature portrait de son sujet.
L’artiste intellectuel
Leonardo a beaucoup insisté sur les aspects intellectuels de la peinture. Cela l’a amené, avec Michel-Ange, à défendre l’idée que les artistes étaient de véritables penseurs créatifs, pas seulement des artisans qualifiés.
Peinture de Léonard de Vinci
Remarque: pour l’analyse et l’interprétation des chefs-d’œuvre de Léonard de Vinci, veuillez consulter Tableaux célèbres analysés.
Paysage avec vue sur l’Arno (1473)
La première œuvre qui puisse être définitivement attribuée à Léonard de Vinci est le célèbre dessin de paysage des Uffizi ) Paysage avec vue de l’Arno) daté de 1473. Il est possible que jamais dans l’histoire de l’art la première œuvre d’un artiste de génie si individuel, si original ou si complexe que ce dessin, qui porte en lui le germe de l’histoire. Ce premier paysage coïncide, dans sa traduction de la manifestation dynamique de la nature, avec les concepts théoriques et stylistiques développés plus tard par le très mûr Léonard. La vision est capturée à un moment dynamique spécifique et présente une série de perspectives en perspective, chacune avec son propre point focal précis; de cette manière, il se démarque totalement de la tradition de la représentation avec son unique point central. Cette structure complexe révèle l’essence de Leonardo art, son incomparable équilibre entre volonté artistique et émotion poétique; le rejet de la forme géométrique rigide de la perspective albertienne coïncide avec un énorme pouvoir émotionnel.
Baptême du Christ (1475-8)
Le problème le plus complexe concernant les premières années de Léonard de Vinci réside dans l’étendue de sa collaboration, alors qu’il est toujours membre de l’atelier de Verrocchio, dans le célèbre baptême du Christ, qui est toujours attribué à Verrocchio, dans la Galerie des Offices. Comme déjà mentionné, Botticelli travaillait dans l’atelier de Verrocchio en même temps que Leonardo et il a été prouvé (par CL Ragghianti) que l’ensemble du tableau est l’œuvre de ces deux peintres. La tradition a toujours attribué à Leonardo le premier ange à gauche et le paysage de fond derrière lui. Il a été décidé que le paysage de droite est également l’œuvre de Leonardo; l’intensité visionnaire avec laquelle cette section est rendue n’a été réalisée par aucun autre artiste. En examinant de plus près, nous voyons que la peinture de la figure du Christ porte également les traces de ce nouveau style caractéristique et indéniable, malgré une certaine tension graphique qui pourrait indiquer qu’elle avait déjà été esquissée par Botticelli; et le traitement éclatant de l’eau d’où proviennent les personnages révèle également la main du jeune Leonardo.
Madone de l’oeillet (1473-8)
Il ne fait aucun doute que la Vierge à l’oeillet de l’Alte Pinakothek, à Munich, montre en grande partie l’influence de Verrocchio. Mais l’élément de nouveauté de cet ouvrage se trouve dans la prolifération infinie de relations perspective-structure qui crée, dans les figures de Madonna and Child, des climax et des moments de repos, des tourbillons et des effets de lumière dramatiques, un traitement complexe et complexe du paysage en profondeur. Ici, une trace de fantaisie nordique rappelle la récente incursion flamande dans l’art florentin, avec le Van der Goes à Santa Trinita et le Van Eyck au Palazzo Medici; le monde de la fable inventé par ceux-ci Peintres flamands réapparaît vêtu du mysticisme unique de Leonardo.
Madone Benois (c.1478)
La soi-disant Madone Benois de l’Ermitage, Leningrad, est un cas similaire. Malgré quelques variations iconographiques, les bases de la composition peuvent déjà être vues dans l’esquisse préparatoire. C’est un dessin formidable: définissant rapidement la partie supérieure des personnages, le pinceau de l’artiste suit la ligne des jambes de l’enfant et de la main de Madonna; Les pentimenti ("secondes pensées") deviennent un moyen indispensable de souligner le mouvement, le jeu de lumière sur la jambe de l’enfant, tandis que la partie inférieure du corps est assombrie par une lourde ombre d’encre qui équilibre les mouvements des jambes. La relation entre mouvement et émotion (comme on peut le voir, par exemple, dans le courant de mouvement entre le geste de l’enfant et son expression quand il regarde la fleur que lui a tendue sa mère), donne lieu à la continuité lyrique de la figure de la mère, un type qui devait rester le modèle de la première Madone peinte par Raphaël en tant que jeune artiste à Florence.
L’annonciation (1475-8)
L’œuvre la plus célèbre et incontestée des années formatrices de Léonard de Vinci est sans aucun doute l’ Annonciation (1475-1438), peinte pour le monastère de San Bartolomeo a Monteoliveto, aujourd’hui Galerie des Offices, Florence. Il s’agit d’un type de composition classique dans lequel la structure de la perspective, du moins en ce qui concerne l’élément principal et le plus important, joue le rôle de facteur de contrôle et englobe l’ensemble de la composition dans son réseau étroit d’axes et de co-directions. les ordonnées – elles se rejoignent dans le petit monticule qui longe le mur du côté droit du tableau. Un premier éloignement de la tradition considérée jusqu’ici comme historiquement nécessaire produit une composition libre et imaginative dans laquelle des relations infinies se créent continuellement au sein de la peinture et entre le sujet principal et l’espace environnant. On voit aussi que chaque épisode présent sur la toile est organisé en éléments ayant chacun une existence autonome. Le geste de la Madone encadré par l’aile en saillie de l’édifice coïncide avec le reflet de la lumière qui tombe sur la pierre, tandis que le réseau en perspective serré de la poitrine, le mouvement contrôlé du geste suspendu interposé, et le retrait de la tête, deviennent des signaux éphémères d’émotion. Ce travail en soi a pu donner une nouvelle direction à Renaissance florentine l’art, après les drames répétitifs des dernières œuvres de Donatello et le mouvement vers des formes démodées de la tradition Careggi par des artistes soucieux de la continuité.
Portrait de Ginevra de Benci (1478-79)
Le portrait de Ginevra de Benci est également presque entièrement peint en monochrome. Cependant, bien que dans ce cas la peinture soit terminée, les tons chair montrent une tendance à la pâleur lunaire, tout comme dans l’ Adoration inachevée, en grande partie monochrome, et le rapport de la figure à l’espace est obtenu par l’intermédiaire du bosquet symbolique. maintenant dense et étincelant sous un ciel du soir, alors que la lumière s’estompe et enveloppe le monde de rayons pâles – l’heure décrite par Leonardo comme étant idéale pour le peintre. Ce portrait a probablement été peint entre 1478 et 1479 et est peut-être la dernière œuvre produite par Leonardo lors de son premier séjour à Florence; En 1478, il partit pour Milan, rejetant avec dédain les règles de l’Académie néo-platonicienne, qui le considérait comme un homme indifférent, un objet de mépris.
Adoration des mages (c.1481)
Dans l’ Adoration des mages finie, également dans la Galerie des Offices, la vision, en arrière-plan à droite, constitue le pivot de toute la composition. La scène sacrée traditionnelle de l’iconographie florentine, illustrée dans des couleurs éclatantes par les plus grands peintres de la quattrocento , et utilisé par Gozzoli et Botticelli comme moyen d’agrandir et de glorifier la Maison des Médicis et son Académie, revêt dans l’esprit de Léonard une dimension tout à fait différente. Autour du groupe de la mère et de l’enfant, placé au centre du tableau, une mer de personnages émerge des visions hallucinatoires en arrière-plan; les personnages bougent et tournoient comme des visionnaires mystiques dans un état d’exaltation prophétique. Aux côtés, deux personnages pensifs sont immobiles, absorbés par leurs pensées. L’événement a acquis une dimension mystérieuse, presque ésotérique; la nature entre dans l’acte divin presque au seuil de la création et présente une scène de ruine et de destruction à travers laquelle les cris et les gestes de l’homme résonnent tandis que l’impressionnante nouvelle est acheminée à l’extérieur. Ici encore, comme dans Paysage et Annonciation, un point central dirige la perspective de la composition et envoie des ondulations de mouvement intérieur. Dans ce cas, le discours est devenu beaucoup plus complexe et rigoureux; le rejet de Couleur est devenu une question de choisir non pas d’imiter l’effet de la sculpture ou de l’architecture, mais de rendre l’atmosphère et la lumière. L’effet «inachevé» – le « non fini» – qu’il soit accidentel ou intentionnel, sert à multiplier dans toute la mesure du possible les réverbérations de l’émotion, la dynamique infinie des poches de lumière, ici dénuées de tout caractère épisodique et devenant identifié avec l’action humaine.
Saint Jérôme (1480-2)
Saint Jérôme de Léonard de Vinci a été également peint à cette époque. Musée du Vatican. Les figures ici sont des symboles presque emblématiques, et l’espace s’approfondit par nuances de monochromes, allant des tons ocre à l’avant-plan, en passant par les tons crayeux livides de la figure, aux tons bleutés imperceptibles de l’arrière-plan gauche. Et si, comme l’ont souligné certains historiens de l’art, la répétition dramatique des figures révèle des signes de l’apprentissage de Leonardo dans le style Pollaiolo, c’est la solution de Leonardo en termes de lumière et d’espace qui caractérise le nouveau climat de l’art.
La Vierge des Rochers (1483-1755)
Vers 1483, Leonardo reçut de la Confraternité de la Conception de Milan une commande pour peindre un triptyque représentant la Vierge, Jésus et deux anges; cela est devenu la Vierge des Rochers, sans doute le plus célèbre La peinture il devait le faire à Milan. (Remarque: il semble que le duc de Milan, Ludovico Sforza lui-même, a pris possession du tableau et a obligé Léonard à en faire une réplique. Ce qu’il a fait en 1495. La première version est au Louvre, la deuxième version est au National Gallery, Londres). Il ne fait aucun doute que le traitement de la lumière de Leonardo a atteint sa forme la plus complexe. Deux sources de lumière – l’une plus nette, à l’arrière-plan, l’autre plus indéterminée, à l’avant-plan – régissent la composition, baignant les formes dans une réflexion un peu aqueuse qui multiplie la dynamique de la vision à l’infini. La texture varie entre le coup de pinceau rapide et une définition graphique du feuillage complexe, et atteint un effet atmosphérique extrêmement intense lorsque les deux sources de lumière sélectionnent certains des détails émergeant de la lueur étouffée. Son imagination débordante transfigura les éléments de la peinture nord-européenne puis de la mode à Florence, en des œuvres d’une telle grandeur poétique qu’elles ont influencé le développement de la forme artistique jusqu’à nos jours. Pour plus de détails, voir: Vierge aux rochers de Leonardo.
Dame à l’hermine (1488-90)
L’une des œuvres les plus lyriques qu’il ait peintes à la cour lombarde est le portrait de Cecilia Gallerani, maîtresse de Lodovico il Moro; le magnifique portrait connu sous le nom de Dame à l’hermine, à Cracovie. L’élan visionnaire des dernières œuvres florentines semble avoir cédé la place à une contemplation sereine d’une forme continue, sur laquelle une lumière égale produit une impression d’apesanteur, tandis que l’effet dramatique se concentre dans le grand, hypersensible, presque douloureux. main tenant l’animal symbolique. Pour l’analyse, voir: Dame à l’hermine de Leonardo.
Homme de Vitruve (c.1492)
L’homme de Vitruve (maintenant dans le Galerie de l’Académie de Venise) est un dessin de renommée mondiale accompagné de notes créées par Léonard de Vinci vers 1492 et consignées dans un de ses journaux. Il représente un homme nu dans deux positions superposées, les bras et les jambes écartés dans un cercle et un carré. Parfois désigné comme le Canon des proportions, il a été créé pour étudier les proportions du corps humain (masculin) telles que décrites par l’architecte romain. Vitruve (c.78-10 AEC). Il reste aujourd’hui l’une des images les plus copiées au monde.
Le dernier souper (1495-7)
Vers 1495, Leonardo Da Vinci commença à travailler à La Cène ) Il Cenacolo) dans le réfectoire du monastère Santa Maria delle Grazie à Milan. (Remarque: pour une analyse de ce travail, voir: Last Supper de Leonardo.) Pour ce chef d’œuvre de Art chrétien, il a expérimenté une technique d’empâtement à base d’huile et de tempera, à poser sur un mur recouvert d’une couche de vernis à base de gesso. Mais la technique s’est révélée insatisfaisante et la peinture s’est rapidement détériorée, à tel point qu’elle a été décrite comme étant complètement ruinée au milieu du XVIe siècle et, après de nombreuses restaurations jusqu’à nos jours, la fresque maintenant voir est seulement une ombre de l’original peint par Leonardo.
Sous la voûte Bramantesque de la salle, la scène se déroule sur un fond de perspective classique avec un point central. Il y a un effet illusoire de prolongement, car la pièce s’ouvre sur la campagne par les arches du fond. La large échelle des figures est ainsi placée dans une structure adaptée à la mesure humaine selon la norme de la Renaissance; cela donne l’effet de la monumentalité qui devait caractériser le tableau du XVIe siècle. Toutes les figures principales sont soigneusement disposées de manière à s’équilibrer ainsi que les figures des autres groupes. Cet équilibre calculé est renforcé par la lumière diffuse diffusée sur l’ensemble de l’œuvre, de sorte que la figure du Christ, partiellement à contre-jour, se détache sur le fond de craie lumineux.
L’image montre la scène de la dernière Cène des derniers jours de Jésus, comme le dit l’évangile de Jean 13:21, juste après que Jésus a annoncé qu’un de ses douze apôtres le trahirait. Il montre les réactions de chaque disciple à la nouvelle. Un exemple célèbre de peinture d’histoire – il affiche le mouvement dramatique et le clair – obscur (représentation de la lumière et de l’ombre) qui caractérisent le style mature de Leonardo.
Chacune des figures est placée de manière à occuper une partie définie de l’espace, qui varie à peine d’une figure à l’autre (sauf dans la partie centrale où la figure du Christ est mise à part), et a pour effet de concentrez la plus grande intensité sur le point central, où le moment dramatique est concentré et maintenu pour toujours. La tradition d’isolement de la figure de Judas sur le bord extérieur d’un tableau, que Leonardo a suivie dans ses esquisses préparatoires à cet ouvrage, a été abandonnée dans la version finale afin d’éviter la fragmentation et un déclin consécutif de l’effet dramatique.
La peinture contient plusieurs allusions au numéro 3 (peut-être la Sainte Trinité). Les disciples sont assis en groupes de trois; il y a trois fenêtres; et la figure de Jésus ressemble à un triangle.
Les récits de l’exécution minutieuse de La Cène par Leonardo ont amené beaucoup à le considérer comme l’initiateur de l’idée du peintre en tant que penseur contemplatif et créatif, plutôt que comme un simple commerçant dont le travail était de couvrir autant de mètres carrés par jour. Cette notion concernant la dignité de l’artiste a été reprise et développée par Michel-Ange et d’autres peintres du XVIe siècle.
The Last Supper n’est pas un vrai fresque Puisqu’il a été peint sur un mur sec plutôt que sur du plâtre humide, Da Vinci a scellé le mur de pierre avec une couche de poix, de gesso et de mastic, puis a recouvert de tempera. Cette méthode de peinture a entraîné une détérioration notable au fil des ans.
La peinture a fait l’objet d’une interprétation sans fin (par exemple, dans le roman, le code de Da Vinci), mais la plupart des spéculations ne sont pas confirmées par des études scientifiques.
La Mona Lisa (c.1503-6)
Ce travail exquis de haute renaissance portrait d’art est nommée d’après son sujet, Lisa del Giocondo, née Lisa Gherardini, épouse d’un marchand florentin. En Italie, on l’appelle La Gioconda. ("Mona" est une forme d’adresse comme "Madame" ou "ma dame"). Pour l’interprétation et l’analyse, voir: Mona Lisa par Leonardo.
La Mona Lisa a apporté un élément révolutionnaire au développement du concept de portrait de la Renaissance. À quelques exceptions près, les portraits d’artistes de la fin du XVe siècle avaient tendance à devenir schématiques, mais la relation entre la figure et l’arrière-plan ne dépend plus de la récession habituelle des plans, même en gradation. L’effet en partie prévu dans le Portrait de Ginevra de ’Benci est totalement atteint, et la Mona Lisa est un instant d’illumination totale, portée avec une intensité égale à travers les rochers et le ciel en arrière-plan. Le célèbre sourire «énigmatique» devient ainsi un véhicule subtil pour la réfraction de la lumière; c’est comme si nous étions présents à la naissance même de la lumière, comme si la splendeur de ce moment ne pourrait jamais être répétée et que la lumière n’a plus jamais la même intensité. Notez le détail du visage, montrant l’effet d’ombrage subtil du sfumato, en particulier dans l’ombre autour des yeux et de la bouche. Sa technique de sfumato a influencé de nombreux contemporains, notamment Andrea del Sarto (1486-1530), le chef de file Peinture haute renaissance à Florence après 1510. La Mona Lisa était un favori de Leonardo et l’accompagna dans tous ses voyages.
La Mona Lisa est l’exposition centrale du Musée du Louvre à Paris. Certains conservateurs d’art y attachent une valeur d’environ 1 milliard de dollars. Sa beauté et son effet visuel résident dans la technique de peinture à l’huile (connue sous le nom de sfumato), créée par Leonardo, qui lui a permis d’exécuter le type de nuance atmosphérique subtile qui était impossible à produire avec la base à base d’oeuf. peinture tempera utilisé par ses contemporains.
La Vierge et l’Enfant avec sainte Anne et saint Jean-Baptiste (1500-158)
En 1500, Leonardo est rentré à Florence et est resté chez les moines de la Santissima Annunziata, pour qui il a peint La Vierge à l’Enfant avec sainte Anne (dessin animé à la National Gallery de Londres; tableau au Louvre). La relation spatiale inhabituelle entre les figures elles-mêmes et entre les figures et l’arrière-plan était une grande innovation structurelle, adoptée plus tard par Raphaël (1483-1520). Fra Bartolommeo (1472-1517), Andrea del Sarto (1486-1530) ainsi que des exposants de Maniérisme et en fait imité par les peintres tout au long du XVIe siècle. L’importance de cette œuvre sera mieux comprise si l’on considère qu’elle a été réalisée à une époque qui a peut-être été le moment le plus crucial de la peinture des XVe et XVIe siècles, lorsque l’influence de l’enseignement des grands maîtres florentins de la génération précédente subsistait encore. attardés, alors que de jeunes artistes de la même génération que Leonardo (parmi lesquels Botticelli, par exemple) ont été emportés par les fantastiques imaginaires d’artistes flamands qui leur sont parvenus Piero di Cosimo (1462-1522). L’œuvre de Sainte-Anne inaugure une nouvelle période de l’histoire de l’art de la Renaissance, à l’instar des familles saintes de Raphel et de Doni Tondo de Michelangelo. C’est la période trop souvent définie par le terme pseudo-historique classicisme. C’est en fait, bien au contraire: une manière très révolutionnaire d’énoncer la relation entre l’homme et l’objet, avec une flexibilité bien plus grande et une variété illimitée, allant bien au-delà de la représentation figurative et portant la marque d’un des moments cruciaux de l’histoire de la société. art.
Saint Jean Baptiste (1513-16)
Leonardo est retourné à Milan, puis est parti pour Rome et a fui en France; dans sa vieillesse inquiète et colérique, il ne réalisa qu’un seul tableau, le saint Jean-Baptiste, aujourd’hui au Louvre. Cette peinture exprime les conséquences extrêmes du traitement de la lumière par Leonardo; la lumière est filtrée en continu du fond sombre vers les plans les plus saillants au premier plan et devient elle-même une expression de l’espace et de la physionomie, fusionnant avec la figure et le visage, en se penchant en avant et en souriant énigmatiquement, et avec le relèvement symbolique de le doigt; ce n’est plus «une voix qui crie dans le désert» mais le gardien et le témoin d’un secret initiatique, un moyen de comprendre l’essence de l’humanité et donc l’essence cosmique. Respecté et même vénéré par la cour, réconforté par la compagnie de Melzi et Salai, le vieux Leonardo à moitié paralysé a estimé que sa vie touchait à sa fin.
Leonardo et le maniérisme
L’artiste, théoricien de l’art et biographe du 16ème siècle, Giorgio Vasari (1511-1574), célèbre pour son livre Vies des artistes (1550), a identifié la source de Peinture maniériste comme étant les œuvres de Léonard, Raphaël (1483-1520) et Michelangelo (1475-1564).
Sculpture de Léonard de Vinci
En raison de l’absence totale de tout complété sculpture, nous avons peu de connaissance exacte de l’activité de Leonardo Da Vinci dans ce domaine; La preuve documentaire et ses propres écrits prouvent qu’il se considérait également doué pour les deux arts. En fait, il considérait qu’il était particulièrement doué pour la tâche difficile du moulage du bronze. Son activité de jeunesse dans l’atelier de Verrocchio, lui-même sculpteur et dans une moindre mesure peintre, laisse penser qu’il aurait probablement fait ses débuts en tant qu’apprenti-sculpteur, bien que toutes les œuvres de sculpture attribuées à Les premières années de Léonard, de la Vierge à l’enfant en terre cuite du Victoria and Albert Museum au Portrait d’une dame avec des fleurs au Bargello, doivent être attribuées à Verrocchio lui-même ou à Antonio Rossellino. Il n’existe aucune preuve documentaire d’une sculpture qui puisse être attribuée à Léonard sans hésiter. Cette affirmation n’est pas infirmée par l’existence de bronzes et de cires qui ont été attribués à Léonard avec peu de justification, certains destinés à la décoration du monument Francesco Sforza, d’autres au Trivulzio monument. Ces deux monuments sont les grands projets qui ont occupé l’esprit de Leonardo pendant de nombreuses années, mais n’ont jamais été achevés. Il a été mentionné que Ludovico il Moro avait commandé un monument à la mémoire de Francesco Sforza et que Leonardo n’avait complété que le modèle en argile du cheval, qui avait ensuite été détruit. On peut avoir une idée claire de l’idée de base de ce monument dans la série de dessins au Silverpoint au château de Windsor, où nous voyons en particulier comment le traitement de la figure du cheval par Leonardo s’est développé d’un dessin à l’autre. Dans l’une des premières esquisses, il envisageait le cheval comme une figure en mouvement effectuant un saut dans l’espace, une vue qui rappelle les études de Léonard dans le monde. Antonio Pollaiuolo style. Plus tard, le cheval a été montré avec les quatre jambes au sol, dans la tradition classique, et de nouveaux développements ont été introduits avant que la version finale ne soit produite en 1493. Environ vingt ans plus tard, Leonardo était engagé dans un projet de monument funéraire à Giangiacomo. Trivulzio, un général au service du roi de France. Ce monument, situé dans l’église de San Celso à Milan, devait être constitué d’un sarcophage servant de base à une statue équestre de taille naturelle. Des études pour ce travail qui nous sont parvenues, nous voyons comment l’idée de la composition est née directement du plan final du monument Sforza. Le dynamisme restreint a donné une nouvelle signification à l’iconographie équestre traditionnelle telle que la voit la statue de Marcus. Aurelius ou les œuvres de Verrocchio et Donatello.
L’architecture de Léonard de Vinci
Il n’existe aucun ouvrage achevé pour témoigner des études de Léonard de Vinci dans le domaine de architecture ; nous savons qu’il a passé beaucoup de temps à planifier le dôme de la cathédrale de Milan et qu’il a produit d’innombrables plans de fortifications pour les ducs de Milan et Valentino. Mais l’oeuvre architecturale la plus intéressante laissée par Leonardo est son projet Trattato sull’architettura, dont il reste encore de nombreuses preuves. Nous savons que ce traité était prévu en deux parties, la première consistant en un exposé de la doctrine des ordres et des formes architectoniques, la seconde en un discours sur les techniques de construction. De fragments et de nombreux dessins qui restent (prototypes du dessin architectural analytique), il est évident que la très grande importance des théories de Leonardo réside dans le fait qu’elles constituent un lien entre les théories du XVe siècle – et pas seulement celles de Filippo Brunelleschi et Battista Alberti, mais aussi Filarete et Francesco di Giorgio – et les théories architectoniques classiques du monde mûr Donato Bramante. Ils devinrent plus tard le modèle du traité de Serlio sur les ordres d’architecture. Il faut voir dans cette préoccupation constante de l’investigation théorique, aboutissant à la création d’un idéal architectonique qui était plus valable comme théorie abstraite que comme réalisation pratique, la cause de l’échec de Leonardo à mener à bien ses innombrables idées.
Travaux théoriques: idées sur les beaux-arts
Leonardo a rempli d’innombrables cahiers avec une vaste gamme de esquisse, études et autres idées artistiques. Comptant finalement environ 13 000 pages de notes et de dessins, ces revues scientifiques et artistiques, dont son Traité de peinture (1651), ont depuis été acquises par de grandes institutions telles que la bibliothèque royale du château de Windsor, le Victoria and Albert Museum, la British Library. à Londres, le Louvre de Paris, la Biblioteca Nacional de España et la Biblioteca Ambrosiana à Milan, propriétaire du Codex Atlanticus en douze volumes. Le Codex Leicester de Leonardo (Codex Hammer) a été acheté par Bill Gates de Microsoft et est exposé chaque année dans différentes villes du monde.
Il ne fait aucun doute que son travail théorique le plus important est le Trattato della pittura, bien que malheureusement cela aussi nous soit parvenu sous forme fragmentaire. Ce traité est sans aucun doute la plus grande contribution à la théorie de la peinture produite à tout moment de la Renaissance. On y trouve un examen de tous les thèmes qui étaient en discussion à l’époque. Au premier rang de ceux-ci se trouve la querelle concernant la primauté des arts, que Leonardo s’installe naturellement en faveur de la peinture, qu’il classe comme une science naturelle en raison de la base scientifique et mathématique de cet art. Il poursuivit les théories promulguées par les premiers écrivains florentins sur la théorie de l’art, mais suivit une ligne de développement originale à travers le concept de "connaissance conquise par l’expérience" par opposition à ce qu’il considérait comme "les sciences spirituelles fallacieuses" des Traditions aristotéliciennes.Et c’est dans ce sens que la peinture a la plus grande valeur et qu’elle devient une science, voire un système philosophique. L’idée généralement admise du primat de la peinture parmi les arts donna naissance à toute une tradition culturelle qui dura tout au long du XVIe siècle, même dans des lieux où la pensée de Léonard de Vinci n’aurait pu pénétrer; mais le point de vue de Leonardo sur la suprématie de la peinture en tant qu’art et science combinés, capable de représenter une synthèse de toutes les formes d’expression, est absolument original. Léonard considérait l’essence de la peinture comme un relief, dans un modelage rigoureux à l’aide de la lumière et de l’ombre; un deuxième facteur fondamental de la peinture est l’expression psychologique, qui se manifeste principalement par le «mouvement», les traits et les gestes. Une autre partie importante de laUne autre partie importante de laUne autre partie importante de lamême un système philosophique. L’idée généralement admise du primat de la peinture parmi les arts donna naissance à toute une tradition culturelle qui dura tout au long du XVIe siècle, même dans des lieux où la pensée de Léonard de Vinci n’aurait pu pénétrer; mais le point de vue de Leonardo sur la suprématie de la peinture en tant qu’art et science combinés, capable de représenter une synthèse de toutes les formes d’expression, est absolument original. Léonard considérait l’essence de la peinture comme un relief, dans un modelage rigoureux à l’aide de la lumière et de l’ombre; un deuxième facteur fondamental de la peinture est l’expression psychologique, qui se manifeste principalement par le «mouvement», les traits et les gestes. Une autre partie importante de lamême un système philosophique. L’idée généralement admise du primat de la peinture parmi les arts donna naissance à toute une tradition culturelle qui dura tout au long du XVIe siècle, même dans des lieux où la pensée de Léonard de Vinci n’aurait pu pénétrer; mais le point de vue de Leonardo sur la suprématie de la peinture en tant qu’art et science combinés, capable de représenter une synthèse de toutes les formes d’expression, est absolument original. Léonard considérait l’essence de la peinture comme un relief, dans un modelage rigoureux à l’aide de la lumière et de l’ombre; un deuxième facteur fondamental de la peinture est l’expression psychologique, qui se manifeste principalement par le «mouvement», les traits et les gestes. Une autre partie importante de laL’idée généralement admise du primat de la peinture parmi les arts donna naissance à toute une tradition culturelle qui dura tout au long du XVIe siècle, même dans des lieux où la pensée de Léonard de Vinci n’aurait pu pénétrer; mais le point de vue de Leonardo sur la suprématie de la peinture en tant qu’art et science combinés, capable de représenter une synthèse de toutes les formes d’expression, est absolument original. Léonard considérait l’essence de la peinture comme un relief, dans un modelage rigoureux à l’aide de la lumière et de l’ombre; un deuxième facteur fondamental de la peinture est l’expression psychologique, qui se manifeste principalement par le «mouvement», les traits et les gestes. Une autre partie importante de laL’idée généralement admise du primat de la peinture parmi les arts donna naissance à toute une tradition culturelle qui dura tout au long du XVIe siècle, même dans des lieux où la pensée de Léonard de Vinci n’aurait pu pénétrer; mais le point de vue de Leonardo sur la suprématie de la peinture en tant qu’art et science combinés, capable de représenter une synthèse de toutes les formes d’expression, est absolument original. Léonard considérait l’essence de la peinture comme un relief, dans un modelage rigoureux à l’aide de la lumière et de l’ombre; un deuxième facteur fondamental de la peinture est l’expression psychologique, qui se manifeste principalement par le «mouvement», les traits et les gestes. Une autre partie importante de lacapable de représenter une synthèse de toutes les formes d’expression, est absolument original. Léonard considérait l’essence de la peinture comme un relief, dans un modelage rigoureux à l’aide de la lumière et de l’ombre; un deuxième facteur fondamental de la peinture est l’expression psychologique, qui se manifeste principalement par le «mouvement», les traits et les gestes. Une autre partie importante de lacapable de représenter une synthèse de toutes les formes d’expression, est absolument original. Léonard considérait l’essence de la peinture comme un relief, dans un modelage rigoureux à l’aide de la lumière et de l’ombre; un deuxième facteur fondamental de la peinture est l’expression psychologique, qui se manifeste principalement par le «mouvement», les traits et les gestes. Une autre partie importante de la Trattato traite de la théorie des proportions, englobant la loi de la perspective; c’était la formulation de ce que l’on pourrait appeler une découverte de Leonardo; En effet, bien que la théorie ait été inspirée du système de perspective traditionnel de l’art florentin, elle l’examine du point de vue des changements dans les proportions réelles, car celles-ci sont affectées par le mouvement. La dernière partie du Trattato est consacrée à une analyse de la structure des muscles.
Leonardo Da Vinci: Peintures
On peut voir des peintures et des dessins de Léonard dans un certain nombre de meilleurs musées d’art, y compris les suivantes:
Paysage avec une vue de l’Arno (c.1473) dessin, Uffizi, Florence.
L’Annonciation (1475-8) Huile sur panneau, Uffizi, Florence.
Madone de l’oeillet (c.1473-8) Huile sur panneau, Alte Pinakothek, Munich.
Madonna Benois (c.1478) Huile sur toile, Hermitage, Saint-Pétersbourg.
Portrait de Ginevra de Benci (c.1474-79), National Gallery, Washington DC.
Saint Jérôme dans le désert (c.1480-2) Tempera / huile sur panneau, Vatican.
Adoration des mages (c.1481) Sous-couche sur panneau, Uffizi, Florence.
Vierge aux Rochers (c.1483-5) Huile sur panneau (déplacé sur toile) Louvre.
Dame à l’hermine (1488-90) Huile sur panneau de bois, Czartoryski, Cracovie.
La Cène (1495–148) tempera au gesso, Sta. Maria delle Grazie.
Vierge aux rochers (1495–1508) Huile sur panneau, National Gallery, London.
Fresques au plafond de la Sala delle Asse (env. 1488-1499) Castello Sforzesco, Milan.
Vierge à l’enfant avec Sainte Anne et Saint Jean (vers 1500-8) dessin, Londres.
Mona Lisa (c.1503–1506) huile sur bois de coton, Louvre, Paris.
La Vierge et l’Enfant avec Sainte Anne (c.1510) Huile sur panneau, musée du Louvre, Paris.
Saint Jean Baptiste (1513-1516) Huile sur bois de noyer, musée du Louvre, Paris.
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